Arte gótico 2012-13

ARTE GÓTICO
1. CONTEXTO HISTÓRICO
El término Gótico fue acuñado en el XVI por el historiador del arte italiano Vasari, al
creerlo, erróneamente, de origen germánico (así, gótico sería el “arte de los godos”). Por lo
tanto, ese término se utilizó por primera vez en el Renacimiento para referirse
despectivamente al arte de la Edad Media, considerado bárbaro e inferior en comparación en
el de la Antigüedad Clásica.
El arte Gótico nace en Francia a finales del siglo XII y se desarrolla hasta principios
del XVI, aunque con diferencias: mientras que en Italia dejará paso al Renacimiento a
principios del XIV, en la Península Ibérica pervivirá hasta el XVI.
Generalmente se divide el gótico en tres grandes periodos:
Gótico inicial (siglo XII y XIII), partiendo del románico, se configuran las nuevas
formas góticas.
Gótico clásico (siglos XIII y XIV), considerado una etapa clásica y de expansión
de las formas góticas.
Gótico flamígero (siglo XV e inicios del XVI), periodo caracterizado por la
exuberancia ornamental que impregna todas las manifestaciones artísticas.
Para entender el cambio del Románico al Gótico debemos analizar las CONDICIONES
SOCIOCULTURALES que van a posibilitar la aparición de este nuevo estilo:
Coincide con una ÉPOCA DE CRECIMIENTO URBANO debido a la expansión
de las actividades comerciales y artesanales. Este desarrollo propiciará la
construcción de grandes catedrales, aunque también encontraremos
lujosas casas consistoriales (ayuntamientos), lonjas y palacios.
Aparece un nuevo grupo social, LA BURGUESÍA, compuesta por gentes
enriquecidas por el comercio y la artesanía. Supondrá la aparición de
nuevos gustos (aunque hay que esperar al Renacimiento para que el cambio
sea decisivo).
Aunque el Gótico será una época marcada todavía por la religión, se inicia un
CAMBIO DE MENTALIDAD: el compromiso con Dios deja de ser una obsesión y
ATIENDE A LA NATURALEZA QUE LE RODEA. Como consecuencia de ello, el
arte se hace más naturalista, está más apegado a la realidad. Esto propiciará
también una nueva visión de la religión, que estará fundamentada en
valores como la pobreza, la humildad y la compasión. Se interesan mucho
más por el dolor, ofreciendo la imagen de un Dios sufriente y
misericordioso, mucho más bondadoso y próximo al hombre. Igual ocurre
con los demás personajes: se inclinan, ríen, conversan, se lamentan, es decir, se
comportan como seres humanos.
Asistimos también al DESPERTAR DEL HUMANISMO: el hombre es una
criatura más, cuyo cuerpo, maravillosa obra de Dios, hay que respetar. La
consecuencia sobre las manifestaciones artísticas va a ser clara: el arte se
humaniza.

También se resalta el papel de la orden cisterciense (Orden del Císter, fundada
por San Bernardo) como posible vehículo de difusión. Esto sería sobre todo en
los primeros momentos, ya que después el Gótico será fundamentalmente
urbano.
El resultado de estos condicionantes es un estilo que se desarrolla principalmente en
las ciudades (frente al arte Románico, más rural) en el que la Iglesia sigue teniendo un papel
fundamental, pero ya no exclusivo.
2. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA GÓTICA
La arquitectura se convierte en la reina de las Artes: nunca hasta entonces se
alcanzaron unos logros tan sorprendentes en el arte de edificar.
Dos PRINCIPIOS dominan la arquitectura: la ELEVACIÓN y la LUMINOSIDAD:
Serán edificios elevados ya que pretendían estar más cerca de Dios.
Predominará el vano sobre el muro al perder éste su función de soporte. Será
sustituido por vidrieras con las que consiguen la ansiada luminosidad.
Como resultado serán catedrales muy altas e iluminadas, acordes con el espíritu
religioso de la época (frente a la religiosidad “terrible y oscura” del Románico).
La PLANTA dominante será la BASILICAL DE CRUZ LATINA:
Cabecera: generalmente más amplia que en el románico, sobre todo en Francia.
Suele tener forma poligonal ya que sobre esta forma se asientan mejor las
bóvedas de ojiva, así como los grandes paneles de vidrieras. El ábside se rodea
de una amplia girola (que puede ser doble), a la que se abren las capillas
exteriores (absidiolos) radialmente dispuestas. El coro, se coloca en el ábside
(aunque en España suele colocarse en la nave central, frente al altar).
El crucero se acusa en planta, aunque en las llamadas iglesias de salón (que se
caracterizan por la igualdad de altura de las naves) no sobresale.
Suele tener tres o cinco naves, de desigual altura en unos modelos, mientras
que en otros se tiende a la igualdad (como en algunas de la península Ibérica).
Tanto a los pies como en los extremos del crucero se sitúan las puertas.
En la fachada o en los extremos del crucero se colocan las torres.
En lo que se refiere a los ELEMENTOS SUSTENTANTES, ya hemos apuntado que en el
gótico el muro pierde su función sustentante, por lo que esta misión se traslada a otros
elementos que se convierten en los puntos de apoyo de los edificios góticos:
Aparecerá el PILAR BAQUETONADO: aumenta el número de las columnas que
lo rodean. Cada una de esas columnas reciben el nombre de baquetones:
servirán para recibir los empujes de cada uno de los nervios que sostienen la
cubierta.
Pero a pesar de esto, los pilares no son suficientes por lo que aparece un nuevo
elemento: el ARBOTANTE. Es un trozo de arco que transmite, por el exterior del
edificio, los empujes laterales de la bóveda de ojiva hasta los contrafuertes.

Los CONTRAFUERTES son los elementos sustentantes de refuerzo que
recorren exteriormente el templo y que reciben el empuje de los arbotantes.
Suelen aparecer coronados por pináculos (especie de remates de forma
piramidal).
Todos estos elementos serán los que permitan una mayor luminosidad al poder
construir edificios más elevados, con la nave central mucho más alta que las laterales y con
grandes vanos que serán cubiertos con vidrieras.
Dentro de los ELEMENTOS SOTENIDOS, predominará el ARCO APUNTADO U OJIVAL.
No es una invención gótica (ya lo utilizaban los musulmanes en el siglo IX).
La cubierta más utilizada es la BÓVEDA DE CRUCERÍA (también llamada ojival o de
nervios). La bóveda de crucería se compone de dos elementos:
Los nervios cruceros, que se cruzan diagonalmente en la clave.
Los plementos son los paños que completan los espacios entre los nervios,
apoyándose en éstos.
Hay diferentes tipos de bóvedas de crucería, según el número de plementos:
cuatripartita (dos nervios la dividen en cuatro plementos), sexpartita (tres nervios la
dividen en seis plementos),... A medida que avanza el Gótico se irán complicando hasta la
aparición de las bóvedas estrelladas, ya en el XV.
En cuanto al ALZADO, hay una diferencia notable de alturas entre la nave central,
las laterales y las capillas externas, con un escalonamiento gradual al exterior. En
Francia esta diferencia es mayor que en la Península Ibérica.
Las tribunas escasean hasta desaparecer. Serán sustituidas por el TRIFORIO: estrecha
galería de servicio o meramente decorativa. Sobre el triforio o directamente sobre las naves
laterales aparece el CLARISTORIO o ventanales altos de iluminación.
En el exterior, flanqueando la entrada, se alzan TORRES a modo de campanario
poligonal aligerado por ventanales. Su remate puede ser de dos tipos:
Aterrazado (es decir, terminado en una superficie plana).
Con altísimos coronamientos apiramidados (chapiteles).
También en la DECORACIÓN el gótico introduce novedades. Lo esencial es que se hace
naturalista. Veamos los temas y lugares en que se desarrolla.
Temas: Seguirán siendo geométricos, vegetales, y de figuras humanas o
animales, aunque algunos tratados de forma radicalmente opuesta a como lo
fueron en el Románico. Sobre los grandes vanos aparece la TRACERÍA GÓTICA:
decoración arquitectónica formada por la combinación de figuras geométricas).
Lugares: Toda esta rica ornamentación ha perdido el que fuera uno de sus
asientos principales, el capitel, al haberse reducido y atrofiado. Pero otros
elementos vendrán a sustituirlo como lugares elegidos para depositar la
decoración: los retablos, las sillerías de los coros y los sepulcros.
Pero, sobre todo, seguirá asentándose en los grandes vanos y en las portadas. Ya
hemos dicho como los vanos aumentan considerablemente de tamaño, por lo que las
vidrieras alcanzarán un desarrollo extraordinario.
En cuanto a las PORTADAS, ya no son una advertencia severa para los fieles, sino una
invitación a acceder a la gloria celestial presente en el interior de los templos. La idea de

