Exhibition catalogue

2. www.openartcodeparis.com
Exhibition organisation
Studio Abba and Mary Brilli
Catalogue editing
Carlotta Marzaioli
Text translation
Lara Cox www.traduzioni-firenze.com
© 2013 Studio Abba
www.studioabba.com
Reproduction and diffusion of this catalogue
or any part of it by electronic storage, hard
copies, or any other means, are prohibited
unless a written consent is obtained from the
copyright holders.

3. 22 artistes internationaux
4 - 8 décembre 2013
OpenArtCode
Salon des Artistes Indépendants
- ART en CAPITAL Grand Palais - Paris - France
w w w. o p e n a r t c o d e p a r i s . c o m

4. OA
OpenArtCode and the Société des Artistes Indépendants
(Society of Independent Artists) in ART en CAPITAL
For the sixth consecutive year, Studio Abba from Florence returns to the Grand Palais with the
international group of artists ‘OpenArtCode’, thanks to the successful initiative, the good feeling and
generosity of heart of a fellow artist, Mary Brilli.
Perfectly integrated into the Salon of the Société des Artistes Indépendants, it is with pleasure that we
host the twenty-two artists of this group. This international group is remarkable for its charity work
and the wealth of pictorial expression and I note with great satisfaction their loyalty to the Société des
Artistes Indépendants, clearly expressing our society’s motto: «Dans l'art, la liberté est la meilleure
alliée de la création originale.» (“In art, freedom is the closest ally of original creation".)
Over the years, the morphology of their art has taken on new hues. Individually of course, but also as a
group. In reality, the versatile group OpenArtCode uses many different techniques, including the most
avant-garde, helping to build the global vision of art in the making.
In the creative humanism of this event, we look forward to welcoming you among us, to keep the spirit
of a great celebration of colour, and we hope that this Salon will be, in all respects, a great success for
all of you.
Dominique Chapelle
President of the Société des Artistes Indépendants
Vice President Art en Capital 2013
President of the ‘Fédération des Salons Historiques du Grand Palais’ 2013

5. AC
OpenArtCode et la Société des Artistes Indépendants
dans le cadre d’ART en CAPITAL
Pour la 6ème année consécutive le Studio Abba de Florence se retrouve sous la célèbre verrière du
Grand Palais, avec le groupe d’artistes internationaux d’OpenArtCode, et cela grâce à l'heureuse
initiative, la bonne humeur et la générosité de cœur légendaires de Mary Brilli.
Parfaitement intégré au Salon de la Société des Artistes Indépendants, c’est donc avec joie que nous
recevons 22 artistes de ce groupe.
Entre ce groupe international, remarquable par ses actions caritatives et la richesse de ses expressions
picturales, nous remarquons avec grande satisfaction, sa fidélité à la Société des Artistes Indépendants.
Cela exprime bien la communauté de notre idéal: «Dans l'art, la liberté est la meilleure alliée de la
création originale.»
Au fil des années la morphologie de l'art prend de nouvelles teintes. Individuellement certes, mais
davantage en groupe. En réalité, l'équipe protéiforme d'OpenArtCode, laquelle utilise toutes les
techniques, y compris les plus avant-garde, contribue à forger la vision mondiale de l'art en devenir.
Dans l'humanisme créatif de cet événement, nous nous réjouissons de vous accueillir parmi nous,
d'avoir su vous garder et dans l'esprit d'une grande fête de la couleur, nous souhaitons que ce Salon
soit, sur tous les plans, une grande réussite pour tous.
Dominique Chapelle
.Présidente de la Société des Artistes Indépendants
.Vice-présidente Art en Capital 2013
.Présidente de la Fédération des Salons Historiques du Grand Palais 2013

6. Isabel Becker
Brésil
Isabel Becker est née et vit à Rio de Janeiro. Elle a obtenu un diplôme en
communication visuelle en 1990 et a commencé à étudier la photographie
à Oxford, en Angleterre. Deux ans plus tard, elle s'est imposée comme
photographe de mode et life style dans le journal brésilien O Globo, et
a commencé à prendre des photos pour les catalogues de mode et les
magazines publiés par Editora Abril. Sa première exposition personnelle a
eu lieu en 1995, avec d'amusantes images de villes européennes. En 2000,
elle a créé puis dirigé le projet d’art Photo Gallery, qui présentait le travail
de célèbres photographes de Rio de Janeiro et São Paulo. En explorant
différents thèmes, Isabel s'est immergée dans l'univers des épouses, des
portraits de famille et des enfants. Le résultat est un ensemble d’œuvres
qui s’intéressent à la relation entre le photographe et son sujet, qu'il
s'agisse d'une personne, d'un paysage ou d'un objet.
Isabel Becker was born and lives in Rio de Janeiro. She received her
degree in Visual Communications in 1990 and studied photography in
Oxford, England. Two years later, she made her name as a fashion and
lifestyle photographer in the Brazilian newspaper O Globo and started
shooting pictures for fashion catalogues and magazines published by
Editora Abril. In 1995, she held her first individual fine art exhibition that
featured playful images of European cities. In 2000, she created and was
the curator of the fine art project Photo Gallery, which displayed the work
of renowned photographers from Rio de Janeiro and São Paulo. Exploring
different themes, Isabel immersed herself in the world of brides, family
portraits and children. The result is a body of work that looks at the
relationship created between the photographer and the subject, whether
it is a person, landscape or object.
www.isabelbecker.com.br

7. Private nest
Photographie sur papier coton 100x100cm

8. Hv
France
Hervé Bindefeld, né en 1965 à Paris, fut un adolescent captivé par la photographie.
Il avait alors décidé de s’en éloigner car la photographie reposant sur la prise
de vue instantanée ne lui permettait de jouer de transparences, surimpressions
et autres distances prises avec le réel. Il deviendra médecin et laissera mûrir
sa passion. Voilà des années, il reprend ses appareils reconsidérant toute
l’expressivité désormais offerte par les nouvelles technologies appliquées à la
photographie. Sa fibre créative l’amène à réaliser un travail de mises en scène
photographiques à partir de sculptures de rue sur le thème de l’animation, de
la vie. Il devient "Hv", artiste photographe avec son écriture propre et sa griffe
éminemment reconnaissable. Sa touche contemporaine sur des sculptures
anciennes est à la fois très émouvante et très surprenante. Suite au succès de
plusieurs de ses expositions internationales, notamment à Paris, Bruxelles,
Florence, Miami, Hv est devenu l’un des artistes permanents d’une galerie à
Paris et d’une autre à New-York. En 2013, il a gagné le premier prix au Chianti
Star Festival en Italie.
Hervé Bindefeld, born in 1965 in Paris, was already passionate about photography
as an adolescent. However at that time he decided not to take it up as a
professional career as he felt that photography was based on an instant shot
and it was not possible to play with transparencies, overprints and other ways
of moving away from reality. He subsequently became a doctor but it was years
later, that he picked up his camera again, given the vast expressive possibilities
that are now offered by today’s technology when applied to photography. His
creative streak inspired his photographic compositions that looked at street
sculptures with the themes of animation and life. At that stage of his artistic
career he took on the artistic name of “
Hv,” a fine-art photographer with
his own vocabulary and recognisable style. His contemporary take on antique
sculptures is emotionally moving and certainly surprising. After the success of
several exhibitions worldwide including Paris, Brussels, Florence, Miami, Hv’s
artistic photography is available permanently in a gallery in Paris as well as one
in New York. In 2013, he won first prize at the Chianti Star Festival, Italy.
www.art-transfiguration.com

