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Catalina Caceres Pereyra


                                              Rococó
Fue una fase de expresión en las artes visuales así como también en la música, que se dio simultáneamente con
el final del periodo Barroco. Tuvo su mayor florecimiento en Francia. Sirvió para representar los ideales
ilustrados de claridad y naturalidad siendo esencialmente un arte de la aristocracia.
En este arte se consideraba fuera de lugar y de mal gusto los extremos de emoción tan a menudo expresados en
el arte del barroco, mientras que se cultivaban y apreciaba el ingenio, el encanto y el sentimentalismo. El mundo
en que se desenvolvió el arte del rococó era artificial e irreal, un mundo de simulación, de juegos fantasiosos
como un esfuerzo para sobreponerse al marco aun más formal y rígido de la era anterior.


                       Pintura                                                Arquitectura
 El retrato rococó era de menor tamaño, con gestos mas      Se manifestó en un alejamiento de lo grandioso para
 amables y posiciones mas relajadas y naturales.            volcarse en lo casual. Exponente: Cuvillés.
 El tema de las Fetes Galantes simbolizaban el espíritu     Diseño de interiores: los muebles tendieron a lo ligero
 rococó: entretenimientos cortesanos tales como fiestas     y a lo bonito, a la elegancia y a un tamaño menor, con
 en los jardines con damas y caballeros ocupados en         una ornamentación frecuentemente basada en formas
 juegos y danzas, o bien representados en poses             de objetos naturales. Los colores favoritos eran el
 juguetonas o a menudo coquetas o amorosas.                 blanco y el dorado.
 Exponentes: Boucher, Watteau, Lancret, Fragonard.          Llegó a su fin la era de la construcción de castillos y
                                                            palacios; en lugar de ellos pasaron a primer plano la
                                                            residencia veraniega informal y el pabellón de caza.



                                                MÚSICA
Muchos compositores italianos, alemanes y franceses       OPERA: Las arias eran mas breves y mas simples en
adoptaron el style galant, desde Francois Couperin,       su estructura, al ámbito vocal era mucho menor y las
Pergolesi, Telemann y Murat, hasta Johan Christopher      líneas melódicas frecuentemente sugerían la canción
y Wilhelm Frederic Bach, Galuppi y Sammartini.            folklórica o la melodía popular.
Gusto en el adorno tanto en música vocal como             La voz del bajo se agrego al conjunto, después de
instrumental.                                             haber sido excluida la opera seria del barroco.
 El acompañamiento tendió a ser liviano de modo de        Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) se
hacer resaltar la línea melódica.                         encuentra en los comienzos de este desarrollo; su La
Énfasis en el entretenimiento y no a la exaltación de     serva padrona, 1733, gano una enorme popularidad, y
emociones fuertes.                                        todavía hoy conserva un lugar en el repertorio.




Style Galant
Tendía a lo agradable, al entretenimiento y a lo que no representaba problemas; así, las comedias de todo tipo
crecen en popularidad, como por ejemplo el desarrollo de la opera Buffa, donde los argumentos eran sencillos,
los personajes pocos y sin complicaciones.
En lugar de escuchar a dioses y emperadores, el público se deleitaba en ver gente de su propia clase, envuelta en
situaciones similares a las de la vida real, hablando su propio idioma y con frecuencia su propio dialecto local.
Hacia 1770 recibió un nuevo impulso en Alemania en el sensible y emotivo movimiento del Empdinsamer Stil
(EMPFINDAMKEIT) principalmente a manos de Carl Philip Emannuel Bach.