salvación aparece en el Cristo en Majestad o en la Virgen como intermediaria y puerta del
cielo. Podemos observar una clara evolución respecto a las románicas:
Se abre en arco apuntado, cuyo tipo varía según la época.
El tímpano suele alojar figuras de gran tamaño que se adaptan mediante las
posturas más variadas al marco. Se puede dividir en franjas horizontales
(registros), con distintas escenas, acentuando su carácter narrativo. El tema
del tímpano suele ser el Juicio Final o Cristo Triunfante (resucitado y
mostrando sus estigmas). También en ocasiones aparece el tema de la Virgen.
En las arquivoltas, ahora apuntadas y más finas que en el románico, las figuras
escultóricas se disponen siguiendo la dirección del arco. Allí se despliegan
coros angélicos o los ancianos del Apocalipsis.
En las jambas se alzan figuras casi siempre de los Apóstoles.
Las arquivoltas y jambas suelen apoyarse en repisas.
Las estatuas sobre ellas colocadas suelen contar con remates individuales a
modo de “techecillos” llamados doseles.
En el parteluz o mainel será característico que se sitúen las representaciones
de Cristo o la Virgen. Aparecerán cubiertos también por un dosel.
Sobre los arcos de las portadas se colocan los gabletes, molduras triangulares
que acentúan la verticalidad (conforme avance el estilo se harán más grandes).
También es frecuente la presencia de los rosetones o grandes vanos circulares
de bellas tracerías caladas, con vidrieras, que iluminan los pies del templo.
3. TIPOLOGÍAS: CATEDRALES, LONJAS Y AYUNTAMIENTOS
Ya hemos apuntado como esta época se caracteriza por el crecimiento urbano, algo que
no ocurría desde la desaparición del Imperio Romano. Este crecimiento y desarrollo tanto
urbano como económico posibilitará la construcción de grandes edificios como las
CATEDRALES, convirtiéndose en el edificio más representativo de la Arquitectura Gótica,
junto con los AYUNTAMIENTOS y las LONJAS.
Edificio importante de las ciudades era el AYUNTAMIENTO (casa consistorial). En
aquellas localidades, como Siena o Florencia, donde la burguesía se había apoderado del
poder municipal y defendía su independencia frente a los papas o emperadores, el
ayuntamiento tenía una alta torre que servía no sólo como defensa, sino también como
símbolo de orgullo cívico frente al poder aristocrático o religioso. En Florencia también
adoptaron este tipo de torre los palacios privados, y las familias burguesas rivalizaban por
tener las torres más altas.
Podemos destacar otro edificio, LA LONJA, un edificio amplio que servía como
mercado. En la arquitectura de la península Ibérica encontraremos este tipo de edificios en el
levante (Cataluña, Valencia y Baleares), ya que serán estas las regiones que tengan una mayor
importancia comercial.
Pero, como ya hemos señalado, el edificio representativo del Gótico es la CATEDRAL,
que se construye gracias al esfuerzo de la ciudad: se erige merced al esfuerzo de los

ciudadanos bien por adquisición de los lugares para las sepulturas, bien por la aportación
mediante donaciones y trabajo personal.
Su ubicación fijará el núcleo principal de la ciudad. En torno a ella se articulará la
plaza, que solía servir como lugar de mercado, incorporándose alrededor los edificios más
representativos. Incluso condicionará el trazado de la ciudad, con calles que parten
radialmente de la misma o que la rodean. Además dominará la imagen urbana al ser más
grande y alta que cualquier otro edificio.
La catedral se enriquece con gran cantidad de retablos e imágenes, aparte de los
sepulcros con esculturas.
Las grandes dimensiones de las catedrales góticas no son una cuestión secundaria,
sino que de este modo se potencia lo que tienen de imagen simbólica de espiritualidad, de
ascensión hacia Dios y también de representación social. En ellas cabe toda la población,
pudiendo asistir a todas las festividades que allí se celebren. Así se convierte la catedral en el
“gran teatro” del mundo medieval.
3.1. Las catedrales francesas
Los orígenes del gótico en Francia se encuentran en la Cabecera de la Iglesia de la
Abadía de Saint-Denis, de finales del siglo XII y principios del XIII.
Ejemplo del gótico arcaico es la Catedral de Notre Dame de París, con sus
características torres aterrazadas que rematan la fachada.
La plenitud del gótico francés se alcanza con las catedrales de Chartres, Reims y
Amiens, los ejemplos más representativos del gótico clásico del siglo XIII. La Catedral de
Chartres es la que mejor representa la catedral gótica clásica. La fachada presenta un enorme
rosetón y dos torres cuyos remates se ejecutaron con trescientos años de diferencia: un
chapitel es románico mientras que el otro es gótico.
En la segunda mitad del siglo XIII se inicia la etapa que podemos considerar gótico
radiante. La obsesión por la altura dio paso al aligeramiento radical: el muro se hace
prácticamente transparente gracias al desarrollo de los sistemas de soporte externos:
proliferan las ventanas decoradas con bellas vidrieras. Es monumento característico la
Santa Capilla de París.
3.2. La arquitectura gótica en España
El gótico llega a España en el siglo XII por influencia francesa. Las primeras
manifestaciones corresponden a los Monasterios Cistercienses (Poblet y Santes Creus,en
Tarragona, y Las Huelgas Reales, en Burgos). Se caracteriza por empleo de arcos apuntados
doblados, bóvedas de ojivas y sexpartitas, gruesos pilares con columnas semicirculares
adosadas, aún no hay arbotantes, contrafuertes, ventanales con dos arcos de medio punto y un
óculo entre ellos y dos tipos de cabecera: semicircular con girola y capillas radiales (Poblet) o
con testero plano (Santes Creus) siguiendo los modelos franceses de los monasterios de
Clairvaux y Citeaux respectivamente.
Las primeras catedrales (Tarragona y Lérida) presentan influencias de los
monasterios cirtercienses. Por las mismas fechas se construyen las de Cuenca y Ávila (de
doble girola y pequeñas capillas en la cabecera embebidas en la muralla).

a) Siglo XIII: gótico castellana
En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo,
León y Burgos). Es el siglo de la preponderancia de Castilla bajo los reinados de Fernando III y
Alfonso X, la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es
casi reconquistada (Córdoba, Sevilla, Jaén).
Las obras de este periodo, siguiendo el modelo francés, son plenamente góticas: tres
naves, profundo presbiterio, girola y capillas. De este periodo son las catedrales de Burgos,
Toledo, y León.
b) Siglo XIV - XV: gótico levantino
Debido a la crisis en Castilla, la actividad arquitectónica se concentra en la Corona de
Aragón que vive una época de esplendor comercial. Aunque en general esta fase es más
decorativa (arco lancetado, bóveda de terceletes, ventanas con tracerías de trifolios y
cuadrifolios y multiplicación de pináculos, florones y claves), las catedrales levantinas son
más sencillas y austeras, menos ornamentadas que las castellanas. Se caracterizan por la
tendencia a la planta salón, capillas situadas entre los contrafuertes, tendencia a disminuir el
grosor de los soportes para crear más espacio y se prescinde de la escultura en la decoración.
De este periodo es la catedral de Barcelona.
La más conocida es la iglesia de Santa María del Mar erigido por los gremios de
Barcelona, y que constituye un estilizado ejemplo de gótico mediterráneo.
En el siglo XV se edificó la catedral de Palma de Mallorca. También en esta época se
levantaron numerosas obras civiles, como signo del prestigio social y testimonio del
incremento de la iniciativa privada. Entre ellas destacan las lonjas, como la Valencia, conocida
como la “Lonja de la Seda”. Es iniciada en 1482 por Pedro Compte que construye la lonja o sala
de contratación. En 1498 se añade el Consulado del Mar.
c) Siglo XV en Castilla (Sevilla, Toledo, Guadalajara, Salamanca)
Durante todo este periodo se construyeron alguno de los mejores ejemplos de
arquitectura gótica religiosa en Castilla y Andalucía, por ejemplo la catedral de Sevilla.
A finales de siglo, durante el reinado de los Reyes Católicos, comienza una fiebre
decorativa que oculta la estructura arquitectónica y en la que es habitual la utilización de
bóvedas estrelladas y arcos conopiales. Es el denominado estilo isabelino o flamígero, en el
que participan muchos maestros extranjeros. Las características más importantes son:
Sencillez constructiva, simplificación de las plantas (sin girola en ocasiones) que
tienden al modelo de salón y complicada decoración.
Se complican las cubiertas con grandes bóvedas estrelladas.
Se utiliza el arco conopial y mixtilíneo.
Los pilares, que se adelgazan, se llenan de nervaduras y también se utilizan
pilares retorcidos.
Es frecuente la decoración a trépano, calando la piedra a modo de encaje.
La decoración tiende a cubrir la estructura arquitectónica; fachadas, ventanas,
arcos,...