9. Bacio piazza Venezia
Photographie 120x180cm

10. Mary Brilli
France|Italie
Seuls ceux qui connaissent Mary Brilli peuvent vraiment comprendre sa
forte personnalité. En connaissant son monde, son travail, ses amours,
ses passions, on peut analyser son comportement qui est libre, critique,
anticonformiste. En réalité, avec ses œuvres, elle reflète sa plus grande
intime religiosité pour l’imagination, pour la satire et désire nous faire
savourer sa critique, sans préjugés, à ce monde aussi irrationnel que
complexe. Artiste éclectique, Mary Brilli mélange les genres: peinture,
sculpture, dessin, travail sur soie et aussi collages peints, créations pour
Hermès-Paris, installations… Son amour de l’art s’exprime également par
l’écriture: poèmes et journalisme.
Tels sont ses champs de création, sans oublier ses actions humanitaires:
elle a été lauréate du Trophée de la Réussite au Féminin qu’elle a reçu à
Paris au Ministère des Affaires étrangères en décembre 2011.
Only those who know Mary Brilli can really understand her strong artistic
personality and by knowing her world, her work and her loves and
passions, can we see her as a free, self-critical and unconventional artist.
In reality, her works reflect her great faith in imagination and in satire and
she wants the viewer to reflect on her criticism, without prejudice, of this
irrational and complex world.
An eclectic artist, Mary Brilli works in many genres: painting, sculpture,
drawing, silk and painted collages, creations for Hermès-Paris and
installations, to name just some. This love of art is also expressed in
writing through poetry and journalism. This is her creative side, but her
humanitarian work must not be forgotten either: indeed she received the
award, Trophée de la Réussite au Féminin, from the Ministry of Foreign
Affairs in Paris in December 2011.
www.marybrilli.com

11. Clin d’œil (Détails)
Technique mixte Triptyque 243x120cm

12. Emmanuel De Brito
France
Emmanuel de Brito est un photographe né à Domont (France) en 1972. Il a
obtenu son degré d'ingénieur civil à l'Université de Lyon et a ensuite étudié
la chimie et la physique à Paris. Il a travaillé comme ingénieur du bâtiment et
a dessiné le théâtre des Sablons à Neuilly-sur-Seine, ville dans laquelle il vit
actuellement à côté de Paris. Il y a cinq ans, il s’est découvert une passion pour
la photographie et il est maintenant photographe free-lance. Il prend du plaisir
à redécouvrir des paysages urbains, à travers son objectif et avec sa touche
minimaliste. Beaucoup de ses photos sont prises dans des villes comme New
York, Paris, Venise, montrant par exemple leurs lignes d'horizon et leurs graffiti.
Un autre de ses sujets récurrents est la nature qui entoure les hommes; le détail
est fondamental pour son art et à travers ce détail le spectateur voit ce qu'il ne
voit plus d'habitude parce que dans la routine il n'y donne pas de valeur. De
Brito a été exposé en 2011 et 2012 en France et en Italie, et en 2013 il a gagné le
deuxième prix au Chianti Star Festival en Italie.
Emmanuel De Brito is a photographer born in Domont (France) in 1972. He
graduated in Civil Engineering from Lyon University and subsequently studied
chemistry and physics in Paris. He worked as a building engineer and designed
the Sablons Theatre in Neuilly-sur-Seine, a suburb of Paris where he currently
lives. Just over five years ago, De Brito became extremely passionate about
photography and he now works as a freelance photographer. He takes great
pleasure in rediscovering urban landscapes, through his lens with his minimalist
touch. Many of Emmanuel De Brito's photos are taken in cities such New York,
Paris, and Venice, showing for example, their skylines or graffiti walls. Another
recurring subject is nature that surrounds human beings. Detail plays an
important role in his photography and through this detail the viewer sees what
he had become blind to as it had become part of daily routine and its value was
no longer be appreciated. De Brito has participated in group exhibitions in 2011
and 2012 in France and Italy and in 2013 he won second prize at the Chianti Star
Festival, Italy.
http://astonmanudb7.darqroom.com/

13. Isla Patria
Photographie 100x150cm

14. Loes de Haan
Pays-Bas
Loes de Haan est une artiste hollandaise célèbre avec un curriculum long et
impressionnant dans toutes sortes d’arts: peinture, techniques mixtes sur
papier, peintures murales, conception graphique et scénographie. Ses œuvres
ont été présentées dans des expositions internationales et ses poèmes ont
également été publiés. Elle s’est aussi consacrée aux personnes qui souffrent
de toutes sortes d'abus. Pour cette raison, elle a choisi de passer deux ans sur
un projet humanitaire pour terminer sa carrière de professeur d’arts plastiques
dans un lycée. Le but de ce projet est d'expliquer la Déclaration universelle
des droits de l'homme à travers 5 toiles et 15 cartons. Ces supports ont déjà
été exposés en Espagne, en Italie et aux Pays-Bas et ils continueront à voyager
aussi longtemps que nécessaire pour venir en aide aux personnes abusées. Les
réactions que ce projet d'art produit sont très enrichissantes: aux Pays-Bas, des
groupes d’élèves du secondaire ont discuté les sujets et participé activement au
projet. Loes souhaite que sa peinture touche le cœur des gens partout dans le
monde, parce que l'art est un langage universel qui n’a pas besoin de mots.
Loes de Haan is a well-known Dutch artist with a long and respected curriculum
in a variety of art techinques including painting, mixed media on paper, murals,
graphic design and theatre design. She has had international exhibitions and her
poetry has been published.
She has also dedicated herself to people who suffer from abuse. For this reason,
she chose to work on a two-year human rights project after she changed her
profession from being a high school teacher of the arts. Through five of her
canvases and fifteen works on board that have already been exhibited in Spain,
Italy and the Netherlands, this project defends the Universal Declaration of
Human Rights. The artist hopes that the artworks can continue to be exhibited
as long as they can help these abused sufferers. The reactions that this art
project evokes are very rewarding for the artist, for example as a result of
seeing her work, groups of high school students in The Netherlands have
actively participated in this project. Loes wants her painting to reach the hearts
of people everywhere, as she considers art as a universal language that speaks
without words.
www.loesdehaan.nl

