Presentación 2º ESO.

1. EL RENACIMIENTO. UN NUEVO ESTILO ARTÍSTICO.

2. 1. DEFINICIÓN DEL TÉRMINO
RENACIMIENTO.
Es el estilo artístico que nace en Italia en el
siglo XV y que se inspira en los modelos de la
Antigüedad Clásica, no solo artísticos, sino
también literarios y filosóficos. Los artistas
recuperaron las formas armoniosas del arte
griego y romano y rechazaron el estilo gótico.
El ser humano se convirtió en el centro del
arte, y los artistas se preocuparon por plasmar
un ideal de belleza.
EL FORO ROMANO
LA CREACIÓN DE ADÁN.
Miguel Ángel.

3. PRIMER RENACIMIENTO (QUATTROCENTO. S. XV) RENACIMIENTO PLENO (CINQUECENTO S. XVI)
2. CRONOLOGÍA.
Cúpula de la catedral de Florencia. Brunelleschi. San Pietro in Montorio. Roma. Bramante.

4. PRIMER RENACIMIENTO. S. XV.
(QUATTROCENTO)
La capital del Renacimiento es durante este
período Florencia, Una de las ciudades
europeas más ricas, gracias a sus actividades
textiles y financieras.
La familia de mayor poder económico es la
familia Medici, siendo Lorenzo el Magnífico el
principal mecenas de las artes.
Brunelleschi y Alberti construyen las primeras
obras inspiradas en la antigüedad clásica.
CÚPULA DE LA CATEDRAL DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES. Brunelleschi,
Florencia, 1420-1436. BRUNELLESCHI ALBERTI

5. BASÍLICA DEL SANTO ESPÍRITU. Brunelleschi, s. XV. PALACIO PITTI. Brunelleschi, s. XV.

6. FACHADA DE SANTA MARÍA NOVELLA
Alberti, s. XV.

7. PALACIO RUCELLAI. Alberti, s. XV. IGLESIA DE SAN ANDRÉS ( Mantua). Alberti, s. XV.

8. RENACIMIENTO PLENO. S. XVI.
(CINQUECENTO)
La capital del Renacimiento es durante este período
Roma, donde los Papas tratan de recuperar la grandeza
que tuvo la ciudad en la Antigüedad, pero ahora bajo el
signo del cristianismo. El inicio de la Reforma luterana
reafirmará los deseos del papado de convertir a Roma en
el centro de la espiritualidad occidental.
Bramante, Miguel Ángel y Palladio llevan el estilo a su
máxima plenitud clasicista.
SAN PIETRO IN MONTORIO. Bramante, Roma, s. XVI. BRAMANTE MIGUEL ÁNGEL PALLADIO

9. CÚPULA DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO
Miguel Ángel, Roma, 1547-1564.

11. VILLA CAPRA (ROTONDA). Palladio, Vicenza, s. XVI

12. 3. CONTEXTO HISTÓRICO.
A. LOS MECENAS.
El Renacimiento surge en Italia a comienzos del siglo XV de la mano de los mecenas. Los nobles y los burgueses que
gobernaban las ciudades italianas, como los Medicis en Florencia o los Montefeltro en Urbino, abandonaron sus
costumbres feudales y comenzaron a interesarse por la música, la literatura, la filosofía antigua y el arte. Se
convirtieron en mecenas, es decir, en protectores de las artes.

13. B. EL HUMANISMO.
El Renacimiento se relaciona con el
Humanismo, una corriente cultural que
defendía la búsqueda de la verdad a través
de la razón y de la experiencia. Los
humanistas investigaban, discutían los
resultados y defendían el valor de la
reflexión personal.
Los humanistas tenían curiosidad por todo,
pero, sobre todo, por el ser humano, por su
pensamiento, por su educación, por su
historia, por su anatomía. El Humanismo
abandonó el Teocentrismo medieval y
asentó las bases del Antropocentrismo.
Los humanistas defendieron la vuelta a la
Antigüedad clásica, pues se dieron cuenta
que griegos y romanos habían establecido
los mismos valores por los que ahora ellos
luchaban.
Erasmo de Rotterdam

14. LA INSPIRACIÓN EN LA CULTURA
GRECOLATINA.
EL INTERÉS Y LA CURIOSIDAD POR LA
CIENCIA Y EL PROGRESO TÉCNICO.
LA CONFIANZA EN LA
EDUCACIÓN DEL HOMBRE Y
EN LOS VALORES DEL
INDIVIDUALISMO, LA RAZÓN Y
EL ESFUERZO PERSONAL.
.
HUMANISMO
SE REDESCUBRE LA
NATURALEZA,
ESTUDIÁNDOLA
CON RIGOR
CIENTÍFICO, AL
MARGEN DE LA
INTERVENCIÓN
DIVINA EN SUS
MANIFESTACIONES.