Francois Couperin                                         Rameau Jean Philipp
(1668-1973 )                                              (1683 – 1774)
Organista, clavecinista, maestro y compositor francés.    Compositor y teórico francés. Recordado
En 1693 fue nombrado organista Du Roi y fue               principalmente como compositor de música escénica,
elevado a la nobleza en 1696 y, en 1702, nombrado         pero no fue sino hasta los 50 años de edad que
Chevalier de le ordre de La Tran. La mezcla de los        incursiono en el genero operístico. Su figura desató
estilos italiano y francés resulta en una delicada        enormes controversias en su época. No todos
sensualidad inigualada en la historia de la música        admiraron sus operas y fue objeto de múltiples criticas
sacra. Compuso música sacra, para la liturgia privada     y ataques provenientes de bandos diferentes, como los
del rey, música de cámara para conciertos                 Lullistas, conservadores que menospreciaban toda
dominicales. Publico el primero de cuatro libros de       música que transgrediera el lenguaje de Lully, y el
piezas de clavecín, agrupadas en ordres o suites. La      grupo de los pro-italianistas, comandado por
mayoría de sus movimientos esta en ritmos de danza.       Rousseau y los enciclopedistas, quienes juzgaban su
De maneras elegantes, raramente apasionada y sin          música demasiado compleja y difícil de abordar. El
embargo con intensidad, su música para teclado            lenguaje musical básico de sus tragedias, núcleo de su
merece la descripción de Rococó y su comparación          producción, se asemeja al de Lully. Su música
con las pinturas de Watteau es procedente. Con el         instrumental incluye obras para clavecín en cuatro
segundo libro, apareció “el arte de tocar el clavecín”,   libros que consisten principalmente en danzas o piezas
que reflejaba su experiencia como ejecutante y            del género y las piezas de clavecín en concerts para
maestro; es significativa su discusión sobre la           trío e clavecín, flauta y viola. Sus escritos de armonía
ornamentación. Con el tercer libro, publico los           han tenido y siguen ejerciendo una fuerte influencia
concerts royeaux, inaugurando una serie de música de      en los teóricos de su tiempo y posteriores, como
cámara que dieron cuenta de la asimilación que hizo       Tartini, Marpurg, Helmholtz, Riemman y Hindemith.
de elementos italianos dentro de un nuevo y               Obras: Hipólito y Alicia, opera; Les indes galantes,
cosmopolita estilo francés: Les gouts-reunis, Ou          una opera-ballet (1735), Las tragedias, posterior a
noveaux concerts, les páranse, La apoteosis de Corelli    Castor et pollux (1737, considerada su obra escénica
y la de Lully.                                            más refinada) y Dardanus (1739), comedia: platée;
                                                          tragedia Les boreales.

El Reinado de Luis XIV
La música instrumental francesa estuvo representada por la obertura lulliana, caracterizada por una lenta
introducción de ritmos angulosos con puntillo, seguida de una sección mas rápida semifugada y las danzas que
se deseara.
La música de cámara era mas variada. La música para laúd floreció y fue imitada por todo un contingente de
excelentes ejecutantes de teclado - Chambonnières, los Couperin, D`Anglebert y Lebègue-, cuyas melodías
altamente ornamentadas y sutiles texturas ofrecieron la primera música distintiva para teclado desde los
virginalistas ingleses. Ejecutantes virtuosos de viola da gamba (Marais) y de flauta (la familia Hotteterre)
fomentaron un estilo muy similar para la música de cámara que alcanzo su apogeo en los concerts de Francois
Couperin. Su parnasse fue una fusión del estilo francés y la sonata trío italiana ejemplificando en sus dos
Apotheoses, una dedicada a Lully y otra a Corelli.

En muchas iglesias de Paris podía escucharse refinada música para órgano a cargo de compositores como
Lebegue, Couperin y Raison, quienes interpretaban en enormes instrumentos con registros que producían los
sonidos nasales característicos de los alientos de madera, trompetas y cromornos; fuera de París había
interpretes como Titelouze en Rouen o Grigny en Reims. La época del reinado de Luis XIV fue sin duda un
grand siècle.

Cuando en sus últimos años Luis XIV se volvió mas retraído y menos dispuesto a asistir a funciones publicas, la
opera declino permitiendo a la música de cámara recobrar mayor auge. Esta falta de vitalidad artística en los
círculos de la corte persistió durante el reinado de Luis XV. El conservadurismo en la ópera continuo hasta la
década de 1730, cuando el compositor Quincuagenario Rameau escribió Hippolyte et Aricie, su primera
tragedia lírica, con la que revivió la esencia del concepto lulliano pero con música mas vital.
Mientras a Rameau se le criticaba ferozmente por su modernidad, una facción defensora de la música italiana
surgida en las décadas de 1740-1750 lo tachaba de anticuado. Los favorecedores de lo italiano se respaldaron en
el éxito que tuvo La serva padrona de Pergolesi en 1752 lo cual condujo a una encarnizada polémica (Querella
de los bufones) sobre los logros respectivos de la música francesa y de la italiana. Como resultado de dicha
polémica, apareció un nuevo género que seria verdaderamente fecundo: la opera cómica. Uno de los mas
notables ejemplos fue Le Devin du village de Rousseau.