15. Black Skape
Acrylique sur toile 90x90cm

16. Christine Drummond
Brésil
Christine Drummond est née et a grandi au Brésil. Elle a suivi sa formation au
lycée français de Rio et se considère comme une véritable "carioca", c'est-à-dire
comme une personne qui naît et grandit à Rio de Janeiro. Une "carioca" profite
de la vie, croit en son avenir, est optimiste et Christine transmet ces éléments
dans sa peinture. En 1999, elle déménage aux États-Unis où elle commence
à peindre, au pinceau mais sans texture. Les résultats révèlent des œuvres
extrêmement colorées qui représentent son pays natal. En 2004, elle visite une
exposition des travaux du professeur Ablade Glover. Cela l'aide à définir son
style et à lui donner le sens de la liberté. Avec ses traits de couteau audacieux,
elle crée de la texture qui à son tour crée des formes et des couleurs s'animant
sur la toile. Aujourd'hui, le travail artistique de Christine Drummond est exposé
dans le monde entier dans des expositions collectives et personnelles, dont
récemment avec le groupe OpenArtCode au Salon des Artistes Indépendants au
Grand Palais de Paris en 2010-2012 ou en solo à la Galerie Butler Goode à Sydney
en Australie. Elle a gagné le prix du concours GemlucArt à Monaco en 2011. Ce
prix a consisté en une exposition personnelle à la Galerie Ribolzi à Monaco en
2012, exposition qui a été couronnée de succès.
Christine Drummond was born and raised in Brazil. She received her formative
education at the French Lycée in Rio and sees herself a true “carioca”, meaning a
person born and raised in Rio de Janeiro. A “carioca” enjoys life, has faith in the
future and is an optimist and she brings these characteristics into her paintings.
In 1999, she moved to the US and started painting using brushes but with no
texture, the results revealed extremely colourful artworks that always depicted
her native country. In 2004, she saw a display of Professor Ablade Glover’s work
and this helped her to define her style and gave her a sense of freedom. With the
bold strokes of her palette knife, she creates texture that in turn creates shapes
and colours that become alive on her canvas. Today, Christine Drummond’s
artworks are shown worldwide in collective and personal exhibitions, most
recently with OpenArtCode group in the Salon des Artistes Indépendants in the
Grand Palais, Paris in 2010-2012, and the solo exhibition at the Butler Goode
Gallery in Sydney, Australia. Christine won the Prix du Concours at GemlucArt,
Monaco 2011 and the prize was a subsequent, extremely successful, solo
exhibition held at Gallery Ribolzi in Monte Carlo in 2012.
www.chdrummond.com

17. Anoitecer na Rocinha
Huile sur toile 75x75cm

18. Sharina Gumbs
Aruba|Pays-Bas
Sharina Gumbs, également connue sous le nom de Peepsqueek, est née à Aruba.
Elle a émigré aux Pays-Bas à l'âge de sept ans et a grandi dans ce pays étranger
où elle s’est toujours sentie comme en visite, n’attendant que de retourner chez
elle. Son père était resté à Aruba avec son épouse et sa famille et il se passera
plus de 13 ans avant qu'elle ne le revoie. Grandir sans père a fait d'elle une
personne réfléchie, une rêveuse, en perpétuelle exploration du sens de l'amour,
de la famille, de l'identité et des relations. Incapable, parce qu’une enfant,
d'exprimer ses émotions en mots, elle a trouvé une échappatoire dans le dessin
et l'écriture. Son objectif principal en tant qu'artiste est de voir et de montrer
les gens tels qu'ils sont, avec son cœur et sans les juger. Elle cherche un langage
universel à travers l'art, une langue qui est capable d'unir les personnes. Son
intérêt pour l’humain l’a conduite à étudier les sciences du comportement et à
son métier initial de travailleur social. Ce n'est qu’à l’approche de la quarantaine
qu’elle s’est autorisée à libérer l'artiste qui était en elle. En est résulté son travail
abstrait qui est une réflexion très dynamique et intuitive sur sa propre identité.
Sharina Gumbs, also known as Peepsqueek, was born in Aruba. She emigrated
to the Netherlands at the age of seven and grew up in what felt to her a foreign
country where she felt like a visitor, and she always longed to return home. Her
father had remained in Aruba with his wife and family and it would take thirteen
more years before she saw him again. Growing up without a father made her into
into a thinker and a wonderer and she has always explored the meaning of love,
family, identity and relationships. Unable to express her emotions in spoken
words as a child, she found an escape in drawing and writing. Her main purpose
as an artist is to see and show people as they are, from the heart, without judging
them. She searches for a universal language through art, a language which is
able to unite people. Sharina’s interest in the human character led to her study
behavioural science and to her initial profession as a social worker. It was not
until her early forties that she allowed herself to unleash the artist within and
as a result, her abstract art is a very dynamic and intuitive reflection on her own
being.
www.sharinagumbs.com

19. Warrior I
Acrilyque sur bois 70x100cm

20. Evelyne Huet
France
Née en 1955 à Paris, Evelyne Huet est mathématicienne de formation. Elle
a également étudié l’anthropologie. Fortement imprégnée des cultures et
des arts des sociétés dites primitives, sa peinture parle depuis longtemps
des femmes et des petites filles, et en particulier de leur courage face aux
situations de violences et aux conditions d'existence extrêmement difficiles
qu'elles sont très nombreuses à subir un peu partout dans le monde, à des
degrés divers. Celles qu’elle peint ne se vivent pas comme des victimes. Elles
ne sont jamais résignées et beaucoup sont même en résistance mentale
active.
Elle s’attache à simplifier leur représentation à l’extrême, par envie d’alléger
la lecture de ses toiles et surtout d’éviter le registre du pathos et de l’explicatif
tout en donnant à voir ce qui lui semble être essentiel.
Membre du groupe d’artistes internationaux OpenArtCode, Evelyne Huet vit
à Paris et expose régulièrement seule ou en groupe en France et à l’étranger
(en Italie, Espagne, en Israël et en Chine). Elle est aussi l’une des artistes de
la Galerie Teodora à Paris.
Born in 1955 in Paris, Evelyne Huet is a mathematician by training. She has
also studied anthropology. Strongly influenced by the cultures and arts of
societies seen as primitive, her paintings have long sought to depict women
and girls and in particular, the courage they display in the face of violent
situations and extremely difficult living conditions many of them have to
confront to varying degrees. The women she paints do not see themselves
as victims and never resign themselves to their fate, on the contrary many
actively challenge their circumstances from within.
She endeavours to simplify her representations to the extreme to provide
a “lighter” reading of her paintings and most importantly to avoid evoking
pathos and having to ‘explain’ her work, whilst aiming to show only what she
believes to be essential.
A member of the OpenArtCode group of international artists, Evelyne lives
in Paris and her paintings are regularly displayed in solo and group shows
in France and abroad (Italy, Spain, Israel and China). She is also one of the
artists of the Galerie Teodora, Paris.
www.evelynehuet.com