15. La pintura representa a Jean de
Dinteville, a la izquierda,
embajador de Francia en
Inglaterra en 1533, como un
humanista.
Se hace retratar con varios
objetos relacionados con el
quadrivium, las cuatro ciencias
matemáticas entre las siete
artes liberales: la aritmética, la
geometría, la música y la
astronomía.
En el estante superior puede
verse una esfera celeste,
objetos de medición del tiempo
y un libro, dispuestos sobre una
alfombra roja con complicados
motivos geométricos.
En el estante inferior hay un
globo terráqueo, dos libros, un
laúd y cuatro flautas en un
estuche.
La presencia de la calavera es,
tal vez, un recordatorio de la
muerte y de la vanidad de las
cosas de este mundo.
LOS EMBAJADORES. Hans Holbein, 1533.

16. 4. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA:
En 1414 se descubre en Montecasino la copia manuscrita de un tratado de arquitectura que iba a revolucionar
el arte: el tratado de Vitrubio, arquitecto, escritor e ingeniero romano del siglo I a.C. Este tratado y las ruinas
de las obras romanas de época clásica se convirtieron, a partir de entonces, en los fundamentos de la
arquitectura italiana del Renacimiento.
RUINAS ROMANAS EN EL FORO DE ROMA. EL TRATADO DE VITRUBIO

17. Hubo un edificio especial que se convirtió
en modelo para los arquitectos del
Renacimiento: el Panteón de Roma.
Era el mejor conservado de la Antigüedad.
Su cúpula se convirtió en el elemento a
imitar por todas las construcciones,
especialmente las iglesias.
EL PANTEÓN DE ROMA. S. II.

18. A. EL VOCABULARIO CLÁSICO.
FRONTÓN
CORNISA
FRISO
ARQUITRABE
CAPITEL
FUSTE
BASA
ARQUITRABE
COLUMNA
LOS ÓRDENES GRIEGOS
Los órdenes eran normas para proyectar cualquier edificio sostenido por
columnas. El orden fijaba la relación proporcional entre el elemento
sustentante y el sustentado para generar una obra bella.

19. CÚPULA DE MEDIA NARANJA
BÓVEDA DE
MEDIO CAÑÓN
ARCO DE
MEDIO PUNTO
FRONTÓN

20. Tres escalones y podium
Columna toscana, con basa, fuste y
capitel.
Entablamento dórico-toscano
Arco de medio punto
Cúpula de media naranja
Cripta bajo el suelo que marca el
lugar en el que fue crucificado san
pedro
SAN PIETRO IN MONTORIO, Bramante, Roma, 1502-1510.
Balaustrada

21. Dos rectángulos son proporcionales si sus diagonales
son paralelas o perpendiculares.
PALACIO FARNESIO. Antonio de Sangallo, Roma, s. XVI
B. LA SINTAXIS CLÁSICA.
• Armonía y proporciones
matemáticas.
• Simetría.
• Equilibrio.
• Espíritu clásico.
• Racionalismo.

22. Es habitual que las fachadas de los edificios se
compongan imitando la forma del arco de triunfo
romano o de los templos antiguos.
ARCO DE TITO. Roma, s. I.
TEMPLO DE AUGUSTO. Croacia, s. I.

23. SAN GIORGIO MAGGIORE. Palladio, Venecia, s. XVI.

24. La iglesia más importante que se construyó fue la de San Pedro en el Vaticano, aunque se concluyó en el Barroco,
ya en el siglo XVII.

25. 5. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA.
La pintura renacentista se caracterizó por el desarrollo de la perspectiva, que permitió dar a las obras sensación de volumen
y profundidad.

26. PUNTO DE FUGA
La perspectiva lineal toma como punto de partida la idea de que cuanto más lejos están los objetos más pequeños se han
de representar, y esta disminución debe hacerse de manera matemática. Se trazaban unas líneas que se unían en un punto
de fuga creando una especie de pirámide visual.