Los temas en la decoración son heráldicos, vegetales, cordones franciscanos,
cadenas, puntas de diamantes, conchas, medias bolas, rosetas, yugos y flechas,
caracteres epigráficos (efes e íes),...
En Toledo trabaja Juan Guas, autor de la iglesia de San Juan de los Reyes, edificación
muy sencilla pero rica decoración. Suyo es también el palacio del Infantado (Guadalajara),
con un patio con arquería decoradas con esculturas, escudos y leones.
d) Siglo XVI en Castilla
Hay que señalar la pervivencia del gótico hasta el primer cuarto del siglo XVI. Las obras
más importantes de esta etapa son la catedral nueva de Salamanca y la catedral de
Segovia.
4. LA ESCULTURA GÓTICA
4.1. Características
La escultura gótica experimenta una palpable evolución a lo largo de los tres siglos
que dura este estilo. Tras una etapa de transición del Románico al Gótico (a fines del siglo
XII), se alcanza un periodo clásico, en el siglo XIII, caracterizado por un naturalismo
idealizado y sereno. En el siglo XIV, adquieren cada vez más relevancia las imágenes de
Vírgenes con Niño, que se curvan graciosamente, así como los sepulcros. Durante el siglo XV
la escultura es muy realista, los rostros son auténticos retratos; hay un gusto por lo
patético; proliferan los retablos de composiciones abigarradas y movidas.
Los materiales empleados son la piedra, pero también se usa la madera,
generalmente policromada, el marfil, el metal.
Predomina el naturalismo, pero idealizado. Las figuras se humanizan, buscando el
volumen de los cuerpos, el movimiento y la expresión de sentimientos en rostros y
actitudes. La composición es clara y ordenada, organizándose las portadas en registros
separados, pero evoluciona hacia una mayor confusión. El escultor gótico empieza a
preocuparse por la profundidad. Todo se representa con gran detallismo.
La temática sigue siendo fundamentalmente religiosa aunque de más clara
interpretación porque el fuerte simbolismo imperante en siglos anteriores se torna ahora
narración. Se mantienen las fuentes iconográficas usadas en el Románico (la Biblia y los
Evangelios apócrifos) pero aparecen otras nuevas: los temas marianos y las vidas
de santos recogidas en la Leyenda Dorada. Hay también temas profanos.
Tipología: junto a la escultura monumental, se desarrollan nuevos tipos en el
interior de las iglesias: retablos, sepulcros, sillerías de coro. Alcanza gran desarrollo la
escultura exenta.
a) Escultura de bulto redondo
Dos motivos centran la atención del escultor el de la Virgen con el Niño y el de la
Crucifixión. En el primero se muestra a María en su aspecto maternal no como trono de Dios
sino comunicándose con su Hijo, al que mira, acaricia, con el que dialoga o juega, para lo que
ha de inclinar a veces graciosamente su cuerpo, pues el Niño ha perdido ya la tradicional

posición frontal en el centro de la imagen apoyándose en una pierna o sobre la cadera de su
madre. Por el contrario, toda la tragedia de la religiosidad se refleja en los Cristos crucificados,
en los que se condensa todo el sufrimiento de la Pasión.
Los cuerpos impasibles románicos se van quebrando de dolor, para ello el doble clavo
de antaño que sujetaba los pies en paralelo se reduce a uno, facilitando el movimiento de la
cadera. El drama del sacrificio de la cruz se subraya con la presencia de su madre,
conformando el grupo de la Piedad.
b) El relieve
El relieve irá ganando profundidad al disponer los elementos en diferentes planos
atendiendo a las leyes de la perspectiva. El paisaje entra a formar parte de las escenas, que se
acompañan de árboles o edificios mostrando gran interés por lo que pudiera ser considerado
secundario o anecdótico. Destaca:
Portadas: en el tímpano, dividido en fajas horizontales, se sigue representando
el Juicio Final y el Pantocrátor o Cristo en Majestad, pero más humano que en el
Románico, mostrando las llagas de las manos y rodeado de santos y ángeles que
portan instrumentos de la pasión. Aparecen escenas de la vida de la Virgen, como
la Asunción o la Coronación, con un sentido narrativo. En las jambas se colocan
estatuas adosadas de santos y profetas y en las arquivoltas, ángeles, santos y
ancianos del Apocalipsis, enmarcados en doseletes. En el parteluz suele ir la
Virgen o un santo.
Capiteles: se sustituyen los motivos figurativos por fajas de decoración continua
o vegetales.
Retablos: aparecen en el gótico. Se divide verticalmente en calles –la central más
ancha se llama espiga– y horizontalmente en pisos, el inferior se llama predela. El
retablo está protegido por una moldura llamada guardapolvo. Combinan a veces
esculturas con pinturas.
Escultura funeraria: adquiere gran desarrollo como signo de prestigio. La
tipología de los sepulcros es muy variada; adosados a la pared o exentos,
generalmente se representa al difunto, muerto o vivo, yacente, orando o leyendo.
Sillería de los coros: sobre todo en la etapa final del gótico cubrirán sus
innumerables respaldos brazos y misericordias con decoración esculpida.
4.2. Escultura gótica en Francia
A comienzos del siglo XIII toda la producción escultórica está ligada a la arquitectura y
se ciñe a ella siguiendo aún patrones románicos, sobre todo en las grandes portadas. Hay
alguna escultura exenta, propia de interiores o de tema funerario, pero esto será más
frecuente a partir del siglo XIV.
En los pórticos aparece principalmente la Virgen, sobre todo en el parteluz, mientras
que el Juicio Final o las referencias al santo a quien se dedica el templo, ocupan el tímpano.
Poco a poco comienza a aparecer el naturalismo, y si en Notre Dame, las esculturas
se adosan al muro sin romper el rigor del esquema constructivo, ya en Amiens, en el Portal

de la Virgen Dorada, las figuras tienen una gracia en los gestos que anuncian una nueva
corriente.
Así, será en Reims, donde la escultura gótica alcance su madurez a pesar de no ser
todas del mismo autor. Algunas figuras delatan la presencia del clasicismo helénico, otras,
como El Ángel de la sonrisa, anuncian rasgos escultóricos del Barroco. En Reims, las
esculturas se mueven con naturalidad, independientes de la arquitectura.
4.3. Escultura gótica en Italia
El mismo espíritu clásico trasciende en casi toda la escultura de esta época. Destaca
Arnolfo di Cambio, con obras de gran severidad y grandiosidad, propias de la Antigüedad.
Pero el más sorprendente escultor del siglo XIII es Nicolás Pisano, autor de los relieves del
púlpito del Baptisterio de Pisa, donde retrata seis escenas de la iconografía cristiana con la
solemnidad y grandeza de la estatuaria romana.
Su hijo, Juan Pisano, es la antítesis de su padre y está más próximo al espíritu gótico.
Realizó púlpitos en Pisa y Pistoia y algunas Vírgenes con el Niño de tamaño natural, así
como diversas figuras para la Catedral de Siena.
4.4. Escultura gótica en España
La escultura por su parte, sigue los modelos franceses en los exteriores, pero no llega
a los logros de Reims o Chartres. Aunque desarrolla una gran labor en la talla de madera que
después policroma. El retablo, esculpido o pintado tiene un gran desarrollo, sobre todo a
finales del siglo XIV.
Las grandes obras escultóricas del siglo XIII, necesitaron del trabajo de escultores y
decoradores que provenían de Francia y Alemania.
Es en Burgos, donde está la más rica y homogénea colección de este siglo,
representada en la Puerta del Sarmental.
En León, está la otra gran colección del siglo XIII, con grupos como el de la Virgen y el
Niño, los Tres Reyes y la Anunciación. Del Maestro Enrique parece ser la Virgen Blanca del
parteluz de la puerta principal.
Cataluña, destaca escultóricamente en el siglo XIV, gracias a sus retablos y sepulcros,
entre los que sobresale el de Cornellá de Conflent de Jaime Castayls. Con todo, el gran siglo
de Cataluña es el XV con Pere Johan que trabajó en los retablos de Tarragona y Zaragoza.
En Castilla, hay una gran influencia borgoñona y flamenca, sobre todo de los Van Eyck.
Destaca Sebastián de Almonacid, autor del sepulcro del llamado Doncel de Sigüenza.
Aunque la gran figura del siglo XV es Gil de Siloé, autor de la Portada del Colegio de San
Gregorio de Valladolid o el retablo de Santa Ana en la Capilla del Condestable de la Catedral
de Burgos y el conjunto de la Cartuja de Miraflores, también en Burgos.
5. LA PINTURA GÓTICA
La pintura gótica refleja, al igual que la escultura, el cambio de mentalidad que se
produce durante esta época y que provocará una humanización de las obras.