21. Chères disparues
Acrilyque sur toile 97x130cm

22. Sumio Inoue
Japon
Sumio Inoue est né en 1948 à Tokyo, au Japon. Il a étudié les techniques de la
photographie à l’Académie du Design de Tokyo de 1968 à 1970 puis au Centre du
Design du Japon de 1970 à 1974. Il a commencé sa carrière dans la photographie
commerciale, avant de passer à la photographie artistique en 1990. Sumio vit
et travaille à New York mais passe une partie de l’année à Tokyo. Ces dernières
années, il a soigneusement développé une série appelée Silenzioso: images
imprimées sur du papier de riz fait-main, un procédé qui prend plusieurs mois.
Intérieurs d’église, monuments importants, villes et paysages urbains sont
imprimés avec une infinité de nuances et d’ombres monochromes très intenses.
Donner à voir quelque chose là où il n’y a rien à voir, en dévoilant et en évoquant
des espaces inconnus avec un pathos antique destiné à stimuler l'imagination
du spectateur, tels sont les objectifs essentiels du travail de Sumio. Il a présenté
ses œuvres à Tokyo, New York, Londres, Paris, Deauville, Florence, Barcelone,
en Grèce et au Mexique. Il est membre du groupe OpenArtCode et a participé
aux WorldArtVision Cancun et Barcelona. En 2007, Sumio a gagné le premier prix
de la photographie à la Biennale de Florence et il a remporté le Prix du Jury au
GemlucArt à Monaco en 2009.
Sumio Inoue was born in 1948 in Tokyo, Japan. He studied photographic
techniques at Tokyo Design Academy from 1968 to 1970 and at the Japan
Design Center from 1970 to 1974. He began his career working in commercial
photography and in 1990 changed to artistic photography. He lives and works
in New York but still spends part of the year in Tokyo. Inoue has spent the
past years carefully developing a series called Silenzioso: images printed on
handmade rice paper, a process that takes several months. Church interiors,
important monuments, town and cityscapes are printed with intensified focus
and in infinitely monochromatic shades and shadows. To see something where
nothing can be seen, uncovering and evoking unknown spaces with an antique
pathos and to provoke one’s imagination, are the primary goals of Sumio’s art.
He has had successful exhibitions in Tokyo, New York, London, Paris, Deauville,
Florence, Barcelona, Greece and Mexico. He is a member of the OpenArtCode
group and also participated in WorldArtVision Cancun and Barcelona. In 2007,
Sumio won the first prize for Photography at the Florence Biennale and won the
Prix du Jury at GemlucArt, Monaco 2009.
www.sumioinoue.com

23. Silenzioso #52
Photographie imprimée sur papier de riz fait à la main par l’artiste 65x79cm

24. Maz Jackson
Royaume-Uni
"J'ai un profond intérêt pour les traditions de la pratique artistique, en
ce qui concerne la couleur, la marque de fabrique. L’œuvre jaillit de tout
ce qui existe: la communication, le rire, le toucher, la tension, le vol, le
paysage, les espaces et les choses sacrées."
Maz Jackson vit et peint à Norfolk au Royaume-Uni. Suivant les traditions
du XVe siècle de Cennino Cennini, elle traduit sa vision artistique en
pigments minéraux naturels mélangés avec du jaune d'œuf et de l’eau
distillée. Elle étend cette détrempe à l'œuf sur des panneaux de chêne
entre les formes dorées de feuilles d'or et ce procédé de réalisation lui
prend souvent deux ou trois ans pour finaliser une œuvre. Elle a gagné de
nombreux prix et est exposée et collectionnée dans des musées en GrandeBretagne, en Europe, aux États-Unis, en Chine, au Japon et au Mexique.
Son œuvre continue à évoluer sous différentes formes: détrempe à l'œuf,
gravure et livres uniques faits à la main.
"I have a deep interest in traditions of practice, in colour, mark-making
and edge. Imagery springs from anything that exists: communication,
laughter, touch, tension, flight, landscape, the spaces between and things
sacred."
Maz Jackson lives and paints in Norfolk. Following the methods of the
15th century painter Cennino Cennini, she depicts her artistic vision in
ground mineral pigments together with egg yolk and distilled water. The
tempera is laid down on gessoed oak panels between forms in gold leaf
and a work can often take up to two or three years to complete. Her
award-winning art has been exhibited and collected in museums in Great
Britain, Europe, USA, China, Japan and Mexico. Her imagery continues to
evolve in the various art forms: tempera, prints and in unique hand-made
books.
www.mazjacksonart.com

25. Is anyone listening
Tempera à l’œuf sur panneau de chêne 28x165cm

26. Margaret LaBounty
États-Unis
Le travail de l'artiste aux multiples facettes, Margaret LaBounty, reflète le
continuum de la vie et l'exploration spirituelle du temps et des lieux. La technique
artistique unique de LaBounty est une technique de caméléon dans une synthèse
de couleurs exquises et de matières brutes, évocatrice d'espaces sereins et des
cycles naturels de l'eau, l’air, la terre, le feu-soleil, la lune et les étoiles. A partir
des canyons de roche rouge du Sud-Ouest des États-Unis, en passant par le
soleil éternel des Îles Hawaii, la voie créative de LaBounty forme comme un
grand cercle jusqu’aux sommets enneigés du Colorado. Peut-être mieux connu
par ses sculptures à la main et ses terres cuites, son travail est construit à partir
de matériaux naturels comme l'argile, le bois, le cactus, la pierre, les métaux et
les chaleureux tons de laiton et de cuivre. Les extraordinaires Totems créés par
LaBounty cherchent à préserver les couches mémorielles d'une culture ancienne
évidemment fragile. Comme s’ils étaient sculptés par le vent et par l'eau, ils
racontent des histoires anciennes chères à l'humanité.
The work of multifaceted artist, Margaret LaBounty reflects the continuum of
life and spiritual exploration of time and place. LaBounty’s unique artistry is
chameleon-like in its synthesis of exquisite colour and raw materials, evocative
of serene spaces and the cyclical nature of water, air, earth, fire – the sun, moon
and stars. From the expansive red rock canyons of the south-western area of the
USA – through the liquid eternal sunshine of the Hawaiian Islands – LaBounty’s
creative pathway has essentially come full circle to the snow capped peaks of
Colorado. Perhaps best known for hand sculpted, high-fired, clay sculptures,
her work is comprised of natural materials indigenous to the earth such as clay,
wood, cactus, rock, and the warm-tone metals of brass and copper. LaBounty’s
extraordinary Totem creations seek to preserve small slices of a fragile ancient
culture. As if carved by the wind and water, they tell ancient stories held dear
to mankind.
www.rockspeaks.com

27. Poppies under a Midwest sky
Acrilyque sur toile 92x153cm

28. Mary Lonergan
États-Unis
“Il peut arriver qu’une toile vous atteigne et vous prenne, exigeant votre
présence. J’aime ça. Cela laisse entendre qu’on est vivant, peu importe à
quel point on a pu essayer de s’enterrer.”
Mary Lonergan, artiste autodidacte, stimule une forte réponse émotionnelle,
intellectuelle et physique de la part de celui qui regarde, en utilisant des
couleurs vives et du mouvement. Mary croit fermement aux vertus curatives
de l'art. Influencée par Peter Max, Wolf Kahn et Julian Schnabel, elle a
présenté sa première exposition en Italie en 2007 et a récemment participé
à une exposition de groupe à la Galerie Gora à Montréal, au Canada. Mary vit
actuellement en Californie du nord et elle est membre du Berkeley Art Center
de Berkeley et de la galerie Pro Arts à Oakland. Elle est aussi la co-fondatrice
et l’organisatrice de Art Among Us, une exposition d’art des employés du CBS
Interactive à San Francisco. Elle a également participé à plusieurs reprises à
des expositions du groupe OpenArtCode.
“A certain artwork can reach out and grab you, demanding your presence.
I like that. It lets you know that you’re alive, no matter how deeply you’ve
tried to bury yourself.”
Mary Lonergan, a self-taught artist, stimulates strong emotional, intellectual
and physical responses in the viewer, using vibrant colours and movement
and she truly believes in the curative properties of art. Her influences include
Peter Max, Wolf Kahn and Julian Schnabel. She had her first public exhibition
in Italy in 2007 and more recently has participated in a group show at Galerie
Gora in Montreal, Canada. Mary currently resides in Northern California and
is a member of the Berkeley Art Center in Berkeley and Pro Arts Gallery in
Oakland. She is also the co-founder and curator of Art Among Us, an employee
art exhibition at CBS Interactive in San Francisco and she has exhibited with
the OpenArtCode group on several occasions.
www.marylonerganart.com