27. La perspectiva lineal no funciona en exteriores,
donde no hay edificios arquitectónicos. Entonces
hay que utilizar la perspectiva “aérea”.
Las figuras no sólo se hacen más pequeñas hacia el
fondo del cuadro, sino que sus límites se hacen
más borrosos y sus colores tienden al gris. Ello es
así por el aire que se interpone entre los objetos y
que vuelve borrosos e imprecisos los contornos y
colores.
Leonardo da Vinci fue el gran teórico de la
perspectiva aérea.
MONA LISA. Leonardo da Vinci, 1506.

28. La imitación de la naturaleza condujo al
abandono de los fondos dorados góticos y
a la utilización de una luz natural para
iluminar las escenas en los cuadros.
Como la luz que aparece en el cuadro es
natural, provoca sombras e ilumina unas
partes mejor que otras. Este juego del
claroscuro produce la sensación de
volumen, de relieve.
Los colores suelen ser suaves, armoniosos,
sin estridencias, bien perfilados por un
dibujo nítido y preciso.
Los fondos se abrían a paisajes naturales,
que daban sensación de lejanía.
MADONNA DEL PRATO. Rafael, 1505.

29. Leonardo perfeccionó el claroscuro
mediante la técnica del “sfumatto”,
según la cual los colores y los
contornos se suavizan mediante
sombras humeantes y vaporosas. Los
cuadros ganaron en naturalismo,
pues las figuras obtenían más relieve
y de una manera más delicada.
Leonardo describía esta técnica
como "sin líneas o bordes, en forma
de humo o más allá del plano de
enfoque“.
MONA LISA.
Leonardo da Vinci, 1506.

30. TECHO DE LA CAPILLA SIXTINA.
Miguel Ángel, 1508-1512.
Para dar sensación de profundidad, los
artistas empleaban el escorzo, que
consiste en representar figuras de forma
perpendicular al espectador.

31. El gusto por la Antigüedad clásica les llevó a preocuparse por el desnudo, las proporciones y la
búsqueda de la belleza ideal.

32. También se realizaron nuevos temas. Siguieron pintándose mayoritariamente escenas religiosas, aunque tratadas
desde un punto de vista más humano, pero se introdujeron motivos mitológicos, paisajes, desnudos y retratos.
EL NACIMIENTO DE VENUS, Botticelli, 1484.

33. BACO Y ARIADNA. Tiziano, 1524.
A veces, los temas
mitológicos decoraban las
habitaciones de los
palacios aristocráticos
para exhibir su erudición
y sus gustos. El cortesano
renacentista es, sobre
todo, una persona
cultivada y versada en la
Antigüedad.
Este cuadro formaba
parte de una serie de
cuadros de tema
mitológico que Tiziano
pintó para el duque de
Ferrara.

34. A veces, el tema mitológico es sólo un pretexto para exhibir un desnudo femenino.
El mecenas encarga la obra para su gabinete particular. Este cuadro fue pintado por Tiziano para un camarín
privado de Felipe II, cuya existencia y ubicación se desconocen. Los amores de Zeus, ¿brindan el tema
adecuado para satisfacer el placer visual del cliente?
DÁNAE Y LA LLUVIA DEL ORO. Tiziano, 1553.

35. Irrumpe con fuerza el desnudo, por imitación de los clásicos. Las figuras religiosas (Jesús, Adán, David) aparecen
desnudas como los antiguos dioses paganos. Los ideales de los héroes de la mitología clásica (la fuerza, el valor, la
belleza) se plasman ahora en los nuevos héroes cristianos. Es la fusión de los ideales paganos y cristianos,
característica del humanismo.
Miguel Ángel, en la Capilla Sixtina, representó el cuerpo humano como no se había hecho hasta entonces.
TECHO DE LA CAPILLA SIXTINA. Miguel Ángel, 1508-1512.

36. Los retratos adquieren mucha
importancia. Habían aparecido ya
en la Edad Media. Pero ahora se
multiplican como expresión del
culto al individuo que trae el
humanismo renacentista.
Los retratos se convirtieron en un
modo habitual de demostrar las
riquezas, la posición social y la
devoción religiosa.
Los primeros retratos
renacentistas representan al
retratado de perfil y de busto, al
modo de las antiguas monedas
romanas.
RETRATO DE GIOVANNA TORNABUONI.
Domenico Ghirlandaio,1489-1490

37. ELQUATTROCENTO
PALACIO GONZAGA DE MANTUA. Mantegna, 1474.
EL NACIMIENTO DE VENUS. Botticelli, 1484.LA TRINIDAD. Masaccio, Florencia, 1428.
LA PRIMAVERA. Botticelli, 1482.