Querelle des Bouffons
Disputa entre los defensores de la opera francesa seria y de la opera cómica italiana, que se desato en París entre
1752 y 1754. Fue provocada por una ejecución, el primero de agosto de 1752, de la Serva padrona de Pergolesi
por el grupo visitante de Eustacio Bambini (los boufons), pero sus raíces se remontan al amplio descontento que
sentían los intelectuales, especialmente Rousseau y los enciclopedistas, por el estado de la opera francesa, y en
general con el grado de control ejercido por el rey, tanto sobre la opera como en asuntos constitucionales. Los
que apoyaban la opera francesa fueron identificados como El "coin du roi" y los que apoyaban la italiana como
el "coin de la reine". También se mezclaban los asuntos religiosos (jesuitas vs. Jansenistas). La disputa musical
si bien fue vigorosamente argumentada por Grimm, Rousseau (especialmente en su Lettre sur la musique
francois, 1753), Diderot y otros, quienes veían a la opera cómica italiana, con su mayor simplicidad y expresión
natural, como una bocanada de aire fresco, fue en cierto sentido irreal, ya que la comparación entre la exaltada
tragedia lírica y los juguetones de la opera buffa y los intermezzos italianos no tenia prácticamente ningún
sentido; sin embargo sirvió para simbolizar una discusión de mayor alcance que afecto muchos aspectos de la
vida intelectual y política francesa de aquel tiempo.

                                                  ITALIA
                Opera Seria                                                  Opera Buffa
 Las reformas propuestas por Apostolo Zeno y otros       Reacción en contra de la pomposidad de la opera
 dramaturgos eliminaron las escenas cómicas y            seria. Deleite por las formas mas reducidas y por la
 reinstauraron una mayor fuerza dramática.               homofonía simple. preocupación por temas menos
                                                         elevados. Libretista: Carlo Goldoni (1707-1793).
 Nuevos cambios con la aparición de P. Metastasio,       Difería del drama serio del tipo metastasiano por su
 eminente poeta. Sus libretos fueron puestos en música   deleite en la caracterización humana, y su creación
 por innumerables compositores de todo el siglo.         de argumentos tomados de la vida real.
 Se dio mas concisión a los argumentos al eliminarse los Durante algún tiempo conservo identidad en forma
 personajes y escenas superfluos.                        independiente de la opera seria, y hacia 1750
                                                         obtuvo una gran popularidad.
 Los conflictos dramáticos, si bien nos pueden parecer   -En la segunda mitad del siglo se hizo menos
 estereotipados, se convirtieron en el centro de         precisa la separación entre ambos géneros, si bien
 gravedad, dado que disminuyo el factor de distracción. siguió siendo cómica, o por lo menos humorística,
                                                         buscaba ser tomada en serio, como verdadero
                                                         drama.
 -El coro y la danza debían formar parte de la acción    -Las arias eran sencillas en su estructura, las líneas
 dramática, pero no meramente como entretenimiento       melódicas constaban de muchos fragmentos breves
 adicional.                                              que se repetían. Se tendía a la repetición de
                                                         palabras aisladas o frases del texto.
 - Los temas históricos debían ser tratados de una       -Las introducciones instrumentales de las arias o
 manera menos superficial y debían basarse en un         bien eran mas breves que las de opera seria o de lo
 conocimiento mas exacto del marco histórico.            contrario se omitían del todo.
 - La música debía expresar ideas poéticas de un modo -Se seguía prefiriendo el acompañamiento liviano;
 que no fuera meramente superficial.                     eran frecuentes los pasajes en unísono para voz y
 Compositores: Jommelli, Hasse.                          orquesta en especial al principio de las arias y en
                                                         pasajes cadenciales.