29. Homage to Seymour + Avedon
Acrylique sur toile 91x122cm

30. Marie Miramont
France
Marie Miramont est née à Toulouse en 1956. Elle était une
physiothérapeute mais elle a dû arrêter de travailler à cause de sa vue. Elle
s'est alors passionnée pour la calligraphie et a participé à l'atelier de Kitty
Sabatier à Toulouse. Elle est maintenant une experte de la calligraphie en
noir et blanc: "Une peinture qui allie la tradition de l'écriture tout en la
réinterprétant et qui maîtrise l'espace." (Kitty Sabatier). Sa grande habileté
avec les instruments et les encres lui a permis de créer des œuvres d'art
contemporaines uniques et puissantes. "Marie jette l'encre de Chine sur
la toile où la tache devient visage pour jouer avec l'inconscient et là, sa
spontanéité a gagné le pari de l'équilibre"(Michel Picard). Elle a remporté
le prix Artist of UNESCO en 2011 et a eu des expositions collectives et
personnelles en Italie et en France.
Marie Miramont was born in Toulouse in 1956. She began her working
life as a physiotherapist but was forced to stop due to failing eyesight.
As a result, she became very interested in calligraphy and studied at the
Kitty Sabatier Atelier in Toulouse. She is now an expert in black and white
calligraphy: “A painting that combines the tradition of writing while
reinterpreting and controlling space” (Kitty Sabatier). Indeed, her great
ability to use tools and inks allows her to create unique and powerful
contemporary works of art. “Marie throws ink on the canvas and the stain
becomes the area where she plays with the unconscious and where her
spontaneity wins the equilibrium” (Michel Picard). She won the Artist of
UNESCO prize in 2011 and has participated in various collective and solo
exhibitions in both Italy and France.
www.mariemiramont.fr

31. Sans titre
Encre et pigment sur papier coton 98x127cm

32. George Oommen
États-Unis
Basé à Boston, George Oommen est un architecte et un peintre formé à
Harvard, dont l'art est inspiré par les souvenirs d'une enfance passée sur la côte
d'épices du Kerala en Inde. Ses paysages entraînent les spectateurs dans un
voyage enchanté, reflétant les vues verdoyantes, les voies navigables pleines
de sérénité et les cieux baignés de soleil du Kerala. Certains de ces voyages
sont mystiques comme la collection intitulée “Sacred Spaces Within You.” Ces
compositions abstraites sont inspirées par des temples indiens "où les pèlerins
sont transportés des espaces laïcs au sanctuaire intérieur du soi spirituel."
L'art de Oommen est très polyvalent. Il est tactile, émotionnel, spirituel et
aussi sensuel que les couleurs vives des saris de soie qui lui ont inspiré sa série
Kanjeevaram. Ses explorations artistiques ont créé un style esthétique unique
qui reflète la mousson et les images balayées par la pluie de sa patrie imaginée.
Oommen a eu des expositions rétrospectives, collectives et individuelles aux
États-Unis et en Russie. En février 2014, le Centre d'Art Sunaparanta de Goa
accueillera une exposition personnelle de George Oommen.
George Oommen is a Boston-based, Harvard-educated architect and painter
whose art is inspired by the memories of a childhood spent in the spice coast of
Kerala in India. His landscapes take viewers on enchanted journeys, reflecting
the verdant views, serene waterways and sun-drenched skies of Kerala. Some
of these journeys are mystical, such as the collection entitled “Sacred Spaces
Within You.” These abstract compositions are inspired by Indian temples
“where pilgrims are conveyed from secular spaces to the inner sanctum of one’s
spiritual self.”
Oommen’s art is very versatile. It is tactile, emotional, spiritual and as sensual
as the vivid colours of the silk saris that have influenced his Kanjeevaram series.
His artistic explorations have created a unique aesthetic style that mirrors the
monsoon and the rain-swept visuals of his imagined homeland. Oommen has
had various retrospective, solo and collective shows in the USA and in Russia
and in February 2014, the Sunaparanta Goa Centre of Art in India will be hosting
Oommen in a solo show.
www.goommen.com

33. Kanjeevaram
Huile sur toile 122x183cm

34. Sara Palleria
Italie
Peintre, Sara Palleria est née à Rome où elle vit et travaille. Diplômée
en sciences de l'éducation, elle continue à travailler dans ce domaine
de recherche parallèlement à sa carrière artistique, avec une référence
particulière à l'univers de la couleur liée à la psychologie des émotions.
Elle collabore avec différentes institutions dans le secteur des arts visuels
et organise des cours sur l'image et les recherches sur la couleur. Elle aime
peindre “tout ce que l'œil pense qu'il voit”. “La traversée de la couleur,
alternant entre ciel et terre, entre lumière et obscurité ... l'expression
des couleurs et des matières ... tout ce qui semble être ... et devient au
contraire quelque chose d'autre, où les couleurs et la terre échappent et
s'accrochent aux frontières incertaines dans la nature du voyage humain
sous-jacent”. Ses œuvres peuvent être vues dans les collections publiques
et privées. Sara a également participé à des expositions collectives et
personnelles en Italie, Turquie, Espagne, France et Chine.
The painter Sara Palleria was born in Rome, where she still lives and
works. She received her degree in Education Sciences and she continues
to work in this research field parallel to her artistic career, with particular
reference to the world of colour linked to the psychology of emotions.
She collaborates with various institutions in the visual arts sector and
runs education courses on images and colour laboratories. She loves to
paint all that “the eye thinks it sees”. “The crossing of colour, alternating
between heaven and earth, between light and dark ... the expression
of colours and materials ... all that seems to be... and instead becomes
something else, where colours and the earth slip away and cling to
uncertain boundaries in the nature of the underlying human journey”.
Her works can be seen in both private and public collections and Sara has
participated in both group and solo exhibitions in Italy, Turkey, Spain,
France and China.
www.sarapalleria.com