38. ELCINQUECENTO
LA ESCUELA DE ATENAS. Rafael, Roma, 1511.
CARLOS V A CABALLO EN MÜHLBERG. Tiziano, 1548.
TECHO DE LA CAPILLA SIXTINA. Miguel Ángel, 1508-1512.
MONA LISA. Leonardo da Vinci, 1506.

39. 6. CARACTERÍSTICAS
GENERALES DE LA
ESCULTURA.
La escultura también siguió los modelos
de la Antigüedad clásica y adquirió
independencia respecto de la
arquitectura. Por ello prestó una gran
importancia a las proporciones y a los
estudios anatómicos de los personajes, lo
que se reflejó en la proliferación de los
desnudos.
DAVID. Donatello, Florencia, 1440.DORÍFORO. Policleto, s. V a.C.

40. PERSEO Y LA MEDUSA. Benvenuto Cellini, Florencia, s. XVI. DAVID. Miguel Ángel, Florencia, 1501-1504

41. CONDOTTIERO GATTAMELATA, Donatello, Padua, 1453. ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO. S. II.
Otros géneros que se desarrollaron fueron el retrato y la escultura
ecuestre. En ambos casos, las figuras se representaban idealizadas,
con cuerpos y rasgos llenos de belleza, aunque también se
intentaba plasmar la personalidad del retratado.
El condottiero Gattamelata es la primera estatua ecuestre del
Renacimiento fundida en bronce, un monumento al condottiero
Erasmo de Narni, mercenario al servicio de la República de Venecia.
El modelo es el retrato ecuestre de Marco Aurelio.

42. CODOTTIERO GATTAMELATA, Donatello, Padua, 1453.
Al igual que en los retratos
romanos, la penetración
psicológica se conjuga con cierto
aire de nobleza. Es un retrato
realista pero, a la vez, idealizado
de la virtud militar, de la autoridad
sin violencia, de la austeridad y la
contención.
Concebida para ser colocada en un
espacio público, con esta escultura
regresó el gusto por las obras
públicas de Roma.
La finalidad era la misma que la de
los retratos de emperadores:
conservar el recuerdo de quien
había realizado una hazaña y
servir de propaganda de su poder.

43. La mayoría de las esculturas, igual que sucedía en la Antigüedad, se
realizaban en bronce o en mármol.
DAVID (bronce). Andrea Verrochio, 1475.
LA PIEDAD (mármol). Miguel Ángel, Roma, 1496.

44. El primer escultor renacentista fue Ghiberti.
Sus puertas del baptisterio de la catedral de
Florencia estaban decoradas con relieves de
bronce en los que el artista aplicó las leyes de
la perspectiva para dar profundidad a las
escenas
BAPTISTERIO DE FLORENCIA, s. XI.
ADÁN Y EVA. CAÍN Y ABEL.
NOÉ. EL DILUVIO. SACRIFICIO DE ISAAC.
ISAAC, ESAU, JACOB.
MOISÉS RECIBE LAS
TABLAS DE LA LEY.
DAVID Y GOLIAT.
SALOMÓN Y LA
REINA DE SABA.
TOMA DE JERICÓ.
JOSÉ Y SUS
HERMANOS.
TERCERAS PUERTAS DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA (Puertas del Paraíso)
Ghiberti, 1425-1452.

45. SALOMÓN Y LA REINA DE SABA.
Elementos de arquitectura
clásica: frontones, columnas
corintias, entablamentos.
Edificios realizados en
perspectiva (disminuyen de
tamaño en la distancia).
Composición simétrica. Las
figuras se disponen en
grupos simétricos a ambos
lados de Salomón y la Reina
de Saba.
Figuras inspiradas en las
esculturas clásicas romanas.