La obertura de OPERA                                     Francia: La música instrumental
Hacia 1700 la llamada obertura italiana se afirmaba              La música se convirtió en el arte del sentimiento
gradualmente. Tenía tres secciones en sucesión rápido-           por excelencia, con el propósito de lograr una
lenta-rápido. De ella, la primera era más extensa y a            respuesta del sentimiento y no de la razón. Esta
menudo llegaba a ser un movimiento separado en                   música prefería hablar de matices delicados, y
forma binaria, que ocasionalmente presentaba varios              evocar estados de ánimo amables con medios de
temas. Cuando las secciones crecieron en sus                     expresión contenidos. La música instrumental
dimensiones, a menudo se ejecutaba la sinfonía                   refleja especialmente bien el espíritu del Rococó.
desligada de la opera, como composición orquestal                La sonoridad delicada del clave inspiro buena parte
independiente. A mediados del siglo esta practica                de la música mas representativa del Style Galant.
condujo con toda naturalidad a la composición de obras           La trío sonata (agrupación instrumental) cedió lugar
orquestales que contenían tres movimientos, pero que             a las nuevas combinaciones de música de cámara
ya no se relacionaban con opera alguna: las sinfonías.           de la era Clásica.

                                    Alemania: El empfindsamer Stil
Puede traducirse como sensitividad, sensibilidad o               La música Francesa galante dejó su impronta en la
sentimentalismo.                                                 música alemana.
Periodo de las lagrimas, los músicos y el público a menudo       Comenzó el gradual aumento del prestigio de la música
se conmovían hasta llorar abundantemente y                       alemana; puede decirse que este proceso coincidió con el
presumiblemente disfrutaban de ello.                             surgimiento del Clasicismo.
Buscaban un estilo cantabile y expresivo.Se caracterizó por      Hacia 1750, la mayoría de la gente no hubiera vinculado
un énfasis en los matices sutiles, en la expresión de una        el nombre de Bach con J.S. (su música fue poco
variedad de sentimientos a menudo en rápida sucesión,            conocida y considerada anticuada), sino con uno u otro
todos dentro de un movimiento de una composición. Las            de sus hijos, en especial C. P. E. Bach (1714-1788),
frases tendían a ser breves; los esquemas dinámicos y            compositor cuya música representa de muchas maneras
rítmicos cambiaban con frecuencia.                               este nuevo espíritu.
Este estilo se halla representado en forma muy clara en la       De importancia fundamental para el desarrollo del
obra de C.P.E. Bach, quien estaba al servicio de Federico el     Clasisismo musical fueron sus numerosas obras para
Grande, quien tomaba parte activa en el empleo de los            teclado, que comienza con las sonatas Prusianas y las de
músicos; fijaba el repertorio y no toleraba libertad alguna      Wuerttemberg, también su ensayo acerca del verdadero
con la música escrita, ni tampoco adornos improvisados.          arte de ejecutar instrumentos de teclado
C.P.E. Bach, Quantz y otros compositores de la escuela de        Comparadas con la música alante de los clavecinistas
Berlín se adhirieron al concepto de que debían evitarse los      franceses algo anteriores, las sonatas y fantasías de Bach
"afectos" extremos y que la principal preocupación del           a menudo ostentan un carácter mucho mas serio; Sus
compositor debía ser la representación de sutiles matices de     líneas melódicas presentan una cualidad vocal y
emoción, donde a la vez, se dan muchas fluctuaciones en el       expresiva; la ornamentación a menudo es parte integral
estado de ánimo.                                                 de la línea y no solo un mero agregado.

                                      Sonata italiana para teclado
El termino sonata era utilizado en un sentido literal,           Obras breves en un solo movimiento. La mayoría de
significando así: pieza para ser tocada y no para ser cantada,   forma binaria. La 1ra pte. se inicia en la tonalidad de la
independientemente de su extensión o forma. Importantes          T y se desplaza a la D o a una tonalidad relacionada; en
aportes de Italia y Alemania.                                    la 2da pte. se invierte.
Compositor destacado: Domenico Scarlatti (1685 - 1757) Quien escribió mas de 550 sonatas para teclado.
Su tendencia experimental se refleja en su armonía, también en modulaciones a tonalidades lejanas.
El carácter ligero de sus melodías se refleja también en su      Frecuentemente se dan dentro de la 1ra pte. de una
preferencia por los ritmos sencillos, en especial por el         sonata de Scarlatti dos o mas temas, a veces similares,
compás de 3/8. No hay en sus sonatas un contrapunto              pero contrastantes, sugiriendo el dualismo temático de la
consistente; la textura es liviana y con libre conducción de     forma sonata del Clasicismo. Se hace popular el bajo de
las voces.                                                       Alberti.