35. Oltremare
Acrilyque sur toile 100x100cm

36. Marco Aurelio Rey
Brésil
Marco Aurélio Rey est né et vit à São Paulo, au Brésil. Il a commencé à
peindre à l'huile quand il était enfant et dans les années 1980, il s'est
spécialisé dans le Design Industriel et la Communication Visuelle. Il a
alors cessé de peindre pour travailler dans le monde de la mode. Dans les
années 1990, il a recommencé à peindre à la gouache sur papier et sa plus
récente série Ar Livre ou Air Libre montre la relation entre les souvenirs
et les émotions. Ses dernières œuvres rappellent clairement celles de
Gerhard Richter et sont des éloges fiers et élégants à l’endroit de la
nature et de sa beauté intrinsèque. Marco Aurelio a participé à plusieurs
Art Fairs, dans des expositions collectives et personnelles au Brésil et en
Europe. Il est devenu un artiste de OpenArtCode en 2012 et il a exposé en
Chine avec le groupe.
Marco Aurélio Rey was born and lives in São Paulo, Brazil. He started
painting with oils when he was a child and in the 1980’s he specialised in
Industrial Design and Visual Communications. At this stage of his life he
stopped painting to work in the world of fashion. In the 1990’s, he took
it up again to paint using gouache on paper and his most recent series Ar
livre shows the relationship between memories and emotions. His latest
style reminds one clearly of Gerhard Richter’s works and they are proud
and elegant eulogies to nature and its intrinsic beauty. Marco Aurélio has
participated in various art fairs, in collective and solo shows in Brazil and
in Europe. He became an OpenArtCode artist when he first exhibited with
the group in China in 2012.
www.marcorey.com.br

37. Luz
Gouache sur papier 20x200cm

38. Linda M. Shinkle & Theodore K. Shinkle
États-Unis
Linda a étudié le dessin, la peinture, les techniques de chambre noire et le
cinéma à l'Université du Michigan. Elle a poursuivi ensuite ses études artistiques
à l'Université de la Sorbonne à Paris, puis avec le National Geographic à Sienne,
avant de finir son tour du monde. Théodore, un descendant de Karl Friedrich
Schinkel, l'un des artistes les plus influents de Berlin en son temps (1781 - 1841), a
étudié le cinéma et l’économie et obtenu le diplôme de Bachelor of Arts. Véritable
duo de collaboration d’artistes de type mère/fils, Linda et Théodore ont travaillé
et étudié sur six continents, trouvant leur inspiration en eux-mêmes et partout
dans le monde. Ils travaillent ensemble, créant des illustrations originales en
multicouche 2D avec une apparence lumineuse 3D, selon un procédé unique
en son genre et en instance de brevet, Metalagram™ . Aiguisant leur vision à
travers la peinture de lumière, la photographie de nuit, le procédé d’altération
sélective de la couleur sur les appareils-photos, l'édition numérique de chambre
noire en RAW, mélangeant plusieurs couches, ils gravent ensuite et dessinent
sur des tôles avec des outils manuels et électriques et d'autres techniques,
puis impriment, couvrent avec des revêtements et finalisent entièrement en
studio (plutôt que sur les lieux des prises de vue). Ils ont participé à plusieurs
expositions collectives et personnelles aux États-Unis.
Linda studied drawing, painting, darkroom techniques and film at the University
of Michigan, continued her artistic studies at Sorbonne University of Paris,
France and then with the National Geographic in Siena, Italy and then fulfilled
an around the world trip. Theodore, descendant of Karl Friedrich Schinkel one
of the most influential artists in Berlin, Germany of his time (1781 – 1841),
studied Cinema and Economics obtaining a Bachelor of Arts. True collaborative
mother/son duo artists, they have worked and studied on six continents
finding inspiration in their own backyard and all over the world. They work
together creating patent pending multi-layered Metalagram™ original one-ofa-kind 2D artwork with 3D luminous appearance. Honing their vision through
light painting, night photography, selective colour alteration in camera, digital
darkroom editing in RAW, blending multiple layers, they then etch and draw
on raw sheets of metal with hand and power tools and other techniques, then
print, post coat and finish entirely in studio (other than location shoots). They
have participated in numerous solo and group shows in the USA.
www.shinklefineart.com

39. Next Day Rising
Photographie (Metalagram™) 101x152cm

40. Solveig M. Skogseide
Norvège
Les petits événements de la vie quotidienne sont souvent ce qui inspire
l'artiste norvégienne Solveig M. Skogseide, pour capturer les émotions et les
sentiments sur la toile. En conséquence, les relations humaines se retrouvent
souvent dans son travail. Les symboles tels que le cercle de la vie, l'arbre de
vie et la beauté de l'espoir futur, l'appartenance et l'amour, brillent souvent
à travers ses toiles. Les grands concepts et des événements du monde ont
également un impact - en particulier, les symboles liés à la nécessité de
prendre soin de la planète sont souvent présents. Solveig M. Skogseide a
grandi dans une famille très créative, où la musique était très présente. Il
en résulte qu’elle conçoit souvent sa création d’une peinture comme une
composition musicale. Elle utilise une structure en plusieurs couches, qu'elle
crée à partir de ses propres photographies ou de dessins. Elle travaille en
permanence avec l'harmonie et le contraste pour trouver le bon équilibre
dans sa peinture - c'est l’origine du sentiment de calme que de nombreux
spectateurs trouvent dans son travail. Solveig M. expose régulièrement ses
œuvres dans le monde entier.
Minor events of daily life are the source of inspiration for the Norwegian
artist, Solveig M. Skogseide, to capture emotions and feelings on the canvas.
Hence, human relationships are often a theme that she investigates in her
work. Symbols such as the Circle of Life, the Tree of Life and the beauty of
hope for the future, belonging and love, come across in her canvases. The
larger concepts and events of the world also have an impact – in particular,
symbols related to caring for the planet are often present. She grew up in a
very creative family, where music was of great importance. The result is that
she often thinks of creating a painting in the same way as composing music.
The artist uses structure and several layered stencils, which she creates from
her own photographs or drawings. She constantly works with harmony and
contrast to find the right balance in the painting – this is the source of the
sense of calm that so many viewers find in her work. Solveig M. exhibits her
work regularly on a worldwide basis.
www.vintagepaintings.no

41. Hardanger
Technique mixte sur toile 150x100cm

42. Tiril
États-Unis
Tiril Benton est née à Londres en 1955 et elle vit maintenant en Alabama,
aux États-Unis. Elle a commencé à dessiner lorsqu’elle était très jeune et
travaille à présent avec toutes les tailles de toiles, papiers et cartons en
utilisant des huiles, des acryliques, des aquarelles et de la gouache, ainsi
que des crayons, des pastels, des pinceaux et des encres. "Mon travail
est purement intuitif. Le concept apparaît au fur et à mesure de ma
création. Chaque peinture est pour moi un enregistrement d'un moment
extraordinaire de l'existence, une confirmation de la réalité du voyage
de l'esprit. Toujours consciente de l’équilibre très ténu qui préside à mes
créations, je cède à une force qui me dépasse. Et c’est justement dans
cet état d'inconscience-conscience que j'arrive à atteindre un niveau que
je ne suis pas en mesure de verbaliser. Je crois qu’au travers du langage
de l'art, nous sommes capables de communiquer sur le plus haut des
niveaux de vibration." Tiril a exposé seule et en groupe aux États-Unis,
en France et en Italie. Ses œuvres font partie de collections privées dans
de nombreux pays.
Tiril Benton was born in London in 1955 and lives in Alabama, in the US.
She began to draw when she was very young and now works with all
sizes of canvas, papers and boards using oils, acrylics, watercolours and
gouache, as well as pencil, soft pastels, pen and ink. "My work is purely
intuitive. The concept will manifest as the painting evolves. Each painting
to me is a record of an extraordinary moment of existence, a confirmation
in the reality of the journey of the spirit. Always cognizant of the tenuous
balance necessary for the painting’s evolution, I yield to a greater force.
It is within this state of thoughtless awareness that I am able to connect
on a level that I cannot verbalize. I believe that through the language of
art, we are able to communicate on the highest vibrational level." Tiril
has had solo and collective shows in the USA, France and Italy. Her works
belong to private collections in numerous countries.
www.artbytiril.com