5.1. Características generales
La evolución de la pintura desde el siglo XIII al XV y las diferencias entre unos países y
otros dificultan la concreción de unas características generales. A pesar de ello, se pueden
apuntar algunas notas comunes:
La progresiva disminución de los muros en la arquitectura gótica provocará la
consiguiente disminución de la pintura mural. Donde antes había frescos
ahora se colocarán grandes cristaleras policromadas. Así, la pintura ha de
buscar otros soportes (la madera) dando lugar a un crecimiento de la
pintura sobre tabla.
También cambiará la técnica, predominando el temple (pigmento de colores, y
huevo). Tiene como ventajas:
o Empleo de pinceles muy finos, lo que permite definir bien las formas y
plasmar minuciosos detalles.
o Los colores resultantes, al utilizar huevo, son más brillantes y lentos
de secar, lo que facilita los modelados.
Localización: estas tablas, al desaparecer los muros, se concentran en los
altares conformando los retablos.
La temática seguirá siendo fundamentalmente religiosa, aunque los ejemplos
profanos irán ganando terreno. Se repiten los temas mencionados en la
escultura.
Serán pinturas expresivas y naturalistas: transmiten sentimientos y
sensaciones.
Irán sustituyendo los fondos neutros por espacios reales, paisajísticos
fundamentalmente. Esta sensación de espacio real se obtendrá por dos vías que
se desarrollan paralelas: la búsqueda de la perspectiva y el claroscuro.
Aunque en algunas ocasiones se mantienen los fondos lisos dorados (con
“panes de oro”).
En cuanto a la perspectiva, se realizarán experimentos para romper el
planismo pictórico del Románico y recuperar la perspectiva:
La perspectiva caballera (a vista de pájaro): se representan las figuras por filas
(pintura gótica internacional). Consiste en la representación de la escena como
si el pintor se hallase situado en un punto de vista elevado (como el de una
persona que va a caballo), de modo que los objetos supuestamente más
próximos al espectador se disponen en la parte inferior del cuadro, como “en
primer término”, y sobre ellos se superponen en vertical los restantes, a medida
que se les supone más alejados.
Con varios puntos de fuga (pintura italiana desde fines del XIII).
Se representa no solo el tema central, sino también lo accesorio, como
animales, vegetales, cerámica... ya que al igual que la escultura, tiene carácter
narrativo. El carácter cromático, naturalista y narrativo de la pintura gótica se
debe a que es una época preocupada por el mundo y el hombre, no solo por la
religión.

En cualquier caso, hay que tener en cuenta que estas características generales tendrán
una distinta evolución según la cronología y las zonas. Nosotros vamos a detenernos en
analizar las dos escuelas más destacadas del Gótico: los Primitivos Italianos (primera mitad
del siglo XIV) y los Primitivos Flamencos (siglo XV).
5.2. La pintura del siglo XIV en Italia: los primitivos italianos
La pintura gótica italiana tiene extraordinaria importancia, pues anuncia la llegada
del Renacimiento.
Ya al principio del siglo XIV, época que los italianos denominan TRECENTO, surgieron
una serie de escuelas pictóricas en Italia como la de Siena y Florencia.
La ESCUELA DE SIENA estaba todavía influida por la pintura bizantina, como se
puede comprobar en la abundancia de dorados y los ojos almendrados de las figuras. Sus
principales características son el gusto por las líneas curvas y sinuosas, la riqueza
cromática, la proliferación de figuras y la representación del movimiento. Como
pintores más importantes podemos destacar a Duccio con La Maestá de la Catedral de Siena
y a Simone Martini con La Anunciación.
Sin embargo, en la ESCUELA FLORENTINA los artistas comenzaron a mostrar nuevas
preocupaciones que anuncian la llegada del Renacimiento: la profundidad, la luz, el
naturalismo y la representación de los estados anímicos.
GIOTTO será el máximo representante de la escuela florentina e iniciador de los
principales cambios que aporta esta escuela. Influido por los preceptos franciscanos (que
propugnaban un retorno a los valores presentes en la naturaleza) impulsó una humanización
de las escenas religiosas. La introducción del paisaje como fondo, unos personajes con más
volumen y la observación de la naturaleza son elementos que anuncian el Renacimiento. De
todos modos, Giotto mantuvo algunos elementos típicos de la escuela sienesa, como los
ojos almendrados y el uso del pan de oro en las aureolas de las figuras. Sus obras más
interesantes se encuentran en la Basílica de San Francisco de Asís (que decora con frescos
sobre de la vida de San Francisco), Florencia y en la Capilla de los Scrovegni de Padua.
5.3. La pintura del siglo XV en Flandes: los primitivos flamencos
La pintura del siglo XV en FLANDES no debe ser considerada como arte renacentista.
Pero también es difícil encuadrarla dentro del Gótico, ya que en muchos aspectos se separa de
la pintura de este momento. Lo que sí podemos asegurar es que es, junto con la aportación
de Giotto, el avance más importante hacia el Renacimiento, ya que los primitivos
flamencos protagonizan una auténtica revolución. Algunas características peculiares de
estos pintores son:
La mayoría son obras de pequeño tamaño, al ser encargadas por la burguesía
comercial de Flandes para adornar sus hogares.
Por ello, los temas no fueron predominantemente religiosos, como ocurrió en el
resto de los países, sino que irrumpió con fuerza el retrato.
El material utilizado es la tabla, como en los retablos góticos, pero se introduce
la técnica del óleo (pigmentos mezclados con aceite de lino o nueces), que

otorga brillo a los colores y posibilita la minuciosidad de los detalles al permitir
añadir pinceladas minuciosas mediante el pincel afilado. También seca más
despacio por lo que permite un trabajo sosegado, que puede interrumpirse
siempre que se quiera y que permite el repinte, la corrección.
Es una pintura detallista: son concebidas para ser contempladas de cerca, con
lo que los pintores se recrean en la representación de los detalles más nimios.
Se deleitan en la reproducción de los objetos: en general los pintores se
detienen más en las cosas pequeñas que llenan la vida cotidiana (objetos de
vidrio o metal, monedas, mesas, telas). Muchos temas religiosos se conciben
como escenas burguesas, en un hogar plácido, con muebles, alfombras, cuadros.
Se caracteriza por el naturalismo: el enfoque cercano inclina a los pintores a la
representación veraz de la realidad, aunque concediendo la misma importancia
a un objeto, que a un paisaje o a una persona (excesivo detallismo).
Presentan un profundo amor al paisaje. Cuando la escena es una habitación, el
paisaje aparece a través de una puerta o ventana. Generalmente, la línea del
horizonte se representa muy alta.
El espejo es un objeto que aparece en muchas obras flamencas y es empleado
para sugerir un espacio que no puede ser pintado. Se trata de una innovadora
visión del espacio que tendrá gran influencia en pintores posteriores como
Velázquez (Las Meninas, La Venus del espejo).
En el manejo de las luces y en la pasión por el paisaje Flandes anticipa valores de la
pintura renacentista, aunque todavía las formas estáticas, la escasa relación de las figuras
(casi siempre dispuestas frontalmente, hacia el espectador) y el predominio de los detalles
y las partes sobre el conjunto nos sitúan en la última etapa del gótico.
Los iniciadores del estilo son los hermanos Humberto y Jan Van Eyck, que pintan el
extraordinario Tríptico del Cordero Místico, aunque no son de menor valor los cuadros de
Jan Van Eyck, el gran retratista de la escuela, La Virgen del Canciller Rollin, la Virgen del
Canónigo Van der Paele o el Matrimonio Arnolfini. Técnicamente, Jan van Eyck fue el gran
perfeccionador de la pintura al óleo y, su obra, está cargada de realismo y significados
simbólicos.
Roger Van der Weyden, es el pintor del dolor; introduce una preocupación por los
sentimientos que le aleja de la solemnidad hierática de los otros maestros. Entre sus obras,
destaca El Descendimiento del Museo del Prado, donde coloca un fondo de oro para que el
espectador contemple sin detalles que le distraigan las emociones que expresan los rostros de
los personajes, especialmente el llanto silencioso de San Juan; las diagonales de los cuerpos de
Cristo y la Virgen contrastan con la verticalidad de las restantes figuras.
Entre los paisajistas, destacan Patinir y Brueghel. En el primero sobresale la
plasmación de la luz. Sus paisajes derraman una luz blanquísima que brilla sobre la línea del
horizonte muy alta. La Laguna Estigia es su obra más famosa. Mientras que en el segundo
sorprende su simbolismo.
Con todo, el más original de los primitivos del norte de Europa es El Bosco, pintor de
ascendencia holandesa. Su concepto del paisaje se inspira en Patinir, pero en las formas crea
un mundo extraño. Sus temas son casi siempre alegóricos y están tratados con una ironía

desconocida hasta entonces. El Bosco no se limita a contemplar la naturaleza y reflejarla sino
que crea un mundo imaginario, de sueños fantásticos, que hacen de su obra un antecedente
remoto del surrealismo del siglo XX.
Entre sus obras podemos destacar El tríptico de El Jardín de las Delicias del Museo
del Prado, en él se desborda la fantasía del autor: figuras híbridas hombre-animal, tormentos
musicales, luces misteriosas, espacios opresivos (como los del surrealismo). El Carro de Heno
y La Piedra de la Locura son otras obras simbólicas del mismo autor.
En definitiva, en las obras de El Bosco se funde el mundo de los sueños con la denuncia
de los vicios de la sociedad que vivió, todo ello bajo un halo de simbolismo impropio de su
época. De él se ha dicho que “tuvo el valor de pintar a los hombres cuales son por dentro”.
PREGUNTAS PAEG:
Características de la arquitectura gótica: catedrales, lonjas y ayuntamientos.
La arquitectura gótica española.
Características de la escultura gótica.
Pintura gótica: Giotto y los primitivos flamencos.