Otros compositores italianos de sonatas para teclado fueron Giovanni Platti , Domenico Paradies, Baldassare Galuppi y
Giovanni Maria Rutini. Estos compositores y otros, cuya música incorpora elementos del barroco tardío y del rococó,
ejercieron un cierto influjo sobre los autores de sonatas del Clasisismo en Austria y Alemania
LA música de Johann Christian Bach, cuyo estilo se formo fundamentalmente en Italia, ocupa un lugar de
primordial importancia dentro de los antecedentes musicales de Mozart.

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El Rococo (Música)

  • 1. Catalina Caceres Pereyra Rococó Fue una fase de expresión en las artes visuales así como también en la música, que se dio simultáneamente con el final del periodo Barroco. Tuvo su mayor florecimiento en Francia. Sirvió para representar los ideales ilustrados de claridad y naturalidad siendo esencialmente un arte de la aristocracia. En este arte se consideraba fuera de lugar y de mal gusto los extremos de emoción tan a menudo expresados en el arte del barroco, mientras que se cultivaban y apreciaba el ingenio, el encanto y el sentimentalismo. El mundo en que se desenvolvió el arte del rococó era artificial e irreal, un mundo de simulación, de juegos fantasiosos como un esfuerzo para sobreponerse al marco aun más formal y rígido de la era anterior. Pintura Arquitectura El retrato rococó era de menor tamaño, con gestos mas Se manifestó en un alejamiento de lo grandioso para amables y posiciones mas relajadas y naturales. volcarse en lo casual. Exponente: Cuvillés. El tema de las Fetes Galantes simbolizaban el espíritu Diseño de interiores: los muebles tendieron a lo ligero rococó: entretenimientos cortesanos tales como fiestas y a lo bonito, a la elegancia y a un tamaño menor, con en los jardines con damas y caballeros ocupados en una ornamentación frecuentemente basada en formas juegos y danzas, o bien representados en poses de objetos naturales. Los colores favoritos eran el juguetonas o a menudo coquetas o amorosas. blanco y el dorado. Exponentes: Boucher, Watteau, Lancret, Fragonard. Llegó a su fin la era de la construcción de castillos y palacios; en lugar de ellos pasaron a primer plano la residencia veraniega informal y el pabellón de caza. MÚSICA Muchos compositores italianos, alemanes y franceses OPERA: Las arias eran mas breves y mas simples en adoptaron el style galant, desde Francois Couperin, su estructura, al ámbito vocal era mucho menor y las Pergolesi, Telemann y Murat, hasta Johan Christopher líneas melódicas frecuentemente sugerían la canción y Wilhelm Frederic Bach, Galuppi y Sammartini. folklórica o la melodía popular. Gusto en el adorno tanto en música vocal como La voz del bajo se agrego al conjunto, después de instrumental. haber sido excluida la opera seria del barroco. El acompañamiento tendió a ser liviano de modo de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) se hacer resaltar la línea melódica. encuentra en los comienzos de este desarrollo; su La Énfasis en el entretenimiento y no a la exaltación de serva padrona, 1733, gano una enorme popularidad, y emociones fuertes. todavía hoy conserva un lugar en el repertorio. Style Galant Tendía a lo agradable, al entretenimiento y a lo que no representaba problemas; así, las comedias de todo tipo crecen en popularidad, como por ejemplo el desarrollo de la opera Buffa, donde los argumentos eran sencillos, los personajes pocos y sin complicaciones. En lugar de escuchar a dioses y emperadores, el público se deleitaba en ver gente de su propia clase, envuelta en situaciones similares a las de la vida real, hablando su propio idioma y con frecuencia su propio dialecto local. Hacia 1770 recibió un nuevo impulso en Alemania en el sensible y emotivo movimiento del Empdinsamer Stil (EMPFINDAMKEIT) principalmente a manos de Carl Philip Emannuel Bach.