46. DAVID. Donatello, Florencia, 1440.
El gran escultor del Quattrocento fue
Donatello, que plasmó a la perfección el ideal
de la escultura de este período en obras como
el David.
Primer desnudo integral, de bulto redondo,
fundido en bronce del Renacimiento.
Perfección anatómica, actitud serena,
movimientos suaves. Aire clásico.
Tema religioso: representa a David después
de vencer a Goliath y cortarle la cabeza.
David es representado como los héroes de la
Antigüedad clásica: desnudo.
La postura que adopta (el peso del cuerpo
sobre una pierna mientras la otra pierna
descansa) se denomina contraposto y está
inspirada en las esculturas clásicas.

47. Miguel Ángel
es la gran figura del Renacimiento
italiano. Se dedicó a la arquitectura y a la
pintura por presión de sus mecenas
artísticos, los Medici de Florencia y los
Papas de Roma, pero él siempre se
consideró un escultor.
Fue el único artista de los antiguos que
tuvo en vida dos biografías. Fue
idolatrado por príncipes, papas y público
en general, e influyó en todos los artistas
del Cinquecento, tanto escultores como
pintores y arquitectos.
Representa como ningún otro al artista
del Renacimiento, versado en todas las
artes, fascinado por el mundo clásico y
por la belleza formal. En todas sus obras
se puede observar un tema central: el
estudio y la representación del carácter
humano a través de la expresión y de los
movimientos del cuerpo.

48. LA PIEDAD. Miguel Ángel, Roma, 1496.LA PIEDAD DEL ARCEDIANO DESPLÁ. Bartolomé Bermejo, 1490.
Tenía 21 años cuando realiza “La Piedad”.
Miguel Ángel no copia a sus maestros, inventa según su propia personalidad. A diferencia de lo que era habitual
en el mundo flamenco, en su obra no hay dramatismo (no hay dolor ni exaltación de sentimientos), ni realismo (la
Virgen, niña, no parece mayor en edad que Jesús). A cambio, propone figuras serenas e idealizadas, buscando la
belleza a la manera antigua.

49. Tomó David su cayado en la mano, escogió en el torrente cinco
cantos lisos y los puso en su zurrón de pastor, y con su honda
en la mano se acercó al filisteo (…). Volvió los ojos el filisteo, y
viendo a David lo despreció porque era un muchacho rubio y
apuesto (…). Dijo David al filisteo: tú vienes contra mí con
espada, lanza y jabalina, pero yo voy contra ti en nombre de
Yavéh (…).
Libro I de Samuel.
DAVID. Miguel Ángel, Florencia, 1501-1504.

50. Con Donatello, Miguel Ángel comparte el desnudo
idealizado, los movimientos suaves, el contraposto, la
frontalidad, la inspiración clásica, incluso el mensaje:
la figura bíblica encarna las virtudes de la república
florentina, el valor, el coraje, la fortaleza. La figura es
la unión del Hércules pagano y el héroe cristiano.
Pero hay algo nuevo. El momento elegido permite
profundizar en el “pathos”, la tensión interior, que queda
subrayada por una serie de recursos expresivos: el ceño
fruncido, las pupilas marcadas, el cabello alborotado, las
venas marcadas en la mano. A esta forma expresiva de
mostrar la tensión interna del personaje se le conoce con
el nombre de terribilitá.

52. El Señor dijo a Moisés: "Sube hasta mí, a la
montaña, y quédate aquí. Yo te daré las tablas de
piedra, con la ley y los mandamientos, que escribí
para instruirlos".
Entonces Moisés se levantó junto con Josué, su
ayudante, y subió a la montaña de Dios (…). Allí
permaneció cuarenta días y cuarenta noches (…).
El Señor dijo a Moisés: "Baja en seguida, porque
tu pueblo, ese que hiciste salir de Egipto, se ha
pervertido.
Ellos se han apartado rápidamente del camino
que yo les había señalado, y se han fabricado un
ternero de metal fundido. Después se postraron
delante de él, le ofrecieron sacrificios y
exclamaron: ‘Este es tu Dios, Israel, el que te hizo
salir de Egipto’".
Por eso, déjame obrar: mi ira arderá contra ellos y
los exterminaré.(…).
Cuando Moisés estuvo cerca del campamento y
vio el ternero y las danzas, se enfureció, y
arrojando violentamente las tablas que llevaba en
sus manos, las hizo añicos al pie de la montaña.
Después tomó el ternero que habían hecho, lo
quemó y lo trituró hasta pulverizarlo. Luego
esparció el polvo sobre el agua, y se la hizo beber
a los israelitas(…).
Éxodo, 4.
MOISÉS.
Miguel Ángel, Roma, 1513-1515.