DIAPOSITIVAS PAEG ARTE GÓTICO
1. CATEDRAL DE CHARTRES (s. XII-XIII)
Se trata de la reconstrucción de un templo románico destruido tras
un incendio, del que sólo se ha conservado la fachada occidental
(Pórtico real).
Situada cerca de París, es un templo dedicado al culto de María ya que
en ella se conserva la túnica que supuestamente llevaba María el día
de la anunciación y que se conservó intacta después del incendio. El
tema mariano se refleja en los temas de su decoración.
En planta es un templo de 3 naves, un crucero de tres naves y una
girola doble, donde se abren 3 capillas.
En el interior, destaca la gran diferencia de altura de la nave central
respecto a las laterales. Se cubren con bóveda de crucería, cuyo peso
se recoge por nervios que dirigen el peso hacia las columnas, que
formando haces, se adosan a los pilares (pilares fasciculados con
baquetones). En el alzado se diferencian tres cuerpos, un nivel
inferior de arcadas, uno medio de tribuna, y un tercero más elevado
de claristorio, formado por un total de 178 ventanales que exponen
vidrieras con temas sobre la Biblia. En el exterior, destaca el Pórtico
Real románico, coronado por un triforio, un rosetón y una galería real.
A ambos lados es franqueado por dos torres, a la derecha el viejo
campanario románico, y a la izquierda, el nuevo gótico, levantado 300
años después y rematado con chapitel propio del gótico flamígero. En
ambos laterales destacan los contrafuertes y arbotantes que permiten
la apertura de grandes ventanales en los muros. Destaca en el interior el laberinto de baldosas
en la nave central que simbolizaba un camino de peregrinación y cuyas medidas esconden
numerosos simbolismos que han inspirado novelas como El Laberinto de la Rosa de Titania
Hardie.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura gótica clásica francesa),
Título/Obra (Catedral de Notre Dame de Chartres), Autor (obra financiada por los Capetos, el
cabildo y los gremios locales), Situación (Chartres, Departamento de Eure y Loira, Francia),
Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con
otras iglesias y catedrales góticas anteriores y posteriores y con las iglesias de peregrinación y
las catedrales románicas), Influencia obra-época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y
la importancia de la catedral, edificio más representativo de la arquitectura gótica, núcleo de
la ciudad y centro de la vida medieval).
2. SAINT CHAPELLE DE PARÍS (Pierre de Montreuil, s. XIII)
La Santa Capilla es un proyecto de San Luis IX, rey de Francia, encargado supuestamente al
arquitecto Pierre de Montreuil, para acoger diversas reliquias, entre ellas la corona de Cristo y
un trozo de su cruz, y es considerada como una de las joyas del periodo gótico.

Levantada en la Isla de la Cité de París, está formada por dos capillas
superpuestas; la inferior, dedicada a la Virgen, servía para el pueblo
y el servicio de la corte. Su función arquitectónica era sostener el
peso de la bóveda de la capilla superior.
Con ello, la capilla superior se veía liberada y carece de muros,
levantándose altos ventanales, separados por delgadas columnas,
que permiten el paso de luz a través de vidrieras. Los temas de las
vidrieras tratan la historia del hombre según la Biblia, desde la
creación hasta la vida de Jesús, en un conjunto de más de 600 metros
cuadrados de vidrieras.
Como anécdota destacar que el coste de la Saint Chapelle fue tres
veces menor del coste de las reliquias que el rey francés compró y que allí se conservaron
hasta la Revolución Francesa que las trasladó a Notre Dame.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura gótica clásica francesa),
Título/Obra (Santa Capilla de París), Autor (mandada construir por Luis IX o San Luis),
Situación (Isla de la Cité en París, Francia), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural
(Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con otras iglesias y catedrales góticas anteriores y
posteriores y con las iglesias de peregrinación y las catedrales románicas), Influencia obra-
época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y la importancia de la catedral, edificio más
representativo de la arquitectura gótica, núcleo de la ciudad y centro de la vida medieval).
3. CATEDRAL DE BURGOS (1221-1260)
Se trata de una de las obras cumbres del gótico español, fue
mandada construir por Fernando III el Santo, rey de Castilla,
y consagrada en 1260, dedicado a la Virgen.
Inspirada por el más puro estilo gótico francés, es un templo
de 3 naves, con crucero de 1 nave, con girola donde se abren
5 capillas hexagonales.
Es un templo construido en diversas fases, en esta primera
destaca como arquitecto, el Maestro Enrique, que también
trabajó en la Catedral de León. El interior destaca el alzado
de tres cuerpos, el inferior de arcadas, un triforio cerrado al
exterior, y un superior de claristorio donde se sitúan
vidrieras. En el exterior, destaca la puerta del Sarmental
(sur), y las dos torres que flanquean la fachada occidental, obras de Juan de Colonia, al más
puro estilo gótico flamígero. En la nave central se encuentra la tumba del Cid y su esposa, Dña.
Jimena.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura del Gótico Pleno en España),
Título/Obra (Catedral de Burgos), Autor (mandada construir por Fernando III y el obispo
Mauricio), Situación (Burgos, España), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja
Edad Media), Relacionar/comparar (con otras iglesias y catedrales góticas anteriores y

4. CATEDRAL DE TOLEDO (planta e interior) (s. XIII)
Una de las grandes obras del gótico español, se comienza a construir en
el 1226 bajo el reinado de Fernando III el Santo, y en la que
intervendrán diversos arquitectos, desde el Maestro Martín a Petrus
Petri. Edificada sobre la antigua Mezquita Mayor de la ciudad, es la
mayor catedral del s. XIII, que sigue el modelo de Notre Dame de París
pero con menos interés por la altura.
Planta: Se trata de un edificio de cinco naves, con transepto sin brazos
que sobresalgan, y doble girola. Es un edificio muy ancho y de poca
altura, donde se utilizan bóvedas de crucería en las naves. En la girola, la
curva se solucionó alternando tramos de bóveda de planta rectangular,
con tramos de planta triangular. En ella se abren 7 capillas.
Interior: Se utilizaron los avances constructivos más modernos del
momento, además de otros elementos de influencia musulmana como los
arcos lobulados, mostrando un interés por convertirse en el centro
espiritual de la Península y competir con otras catedrales europeas.
En la nave central no existe triforio siendo un edificio muy horizontal en
línea con el gusto gótico español, y que destaca por las riquezas de las
obras que contiene convirtiéndose en un auténtico museo de diversas
épocas, donde destaca el coro renacentista de Vigarny y Berruguete, el
transparente barroco de Tomé, los retablos, las rejas…
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura del Gótico Pleno en España),
Título/Obra (Catedral de Santa María de Toledo), Autor (mandada construir por Fernando III
de Castilla), Situación (Toledo, España), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja
Edad Media), Relacionar/comparar (con otras iglesias y catedrales góticas anteriores y
5. SANTA MARÍA DEL MAR DE BARCELONA (s. XIV)
Iglesia levantada en el barrio marítimo barcelonés conocido como el Born, centro económico
de la ciudad en los siglos XIII al XV y dedicada a la virgen protectora de los marineros.
Conocida como “La catedral del Mar”, fue financiada por comerciantes y trabajadores
relacionados con el puerto y símbolo de la vitalidad comercial de la Barcelona del s. XIV.
Los arquitectos fueron Montagut y Despuig, es un templo de planta de salón, de 3 naves, sin
transepto y en su perímetro se abren naves entre los contrafuertes. Las naves se cubren con
bóveda de crucería sostenida sobre pilares circulares. La diferencia de altura entre ellas es
mínima y la decoración interior escasa. El edificio es muy diáfano, gracias a la apertura de
lunetones, rosetón y ventanales con vidrieras. Al exterior las paredes están casi desnudas, con
contrafuertes sin arbotantes. La fachada apenas presenta decoración y se flanquea por dos

torres octogonales. Hoy en día, es uno de los puntos turísticos
más visitados de la ciudad, en parte debido a la novela La Catedral
del Mar de Ildefonso Falcones.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura
del Gótico levantino en España), Título/Obra (Catedral de Santa
María del Mar de Barcelona), Autor (sufragada por los feligreses
de la zona de Barcelona), Situación (Barcelona, España),
Cronología (siglo XIV), Época histórica/cultural (Baja Edad
Media), Relacionar/comparar (con otras iglesias y catedrales
góticas anteriores y posteriores y con las iglesias de
peregrinación y las catedrales románicas), Influencia obra-época
(la religiosidad cristiana en la Edad Media y la importancia de la
catedral, edificio más representativo de la arquitectura gótica, núcleo de la ciudad y centro de
la vida medieval).
6. CATEDRAL DE PALMA (s. XIV)
Conocida popularmente como La Seu, se comienza a construir por Jaime I, rey de Aragón,
sobre la antigua mezquita, una vez conquistada la isla en 1229. Fue consagrada en 1269,
aunque las obras continuaron hasta el s. XVI. En el s. XIV fue convertida en capilla funeraria
del rey Jaime II.
En planta es basilical sin brazos, con
cabecera plana, y en las naves laterales se
abren capillas. Está cubierta con bóveda
de crucería. La escasa diferencia de altura
de las naves produce una iluminación
escasa en el interior, que ya es muy
austero en decoración.
El exterior es lo más característico del
edificio, donde destacan unos profundos
contrafuertes en los laterales, y entre los que se sitúan las capillas. Debajo de ellos, se colocan
otros contrafuertes menores, aportando al edificio una apariencia sólida y austera, pero la vez
esbelta.
En ella han intervenido célebre artistas como Gaudí en unas reformas al inicio del s. XX o
Miquel Barceló realizando un retablo cerámico en una de sus capillas.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura del Gótico levantino en
España), Título/Obra (Catedral o Seu de Palma de Mallorca), Autor (mandada construir por
Jaime I el Conquistador), Situación (Palma de Mallorca, España), Cronología (siglo XIV), Época
histórica/cultural (Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con otras iglesias y catedrales
góticas anteriores y posteriores y con las iglesias de peregrinación y las catedrales
románicas), Influencia obra-época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y la importancia
de la catedral, edificio más representativo de la arquitectura gótica, núcleo de la ciudad y
centro de la vida medieval).