  • 2. Francois Couperin Rameau Jean Philipp (1668-1973 ) (1683 – 1774) Organista, clavecinista, maestro y compositor francés. Compositor y teórico francés. Recordado En 1693 fue nombrado organista Du Roi y fue principalmente como compositor de música escénica, elevado a la nobleza en 1696 y, en 1702, nombrado pero no fue sino hasta los 50 años de edad que Chevalier de le ordre de La Tran. La mezcla de los incursiono en el genero operístico. Su figura desató estilos italiano y francés resulta en una delicada enormes controversias en su época. No todos sensualidad inigualada en la historia de la música admiraron sus operas y fue objeto de múltiples criticas sacra. Compuso música sacra, para la liturgia privada y ataques provenientes de bandos diferentes, como los del rey, música de cámara para conciertos Lullistas, conservadores que menospreciaban toda dominicales. Publico el primero de cuatro libros de música que transgrediera el lenguaje de Lully, y el piezas de clavecín, agrupadas en ordres o suites. La grupo de los pro-italianistas, comandado por mayoría de sus movimientos esta en ritmos de danza. Rousseau y los enciclopedistas, quienes juzgaban su De maneras elegantes, raramente apasionada y sin música demasiado compleja y difícil de abordar. El embargo con intensidad, su música para teclado lenguaje musical básico de sus tragedias, núcleo de su merece la descripción de Rococó y su comparación producción, se asemeja al de Lully. Su música con las pinturas de Watteau es procedente. Con el instrumental incluye obras para clavecín en cuatro segundo libro, apareció “el arte de tocar el clavecín”, libros que consisten principalmente en danzas o piezas que reflejaba su experiencia como ejecutante y del género y las piezas de clavecín en concerts para maestro; es significativa su discusión sobre la trío e clavecín, flauta y viola. Sus escritos de armonía ornamentación. Con el tercer libro, publico los han tenido y siguen ejerciendo una fuerte influencia concerts royeaux, inaugurando una serie de música de en los teóricos de su tiempo y posteriores, como cámara que dieron cuenta de la asimilación que hizo Tartini, Marpurg, Helmholtz, Riemman y Hindemith. de elementos italianos dentro de un nuevo y Obras: Hipólito y Alicia, opera; Les indes galantes, cosmopolita estilo francés: Les gouts-reunis, Ou una opera-ballet (1735), Las tragedias, posterior a noveaux concerts, les páranse, La apoteosis de Corelli Castor et pollux (1737, considerada su obra escénica y la de Lully. más refinada) y Dardanus (1739), comedia: platée; tragedia Les boreales. El Reinado de Luis XIV La música instrumental francesa estuvo representada por la obertura lulliana, caracterizada por una lenta introducción de ritmos angulosos con puntillo, seguida de una sección mas rápida semifugada y las danzas que se deseara. La música de cámara era mas variada. La música para laúd floreció y fue imitada por todo un contingente de excelentes ejecutantes de teclado - Chambonnières, los Couperin, D`Anglebert y Lebègue-, cuyas melodías altamente ornamentadas y sutiles texturas ofrecieron la primera música distintiva para teclado desde los virginalistas ingleses. Ejecutantes virtuosos de viola da gamba (Marais) y de flauta (la familia Hotteterre) fomentaron un estilo muy similar para la música de cámara que alcanzo su apogeo en los concerts de Francois Couperin. Su parnasse fue una fusión del estilo francés y la sonata trío italiana ejemplificando en sus dos Apotheoses, una dedicada a Lully y otra a Corelli. En muchas iglesias de Paris podía escucharse refinada música para órgano a cargo de compositores como Lebegue, Couperin y Raison, quienes interpretaban en enormes instrumentos con registros que producían los sonidos nasales característicos de los alientos de madera, trompetas y cromornos; fuera de París había interpretes como Titelouze en Rouen o Grigny en Reims. La época del reinado de Luis XIV fue sin duda un grand siècle. Cuando en sus últimos años Luis XIV se volvió mas retraído y menos dispuesto a asistir a funciones publicas, la opera declino permitiendo a la música de cámara recobrar mayor auge. Esta falta de vitalidad artística en los círculos de la corte persistió durante el reinado de Luis XV. El conservadurismo en la ópera continuo hasta la década de 1730, cuando el compositor Quincuagenario Rameau escribió Hippolyte et Aricie, su primera tragedia lírica, con la que revivió la esencia del concepto lulliano pero con música mas vital.
