APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE TEMA 3. ARTE ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX.

1. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
3.
ARTE
ENTRE
DOS
SIGLOS
XIX
Y
XX
(I):
LAS
VANGUARDIAS

2. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
TEMA
3.
ARTE
ENTRE
DOS
SIGLOS,
XIX
Y
XX
(I):
LAS
VANGUARDIAS
1.
Arte
entre
dos
siglos:
Simbolismo.
Nabis.
Impresionismo.
Postimpresionismo.
Luminismo.
Pintura
española.
2.
El
grabado
japonés
Ukiyo-­‐E.
3.
Las
primeras
vanguardias
del
siglo
XX:
el
Fauvismo.
El
Cubismo.
4.
La
música.
1.
ARTE
ENTRE
DOS
SIGLOS:
SIMBOLISMO.
NABIS.
IMPRESIONISMO.
POSTIMPRESIONISMO.
LUMINISMO.
PINTURA
ESPAÑOLA
Simbolismo
El
Simbolismo
fue
una
corriente
cultural,
fundamentalmente
literaria
y
pictórica,
que
surgió
en
las
últimas
décadas
del
siglo
XIX
y
se
extendió
hasta
los
primeros
decenios
del
siglo
XX.
El
término
Simbolismo
fue
acuñado
por
el
poeta
francés
Jean
Moréas
en
1886
en
su
Manifiesto
Simbolista
para
definir
aquellos
poetas
que
expresaban
sentimientos
profundos
y
personales,
revistiendo
la
idea
de
una
forma
sensual.
Pronto
comenzó
también
a
designarse
con
este
vocablo
a
aquellos
artistas
que
rechazaban
el
naturalismo
pictórico
–como
por
ejemplo
la
pintura
academicista
o
la
pintura
impresionista-­‐
para
abogar
por
un
arte
más
subjetivo,
imaginativo
y
fantasioso.
Es
un
arte
con
un
fuerte
contenido
poético,
incluso
místico1
en
algunos
casos.
Los
simbolistas
eran
estetas
y
exquisitos,
que
valoraban
la
belleza
como
bien
supremo
y
rechazaban
la
vulgaridad
de
la
vida
moderna.
Proclamaban
sin
ambages
el
carácter
elitista
de
su
arte.
El
Simbolismo
surgió
en
Francia
y
se
difundió
por
Europa
(Bélgica,
España,
etc.).
Sus
principales
representantes
fueron
Gustavo
Moreau,
Pierre
Puvis
de
Chavannes,
Odilon
Redon
y
muchos
otros,
que,
al
menos
tangencialmente,
se
acercaron
con
sus
obras
a
los
postulados
simbolistas
como
Van
Gogh
o
Gauguin,
ambos
simbolistas
a
su
manera.
Y
es
que
el
Simbolismo
supera
nacionalidades,
límites
cronológicos
y
estilos
personales.
Los
simbolistas
son
herederos
del
Romanticismo,
y
tienen
como
precedente
a
los
pintores
nazarenos,
a
los
prerrafaelitas
y
a
William
Blake,
que
en
muchos
aspectos
anticipa
ya
el
simbolismo.
Serán
derivaciones
del
Simbolismo
el
Grupo
de
pintores
de
Pont
-­‐Aben2
,
los
Nabis
y
el
Modernismo
o
Art
Nouveau.
En
realidad,
como
bien
señala
Julián
Gállego,
hablar
de
arte
simbolista
es
una
redundancia
porque
todo
arte
es
simbólico
aunque
lo
creamos
realista.
Un
cuadro
o
una
escultura
no
es
una
mera
copia
de
la
realidad
sino
una
interpretación
de
la
misma.
El
contenido
simbólico
puede
ser
religioso,
filosófico,
político,
social,
sensual,
etc.
Para
Gállego,
el
Simbolismo
es
expresar
lo
inexpresable
de
una
manera
exquisita.
Daban
forma
a
lo
inefable
como
sueños
y
visiones.
En
la
temática
pictórica
simbolista
abundan
las
escenas
de
carácter
literario,
bíblico
o
mitológico.
Combinan
cierto
misticismo
pagano
con
lo
perverso
y
decadente,
presentando
así,
un
interés
por
el
ocultismo,
lo
mórbido,
el
mundo
de
los
sueños,
la
melancolía,
el
mal
y
la
muerte.
El
erotismo
está
muy
presente
en
algunos
pintores
simbolistas
que
suelen
representar
a
una
mujer
fatal
que
destroza
cuando
ama,
una
mujer
que
adopta
forma
de
esfinge,
sirena,
araña,
o
genio
alado
diabólico.
El
Simbolismo,
como
también
el
Romanticismo,
fomentaba
el
escapismo,
el
huir
de
la
realidad
y
de
los
convencionalismos
burgueses.
Poetas
y
pintores
buscaban
paraísos
artificiales
a
través
de
las
drogas
como
el
hachís
o
el
alcohol.
La
pintura
simbolista
suele
privilegiar
la
mancha
sobre
el
dibujo
y
presenta
un
vivo
colorido,
utilizado
muchas
veces
de
forma
arbitraria
(un
rostro
azul,
un
paisaje
amarillo,
etc.)
antecedente
de
la
vanguardia
fauvista.
En
las
1
Misticismo
pagano
podría
ser
llamado,
aunque
parezca
un
oxímoron
(contradicción
en
términos).
2
Muy
cercana
a
los
planteamientos
del
Simbolismo
se
sitúa
la
Escuela
de
Pont-­‐Aven,
una
de
las
primeras
en
definirse
así.
Pont-­‐Aven
es
pueblecito
de
la
Bretaña
francesa,
a
donde
se
dirigió
en
1886
un
grupo
de
pintores
como
Émile
Bernard
o
Gauguin
en
sus
inicios.

3. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
composiciones
se
aprecia
la
influencia
de
las
estampas
japonesas
(en
los
colores
planos,
las
perspectivas
en
diagonal,
etc.)
La
pintura
simbolista
es
según,
su
máximo
experto,
el
escritor
francés
Albert
Aurier:
*Ideista:
porque
refleja
una
idea
mediante
símbolos.
*Sintética
y
de
fácil
apreciación.
*Subjetiva:
porque
refleja
la
interioridad
y
la
personalidad
del
pintor
o
escultor.
*Decorativa.
En
principio,
todo
buen
arte
es
decorativo
y
el
simbolismo
lo
es,
en
un
sentido
similar
a
como
lo
fue
el
arte
egipcio
o
el
griego.
Un
pintor
simbolista:
ODILON
REDON
(1840-­‐1916)
Odilon
Redon
fue
un
simbolista
francés
cuyas
pinturas
y
grabados
incluyen
mitos
clásicos
y
orientales,
retratos,
flores
y
referencias
literarias.
Fue
también
ilustrador.
Dotado
de
una
fantasía
mística
y
desbordante
a
un
tiempo,
hasta
1890
trabajó
casi
exclusivamente
en
blanco
y
negro,
al
que
consideraba
el
príncipe
de
los
colores,
realizando
sobre
todo
dibujos
al
carbón
y
litografías.
Cuando
ya
contaba
con
cincuenta
años
fue
introduciendo
el
color
en
su
pintura,
que
será
un
elemento
esencial
en
su
obra,
igual
que
la
luz,
como
podemos
contemplar
en
sus
acuarelas,
pasteles
y
óleos.
Gran
admirador
de
Goya,
Poe,
Baudelaire
y
Moreau,
ha
sido
llamado,
con
razón,
precursor
del
Surrealismo.
La
pintura
NAIF
y
el
Simbolismo:
HENRI
ROUSSEAU
EL
ADUANERO
(1844-­‐1910)
En
relación
con
el
Simbolismo,
encontramos
a
un
pintor
francés
heterodoxo
y
original
llamado
Henri
Rousseau3
.
Nació
en
un
pueblecito
francés,
Laval,
un
paisaje
rural
plagado
de
castillos,
bosques
y
ríos.
Se
estableció
en
París
donde
encontró
trabajo
como
recaudador
de
impuestos
-­‐más
que
aduanero
propiamente
dicho-­‐
en
la
oficina
municipal
de
París.
Y
es
que
nunca
fue
"aduanero"
a
pesar
de
su
sobrenombre.
En
su
tiempo
libre
se
dedicaba
a
pintar
y
a
copiar
sin
descanso
pinturas
y
grabados
del
Louvre
(como
la
obra
del
pompier
Gérôme).
Aunque
le
llovieron
las
críticas
negativas,
fue
un
referente
para
los
artistas,
intelectuales
y
coleccionistas
de
vanguardia
y
contó
con
el
apoyo
de
Malraux,
Picasso
y
los
Nabís.
Expuso
por
primera
vez
dos
obras
en
1885
y
al
año
siguiente
participó
en
el
Salon
des
Indépendants
fundado
por
Georges
Seurat,
Odilon
Redon
y
Paul
Signac
bajo
el
lema:
sin
jurado
y
sin
premios.
Participó
allí
asiduamente.
En
1893,
Rousseau
abandonó
su
trabajo
para
dedicarse
solo
a
pintar.
Las
pinturas
más
célebres
de
Henri
Rousseau
son
de
naturaleza
selvática
y
animalística,
fruto
de
su
imaginación
desbordante,
ya
que
nunca
salió
de
Francia.
3
Más
imágenes
en
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/08/henri-­‐rousseau-­‐el-­‐candor-­‐arcaico.html

4. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Una
de
sus
obras
más
fascinantes
y
evocadoras
es
La
encantadora
de
serpientes.
En
ella
contemplamos
a
una
Eva
negra
con
ojos
de
pantera
que
domina
a
la
serpiente
-­‐y
no
al
revés-­‐
con
la
magia
de
la
música.
La
atmósfera
es
a
contraluz,
dentro
de
una
naturaleza
exuberante
y
lujuriosa.
Fue
un
cuadro
que
gustó
mucho
a
los
surrealistas
y
que
nos
retrotrae
a
Gauguin
en
cierta
medida.
Son
notas
distintivas
de
su
pintura:
*Frontalidad
casi
hierática.
*Acentuada
bidimensionalidad.
*Cromatismo
brillante.
*Detallismo.
*Simplificación
de
las
formas.
*Muy
dibujístico,
marca
mucho
los
contornos.
*Se
centra
en
todos
los
planos
de
perspectivas.
*Luz
fría,
sin
sombras
ni
claroscuros.
*Formas
desproporcionadas
y
jerarquización
de
tamaño
que
sirve
para
enfatizar
temas
o
figuras.
Henri
Rousseau
expuso
en
el
Salón
de
Otoño
de
París
de
1909
con
artistas
de
la
talla
de
Derain
o
Matisse.
Eran
los
orígenes
del
Fauvismo.
A
partir
de
1911,
tras
su
muerte,
surgió
el
"falso"
mito
de
pintor
"dominguero",
autodidacta,
iletrado
y
con
frecuencia
ridiculizado,
y
pasó
a
ser
un
referente
importante.
Es
cierto
que
el
grupo
El
Jinete
Azul
le
consideró
un
precursor
y
Max
Weber
le
alabó
inconmensurablemente.
Sus
pinturas
fueron
de
una
novedad
absoluta.
Ni
impresionista,
ni
simbolista,
pasó
a
ser
considerado
como
un
pintor
primitivo
y
naif4
(rico
de
"ingenuidad
infantil"
le
llamaba
su
gran
estudioso
Ardengo
Soffici)
un
"artesano".
Le
adoraron
Robert
Delaunay,
André
Bretón...
Fue
amigo
de
Apollinaire
y
Picasso,
quien
en
1908,
le
organizó
un
banquete
que
se
acabó
convirtiendo
en
un
homenaje5
.
Los
NABÍS
Desde
1888
hasta
1899
se
desarrolló
en
Francia
un
grupo
de
artistas
de
origen
simbolista
denominado
“Los
Nabis”.
Nabí
viene
del
hebreo
y
quiere
decir
“profeta”.
Se
consideraban
profetas
de
un
arte
nuevo,
rechazaban
de
plano
el
Impresionismo,
eran
antinaturalistas
y
cercanos
a
los
presupuestos
simbolistas
y
al
Japonismo.
Los
Nabís
crearon
un
lenguaje
basado
en
el
color
y
la
síntesis
formal.
Adoptaron
como
cuadro
emblemático,
verdadero
manifiesto
del
grupo,
un
paisaje
pintado
por
Paul
Sérusier
llamado
“El
talismán”
(1888).
Los
nabís,
además
de
rechazar
las
jerarquías
tradicionales
entre
artes
mayores
y
menores,
trabajaban
las
técnicas
decorativas.
Participaron
en
la
renovación
del
arte
del
grabado
y
los
carteles
ilustrados.
Crearon
decorados,
trajes
para
teatro...
En
el
Museo
de
Orsay
hay
una
gran
colección
de
arte
nabí.
En
1900
tuvo
lugar
la
última
exposición
conjunta
del
grupo.
Las
referencias
para
estos
pintores
fueron:
El
sintetismo
de
Gauguin
y
Bernard.
4
Tuvo
algún
problema
con
la
ley
por
algún
fraude
y
sus
abogados
le
defendieron
señalando
que
era
muy
ingenuo
(naif)
en
todos
los
sentidos,
no
solo
con
su
pintura...
5
En
esa
reunión
rodeada
de
artistas,
ebrio,
le
dijo
a
Picasso:
"Usted
y
yo
somos
los
más
grandes
pintores
de
nuestro
tiempo.
A
fin
de
cuentas,
usted
hace
en
modo
egipcio
lo
que
yo
hago
en
modo
moderno".

5. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
El
Art
Nouveau,
que
está
en
pleno
desarrollo
en
la
década
de
los
90.
El
arte
japonés.
El
Simbolismo.
Después
de
la
partida
de
Gauguin
a
Tahití,
el
grupo
se
fue
desintegrando
progresivamente
y
se
escindirá
en
dos
ramas:
*Los
espirituales,
con
Maurice
Denis
a
la
cabeza.
Vuelven
a
las
fuentes
religiosas
del
arte,
el
misticismo,
la
leyenda,
la
alegoría,
el
sueño...
Entraron
en
contacto
con
sectas,
estaban
atraídos
por
los
filósofos
orientales,
se
sumaban
a
la
idea
de
la
superioridad
de
la
intuición
sobre
el
intelecto.
*Los
decorativos,
con
Pierre
Bonnard,
Édouard
Vuillard,
Roussel...
Tienen
un
punto
de
vista
más
escéptico
sobre
la
misión
del
arte
como
medio
de
remover
las
consciencias.
Apuestan
por
la
armonía
estética,
un
orden
abstracto
dentro
de
la
representación,
y
parten
de
la
herencia
de
Cézanne
y
Seurat.
Pierre
BONNARD
(1867-­‐1947),
aunque
fue
considerado
como
un
pintor
anticuado
por
algunos
artistas
de
su
época,
fue
muy
estimado
por
pintores
coetáneos
que
valoraban
mucho
el
colorido
de
su
producción
artística
como
el
fauvista
Matisse.
En
cierto
sentido,
Bonnard
nos
anticipa
el
Fauvismo,
el
movimiento
pictórico
de
vanguardia
expresionista
francés.
Para
él,
el
color
era
un
fin
en
sí
mismo.
Bonnard
abandonó
la
tercera
dimensión
a
la
hora
de
representar
las
figuras,
fomentando
amplias
zonas
de
colores
planos.
Ha
sido
denominado
como
pintor
“intimista”
ya
que
no
le
interesaban
temas
simbolistas
–fantasiosos
o
místicos-­‐,
sino
escenas
de
la
vida
cotidiana,
frecuentemente
en
interiores.
Pintaba
de
memoria
más
que
intentado
reproducir
una
imagen
fiel
al
modelo.
Bonnard
también
realizó
ilustraciones
de
libros,
diseños
textiles
y
mobiliario.
EL
IMPRESIONISMO
Denominamos
Impresionismo
al
movimiento
pictórico
que
surge
en
París
en
el
último
cuarto
del
siglo
XIX.
Se
aplica
no
sólo
a
la
pintura
sino
también
a
la
música
y
a
la
literatura.
Podemos
definirlo
como
un
estilo
que
tiende
a
captar
más
la
impresión
sobre
el
ánimo
que
la
copia
de
la
realidad.
Es
más
sensual
e
inmediato
que
intelectual.
Cronológicamente,
el
Impresionismo
se
fragua
hacia
la
década
de
1860
hasta
1880,
pero
la
primera
exposición
del
grupo
impresionista
fue
en
el
año
1874
en
el
taller
del
fotógrafo
Nadar.
Nace
como
una
evolución
del
Realismo
y
de
la
Escuela
paisajística
francesa
del
siglo
XIX.
Recordemos
que
la
base
del
Impresionismo
fue
el
Realismo,
una
corriente
cultural
que
surge
como
disyuntiva
al
Romanticismo
ya
desde
mediados
del
siglo
XIX.
De
hecho,
el
término
“realismo”
surgirá
en
1857
en
Francia
y
aglutinará
a
pintores
como
Courbet
o
Millet
y
a
escritores
de
la
talla
de
Flaubert,
Zola
o
Balzac.
El
término
“Impresionismo”
procede
de
un
cuadro
de
Monet
titulado“Impresión,
sol
naciente”
En
los
primeros
momentos
se
utilizaba
el
vocablo
impresionismo
con
carácter
despectivo.
Se
asociaba
con
la
idea
de
lo
temporal,
lo
efímero,
lo
llamado
a
desaparecer
(sol,
luna,
agua…).
Podemos
considerarla
una
tendencia
pictórica
más
aristotélica
que
neoplatónica
ya
que
busca
más
la
imitación
de
la
realidad
que
la
creación.
El
Impresionismo
no
fue
una
escuela,
ni
un
grupo
que
se
uniera
en
torno
a
un
manifiesto
o
programa
concreto.
Ningún
interés
de
tipo
ideológico
o
político
unía
a
los
impresionistas.
Cada
uno
creó
su
propio
estilo.
No
tenían
un
programa
concreto
aunque
coincidían
en:
*Su
aversión
por
el
arte
académico.
*Desinterés
total
por
el
“tema”
entendido
en
un
sentido
tradicional
(mitología,
historia…).
Se
interesan
por
los
motivos
de
la
vida
burguesa
(la
ciudad,
la
noche,
los
cafés,
los
teatros,
las
reuniones
domingueras
las
regatas,
los
paisajes).
Cualquier
objeto
afectado
por
la
luz
y
el
color,
puede
convertirse
en
tema
artístico.

6. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
*Preferencia
por
el
paisaje
pintado
al
aire
libre:
plein
air6
.
*Preocupación
por
captar
el
instante,
fijando
lo
móvil
sin
perder
la
movilidad.
*La
luz
es
la
protagonista:
los
objetos
sólo
se
ven
en
la
medida
en
que
la
luz
incide
sobre
ellos.
La
luz
y
sus
efectos
cambiantes
son
los
verdaderos
temas
del
cuadro.
Un
mismo
tema
es
pintado
repetidas
veces
a
diferentes
horas
del
día.
Las
formas
y
los
objetos
cambian
en
función
de
la
intensidad
de
la
luz.
El
cuadro
es
simplemente
un
efecto
de
luz.
*Coloración
de
las
sombras:
desaparecen
los
contrastes
de
claroscuro,
y
el
dibujo
se
extingue
o
se
reduce.
No
utilizan
prácticamente
ni
el
blanco
ni
el
negro
porque
no
existen
en
la
naturaleza.
Emplean
tonos
puros,
usan
solo
colores
complementarios
para
indicar
sombras.
*Pincelada
suelta:
prefieren
la
mancha
pastosa
y
gruesa.
Utilizan
toques
yuxtapuestos
de
colores
para
producir
un
efecto
a
cierta
distancia.
Generalmente
no
hay
un
dibujo
que
proceda
al
cuadro.
Aspecto
inacabado,
aparente
improvisación,
pintura
de
mancha.
*La
influencia
de
la
fotografía.
A
mediados
del
siglo
XIX
se
inventó
la
“fotografía
instantánea”
que
tuvo
un
gran
impacto
en
los
impresionistas.
Influye
en
la
nueva
valoración
del
espacio
y
la
composición
con
ángulos
y
encuadres
más
atrevidos
con
grandes
diagonales,
que
nos
remiten,
también,
a
la
influencia
de
las
estampas
japonesas.
Las
figuras,
a
veces,
no
ocupan
“el
centro”
del
cuadro
y
están
cortadas
por
los
bordes
del
cuadro.
Otorga
una
especie
de
dinamismo
o
flou
a
los
personajes.
Degas
y
Monet
fueron
grandes
fotógrafos,
Monet
incluso
tuvo
un
taller
de
fotografía
en
Giverny.
En
un
principio,
los
impresionistas
contaron
con
la
oposición
del
público.
Pero
pronto
tuvieron
el
apoyo
de
dos
fuerzas
sociales
emergentes:
la
crítica
de
arte7
,
que
se
encargará
de
encauzar
el
gusto
del
público;
y
los
marchantes,
los
vendedores
de
arte8
.
En
sus
inicios,
la
crítica
de
arte
les
acusaba
de
atacar
las
buenas
costumbres
artísticas,
que
no
respetaban
a
los
maestros,
que
sus
pinturas
no
tenían
“tema”,
que
les
faltaba
dibujo
y
que
dejaban
las
obras
sin
terminar.
Además,
provocaban
grandes
carcajadas
en
el
público
que
asistía
atónito
a
ver
los
cuadros.
El
Impresionismo
cuenta
con
varias
influencias
en
su
configuración:
*los
paisajistas
del
Realismo
francés
del
siglo
XIX
(Escuela
de
Barbizon).
*el
romántico
inglés
Turner.
*las
referencias,
especialmente
de
color
y
composición,
del
Siglo
de
Oro
español
(Velázquez
sobre
todo).
También
Goya
con
la
lechera
de
Burdeos.
*las
estampas
japonesas9
,
muy
de
moda
en
la
época.
La
pintura
impresionista
es
amable,
hedonista,
alegre,
frecuentemente
de
paisaje,
llena
de
luz
y
color,
con
pinceladas
muy
cortas
que
a
veces
dejan
entrever
el
blanco
del
lienzo.
No
son
cuadros
grandes
puesto
que
responden
a
encargos
privados.
Están
alejados
de
cualquier
compromiso
social
(casi
todos
los
impresionistas
se
fueron
de
vacaciones
al
campo
o
a
Inglaterra
durante
la
represión
de
los
movimientos
obreros
de
la
década
de
1880)
y
no
tardaron
en
ser
refrendados
por
una
amplia
aceptación
social,
de
esta
burguesía
que
se
veía
retratada
en
los
lienzos
impresionistas.
El
Impresionismo
ha
sido
uno
de
los
movimientos
pictóricos
más
valorados
en
toda
la
historia
del
arte.
Algunas
pinturas
impresionistas
han
alcanzado
precios
estratosféricos
en
las
subastas
internacionales
de
arte
y
las
exposiciones
de
sus
obras
suelen
atraer
a
miles
de
espectadores.
Ha
sido
clave
en
el
desarrollo
del
arte
posterior,
especialmente
del
Postimpresionismo
y
las
vanguardias.
Los
impresionistas
se
agruparon
en
torno
a
la
figura
de
Édouard
MANET
(1832-­‐1883),
un
artista
eslabón
entre
el
Realismo
y
el
Impresionismo.
Fue
un
gran
artista
incomprendido,
aunque
al
final
de
su
vida
el
gobierno
francés
le
concedió
la
condecoración
“Legión
de
Honor”.
No
fue
plenamente
impresionista,
aunque
éstos
le
consideraban
el
cabecilla
del
grupo.
Le
apasionaba
la
temática
española,
y
de
hecho
adoraba
a
Velázquez
“el
pintor
de
los
pintores”
para
él,
y
Goya.
Ambos
le
influyeron
muchísimo.
Un
crítico
de
arte
en
Francia
le
llegó
a
denominar
“el
parisino
español”.10
6
Como
señaló
Renoir,
si
no
hubiera
habido
pintura
en
tubo
no
habría
habido
impresionismo,
porque
ello
propició
poder
pintar
al
aire
libre.
7
Las
tertulias,
los
Salones
extra-­‐oficiales
y
el
propio
escándalo
se
convirtieron
en
vehículos
propagandísticos
del
nuevo
estilo.
8
Algunos
marchantes
como
Durand-­‐Ruel
o
Ambroise
Vollard
empezaron
a
interesarse
por
las
obras
de
los
impresionistas
y
compraron
sus
lienzos,
aún
a
riesgo
de
perder
dinero.
9
Desde
el
punto
de
vista
plástico,
en
estas
estampas
se
utilizaban
principalmente
grandes
masas
planas
de
color,
con
una
casi
completa
ausencia
de
sombras,
una
despreocupación
por
la
perspectiva,
encuadres
asimétricos
de
las
escenas
y
una
gran
capacidad
de
síntesis
por
parte
de
los
artistas
para
plasmar
los
temas.
10
Baudelaire
lo
quería
muchísimo,
decía
de
él:
me
parece
difícil
no
amar
su
carácter
tanto
como
su
talento.

7. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Los
principales
representantes
del
Impresionismo
fueron
Claude
Monet,
Pierre-­‐Auguste
Renoir11
,
Edgar
Degas
(que
nunca
quiso
que
le
llamaran
impresionista),
Camille
Pisarro
(de
origen
español),
Alfred
Sisley
(de
origen
inglés),
Berthe
Morisot,
Mary
Cassatt,
etc.
Édouard
MANET
en
1863
expuso
el
célebre
Almuerzo
campestre
que
causó
desolación
y
escándalo.
Fue
tachada
de
pornográfica.
El
público
se
preguntaba
¿dónde
está
el
tema?
No
era
mitológico,
ni
literario.
Si
todas
las
figuras
hubieran
ido
desnudas
no
habría
existido
ningún
problema.
En
la
disposición
de
las
figuras
se
inspiró
en
un
grabado
basado
en
Rafael.
En
este
cuadro
hay
muchos
elementos
nuevos:
la
luz,
el
paisaje
difuminado,
el
contraste
entre
las
carnes
blancas
de
los
desnudos
femeninos
y
las
levitas
oscuras
de
los
caballeros,
y,
en
primer
término,
la
naturaleza
muerta,
que
tiene
protagonismo
por
sí
misma.
Por
otra
parte,
este
lienzo
se
convirtió
en
la
Biblia
estética
de
los
impresionistas
por
su
novedoso
tratamiento
formal.
La
luz
se
difunde
por
el
aire
en
todo
el
cuadro
yuxtaponiendo
zonas
claras
y
oscuras
por
todo
el
lienzo.
Probablemente
el
más
importante
y
representativo
pintor
del
Impresionismo
es
Claude
MONET
(1840-­‐1926).
Nació
en
1840
en
el
seno
de
una
familia
de
comerciantes.
Viajó
a
Londres
y
a
Holanda.
Llegó
a
pintar
cerca
de
tres
mil
cuadros,
la
mayoría
paisajes,
marinas
y
escenas
fluviales.
Es
el
gran
pintor
de
flores
y
del
agua.
Su
máxima
preocupación
es
la
captación
de
la
luz
a
distintas
horas
del
día
como
se
observa
en
la
serie
de
pinturas
sobre
la
catedral
de
Rouen.
En
muchas
de
sus
obras
camina
ya
hacia
la
abstracción.
Los
problemas
económicos
serán
una
constante
durante
buena
parte
de
la
vida
de
Monet.
Afortunadamente,
paulatinamente,
la
fama
de
Monet
va
subiendo
al
igual
que
su
cotización,
y
fue
tomando
parte
en
mayor
número
de
muestras
-­‐
exposiciones
Internacionales,
individuales,
colectivas-­‐.
Sus
pinceladas
eran
muy
sueltas
y
cortas.
Murió
casi
ciego.
Entre
sus
obras
destacamos
Impresión,
sol
naciente;
los
nenúfares;
la
estación
de
San
Lazare;
la
catedral
de
Rouen,
etc.
Pierre-­‐Auguste
RENOIR
(1841-­‐1920)
fue
el
más
popular
de
los
impresionistas
y
también
de
los
más
falsificados.
Quiere
transmitir
la
alegría
del
ambiente
parisino:
escenas
de
la
vida
urbana,
bañistas,
bailes,
etc.
Es
menos
paisajista
y
más
retratista.
Es
el
pintor
de
la
mujer.
Y
nadie
como
él
ha
pintado
a
los
niños.
En
él
tenía
un
fuerte
peso
de
la
tradición
(técnica
que
en
algún
momento
recuerda
a
la
de
Tiziano
y
sus
mujeres
gruesas
a
Rubens).
Es
un
pintor
un
tanto
“almibarado”
que
utilizaba
colores
primarios
para
captar
las
vibraciones
de
la
luz
que
se
tamiza
a
través
de
las
hojas.
Todo
ello
se
puede
admirar
en
su
obra
Le
Moulin
de
la
Galette
donde
sigue
los
principios
del
movimiento
impresionista:
pintura
al
aire
libre,
pincelada
suelta,
colores
puros,
sombras
coloreadas,
disolución
del
dibujo,
captación
de
la
luz
sobre
los
objetos.
Aunque
menos
conocidas
que
los
impresionistas
mencionados,
Berthe
Morisot
y
Mary
Cassatt
destacaron,
dentro
de
los
presupuestos
estéticos
de
este
movimiento,
especialmente
como
pintoras
de
maternidades,
retratos
y
escenas
intimistas.
11
Su
hijo
Jean
Renoir
fue
uno
de
los
más
importantes
cineastas
franceses.

8. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Berthe
MORISOT
(1841-­‐1895)
procedía
de
una
familia
con
una
larga
historia
de
exitosos
pintores.
Fue
la
única
mujer
aceptada
y
respetada
por
el
círculo
impresionista.
Sirvió
con
frecuencia
como
modelo
de
Manet,
que
por
lo
demás,
era
su
cuñado.
Mary
CASSATT
(1844-­‐1926)
fue
una
pintora
impresionista
de
origen
estadounidense.
Viajó
a
Francia
para
formarse
como
artista
y
allí
permaneció
buena
parte
de
su
vida.
Fue
la
única
pintora
americana
que,
ocasionalmente,
expuso
con
los
impresionistas
en
París.
En
su
paleta,
muy
suelta,
predominan
los
tonos
pastel
y
se
aprecia
la
influencia
del
Japonismo.
Sus
contactos
con
artistas,
marchantes
y
coleccionistas,
propiciaron
la
difusión
y
apreciación
del
Impresionismo
en
Estados
Unidos.
EL
POSTIMPRESIONISMO
El
término
Postimpresionismo
fue
acuñado
por
el
crítico
de
arte
Roger
Fry
en
1910
para
denominar
los
estilos
pictóricos
de
finales
del
siglo
XIX
e
inicios
del
XX
que
se
suceden
tras
el
Impresionismo.
Fry
creó
esta
denominación
con
motivo
de
la
exposición
celebrada
en
ese
año
en
Londres
con
pinturas
de
Paul
Cézanne,
Paul
Gauguin
y
Vincent
van
Gogh.
Henri
Toulouse-­‐Lautrec
también
suele
ser
considerado
postimpresionista,
como
vemos
en
el
libro
canónico
de
esta
tendencia
artística
del
historiador
Rewald.
Los
postimpresionistas
se
habían
formado
en
el
impresionismo,
pero
superan
sus
investigaciones
y
contribuyen
a
importantes
avances
en
el
arte
del
siglo
XX.
En
realidad
sus
personalidades
y
su
manera
de
entender
la
pintura
presentan
enormes
diferencias,
pero
todos
compartieron
los
inicios
en
el
impresionismo
y
la
reacción
contra
él.
Sobre
sus
conquistas
(tintas
plantas,
color
arbitrario
con
fines
simbólicos
o
expresivos…)
se
fundarían
además
los
desarrollos
de
fauvistas
y
cubistas
de
inicios
del
siglo
XX.
Aunque
los
postimpresionistas
basaron
su
obra
en
el
uso
del
color
experimentado
por
los
impresionistas,
reaccionaron
contra
el
deseo
de
reflejar
fielmente
la
naturaleza
y
presentaron
una
visión
más
subjetiva
del
mundo.

9. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Por
lo
demás,
hay
que
señalar
que
existió
una
tendencia
estética,
que
se
suele
ligar
al
Postimpresionismo,
llamada
NEOIMPRESIONISMO,
DIVISIONISMO
o
PUNTILLISMO,
caracterizada
porque
se
abandona
el
pleinarismo
para
pintar
en
el
taller,
construyendo
el
tema
de
una
forma
más
óptica
o
cerebral,
en
base
a
la
teoría
científica
del
color
(Chevreul).
Abrirá
la
puerta
al
arte
de
vanguardia
del
siglo
XX
(Cubismo…)
Postimpresionismo:
El
pintor
francés
Paul
CÉZANNE
(1839-­‐1906)
está
considerado
como
“el
padre
del
arte
moderno”.
Vivió
casi
toda
su
vida
en
el
sur
de
Francia,
en
Aix-­‐en-­‐Provence.
Su
obra
sentó
las
bases
de
la
transición
entre
la
concepción
artística
decimonónica
hacia
el
mundo
artístico
del
siglo
XX,
nuevo
y
radicalmente
diferente.
Fue
un
pintor
muy
innovador.
Tenía
influencias
de
la
pintura
de
El
Greco.
Estaba
interesado
en
la
simplificación
de
las
formas,
en
reducirlas
a
su
esencia
geométrica:
“Todo
en
la
naturaleza
se
modela
según
la
esfera,
el
cono,
el
cilindro.
Hay
que
aprender
a
pintar
sobre
la
base
de
estas
figuras
simples;
después
se
podrá
hacer
todo
lo
que
se
quiera.”
Quería
"convertir
al
impresionismo
en
algo
más
sólido
y
duradero,
como
el
arte
de
los
museos".
Trabaja
obsesionado
por
la
composición
y
decidido
a
negar
la
distinción
entre
dibujo,
línea,
plano
y
color.
Plantea
una
nueva
construcción
del
espacio.
Mientras
vivió,
Cézanne
fue
un
pintor
ignorado
en
gran
parte
por
la
crítica
y
el
público,
siendo
apreciado
sólo
por
algunos
impresionistas
y,
por
unos
cuantos
artistas
jóvenes
radicales
de
la
línea
del
postimpresionismo,
entre
los
que
se
incluían,
entre
otros,
Vincent
Van
Gogh
y
Paul
Gauguin.
Fue
amigo
de
la
infancia
del
escritor
realista
Émile
Zola
que
le
retrató
en
su
novela
L´oeuvre
(la
obra)
para
gran
enfado
del
pintor.
La
exposición
retrospectiva
de
Cézanne
del
año
1907
en
París
le
situó
como
uno
de
los
artistas
más
influyentes
del
siglo
XIX
preludiando
el
advenimiento
del
Cubismo.
Fueron
las
exploraciones
de
Cézanne
de
simplificación
geométrica
y
fenómenos
ópticos
las
que
inspiraron
a
Picasso,
Braque,
Gris,
y
otros
para
experimentar
con
múltiples
visiones
aún
más
complejas
del
mismo
tema,
y,
con
el
tiempo,
a
la
fractura
de
la
forma.
Hay
una
frase,
atribuida
tanto
Matisse
como
a
Picasso,
según
la
cual
«Cézanne
es
el
padre
de
todos
nosotros»12
.
Sólo
con
su
muerte
le
llegó
el
éxito.
La
pintura
de
Cézanne
se
centró
casi
siempre
en
los
mismos
motivos:
bodegones,
paisajes
o
figuras,
que
repite
con
objeto
de
explorar
su
dimensión
volumétrica,
pero
sin
recurrir
al
claroscuro.
Huye
de
la
búsqueda
de
dinamismo.
Hace
composiciones
muy
rigurosas
en
base
a
líneas
geométricas
(verticales,
horizontales.)
Marca
mucho
los
volúmenes
y
los
planos,
no
es
nada
etéreo.
Llegó
a
los
límites
de
la
abstracción.
Entre
su
genial
producción
destacamos
las
bañistas,
los
jugadores
de
carta,
la
montaña
de
St.Victoire
y
sus
increíbles
bodegones,
claros
precedentes
del
cubismo.
Los
cuadros
terminan
siendo
una
creación
mental,
se
alejan
paulatinamente
del
modelo.
Paul
GAUGUIN
(1848-­‐1903)
era
también
de
origen
francés.
De
biografía
sugestiva,
tenía
ascendencia
española
y
tuvo
varios
oficios.
Crítico
constante
de
la
sociedad
en
la
que
vive,
huye
de
París
y
trata
de
encontrar
nuevos
horizontes,
primero
en
la
región
francesa
de
Bretaña
y
luego
en
la
lejana
Tahití,
lo
que
le
supone
entrar
en
contacto
con
culturas
primitivas
que
marcan
profundamente
su
pintura.
Las
mujeres
son
su
auténtica
preocupación
iconográfica
y
pretexto
para
sus
investigaciones.
También
los
retratos
de
amigos
y
sus
autorretratos.
Profundizó
en
diversas
técnicas:
pintura
al
óleo,
escultura,
tapices,
grabados,
etc.
Le
apasionaba
el
arte
medieval,
las
miniaturas,
las
vidrieras
y
los
esmaltes
y
también
las
culturas
12
Henri
Matisse,
admiraba
su
manejo
del
color
y
Pablo
Picasso
se
basó
en
su
forma
de
componer
los
planos
para
crear
el
cubismo.

10. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
orientales,
exóticas
y
primitivas.
Este
camino
le
lleva
a
exaltar
el
color
y
a
simplificar
las
formas.
Extiende
el
color
en
campos
extensos
dentro
de
gruesas
líneas.
Rechaza
la
perspectiva,
suprime
el
modelado
y
las
sombras
y
siente
predilección
por
formas
planas
y
líneas
definidas.
No
tiene
interés
por
la
luz.
En
todas
sus
obras
se
impone
un
contenido
de
tipo
simbólico.
Tenía
un
talento
enorme
para
la
composición
y
el
color.
Sus
líneas
sinuosas
nos
retrotraen
al
modernismo.
Muestra
un
mundo
paradisíaco.
Es
un
precedente
claro
de
la
pintura
expresionista
de
vanguardia
y
fue
el
punto
de
partida
de
los
nabís.
Entre
sus
obras
destacamos
El
Cristo
amarillo,
Matamua,
Mujeres
tahitianas,
Jacob
y
el
ángel,
Paisaje
tahitiano,
¿De
dónde
venimos?
¿Qué
somos?
¿Adónde
vamos?.
Vincent
VAN
GOGH
(1853-­‐1890),
fue
un
pintor
holandés
y
figura
destacada
del
Postimpresionismo.
Encarna
el
prototipo
de
artista
incomprendido
en
vida
y
reivindicado
hasta
el
paroxismo
por
la
posteridad.
Nació
en
el
seno
de
una
humilde
familia
de
origen
protestante.
Fue
un
místico
heterodoxo.
Recibió
los
mismos
nombres
-­‐Vincent
Willem-­‐
que
se
impusieran
a
un
hermano
que
nació
muerto
justo
un
año
antes
que
él,
el
mismo
día
30
de
marzo;
como
si
fuera
un
presagio
de
su
atormentada
existencia.
Llegó
a
pintar
900
cuadros
(27
de
ellos
autorretratos)
y
1.600
dibujos,
además
de
escribir
800
cartas,
650
de
ellas
a
su
hermano
Theo
Van
Gogh.
Pero
sólo
vendió
un
cuadro
en
su
vida.
Su
talento
fue
inconmensurable.
Padeció
toda
su
vida
una
gran
inestabilidad
mental,
mitigada
en
parte
por
el
apoyo
incondicional
de
su
queridísimo
hermano
Theo.
Durante
toda
su
vida
se
enorgulleció
de
ser
un
gran
autodidacta.
Obsesionado
con
La
Biblia,
en
su
juventud
quiso
hacerse
teólogo
y
misionero.
De
hecho,
trabajó
como
misionero
en
Bélgica
durante
varios
meses.
Allí
dio
todo
lo
que
tenía
a
los
mineros:
ropa,
dinero
y
comida,
además
de
realizar
sus
primeras
pinturas.
Rembrandt
le
influyó
muchísimo
y
también
las
estampas
japonesas,
fueron
cruciales
en
su
producción.
En
1886
se
mudó
a
París,
para
vivir
junto
a
su
hermano
Theo
y
empezó
a
codearse
con
los
artistas
de
la
época
(impresionistas,
postimpresionistas
como
Toulouse-­‐Lautrec,
etc.)
En
1888
se
instaló
en
Arles,
al
sur
de
Francia,
con
la
intención
de
crear
un
taller
de
artistas
en
su
casa.
Allí
trabajará
con
Gauguin.
Su
fama
creció
rápidamente
después
de
su
muerte,
gracias
a
la
promoción
de
la
esposa
de
Theo
que,
aunque
no
tuvo
una
buena
relación
con
Vincent,
resultó
ser
la
única
heredera
de
toda
su
obra
tras
la
muerte
de
su
esposo,
ocurrida
poco
después
de
la
de
Vincent.
Valora
mucho
el
color,
dibuja
con
el
color.
Decía
sobre
él,
que
“el
color
por
sí
mismo
siempre
expresa
algo,
no
cabe
prescindir
de
él”.
Pintó
sobre
todo
paisajes
y
retratos.
Sus
pinturas
son
muy
creativas
y
originales.
Utiliza
la
técnica
del
óleo
con
pincelada
más
menuda
al
principio
y
después
evoluciona
a
una
pincelada
más
amplia
e
intensa,
aplicada
con
espátula
o
con
la
propia
mano,
basándose
en
empastes
gruesos
donde
el
propósito
es
buscar
la
intensidad
del
color.
La
pincelada
ondulante
y
circular
se
hace
más
vehemente
después
de
su
primer
ataque
de
locura:
proyecta
en
exceso
su
personalidad
y
se
integra
en
la
representación
de
las
cosas.

11. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Cada
vez
se
aleja
más
de
la
realidad
y
con
el
color
y
la
fuerza
expresiva
de
su
pincelada
camina
hacia
la
abstracción.
Utiliza
el
color
para
transmitir
sentimientos.
Su
pintura
guarda
muchas
concomitancias
con
Gauguin.
La
influencia
de
Van
Gogh
en
el
Postimpresionismo,
Expresionismo,
Fauvismo
y
los
principios
del
arte
abstracto
fue
enorme,
y
se
puede
notar
en
muchos
otros
aspectos
del
arte
del
siglo
XX.
El
Museo
Van
Gogh
en
Ámsterdam
se
dedica
al
trabajo
de
este
artista
y
de
sus
contemporáneos.
Se
suicidó
cuando
contaba
37
años
de
edad
–
disparándose
en
el
pecho-­‐y
sus
últimas
palabras
fueron
“la
miseria
no
acabará
nunca”.
Entre
su
maravillosa
producción
artística
destacamos
Noche
estrellada,
La
habitación
en
Arles,
sus
autorretratos,
Café
nocturno
en
Arles,
Las
botas…
Es
uno
de
los
pintores
más
cotizados
y
admirados
del
mundo.
Henri
de
TOULOUSE-­‐LAUTREC
(1864-­‐1901)
y
los
orígenes
del
CARTELISMO
Toulouse-­‐Lautrec
nació
en
Albi
(Francia)
en
el
seno
de
una
familia
aristocrática
de
rancio
abolengo,
muy
aficionada
al
arte.
Sufría
una
enfermedad
por
consanguineidad
–sus
padres
eran
primos-­‐
que
propiciaba
el
tener
los
huesos
muy
débiles.
Dos
caídas
sucesivas
con
roturas
de
fémur
provocaron
que
no
le
crecieran
las
piernas.
Además
tenía
la
cabeza
deforme,
de
ahí
que
aparezca
siempre
con
sombrero
en
sus
cuadros.
Esta
fealdad
le
cerró
el
paso
a
la
vida
social
a
la
que
estaba
abocado.
Se
marchó
a
París
y
allí
entró
en
contacto
con
el
mundo
artístico.
Su
taller
estaba
en
el
mismo
edificio
en
el
que
vivía
Degas
que
le
influyó
muchísimo.
Cuando
contaba
21
años
un
poeta
satírico
abrió
un
cabaret,
el
Mirliton
y
allí
expuso.
Retrató
a
Van
Gogh
y
comenzó
a
exponer
en
el
Salón
de
los
Independientes,
siendo
conocido
como
artista
ya
desde
muy
joven.
Empezó
a
tener
toda
una
pléyade
de
amantes
femeninas
del
demi-­‐monde.
Le
fascinaba
la
ciudad,
París
en
concreto
y
fue
el
cronista-­‐retratista
un
tanto
caricaturesco
de
la
vida
nocturna
de
la
Belle
Époque.
Pinta
el
Moulin
de
la
Galette
de
Montmartre,
el
Moulin
Rouge
(bailarinas,
contorsionistas
como
el
cubano-­‐
bilbaíno
el
Negro
Chocolate,
Valentin
le
Desossée,
la
Goulue,
cantantes
de
ópera,
etc.)
Entró
en
contacto
con
intelectuales,
con
Misia
Sert
y
con
toda
la
bohemia
artística
de
la
época.
Pinta
Viajó
bastante,
estuvo
en
Londres
y
trató
a
Oscar
Wilde.
Estuvo
en
España
en
1896
en
Madrid
y
Toledo.
Fue
un
extraordinario
pintor,
dibujante
y
el
mejor
litógrafo.
Como
litógrafo,
firmaba
siguiendo
la
moda
de
las
estampas
japonesas,
con
un
sello.

12. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Gran
caricaturista,
cruel
y
sincero,
frio
y
amoral,
no
muestra
ni
amor
ni
ensañamiento
de
lo
que
ve13
.
El
paisaje
apenas
le
interesa.
Utilizaba
colores
planos,
simples,
pero
muy
efectistas,
en
particular
el
empleo
del
color
negro,
perfilaba
muchos
los
contornos.
Capta
el
movimiento
como
jamás
lo
ha
tratado
nadie.
No
se
limitó
a
copiar
lo
que
estaba
viendo,
se
recreaba
en
ello
y
dio
dignidad
al
cancán.
Era
de
una
laboriosidad
pasmosa.
Sus
carteles
publicitarios
–dentro
de
una
estética
que
oscila
entre
el
Japonismo
y
el
Modernismo-­‐
son
el
comienzo
de
la
edad
de
oro
del
cartelismo14
,
a
caballo
entre
los
siglos
XIX
y
XX.15
Su
afición
al
alcohol
y
a
los
excesos
le
provocó
una
temprana
muerte
con
tan
solo
37
años.
En
Albi16
,
su
ciudad
natal,
se
conserva
un
espléndido
museo
dedicado
a
su
obra.
Un
año
después
de
su
muerte,
en
1902
se
celebró
una
gran
exposición
retrospectiva
de
su
obra
y
los
precios
de
sus
cuadros
subieron
desorbitadamente.
Hoy
es
uno
de
los
artistas
franceses
más
conocidos
de
todo
el
mundo.
La
pintura
ESPAÑOLA
entre
dos
siglos.
El
impacto
del
IMPRESIONISMO.
El
LUMINISMO
de
Sorolla.
La
pintura
de
paisaje
realista
en
España
tiene
en
el
pintor
de
origen
belga
Carlos
DE
HAES
(1826-­‐1898)
a
su
principal
representante.
Fue
profesor
de
pintura
de
paisaje
en
la
Escuela
de
Bellas
Artes
de
San
Fernando
en
Madrid,
promoviendo
la
reproducción
fiel
de
la
naturaleza
siguiendo
la
tradición
de
la
Escuela
de
Barbizón
francesa,
que
tanto
influiría
en
los
pintores
impresionistas
de
ese
país. De
entre
la
nutrida
generación
de
alumnos
que
formó
cabe
destacar
a
los
impresionistas
españoles
Aureliano
de
Beruete
y
Darío
de
Regoyos.
Durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX,
el
impacto
del
Impresionismo
en
España
dio
lugar
a
algunos
seguidores,
que
al
menos,
tangencialmente,
se
dejaron
influir
por
este
estilo
pictórico.
Es
el
caso
de
Aureliano
de
Beruete,
nuestro
más
conspicuo
representante
del
Impresionismo
español,
y
también
de
Darío
de
Regoyos
y
Santiago
Rusiñol,
aunque
estos
últimos
con
menor
medida.
Aureliano
de
BERUETE
(1845-­‐1912)
Para
Julián
Gállego,
este
pintor
es
el
único
impresionista
español,
vinculado
además,
al
luminismo.
Fue
coleccionista
de
arte
(Miguel
Ángel,
el
Greco…)
y
su
hijo,
con
el
mismo
nombre
y
apellido,
fue
historiador
del
arte
y
el
primer
director
del
Museo
del
Prado
no
artista.
13
Aunque
algunas
de
sus
obras
presentan
carácter
erótico,
nunca
es
vulgar
ni
chabacano.
14
Especialidad
de
las
artes
gráficas
consistente
en
la
realización
de
carteles.
15
Recordemos
que
a
finales
del
siglo
XIX,
el
cartel
publicitario
experimentó
un
gran
auge
con
la
aplicación
de
la
litografía
y
la
utilización
del
color.
Grandes
cartelistas
fueron
aparte
de
Toulouse-­‐Lautrec,
los
modernistas
Jules
Chéret,
Alphonse
Mucha
o
Ramón
Casas
entre
muchos
otros,
como
veremos
en
el
próximo
tema.
16
http://www.museetoulouselautrec.net

13. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Fue
de
los
pocos
pintores
españoles
de
su
época
que
viajaba
a
París
continuamente.
Allí
conoció
a
Claude
Monet.
Pintaba
paisajes
del
natural
–en
plein
air-­‐
y
su
pincelada,
corta
y
pequeña,
era
muy
matizada.
Pintó
al
Madrid
campestre
de
una
forma
exquisita
como
no
se
veía
desde
Goya.
Imitaba
a
Sisley
pintando
ríos
inundados.
Fue
muy
amigo
de
Sorolla.
Darío
de
REGOYOS
(1857-­‐1913)
Para
algunos
expertos
como
Juan
San
Nicolás,
Regoyos
fue
el
único
pintor
genuinamente
impresionista
en
España17
.
Nació
en
Ribadesella
(Asturias)
y
se
formó
en
la
Escuela
de
San
Fernando
con
Carlos
de
Haes.
Se
trasladó
a
París
y
a
Bruselas
y
finalmente
se
estableció
en
el
País
Vasco.
Conoció
el
Impresionismo
al
entablar
contacto
con
Degas,
Monet,
Pisarro
y
Signac
y
usará
las
nuevas
técnicas
para
expresarse
en
un
lenguaje
propio.
Recorrió
toda
la
península
ibérica
buscando
nuevas
temáticas
y
posibilidades
lumínicas
para
su
obra.
Regoyos
fue
fundamentalmente
paisajista,
aunque
en
sus
paisajes
también
aparecen
figuras
humanas
que
se
integran
en
el
entorno
que
las
rodea.
Entre
sus
retratos
destaca
el
de
Doña
Dolores
Otaño
ya
dentro
de
la
técnica
puntillista,
también
llamada
divisionista
o
neoimpresionista.
Ramón
CASAS
(1866-­‐1932)
En
su
viaje
a
París
coincide
con
la
exposición
de
los
impresionistas
de
1882.
En
su
paleta
predominan
las
tonalidades
frías,
grises
y
de
empaste
ligero.
Su
paleta
limpia
y
jugosa,
transmite
la
luminosidad
y
lo
fugaz
de
17
Véase
la
microsite
de
Regoyos
del
Museo
Thyssen
http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688

14. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
cada
momento.
Su
cuadro
más
famoso
es
Plein
air,
donde
aparece
una
mujer
joven
sentada
en
la
mesa
de
un
café
al
aire
libre.
Lo
más
destacado
de
esta
obra
es
su
compleja
composición
espacial.
La
sensación
de
profundidad
queda
marcada
con
la
silla
vacía
del
primer
plano,
la
figura
femenina
sentada
y
la
figura
masculina
al
fondo.
Las
figuras
están
bien
delimitadas
pero
las
formas
se
disuelven
en
los
edificios
del
fondo
que
no
son
más
que
manchas
de
color.
Fue
el
gran
retratista
de
la
burguesía
catalana
de
su
época
y
en
algunas
de
sus
obras
se
aprecia
cierta
preocupación
social
y
política
como
en
La
Carga,
Barcelona,
1902
o
en
Garrote
vil.
Ramón
Casas
fue
un
gran
cartelista
vinculado
al
Modernismo,
como
veremos
en
el
próximo
tema.
Santiago
RUSIÑOL
(1861-­‐1931)
Bajo
las
premisas
del
Impresionismo
pintó
los
rincones
del
París
más
popular,
como
es
el
barrio
de
Montmartre
como
vemos
en
sus
obras
Vistas
de
Montmartre
en
invierno
o
El
café
de
Montmartre.
A
su
regreso
de
París,
se
dedicó
al
paisaje.
Deja
los
tonos
grises
y
su
paleta
se
hace
más
empastada
y
rica.
Se
convirtió
en
el
pintor
de
los
jardines,
sobre
todo
los
de
Granada,
Sevilla
y
Aranjuez.
Jardín
de
Aranjuez
o
Muralla
verde.
Casas
y
Rusiñol
renuevan
completamente
el
panorama
artístico
catalán
y
dan
paso
a
una
nueva
corriente,
el
Modernismo.
La
influencia
del
IMPRESIONISMO
en
Canarias
Aunque
en
Canarias
no
encontramos
artistas
a
los
que
con
propiedad
podríamos
denominar
impresionistas,
si
podemos
detectar
su
influencia
en
algunos
pintores
como
en
Nicolás
MASSIEU
o
incluso
en
el
modernista-­‐
simbolista
NÉSTOR
MARTÍN
FERNÁNDEZ
DE
LA
TORRE.
Massieu
viajó
a
Inglaterra
a
los
18
años,
luego
a
Italia
y
París,
donde
relacionó
con
artistas
del
momento
entre
los
que
sobresalen
los
impresionistas
Manet,
Monet,
Renoir
y
Degas.
Después
de
una
etapa
dedicada
fundamentalmente
a
retratos
y
escenas
costumbristas,
se
enfrentó
a
la
luz
de
su
tierra
plasmando
el
paisaje
en
breves
pinceladas
al
modo
impresionista.
Un
ejemplo
claro
de
esto
lo
tenemos
en
su
cuadro
Almendros
en
flor,
en
la
Casa
de
Colón
de
Las
Palmas
de
Gran
Canaria.
En
el
caso
de
Néstor,
artista
muy
viajero
y
siempre
en
contacto
con
las
tendencias
estéticas
y
los
artistas
de
su
tiempo,
la
influencia
impresionista
es
detectable
en
su
pintura
Calle
Mayor
de
Madrid,
del
Museo
Néstor
de
Las
Palmas.

15. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
El
LUMINISMO
de
JOAQUÍN
SOROLLA.
Vidas
paralelas:
SOROLLA
versus
SARGENT18
Joaquín
SOROLLA
(Valencia
1863-­‐Cercedilla
1923)
fue
un
artista
con
un
don
extraordinario,
una
gran
facilidad
para
la
pintura.
Era
un
pintor-­‐pintor,
nada
literario,
que
dominaba
la
técnica.
Su
pintura
es
pintura
en
estado
puro,
con
temas
muy
simples.
En
ocasiones
su
pincelada
–pastosa
y
enorme-­‐
se
acerca
al
Impresionismo.
Ha
sido
denominado
luminista
por
la
fuerza
luminosa
extraordinaria
de
sus
obras.
Es
difícil
encontrar
un
pintor
que
haya
reflejado
mejor
que
él,
la
luz
cegadora
mediterránea.
A
este
respecto
comentaba
Pío
Baroja,
que
los
paisajes
de
Sorolla
le
daban
calor.
Muy
vitalista,
vivió
como
un
príncipe
ya
que
desde
muy
joven
alcanzó
el
éxito
y
tuvo
mucho
dinero.
Fue
un
hombre
feliz,
muy
enamorado
de
su
mujer,
a
la
que
pintaba
continuamente,
y
muy
amoroso
con
sus
hijos,
a
los
que
también
retrató
frecuentemente.
Pintor
muy
prolífico,
era
un
trabajador
incansable,
un
obrero
de
la
pintura.19
Fue
fotógrafo
amateur.20
John
Singer
SARGENT
(1856-­‐1925)
fue
un
pintor
estadounidense,
aunque
nacido
en
Florencia
que
alcanzó
un
enorme
éxito
en
su
época.
Llegó
a
realizar
más
de
900
pinturas
al
óleo
y
cerca
de
2000
acuarelas.
Cosmopolita
y
viajero,
este
pintor
de
extraordinario
talento
ha
sido
comparado
con
el
pintor
español
Joaquín
SOROLLA
con
el
que
guarda
muchas
concomitancias.
Fueron
pintores
de
lenguaje
muy
afín,
que
se
conocían
personalmente
y
sentían
atracción
mutua
por
sus
respectivas
obras,
pese
a
ser
dos
artistas
muy
diferentes
por
su
nacimiento,
educación
y
personalidad.
Los
dos
admiraban
profundamente
a
Velázquez,
referencia
ineludible
de
sus
pinturas,
y
mostraban
influencias
del
Impresionismo
a
su
manera.
Sargent
también
fue
luminista,
sobre
todo
en
sus
acuarelas.
Desde
su
llegada
a
París
en
1874,
el
joven
Sargent
asimiló
con
celeridad
el
lenguaje
artístico
moderno
y
aprendió
a
admirar,
como
su
maestro
Carolus-­‐Durand
y
como
Manet,
la
pintura
de
Velázquez.
Los
retratos
de
entre
1883
y
1885
permiten
apreciar
la
llamativa
libertad
de
encuadre
y
composición
que
caracterizó
el
naturalismo
de
su
primera
madurez.
En
contraste
con
la
precocidad
de
Sargent,
Sorolla,
que
era
siete
años
más
joven,
no
encontró
su
propia
identidad
artística
hasta
bien
avanzada
la
década
de
1890.
Sorolla
además
optó
en
sus
inicios,
por
la
pintura
de
denuncia
social,
en
cuadros
de
gran
formato
con
los
que
cosechó
sus
primeros
éxitos
nacionales
e
internacionales.
Las
trayectorias
de
Sargent
y
Sorolla
se
aproximan
en
el
momento
en
el
que
atendemos
a
la
dedicación
explícita
del
primero
al
estudio
de
Velázquez
y
a
temas
como
el
baile
flamenco
y
la
Alhambra.
El
entusiasmo
de
Sargent
por
el
arte,
la
música
y
la
idiosincrasia
de
nuestro
país
marcaría
de
manera
significativa
su
obra.
Los
cuadros
dedicados
al
mar
y
la
playa
de
la
primera
década
del
siglo
XX
de
Sorolla
ofrecen
los
mejores
ejemplos
de
exaltación
lumínica
y
de
lirismo
exuberante
dentro
de
su
pintura.
El
retrato
fue
el
género
que
más
fama
dio
a
Sargent.
Disfrutó
de
un
enorme
éxito
como
retratista
entre
sus
contemporáneos.
Sargent
puede
ser
apreciado
retrospectivamente
como
el
último
gran
representante
de
la
tradición
clásica
del
retrato.
La
concepción
del
retrato
en
Sorolla
es
menos
meditada
que
en
Sargent.
Sus
retratos
se
confían
más
al
azar
de
las
circunstancias.
Aunque
no
fue
su
especialidad
característica,
Sorolla
hizo
muchos.
Pintaba
a
su
familia
y
a
personalidades
de
su
entorno
artístico
e
intelectual
(incluido
el
rey).
Los
propósitos
pictóricos
y
la
manera
de
alcanzarlos
cuando
Sargent
y
Sorolla
pintaron
retratos
de
grupo
estuvieron
muy
próximos.
Tanto
Sargent
como
Sorolla
trataron
de
llevar
el
retrato
burgués
a
un
terreno
nuevo.
Su
propósito
fue
imbuir
al
género,
si
no
de
solemnidad,
sí
de
la
grandeza
del
retrato
barroco
de
corte.
18
http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html
19
Se
cuenta
que
cuando
estuvo
en
Estados
Unidos,
mientras
desayunaba,
pintaba
a
la
gente
del
hotel
donde
estaba
hospedado.
20
Al
final
de
su
vida,
en
1920,
tuvo
una
parálisis
en
una
mano
y
sufrió
tres
años
de
agonía
por
ello
hasta
su
muerte.

16. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
Las
etapas
finales
de
ambos
artistas
muestran
la
mayor
afinidad
entre
sus
trayectorias.
Revelan
la
proximidad
de
temas
y
factura
en
sus
obras
más
personales.
Sargent
es
valorado
como
uno
de
los
más
formidables
acuarelistas.
El
deslumbrante
virtuosismo
de
sus
acuarelas
nos
descubre,
más
aún
que
sus
lienzos,
la
manifiesta
voluntad
luminista
de
su
obra.
Habiendo
alcanzado
el
éxito
relativamente
pronto,
Sargent
y
Sorolla
pudieron,
con
sus
recursos
y
su
vocación,
dedicarse
a
la
más
moderna
de
las
tareas
artísticas:
pintar
para
sí
mismos.
Fue
durante
los
últimos
doce
o
quince
años
de
sus
vidas
cuando
el
trabajo
de
ambos
pintores
alcanzó
la
culminación
de
pasión
y
excelencia
pictóricas
que
les
ha
granjeado
un
lugar
incuestionable
en
la
historia
del
arte
moderno.
Sorolla,
fue
sin
duda,
el
pintor
español
más
dotado
de
su
generación.
Otros
artistas
importantes
de
la
época
entre
dos
siglos,
el
XIX
y
el
XX
fueron
los
catalanes
Hermen
ANGLADA
CAMARASA
(1871-­‐1959). A
finales
del
siglo
XIX
vivió
en
París,
donde
adoptó
un
estilo
más
personal
en
línea
con
los
cuadros
nocturnos
e
interiores
de
Degas
y
Toulouse
Lautrec,
pero
con
un
colorido
más
intenso
que
anunciaba
el
triunfo
del
Fauvismo,
con
una
pincelada
muy
suelta.
En
él
se
aprecia
la
influencia
del
Japonismo
y
el
Modernismo.
Una
de
sus
mejores
obras
es
el
retrato
de
Sonia
Klamery
que
se
conserva
en
el
MNCARS.
Isidro
NONELL
(1873-­‐1911)
puso
el
acento
en
temas
sociales
como
situaciones
de
miseria
mientras
que
el
cosmopolita
José
Luis
SERT
(1874-­‐1945)
fue
uno
de
los
pintores
más
cotizados
y
controvertidos
de
su
tiempo
y
uno
de
los
mejores
muralistas
españoles.
De
formación
modernista,
desarrolló
un
estilo
pictórico
al
margen
de
las
corrientes
estilísticas
de
su
época.
Sert
pone
un
cierto
orientalismo,
una
clara
influencia
del
barroco
y
un
expresionismo
de
corte
goyesco,
al
servicio
de
una
potente
imaginación
para
la
creación
y
adaptación
de
temas
basada
en
una
narrativa
grandilocuente. Tuvo
taller
en
París21
,
y
estuvo
casado
con
la
mítica
Misia
Godebska,
modelo
de
los
pintores
impresionistas.
A
pesar
de
que
su
vida
estuvo
marcada
por
el
éxito,
la
obra
de
Sert
cayó
en
el
olvido
tras
su
muerte
en
1945,
aunque
retrospectivas
de
su
obra
en
los
últimos
años
han
intentado
su
revalorización.
Sus
murales
decoraban
hoteles
en
Nueva
York
(como
el
Waldorf
Astoria),
instituciones
como
la
Liga
de
Naciones
de
Ginebra,
el
Rockefeller
Centre
de
Nueva
York,
la
Catedral
de
Vic
o
el
Ateneo
de
Barcelona.
2.
LAS
ESTAMPAS
JAPONESAS
UKIYO-­‐E
UKIYO-­‐E
significa
“imágenes
del
mundo
flotante”.
El
Ukiyo-­‐E
es
una
tipología
de
grabado
sobre
madera
–
xilografía-­‐
que
se
difundió
en
el
periodo
EDO
(1603-­‐1868)
en
Japón,
particularmente
en
la
ciudad
de
Tokio.
Son
consideradas
como
la
quintaesencia
del
arte
japonés.
21
Sert
contaba
entre
sus
amigos
íntimos
a
Guillaume
Apollinaire,
Marcel
Proust,
Paul
Valéry,
Gabrielle
Colette
y
Paul
Claudel.

17. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
La
temática
Ukiyo-­‐E
hace
referencia
a
escenas
de
vida
cotidiana,
a
la
ciudad,
a
los
paisajes,
al
teatro
–kabuki-­‐
y
en
algún,
caso
presentan
contenidos
de
carácter
erótico22
.
Ukiyo-­‐E
deja
atrás
la
mímesis
o
imitación
de
la
realidad
occidental.
Prefieren
obras
de
un
profundo
lirismo
y
expresión
emocional,
con
contornos
muy
marcados
y
definidos
así
como
visiones
en
diagonal.
Son
estampas
polícromas.
Obvian
los
efectos
volumétricos
del
claroscuro
tan
habituales
en
el
arte
occidental.
Valoran
el
vacío,
el
símbolo,
la
inclusión
de
la
caligrafía
en
la
obra
pictórica
y
las
tintas
planas
en
campos
monocromos.
Como
a
los
impresionistas,
les
interesa
captar
el
instante,
lo
efímero,
como
las
olas
del
mar,
las
hojas
mecidas
por
el
viento...
Son
estampas
de
una
belleza
impresionante
que
tendrían
un
fuerte
impacto
en
el
arte
occidental,
en
todo
tipo
de
corrientes
estéticas
y
artistas
como
el
Impresionismo23
,
Postimpresionismo,
Simbolismo,
los
Nabís…
y
el
arte
de
vanguardia.
También
influyeron
en
el
nacimiento
del
cómic
y
en
dibujantes
de
campanillas
como
HERGÉ24
.
En
el
París
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
se
difundieron
muchísimo
estas
estampas.
En
el
fondo,
forma
parte
de
la
pasión
por
el
Japonismo25
que
se
difundió
especialmente
en
el
siglo
XIX
y
abarcó
las
bellas
artes,
las
artes
decorativas
(mobiliario,
cerámica,
indumentaria…)
y
el
diseño
(gráfico,
cartelismo…).
Por
lo
que
se
refiere
a
la
técnica
Ukiyo-­‐E,
su
elaboración
implica
una
precisión
milimétrica.
El
artista
separaba
los
dibujos
por
colores
que
después
se
pegaban
en
los
bloques
de
madera.
Una
vez
que
todos
los
bloques
para
una
impresión
estaban
cortados,
se
procedía
a
realizar
el
grabado
en
sí.
Para
ello
se
usaban
tintas
a
base
de
agua
y
mezclas
que
requerían
gran
habilidad
y
velocidad
por
parte
de
los
impresores.
Sólo
después
de
que
todos
los
colores
se
imprimían
el
artista
podía
ver
el
diseño
completo.
Los
máximos
representantes
del
grabado
Ukiyo-­‐E
fueron
Utamaro,
Hiroshige
y
Hokusai.
Kitagawa
UTAMARO
(1753
–
1806)
Utamaro
fue
uno
de
los
pintores
y
grabadores
más
importantes
de
UKIYO-­‐
E.
En
su
obra
encontramos
la
naturaleza
como
tema
omnipresente
(insectos,
aves,
flores)
y
sobre
todo
las
bellezas
femeninas,
casi
siempre
de
22
Aparecía
intercalado
en
los
periódicos
porque
era
una
manera
de
propaganda.
23
Degas
coleccionó
estampas
Ukiyo-­‐E.
24
Hergé
sintió
una
fascinación
por
Oriente
que
le
acompañó
toda
su
vida.
Concretamente,
mostró
un
gran
interés
por
la
filosofía
y
la
cultura
chinas,
particularmente
por
el
taoísmo,
pero
también
por
el
budismo
y
el
pensamiento
zen.
Su
interés
por
Oriente
también
se
podía
percibir
en
algunas
de
las
obras
de
arte
que
fue
incluyendo
en
su
colección
personal,
entre
las
que
se
encontraban
varios
caros
jarrones
chinos
adquiridos
en
Londres
y
un
buda
dorado
que
compró
a
un
monje
tibetano.
25
Sobre
el
Japonísmo,
véase
la
conferencia
de
Daniel
Montesdeoca
sobre
“Japonismo,
ensueño
oriental”
https://www.youtube.com/watch?v=tBpuxsOl58g

18. Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
medio
busto.
Su
obra
impactó
en
los
impresionistas
europeos,
particularmente
por
su
uso
de
diagonales
y
vistas
parciales.
Utagawa
HIROSHIGE
(1797-­‐1858)
Como
Utamaro,
Hiroshige
ejerció
una
gran
influencia
en
el
arte
europeo.
Fue
un
formidable
paisajista
y
también
trató
la
temática
de
la
vida
cotidiana.
Las
Sesenta
y
nueve
estaciones
del
Kisokaido
se
cuentan
entre
sus
realizaciones
más
conseguidas.
Katsushika
HOKUSAI
conocido
como
Hokusai
(1760
-­‐1849)
Posiblemente,
Hokusai
es
el
artista
más
representativo
Ukiyo-­‐E.
Fue
un
espléndido
ilustrador
y
grabador.
Su
producción
artística
engloba
casi
todos
los
temas
Ukiyo-­‐E
como
paisajes,
flores,
aves
y
peces.
Descuellan
en
su
producción
las
visiones
del
Monte
Fuji,
La
gran
Ola
o
El
dragón
de
humo.
3.
INTRODUCCIÓN
AL
ARTE
DE
VANGUARDIA.
EL
FAUVISMO.
EL
CUBISMO
El
relato
del
arte
del
siglo
XX
es
la
historia
de
las
vanguardias.
Las
primeras
vanguardias,
llamadas
también
vanguardias
históricas
se
gestan
a
inicios
del
siglo
XX
y
se
desarrollan
durante
las
primeras
décadas
de
esa
centuria.
Estos
movimientos
artísticos
de
vanguardia
son
el
Cubismo,
el
Futurismo,
el
Expresionismo
en
su
vertiente
francesa
(Fauvismo),
alemana
(Die
Brücke,
Der
Blaue
Reiter),
el
Dadaísmo,
el
movimiento
De
Stijl,
el
Suprematismo
ruso,
el
Surrealismo...
Después
del
final
de
la
II
Guerra
Mundial
(1945),
el
centro
artístico
mundial
se
trasladó
de
París
a
Nueva
York.
Allí