7. LONJA DE VALENCIA (s. XV)
Edificio dedicado a las transacciones
comerciales, al que posteriormente se le añade
el consulado del Mar, para la administración de
justicia en pleitos marítimos.
La lonja de Valencia, conocida como la “Lonja
de la Seda” es iniciada en 1482 por Pedro
Compte que construye la lonja o sala de
contratación. En 1498 se añade el Consulado
del Mar, durando las obras hasta el s. XV.
La sala de contratación es rectangular. Se
divide en 3 naves sostenida por columnas
helicoidales y cubierta por bóveda de crucería. El consulado es un edificio de 3 plantas con
techo artesonado.
Al exterior, destaca su torre cuadrada, que divide el edificio: a la derecha el Consulado con
decoración propia renacentista, y a la izquierda la sala de contratación con decoración gótica,
formada por grandes ventanales con tracerías y pequeñas figuras de animales y hombres. A
media altura aparecen grupos de ángeles que sostiene el escudo de la corona de Aragón.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Arquitectura del Gótico civil levantino en
España), Título/Obra (Lonja de la Seda o Lonja de los Mercaderes), Autor (Pedro Compte,
Johan Ivarra, Johan Corbera y Domingo Urtiaga), Situación (Valencia, España), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con otras
iglesias y catedrales góticas anteriores y con otros edificios civiles góticos), Influencia obra-
época (importancia del desarrollo económico de la Corona de Aragón, su expansión por el
Mediterráneo y la necesidad de espacios para dicha actividad).
8. PORTADA CATEDRAL DE AMIENS (s. XIII)
Se trata de la portada occidental de la catedral, conocida como el “Beau Dieu”, el bello Dios,
por la imagen del parteluz de Cristo bendiciendo.
En la fachada principal, flanqueada por dos torres, se disponen tres
puertas abocinadas, decoradas muy profusamente por figuras de
temas religiosos.
En el centro, la portada trata el tema del Juicio Final. En el parteluz
el Beau Dieu, bendiciendo con la mano derecha, y las escrituras
cerradas sostenidas en la izquierda. Está pisando un león y un
basilisco, símbolos del anticristo y la muerte, según Honorio de
Autún (“Tú caminarás sobre el aspid y el basilisco, hollarás con los
pies al león y al dragón”).
Esta representación responde al evangelio de San Juan que dice:
“Yo soy la puerta, si alguno entra por mí, se salvará”. A ambos lados,
está acompañado por los apóstoles. En el primer dintel vemos a los muertos resucitando
acompañados de San Miguel y Lucifer. En el segundo dintel ya vemos a los bienaventurados a

la derecha de Cristo y los condenados a la izquierda. Rematando el tímpano Cristo mostrando
sus heridas con ángeles portando las armas de Cristo (cruz, lanza…).
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Escultura gótica clásica en Francia),
Título/Obra (Portada occidental de la Catedral de Amiens), Autor (anónimo), Situación
(Amiens, Francia), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja Edad Media),
Relacionar/comparar (con la decoración escultórica de las arquitectura gótica, tanto anterior
como posterior, así como con las iglesias y catedrales románicas), Influencia obra-época (la
religiosidad cristiana en la Edad Media y el papel decorativo y didáctico de la escultura gótica
en su marco arquitectónico).
9. PORTADA DEL SARMENTAL, CATEDRAL DE BURGOS (s. XIII)
Puerta sur de la catedral de Burgos, encargada por el obispo
Mauricio, y en la que trabajaron diversos autores de origen francés.
En el tímpano aparece Cristo Pantocrátor, rodeado de los
tetramorfos y de los propios evangelistas representados como
jóvenes escribanos en sus atriles. En la primera arquivolta
aparecen ángeles adorando al Creador, y en la segunda y tercera,
con los ancianos del Apocalipsis y sus instrumentos, reyes bíblicos
y santos. En el dintel, aparecen en línea los apóstoles.
En el parteluz aparece la figura del obispo Mauricio, y las jambas,
dos arcadas ciegas superpuestas con personajes bíblicos añadidos
posteriormente.
Se trata de una escultura majestuosa, parecida a las de Reims y Amiens, naturalista propia del
gótico, pero con temas propios de la iconografía románica.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Escultura gótica clásica en España),
Título/Obra (Portada sur de la Catedral de Burgos o portada de El Sarmental), Autor
(anónimo), Situación (Burgos, España), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja
Edad Media), Relacionar/comparar (con la decoración escultórica de las arquitectura gótica,
tanto anterior como posterior, así como con las iglesias y catedrales románicas), Influencia
obra-época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y el papel decorativo y didáctico de la
escultura gótica en su marco arquitectónico).
10. VIRGEN BLANCA DE LEÓN (s. XIII)
La catedral de León muestra una triple portada. En la central, el tímpano muestra
el tema del Juicio final, presidido por Cristo en majestad. En el dintel, el tema de la
psicostasis (pesaje de las almas) con San Miguel, a la derecha los elegidos y a la
izquierda los condenados.
El parteluz está presidido por la Virgen Blanca (la figura original está hoy en una
capilla de la girola). Es una talla de una Virgen humanizada con el Niño en brazos.
La mujer que encarna a la virgen puede ser perfectamente una señora castellana,
joven, sonriente, con un niño de gran parecido a ella. Bajo sus pies, aplasta un
dragón, simbolizando su condición de nueva redentora.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Escultura gótica clásica en España),
Título/Obra (Nuestra Señora la Blanca de la Catedral de León), Autor (anónimo), Situación
(León, España), Cronología (siglo XIII), Época histórica/cultural (Baja Edad Media),
Relacionar/comparar (con la decoración escultórica de las arquitectura gótica, tanto anterior
como posterior, sobre todo con la Virgen Blanca de la Catedral de Toledo), Influencia obra-
época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y el papel decorativo y didáctico de la
escultura gótica en su marco arquitectónico).
11. SEPULCRO DEL DONDEL DE SIGÜENZA (s. XV)
Se trata de la sepultura del joven don Martín Vázquez de Arce, muerto durante la guerra de
Granada en 1486. Encargada por su padre, don Fernando de Arce, se encuentra situada en una
capilla de la Catedral de Sigüenza (Guadalajara). Su autor es desconocido, aunque se ha
atribuido a Juan Guas o Sebastián de Almonacid.
Sobre el sepulcro, aparece la figura del Doncel
leyendo. Su pertenencia a la Orden de Santiago
lo atestigua la cruz del pecho. Además de
guerrero, es un hombre amante de las letras,
propio de un caballero humanista del s. XV. El
haz de heno bajo su brazo recuerda que la vida
es efímera como el verdor de la hierba. La figura del león da fe de su valentía y simboliza la
resurrección a la otra vida. A sus pies aparece la figura de un ángel.
Pertenecer a una Orden Militar y morir en combate era de gran honor en Castilla. El Doncel es
un mártir de la fe cristiana, un héroe, que ha muerto joven y no es necesaria su representación
rezando ya que su gloriosa muerte le garantiza el paraíso.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Escultura gótica flamígera en España),
Título/Obra (Sepulcro de Don Martín Vázquez de Arce, El Doncel de Sigüenza), Autor
(Sebastián de Almonacid), Situación (Sigüenza, Guadalajara, España), Cronología (siglo XV),
Época histórica/cultural (Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con la escultura gótica
anterior y la renacentista posterior, especialmente con sepulcros de ambos estilos artísticos),
Influencia obra-época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y el papel decorativo y
didáctico de la escultura gótica en su marco arquitectónico y especialmente la escultura
funeraria en este periodo).
12. SAN FRANCISCO, de Giotto (s.XIV)
En la sede de la orden de los franciscanos en Asís (Umbría,
Italia) se encuentra la basílica de San Francisco, donde se
encuentra enterrado el santo. Consta de dos partes, una basílica
inferior más oscura y una superior más espaciosa e iluminada.
En la parte baja de la basílica superior, Giotto pintó un ciclo de
28 escenas sobre la vida de San Francisco, extraídas de la
Leyenda Mayor de San Buenaventura. Las historias, cada una
con su título abajo, están ambientadas en el mundo medieval.
Los personajes se mueven dentro de espléndidos paisajes ciudadanos y rurales con un