  • 3. Mientras a Rameau se le criticaba ferozmente por su modernidad, una facción defensora de la música italiana surgida en las décadas de 1740-1750 lo tachaba de anticuado. Los favorecedores de lo italiano se respaldaron en el éxito que tuvo La serva padrona de Pergolesi en 1752 lo cual condujo a una encarnizada polémica (Querella de los bufones) sobre los logros respectivos de la música francesa y de la italiana. Como resultado de dicha polémica, apareció un nuevo género que seria verdaderamente fecundo: la opera cómica. Uno de los mas notables ejemplos fue Le Devin du village de Rousseau. Querelle des Bouffons Disputa entre los defensores de la opera francesa seria y de la opera cómica italiana, que se desato en París entre 1752 y 1754. Fue provocada por una ejecución, el primero de agosto de 1752, de la Serva padrona de Pergolesi por el grupo visitante de Eustacio Bambini (los boufons), pero sus raíces se remontan al amplio descontento que sentían los intelectuales, especialmente Rousseau y los enciclopedistas, por el estado de la opera francesa, y en general con el grado de control ejercido por el rey, tanto sobre la opera como en asuntos constitucionales. Los que apoyaban la opera francesa fueron identificados como El "coin du roi" y los que apoyaban la italiana como el "coin de la reine". También se mezclaban los asuntos religiosos (jesuitas vs. Jansenistas). La disputa musical si bien fue vigorosamente argumentada por Grimm, Rousseau (especialmente en su Lettre sur la musique francois, 1753), Diderot y otros, quienes veían a la opera cómica italiana, con su mayor simplicidad y expresión natural, como una bocanada de aire fresco, fue en cierto sentido irreal, ya que la comparación entre la exaltada tragedia lírica y los juguetones de la opera buffa y los intermezzos italianos no tenia prácticamente ningún sentido; sin embargo sirvió para simbolizar una discusión de mayor alcance que afecto muchos aspectos de la vida intelectual y política francesa de aquel tiempo. ITALIA Opera Seria Opera Buffa Las reformas propuestas por Apostolo Zeno y otros Reacción en contra de la pomposidad de la opera dramaturgos eliminaron las escenas cómicas y seria. Deleite por las formas mas reducidas y por la reinstauraron una mayor fuerza dramática. homofonía simple. preocupación por temas menos elevados. Libretista: Carlo Goldoni (1707-1793). Nuevos cambios con la aparición de P. Metastasio, Difería del drama serio del tipo metastasiano por su eminente poeta. Sus libretos fueron puestos en música deleite en la caracterización humana, y su creación por innumerables compositores de todo el siglo. de argumentos tomados de la vida real. Se dio mas concisión a los argumentos al eliminarse los Durante algún tiempo conservo identidad en forma personajes y escenas superfluos. independiente de la opera seria, y hacia 1750 obtuvo una gran popularidad. Los conflictos dramáticos, si bien nos pueden parecer -En la segunda mitad del siglo se hizo menos estereotipados, se convirtieron en el centro de precisa la separación entre ambos géneros, si bien gravedad, dado que disminuyo el factor de distracción. siguió siendo cómica, o por lo menos humorística, buscaba ser tomada en serio, como verdadero drama. -El coro y la danza debían formar parte de la acción -Las arias eran sencillas en su estructura, las líneas dramática, pero no meramente como entretenimiento melódicas constaban de muchos fragmentos breves adicional. que se repetían. Se tendía a la repetición de palabras aisladas o frases del texto. - Los temas históricos debían ser tratados de una -Las introducciones instrumentales de las arias o manera menos superficial y debían basarse en un bien eran mas breves que las de opera seria o de lo conocimiento mas exacto del marco histórico. contrario se omitían del todo. - La música debía expresar ideas poéticas de un modo -Se seguía prefiriendo el acompañamiento liviano; que no fuera meramente superficial. eran frecuentes los pasajes en unísono para voz y Compositores: Jommelli, Hasse. orquesta en especial al principio de las arias y en pasajes cadenciales.