43. Atha
Acrilyque sur toile 107x107cm

44. René van der Bruggen
Pays-Bas
L'artiste néerlandais René van der Bruggen, Oss 1951, a étudié à l'Académie voor
Beeldende Vorming à Tilburg et à la Kunstacademie à Kampen. Il est diplômé en
tant que sculpteur, mais le dessin a toujours été une discipline importante pour
lui. Ses dessins n’ont jamais été des études pour ses sculptures mais sont toujours
restés autonomes. En tant que tels, ils sont devenus une part indépendante et
indispensable de son travail.
Après avoir travaillé plusieurs années comme dessinateur en architecture et
le dessin jouant alors pour lui un rôle essentiellement alimentaire, René s’est
remis à dessiner et a développé très vite un style très indépendant, personnel
et authentique. Sa technique et les matériaux et formats qu’il utilise sont plutôt
rares. Il se sert de fusains et pastels gras, mais n'utilise jamais la couleur comme
les peintres le font. Chaque œuvre a un caractère définitif et est le résultat d'un
processus intensif de constructions et destructions successives. Ce processus
est l’élément majeur des créations de René van der Bruggen et le concept de
chaque dessin apparaît en même temps que le dessin évolue. Chaque œuvre
est un monde en soi: avec ses propres secrets, elle est intuitive et correspond à
sa propre logique. C'est la réponse à une question que l’œuvre s’est elle-même
posée. Une réponse qui ne peut être trouvée qu’au fur et à mesure de son dessin.
The Dutch artist, René van der Bruggen, Oss, 1951, studied at the Academie voor
Beeldende Vorming, Tilburg, and at the Kunstacademie in Kampen. He graduated
as a sculptor, but drawing has always been an important discipline for him. His
drawings were never studies for his sculptures, but were autonomous. As such,
they became an independent and indispensable part of his work.
After having worked several years as an architectural designer, when drawing
played a predominantly supportive role for him, René started drawing again and
in a short period of time he developed a very personal and authentic style. His
technique, use of materials and formats are rather unusual. He uses oil sticks
and oil pastels but never uses colour as painters generally do. Each work has
a definitive character and is the result of an intensive process of building and
scratching. This process remains the most important and the concept of every
drawing manifests itself as the drawing evolves. Each work is a world of its own:
with its own secrets, it is intuitive and corresponds to its own logic. It is the
answer to a question it was asking itself. An answer that is only to be found by
drawing.
www.renevanderbruggen.com

45. Sandy
Huile pastel sur papier 190x140cm

46. Max Werner
Belgique
Max Werner est né à Gand, en Belgique, et il a étudié à la Slade School
of Art à Londres. Il a enseigné la gravure au Royaume-Uni, a travaillé en
Argentine à la Art House Gallery de Buenos Aires et il réside actuellement
aux États-Unis. Souvent inspiré par la simple observation de son
environnement immédiat, par exemple des paysages, Max Werner semble
aimer se confronter au défi de compositions inhabituelles et capturer la
diversité de la lumière dans les différents lieux où il voyage. Pour mieux
comprendre son travail, il peut être utile de savoir que Magritte est l'un
de ses artistes préférés. Werner peint généralement dans son atelier
quelques semaines après avoir vu son sujet, avec l'aide de dessins et de
photos mais sans jamais coller à leur réalité. Le résultat final est une image
qui évoque une humeur, et qui dit ce que l'artiste ressentait à l'époque du
voyage plus qu’il ne représente fidèlement l'endroit décrit. Cela invite le
spectateur à réfléchir sur ce qu'il exprime.
Max Werner was born in Ghent, Belgium and he studied at the Slade
Schoool of Art in London. He taught printmaking in the UK and worked
in the Art House Gallery in Buenos Aires, Argentina and currently resides
in the USA. Often triggered by a simple observation of his immediate
environment such as landscapes, Max Werner seems to love the challenge
of an unusual composition, and the capturing of the diversity of light in
the various places he travels to. Perhaps to get a deeper understanding
of his work, it helps to know that Magritte is one of Werner’s favourite
artists. Werner generally paints in his studio a few weeks after having
seen his subject matter, using sketches and photos, but never relying
on recorded reality. The end result is an image which evokes a mood,
and which conveys what the artist felt at the time, rather than a faithful
representation of the place described. This in turn invites the viewer to
reflect on what it expresses.
www.maxwernerart.com

47. Cruise Ship
Acrilyque sur toile 80x130cm

48. Candace Wilson
Canada
Candace Wilson est une artiste américaine qui a étudié en France, mais
ses voyages dans les déserts d'Afrique et d'Oman, dans l'Antarctique et
l'Arctique, sont sa véritable source d'apprentissage et d'inspiration. Son
processus créatif est alimenté par le désir de transférer la conscience de
ses spectateurs sur un autre plan, et la liberté de ses formes abstraites lui
permet d'atteindre cet objectif. Sans le conditionnement imposé par la
langue ou les étiquettes, la conscience se réveille et les peintures existent
en elles-mêmes, et non comme des images ou des idées préconçues. En
intégrant certaines des modalités de guérison quantique découvertes
récemment, Candace a créé des œuvres qui touchent le corps,
l’intelligence et l'esprit. Reconnaissant leur effet bénéfique pour leurs
patients, de nombreuses maisons de guérison acquièrent des œuvres de
Candace Wilson. Elle est également largement collectionnée au niveau
international, à la fois par des entreprises et des particuliers.
Candace Wilson is an American artist who studied in France but her travels
in the deserts of Africa and Oman, to the Antarctica and the Arctic, were
her true source of learning and inspiration. Her creative process is fuelled
by a desire to shift the consciousness of her viewers on to another plane
and the freedom of the abstract forms allows her to achieve this. Without
the conditioning imposed by language or labels, consciousness awakens
and the paintings exist in themselves, not as preconceived images or
ideas. By incorporating some of the newly understood quantum healing
modalities, Candace has created works that affect body, mind, and spirit.
Recognising the beneficial effect for their patients, many healing facilities
are now acquiring Candace's work. She is widely collected internationally,
both corporately and privately.
www.ateliernorth.com