formidable sentido realista. Los episodios, además, encerrados en el interior de un falso
pórtico, transmiten el efecto ilusionista de un espacio que sobrepasa las paredes de la iglesia.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico), Etapa (Pintura estilo ítalo-gótico), Título/Obra
(San Francisco dando su manto a un pobre, Frescos sobre la vida de San Francisco), Autor
(Giotto), Situación (Asís, Italia), Cronología (siglo XIV), Época histórica/cultural (Baja Edad
Media), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior y posterior, especialmente con la
Escuela de Siena, con el Gótico Internacional y con la pintura del Quattrocento italiano, de la
que es precedente), Influencia obra-época (la religiosidad cristiana en la Edad Media y el
papel decorativo y didáctico de la pintura gótica al fresco en su marco arquitectónico).
13. POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO, de los Van Eyck (1426-1432)
Retablo formado por 24 paneles, comenzado por Hubert y finalizado por Jan, para el altar
mayor de la Catedral de San Bavón en Gante (Bélgica). Fue encargado por un rico burgués
para una capilla privada de la misma catedral como decoración del altar.
La tabla central es la principal,
donde se representa la adoración
del Cordero místico, según el
Apocalipsis de San Juan. En ella, se
describen los bienaventurados van
a adorar al Cordero, símbolo de
Cristo. El cordero está rodeado por
un coro de ángeles con los
símbolos de la Pasión y hacia él se
acercan grupos de santos y santas.
Aparecen además la paloma o espíritu santo y la fuente de la vida. Al fondo, con una línea de
horizonte muy alta, se ve una ciudad (la de los bienaventurados) que a pesar de la lejanía se
muestra con todo sus detalles. Sobre esta escena se representa a Dios entronizado (poco
habitual) entre la Virgen y San Juan Bautista, destacando las calidades impecables de ropas y
joyas. Se trata de una gran obra de arte religioso que se completa con tablas sobre: Adan y
Eva, Cain y Abel, y en el exterior, la Anunciación, profetas y los donantes Joos Vijdt y Lysbette
Borluut.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Gótico/Transición al Renacimiento), Etapa (Pintura
Escuela de los Primitivos Flamencos), Título/Obra (Políptico de la Adoración del Cordero
Místico), Autor (Hermanos Van Eyck), Situación (Gante, Bélgica), Cronología (siglo XV), Época
histórica/cultural (Baja Edad Media), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior,
especialmente con la ítalo-gótica, con otras obras suyas y de su escuela y con las del
Quattrocento contemporáneas suyas), Influencia obra-época (relacionar esta obra y el
florecimiento de la pintura flamenca durante los siglos XV y XVI con sus causas históricas,
políticas y socio-económicas).
14. MATRIMONIO ARNOLFINI, de Jan Van Eyck (1434)
Retrato de bodas del mercader italiano Giovanni Arnolfini y su esposa Jeanne Cenami,
establecidos en Brujas. Conservado en la National Gallery de Londres, se trata de uno de los

primeros retratos no religiosos de la historia. La pareja aparece
de pie, en su alcoba, él bendice a su mujer y la agarra de la mano.
La escena resulta teatral y ceremoniosa y está cargada de
simbolismo religioso: la vela, símbolo de Cristo. En el pomo de la
cama, la figura de Santa Margarita junto a una lámpara,
simboliza la unidad del matrimonio. Los zuecos de madera, el
estar descalzos, como Moisés en el Sinaí, por lo sagrado del acto.
El perro, la fidelidad matrimonial, el vientre abultado de la
mujer, la fertilidad, las frutas en el alfeizar, la inocencia.
Al fondo, el espejo, en el que se reflejan los dos retratados, junto
a otros dos personajes, uno de ellos el propio Van Eyck, testigo
de la boda. Alrededor, con gran detallismo, 10 escenas del Vía
Crucis de Jesús. Arriba la firma del autor: "Johannes de Eyck fuic hic 1434". La obra es una
pintura sobre tabla de pequeño formato, donde el autor demuestra una perfeccionada técnica.
Escuela de los Primitivos Flamencos), Título/Obra (Matrimonio Arnolfini), Autor (Jan Van
Eyck), Situación (National Gallery de Londres, Inglaterra), Cronología (siglo XV), Época
políticas y socio-económicas, especialmente el desarrollo de la burguesía y sus encargos
artísticos).
15. EL DESCENDIMIENTO, de Van der Weyden (1436)
Obra de gran formato expuesta en el Museo del Prado de Madrid. Se trata de la tabla central
de un tríptico encargado por la cofradía de ballesteros de Lovaina, comprado posteriormente
por María de Hungría, y después adquirido por su sobrino Felipe II.
Destaca el dramatismo de la escena. La composición,
muy teatral, ocupa toda la escena sin dejar espacios
libres. En el centro, la cruz, con un joven y José de
Arimatea. En los extremos, dos figuras a modo de
paréntesis (San Juan y María Salomé). Después dos
que flanquean a Cristo (María Magdalena y
Nicodemo). Y finalmente, con la misma disposición,
la Virgen María desmayada y Cristo muerto. Bajo
ellos, la calavera de Adán.
Destaca el dramatismo en la expresión de los
personajes, el detalle de los rostros, sus lágrimas, la ambientación lúgubre, y la calidad de la
obra a pesar de ser una de las primeras del autor.
Escuela de los Primitivos Flamencos), Título/Obra (El Descendimiento), Autor (Robert Van
der Weyden), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XV), Época

16. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS, de El Bosco (1510-1515)
Tríptico expuesto en el Museo del Prado, confiscado por el Duque de Alba tras la rebelión de
Holanda, entregado a la Orden de San Juan y comprado finalmente por Felipe II para decorar
El Escorial.
Son tres tablas que representan de izquierda a derecha: la Creación con Adán y Eva, el Mundo
del pecado, y el infierno, como su consecuencia. Cerrado, aparece la escena del tercer día de la
Creación.
La tabla central, representa el mundo de los vicios y placeres, hombres y mujeres desnudos en
escenas lascivas. En el centro una fuente con mujeres, alrededor jinetes, figuras encerradas en
pompas (eventualidad del deleite), frutas que representan el placer, peces como símbolos
fálicos, hermafroditas y ratones (envidia). Un mundo abarrotado de gente entregada al goce
de la carne.
Escuela de los Primitivos Flamencos), Título/Obra (Tríptico de El Jardín de las Delicias), Autor
(El Bosco), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVI), Época

VOCABULARIO TEMA ARTE GÓTICO
CHAPITEL: Remate apuntado de una torre, generalmente bulboso, cónico o piramidal. Se
utilizó en el gótico (s. XII-XV) para rematar algunas de las torres que flanqueaban las fachadas
de las catedrales. Un ejemplo claro son las torres de Chartres o de Burgos.
CISTERCIENSE: Dícese de la arquitectura difundida por la orden del Cister, caracterizada por
su austeridad, marcada por su ideal de pobreza, y que marcó el tránsito al arte gótico. Su
fundación más importante fue el monasterio de Claraval y que aunaba sus tres principios
básicos reflejados en la arquitectura: pobreza, deseo de huir del mundo y unión de los
hermanos. En España destacan los monasterios de Poblet (Tarragona) o Sta. María de la
Huerta (Soria).
CORO: Parte de la iglesia reservada al clero. A lo largo de los siglos ha cambiado su ubicación
dentro del templo. Las más comunes son el centro o a los pies de la nave mayor o central. Son
muy comunes en las catedrales góticas y de gran belleza como el de la catedral de Toledo (s.
XIII) realizado en madera por Vigarny y Berruguete.

DÍPTICO: Trabajo hecho en dos hojas que puede cerrarse a modo de libro, comúnmente
pintura. Destacado es el Díptico de la Anunciación de Van Eyck (s. XV).
DONANTE: Representación en un cuadro de la persona que la mandó realizar como ofrenda a
la divinidad, a un santo, etc. Comienzan a aparecer en el gótico siendo del gusto de los
mecenas aparecer representados en las obras que han pagado como un personaje más y que
abre de nuevo el género del retrato. Un claro ejemplo es la Virgen del canciller Rolin de Van
Eyck (s. XV).
FLAMÍGERO: Ultimo periodo del estilo gótico (s. XII-XV) caracterizado por ser complejo y
recargado, enormemente dinámico y móvil y suele coincidir con el s. XV. Muy propio de este
periodo son los adornos a modo de llamas en los chapiteles de las torres de las catedrales
como se puede admirar en Burgos o en Toledo.
GIROLA: También llamado deambulatorio, es un pasillo, prolongación de las naves laterales y
que rodea por la parte trasera al presbiterio. Comenzó a utilizarse durante el románico (s. X-
XIII), sobre todo en las conocidas como iglesias de peregrinación que se levantaron a lo largo
del Camino de Santiago. Este espacio permitía a los peregrinos visitar la iglesia sin interferir
en el culto que se estaba celebrando en el altar principal. Además a lo largo de este espacio se

abrieron pequeñas capillas radiales para cultos de menor entidad. Durante el gótico (s. XII-
XV) se hicieron en muchos casos dobles como en Chartres o Toledo.
LONJA: Edificio público dedicado a usos mercantiles y en especial a la contratación, como una
especie de bolsas de valores. Estos edificios se empezaron a generalizar en Europa a partir del
s. XII, cuando se vivió un periodo de bonanza económica, de aumento de la producción
agrícola y desarrollo del comercio, con el consecuente crecimiento de las ciudades, donde
apareció una nueva clase social emergente, la burguesía. Las lonjas se levantaron en muchas
ciudades que representaban importantes núcleos comerciales, como es el caso de la lonja de
Barcelona, Mallorca o Valencia en el s. XV.
MADONNA: Italianismo que hace referencia a la representación de la Virgen María. Durante el
gótico (s. XII-XV) aumentará el gusto por el tema mariano, y la virgen será muchas veces
representada, tanto en escultura, en los parteluces de las portadas (Virgen dorada, Amiens) o
bien como figura exenta (Virgen Blanca, Toledo), apareciendo ahora como madre de Dios y no
como un mero trono de Jesús como aparecía en el románico, más en consonancia con la
tendencia de la escultura gótica de mostrarse más delicada y natural. También muy
representada en pintura con el niño, o bien temas como la anunciación o la piedad.