  • 4. La obertura de OPERA Francia: La música instrumental Hacia 1700 la llamada obertura italiana se afirmaba La música se convirtió en el arte del sentimiento gradualmente. Tenía tres secciones en sucesión rápido- por excelencia, con el propósito de lograr una lenta-rápido. De ella, la primera era más extensa y a respuesta del sentimiento y no de la razón. Esta menudo llegaba a ser un movimiento separado en música prefería hablar de matices delicados, y forma binaria, que ocasionalmente presentaba varios evocar estados de ánimo amables con medios de temas. Cuando las secciones crecieron en sus expresión contenidos. La música instrumental dimensiones, a menudo se ejecutaba la sinfonía refleja especialmente bien el espíritu del Rococó. desligada de la opera, como composición orquestal La sonoridad delicada del clave inspiro buena parte independiente. A mediados del siglo esta practica de la música mas representativa del Style Galant. condujo con toda naturalidad a la composición de obras La trío sonata (agrupación instrumental) cedió lugar orquestales que contenían tres movimientos, pero que a las nuevas combinaciones de música de cámara ya no se relacionaban con opera alguna: las sinfonías. de la era Clásica. Alemania: El empfindsamer Stil Puede traducirse como sensitividad, sensibilidad o La música Francesa galante dejó su impronta en la sentimentalismo. música alemana. Periodo de las lagrimas, los músicos y el público a menudo Comenzó el gradual aumento del prestigio de la música se conmovían hasta llorar abundantemente y alemana; puede decirse que este proceso coincidió con el presumiblemente disfrutaban de ello. surgimiento del Clasicismo. Buscaban un estilo cantabile y expresivo.Se caracterizó por Hacia 1750, la mayoría de la gente no hubiera vinculado un énfasis en los matices sutiles, en la expresión de una el nombre de Bach con J.S. (su música fue poco variedad de sentimientos a menudo en rápida sucesión, conocida y considerada anticuada), sino con uno u otro todos dentro de un movimiento de una composición. Las de sus hijos, en especial C. P. E. Bach (1714-1788), frases tendían a ser breves; los esquemas dinámicos y compositor cuya música representa de muchas maneras rítmicos cambiaban con frecuencia. este nuevo espíritu. Este estilo se halla representado en forma muy clara en la De importancia fundamental para el desarrollo del obra de C.P.E. Bach, quien estaba al servicio de Federico el Clasisismo musical fueron sus numerosas obras para Grande, quien tomaba parte activa en el empleo de los teclado, que comienza con las sonatas Prusianas y las de músicos; fijaba el repertorio y no toleraba libertad alguna Wuerttemberg, también su ensayo acerca del verdadero con la música escrita, ni tampoco adornos improvisados. arte de ejecutar instrumentos de teclado C.P.E. Bach, Quantz y otros compositores de la escuela de Comparadas con la música alante de los clavecinistas Berlín se adhirieron al concepto de que debían evitarse los franceses algo anteriores, las sonatas y fantasías de Bach "afectos" extremos y que la principal preocupación del a menudo ostentan un carácter mucho mas serio; Sus compositor debía ser la representación de sutiles matices de líneas melódicas presentan una cualidad vocal y emoción, donde a la vez, se dan muchas fluctuaciones en el expresiva; la ornamentación a menudo es parte integral estado de ánimo. de la línea y no solo un mero agregado. Sonata italiana para teclado El termino sonata era utilizado en un sentido literal, Obras breves en un solo movimiento. La mayoría de significando así: pieza para ser tocada y no para ser cantada, forma binaria. La 1ra pte. se inicia en la tonalidad de la independientemente de su extensión o forma. Importantes T y se desplaza a la D o a una tonalidad relacionada; en aportes de Italia y Alemania. la 2da pte. se invierte. Compositor destacado: Domenico Scarlatti (1685 - 1757) Quien escribió mas de 550 sonatas para teclado. Su tendencia experimental se refleja en su armonía, también en modulaciones a tonalidades lejanas. El carácter ligero de sus melodías se refleja también en su Frecuentemente se dan dentro de la 1ra pte. de una preferencia por los ritmos sencillos, en especial por el sonata de Scarlatti dos o mas temas, a veces similares, compás de 3/8. No hay en sus sonatas un contrapunto pero contrastantes, sugiriendo el dualismo temático de la consistente; la textura es liviana y con libre conducción de forma sonata del Clasicismo. Se hace popular el bajo de las voces. Alberti. Otros compositores italianos de sonatas para teclado fueron Giovanni Platti , Domenico Paradies, Baldassare Galuppi y Giovanni Maria Rutini. Estos compositores y otros, cuya música incorpora elementos del barroco tardío y del rococó, ejercieron un cierto influjo sobre los autores de sonatas del Clasisismo en Austria y Alemania LA música de Johann Christian Bach, cuyo estilo se formo fundamentalmente en Italia, ocupa un lugar de primordial importancia dentro de los antecedentes musicales de Mozart.