49. Homo luminux
Huile sur toile 76x112cm

50. O p e n A r t C o d e
a r t i s t s :
Barbara Alcalde www.barbaraalcalde.com Mexico Kareem Ralph Amin www.kareemralphamin.com USA
Tropez B www.tropez-b.fr France Menno Baars www.mennobaars.nl The Netherlands Marely Becerra www.
marelybecerra.com Mexico Isabel Becker www.isabelbecker.com.br Brazil Figen Begen www.figenbegen.
com Turkey Eva Beumer www.evambeumer.kunstinzicht.nl The Netherlands BIKKEL www.bikkelartist.
com The Netherlands Rita Blitt www.ritablitt.com USA Maria Boneo www.mariaboneo.com.ar Argentina
Leon Bosboom www.leonbosboom.nl The Netherlands Gina Brezini www.ginnart.com Bulgary/USA Mary
Brilli www.marybrilli.com Italy/France Maria Carvajal www.mariacarvajal.com Mexico Sonia Casares
Mantilla Ecuador Adriana Casati Trigari Brazil Brenda Charles www.brendacharles.us.tt Mexico Renato
Chiarabini www.chiarabiniarte.com Italy Randy Covey www.randycovey.com USA Emilie Cummings www.
emiliecummings.nl The Netherlands Riccardo Dametti www.riccardodametti.it Italy Grazia Danti www.
graziadanti.com Italy Emmanuel De Brito #http://astonmanudb7.darqroom.com/ France Loes de Haan
www.loesdehaan.nl The Netherlands
De Hansi www.zonering.dk Denmark Shaila Patricia de la Fuente
Mexico Glenn deWitt www.glenndewitt.com USA Destroy Be www.art-totem.com France Nina Dreyer
Henjum www.ninadreyerhenjum.com Norway Christine Drummond www.chdrummond.com Brazil Rosalyn
E n g e l m a n w w w . e n g e l m a n a r t . c o m U S A B r u n o F a l c ão w w w . f o t o g r a f i a f i n e a r t . c o m B r a z i l M a r y b e l G a l l e g o s
www.marybelgallegos.com Mexico Shirley Garcia Cipullo www.shirleycipullo.com Brazil Victoria
Eugenia Garcia Moreno www.flickr.com/photos/victoriagarciam Colombia Enrique Garcia Saucedo www.
garciasaucedo.com Mexico Marina Gavazzi www.marinagavazzi.com Italy Juan Carlos Granados Mexico
Edmund Ian Grant www.edmundiangrant.com USA Hernan Guiraud www.hernanguiraud.com.ar Argentina
Sharina Gumbs www.sharinagumbs.com Aruba/The Netherlands GUTI www.gutiarts.com Colombia
Agneta Gynning www.agnetagynning.com Sweden Raymond Hoogendorp www.raymondhoogendorp.com
The Netherlands Evelyne Huet www.evelynehuet.com France Azra Huskich www.azrahuskich.it Croatia/
Italy Hv www.art-transfiguration.com France Sumio Inoue www.sumioinoue.com Japan Maria Rosina
Jaakkola www.mariarosina.fi Finland Maz Jackson www.mazjackson.eu UK Marianne J. Jansen www.
debeeltenis.nl The Netherlands Betty Jonker www.bettyjonker.nl The Netherlands Margaret Karapetian
d'Errico www.margaretkarapetian.com Italy Hilde Klomp www.hildeklomp.nl The Netherlands Victoria
Kovalenchikova www.vkgallery.nl The Netherlands Kosmas Kroussos www.kosmasart.com Tanzania/
Greece Margaret LaBounty www.rockspeaks.com USA Roy Lawaetz www.roylawaetz.com U.S Virgin Islands
Sinae Lee www.sinaelee.com Canada Marc Leseur www.marcleseur.com Belgium Mary Lonergan www.
marylonerganart.com USA Agata Lulkowska www.agatalulkowska.com Poland Arianna Luporini www.
studioartisticoluporinivicari.it Italy Najat Makki www.citedesartsparis.net EAU Else Pia Martinsen
Erz www.galerie-erz.dk Denmark Audrey Meyer-Münz www.shaya4mosaics.com Israel Marie Miramont
www.mariemiramont.fr France Eva Moosbrugger www.evamoosbrugger.com Austria Lina Moretti Nesticò
www.linamorettinestico.it Italy Patrizia Murazzano www.patriziamurazzano.it Italy Armida Pupa Nardi
www.armidanardi.it Italy Tomonori Nishimura www.tomonorinishimura.co.uk UK Catalina Ochoa Pohls
Mexico George Oommen USA www.goommen.com Sara Palleria www.sarapalleria.com Italy Ann Pelanne
www.annpelanne.net Finland Etienne Pierart www.photo-etienne-pierart.com Belgium Jessie Pitt www.
jp-mountain-art.com Australia Gabriela Proksch www.gabrielaproksch.com Austria Catherine Raynes
www.catherineraynes.com USA Marieta Reijerkerk www.marieta-reijerkerk.com The Netherlands Kristi
Rene www.kristirene.com USA Marco Aurelio Rey www.marcorey.com.br Brazil Edward Rilke www.
edwardrilke.com Australia Paolo Nicola Rossini www.paolonicolarossini.com Italy Lisbeth Sandvall
www.lisbethsandvall.se Sweden Dario Santacroce www.dariosantacroce.com Italy Kamil Sarnowski www.
kamilsarnowski.com Poland Sasha www.sashasatelier.com Swiss Christine Sellman www.christinesellman.
com.au Australia Naomi Sheed www.naomisheed.com UK Kensuke Shimizu www4.ocn.ne.jp/~kensuke/
sub1.html Japan/Finland Linda K. Shinkle and Theodore M. Shinkle www.shinklefineart.com USA Solveig
M. Skogseide www.vintagepaintings.no Norway Kevin Smola www.smolaart.com USA Claudio Stefanelli
artenetwork.altervista.org/wam/stefa/stefaA.htm Italy Karl Stengel www.karlstengel.com Hungary/
Germany Amy C. Storey www.amycstorey.com USA Miroslaw Struzik www.struzik.art.pl Poland Jacques
Tange www.jacquestange.com The Netherlands Emanuele Teobaldelli www.emanueleteobaldelli.it
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Turini http://brushpenpainting.blogspot.com/ Italy Hannu Uusluoto www.uusluotohannu.fi Finland
René van der Bruggen www.renevanderbruggen.com The Netherlands Carlo Vitali www.carlovitali.
it Italy Karel Vreeburg www.karelvreeburg.nl The Netherlands Max Werner www.maxwernerart.com
Belgium Candace Wilson www.ateliernorth.com Canada Paul Ygartua www.ygartua.com UK/France
OAC

51. OpenArtCode

52. Isabel Becker
Mary Brilli
Emmanuel De Brito
Loes de Haan
Christine Drummond
Sharina Gumbs
Evelyne Huet
Hv
Sumio Inoue
Maz Jackson
Margaret LaBounty
Mary Lonergan
Marie Miramont
George Oommen
Sara Palleria
Marco Aurelio Rey
Linda K. Shinkle and Theodore M. Shinkle
Solveig M. Skogseide
Tiril
René van der Bruggen
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