PINÁCULO: Elemento vertical típico del arte gótico (s. XII-XV) que se coloca sobre el
contrafuerte, reforzando su función y ayudando a enviar el peso hacia el suelo. Además es
utilizado como elemento decorativo. Es uno más de los elementos que permitieron liberar el
peso que recaía sobre los muros y abrir en ellos vanos donde se colocaron vidrieras. Ejemplos
de ellos se pueden apreciar en los exteriores de cualquier catedral gótica como Notre Dame de
París o León.
POLÍPTICO: Pintura compuesta de varias tablas. A veces podían plegarse unas sobre otras. En
cada una de ellas eran representadas escenas distintas que en muchas ocasiones estaban
relacionadas entre sí. Es un tipo muy utilizado durante el periodo gótico (s .XII-XV), siendo tal
vez el más conocido el realizado por los hermanos Van Eyck, Políptico del cordero místico
(1426-1432).
RETABLO: Obre de arte que cubre el muro tras el altar. Al cambiarse la liturgia y el sacerdote
celebrar la misa delante del tabulum o mesa del altar, las pinturas que allí estaban colocadas
se trasladaron detrás de la mesa llamándose retrotabulum, de donde proviene el nombre de
retablo. Esto ocurrió durante el gótico (s. XII-XV) cuando se comienzan a realizar estas obras.
Puede estar realizado en madera, piedra o metal, con escultura o pintura o ambas a la vez. Su
forma varió según las épocas. Realizado a modo de pedestal, dividido verticalmente por calles
y horizontalmente por pisos o conjuntos. Además, se le protegía por un guardapolvos en
saledizo y en ocasiones por dos puertas que podían cerrarse para protegerlo y que aparecían
pintadas por ambas caras. Para ensamblar las distintas partes se utilizaban elementos
arquitectónicos propios de la época. Un buen ejemplo es el de la Cartuja de Miraflores de Gil
de Siloé (s. XV).

ROSETÓN: Vano circular calado, en cuyos huecos se colocaban vidrieras, propio del gótico (s.
XII-XV) situado sobre la puerta de la nave central o principal y permitía la entrada de luz
coloreada al interior, en la línea de las ideas neoplatónicas de la identificación de la luz con
Dios. Ejemplos claros se pueden apreciar en las portadas de las principales catedrales góticas
de Notre Dame en París, en Amiens, Chartres, o en España, Burgos o León.
TRÍPTICO: Obra en tres tablas, lienzos u otro material duro, de modo que las laterales se
cierran como puertas sobre la central. Muy utilizado por los pintores del periodo gótico (s.XII-
XV). Un ejemplo es el Jardín de las Delicias de El Bosco (s. XV) o el tríptico Portinari realizado
por Hugo Van Der Goes (s. XV).

ESQUEMA ARTE GÓTICO
1. INTRODUCCIÓN
Se extiende por el Occidente medieval (s. XII al XVI). Diversidad territorial.
Nuevo espíritu que se corresponde con una nueva época de expansión:
o Expansión económica: agrícola, comercial y artesana.
o Burguesía y ciudad.
o Expansión política: cruzadas, Este y Sur de Europa. Monarquía.
o Cultural: nuevo espíritu abanderado por las ciudades y la Universidad.
o Órdenes religiosas mendicantes (dominicos y benedictinos).
o Arte más humanizado.
Superación de momentos de crisis: epidemias, peste negra, Guerra de los Cien Años,
revueltas…
2. ARQUITECTURA GÓTICA
a) Elementos formales:
Elementos básicos:
o Arco apuntado (apuntado de medio punto, conopial, carpanel).
o Bóveda de crucería (sexpartitas, estrelladas).
o Soportes: pilar; arbotante; contrafuerte (rematados con pináculos).
o Tracería calada.
Consecuencias técnicas: espacios arquitectónicos diáfanos; luminosos.
Plantas: de cruz latina de 3 o de 5 naves.
Fachadas: torres; sentido ascensional; decoración escultórica; rosetones; portadas
abocinadas.
Sentido simbólico: espacio-camino, ciudad de Dios en la tierra (Jerusalén celestial):
verticalidad, luz-vidrieras: luz divina.
b) Catedrales góticas: diferencias regionales
La catedral es la principal iglesia de una diócesis (centro de la ciudad). Toda la
población colabora en su construcción (donativos). Funciones: religiosa, política,
judicial, etc.
Francia
o La más importante (nacimiento del gótico). Tres a cinco naves; alzado en tres
niveles (arcadas, triforio y claristorio).
o Chartres, Reims, Notre-Dame de París.
Castilla (de influencia francesa)
o Burgos, León y Toledo.
Corona de Aragón:
o Diferencias territoriales: zona oriental: iglesias sin crucero, de una nave y con
predominio del muro. Sobriedad constructiva; espacios amplios (una sola
nave con contrafuertes).

o Santa María del Mar (Barcelona), catedral de Gerona y de Palma de Mallorca.
Italia: mayor horizontalismo, predominio del muro.
Alemania: acusada verticalidad.
Inglaterra: influencia francesa. Fuerte asentamiento.
c) Arquitectura civil: la lonja
La lonja como ejemplo de las nuevas economías y del papel de la ciudad. Importancia
urbana que se manifiesta en: plazas, ayuntamientos, lonjas,…
Lonjas se destacan en dos áreas: Países Bajos y el Mediterráneo: Barcelona, Valencia,
Tortosa, Palma de Mallorca.
3. LA PLÁSTICA EN EL GÓTICO
a) La escultura:
Ligada a la arquitectura.
Materiales: piedra, madera, mármol y alabastro. Policromía.
Estilo: búsqueda de un creciente realismo, imágenes más humanizadas y
cercanas. Tendencia a un mayor naturalismo.
Nuevos temas, nuevas iconografías: sigue predominando la figura de Cristo; vidas
de santos. Del Cristo victorioso se pasa al Cristo sufriente en la cruz (versión más
humanizada). El tema de la Virgen con el Niño se trata de una manera más
natural y entrañable.
Localización: misma que en el Románico y además:
o En el interior: retablos y sepulcros
o Exterior: fachadas, torres, pináculos y cimborrios
Nuevas tipologías:
o RETABLO
 Estructura: guardapolvo; sotabanco; banco o predela; calles
jerarquizadas (central y laterales); ático y espigas laterales.
 Simetría. Representa un ciclo narrativo.
 Ejemplo: retablo de La Seo de Zaragoza (Epifanía, Transfiguración
y Ascensión).
o SEPÚLCRO (corresponden a arzobispos, nobles, reyes, abades…)
 Ejemplo: Sepulcro del arzobispo don Lope Fernández de Luna
(Zaragoza).
o IMÁGENES DE DEVOCIÓN: las hay de diversos tipos pero las más
importantes son las de La Virgen con el Niño (Virgen Blanca de Toledo) y
las de Cristo Crucificado.
b) La pintura
Características generales:
o Estilización y refinamiento.
o Colorido rico y decorativo.

o Gusto por el detalle y lo simbólico.
o Su relación con el ambiente cortesano.
Diferentes escuelas y estilos:
o Gótico lineal o franco-gótico. Vidrieras, retablos y miniaturas.
o Italia (Duecento –XII– y Trecento –XIII–). Fresco, tabla y mosaico. Duccio y
Giotto.
o Gótico Internacional (figuras alargadas y elegantes).
o Pintura flamenca: Óleo y detallismo. Van Eyck.
Tipologías :
o Vidrieras (vienen a sustituir a la pintura mural).
o Miniaturas.
o Pinturas al fresco.
 Giotto: búsqueda del espacio (perspectiva lineal) y volumen; el tono
del color (claros y vivos); la composición racional (orden); la expresión
contenida de los sentimientos; la ideología humanista; desproporción
de las imágenes (en función de su jerarquía).
o Pintura al óleo. Escuela de Flandes (Primitivos flamencos).
 Innovaciones técnicas: óleo.
 Minuciosidad y detallismo.
 Retratos realistas.
 Representación de objetos de la vida cotidiana y paisaje.
 Ejemplos:
 Jan Van Eyck, El matrimonio Arnolfini, El cordero místico.
 Roger Van der Weyden, El Descendimiento.
 El Bosco, El jardín de las delicias.

Arte gótico 2012-13

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