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El Condotiero Colleone de Verrocchio

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El Condotiero Colleone de Verrocchio

  1. 1. COMENTARIO DE UN RETRATO ECUESTRE: EL CONDOTIERO COLLEONE DE VERROCCHIO   Catalogación:  Es  una  fotografía  de  un  retrato  ecuestre,  del  escultor  florentino  del  siglo  XV,  Andrea  Verrocchio.  La  escultura  fue  encargada,  en  su  testamento,  por  el  propio  condotiero,  para  ser  colocada  en  el  lugar  donde  todavía  se  encuentra,  en  la  Plaza  de  san  Giovani y san Paolo, en Venecia. Descripción:  el  jinete  y  el  caballo  aparecen  sobre  un  alto  pedestal  de  mármol,  de  estilo  clásico,  en  actitud  de  avance,  vestidos  con  sus  armas,  como  si  se encontraran en medio de la batalla. Andrea  Verrocchio.  Estatua  ecuestre  del  Condotiero  Bartolomeo  Colleoni.  Bronce sobre pedestal de marmol. 1478-1488.  Campo San Paolo y San Giovani. Venecia.
  2. 2. Análisis formal:  la  obra  está  hecha  en bronce,  mediante  la  técnica  del  vaciado, que en esta época los artistas empezaban a  dominar,  pero  todavía  con  bastantes dificultades. El  naturalismo  típico  del  Renacimiento  es en  esta  obra  muy  evidente,  tanto  en  el caballo, al que intenta dotarse de un gran parecido  con  la  realidad,  con  una musculatura  muy  bien  trabajada, marcándose  los  tendones,  y  captando muy  bien  el  movimiento,  gracias  al  gesto de  levantar  la  pata,  que  Donatello  no había  podido  realizar  en  su  Gatamelata. También  el  condotiero  presenta  un naturalismo  idealizado,  al  mostrar  una imagen  ideal  del  guerrero,  si  no  bello,  sí fuerte  y  arrogante  en  el  gesto,  aunque  el rostro  es  algo  tosco,  de  ojos  un  poco espantados, pero de innegable energía. Arriba  e  izquierda  El  Condotiero  Colleone,  abajo derecha  el  Condotiero  Gattamelata  de  Donatello, 1447-1453. Plaza del Santo. Padua.
  3. 3. La composición es más dinámica que la de otras obras ecuestres anteriores, no solo por el gesto de avance del caballo, también por el contraposto que marcan la cabeza y el cuello del caballo y del jinete, que se giran en sentidos opuestos, y por el gesto del jinete, que se levanta sobre los estribos de la silla.El tema del retrato había ganado importancia desde el final del periodo gótico, primero en los sepulcros, y más adelante en pinturas y retablos, aunque lo frecuente era que el comitente fuera acompañando a personajes religiosos. A medida que avanza siglo XV el individualismo, el interés por representar al individuo concreto, hace que el retrato se convierta en un género independiente de la obra religiosa, y alcance el protagonismo que había tenido en la Antigüedad.  
  4. 4. Izda: Condotiero  Gattamelata .  Donatello,  1447-1453. Plaza  del Santo.  Padua. Emperador  Marco Aurelio.  176 d.C. Roma.  Museo  Capitolino.Precisamente de la Antigüedad se conserva el retrato del emperador Marco Aurelio, que Donatello conoció en su viaje a Roma, y que imita en su Gattamelata, aunque le da, tanto al caballo como al caballero, un aire más sosegado, no exento de autoridad.   Cuadriga  de San  Marcos. Verrocchio sigue este modelo heredero de la  Helenismo. Antigüedad, y también el de los caballos de la  Venecia. Museo plaza de San Marcos, en Venecia, traídos por  de la Basílica de los cruzados desde Constantinopla en el siglo  San Marcos.XIII, en gesto de avance con la pata levantada (decoraban el hipódromo de Constantinopla y son anteriores al siglo V).
  5. 5. En pintura también son frecuentes las  representaciones ecuestres, primero dentro del  marco de la obra religiosa (la Adoración de los  Magos, es una buena excusa), pero también en  las escenas de batallas, y, finalmente, en un  retrato independiente, como el de Carlos V en  Mülberg, de Tiziano, modelo que seguirán otros  pintores del Barroco, como Rubens o Velázquez,  realizando  retratos que se convierten en la  mejor expresión de la Monarquía Absoluta. Carlos V en la batalla de Mülhberg, Tiziano,  1548.  Museo del Prado.Comentario: En  el  comentario  de  esta  obra  podemos  desarrollar  muchos  aspectos  del Renacimiento,  generalmente  debemos  empezar  por  lo  más  particular,  y  después  vamos avanzando hacia lo más general: primero hablamos de Verrocchio, su taller, de otras obras suyas,  después  del  ascenso  social  del  artista,  de  la  Antigüedad  como  modelo,  del  antropocentrismo  y del  humanismo,  y  por  último  de  Florencia  como  gestora  del  Renacimiento.  Algunos  de  esos aspectos ya han salido en el análisis, por eso es mejor no insistir mucho sobre ello. Todo eso está en los apuntes. Lo voy a desarrollar en la siguiente pagina, pero solo haciendo recorta y pega.
  6. 6. En otra sus obras, Verrocchio, representa a David (Florencia 1473), un tema que también Donatello había tratado recientemente. En estas dos obras vemos  esa distinta forma de tratar el tema de los dos artistas: Verrocchio lo representa  en actitud desafiante, con  más fuerza, y en una composición más dinámica, con alguna línea diagonal y cierto contraposto, pues este artista florentino exalta la dignidad del hombre dando mucha importancia a los valores expresivos. El de Donatello es más sereno, más delicado y reposado. David de Donatello, 1440. David de  Verrocchio, 1473. Museo Nazionale  del Barguello. Florencia. El tema de David es muy querido para los Florentinos pues  simboliza la lucha contra la opresión, y la victoria de la razón  sobre la fuerza bruta. El  condotiero representa precisamente lo  contrario, y no es casual que estas obras fueran encargadas a  artistas florentinos pero para ser colocadas en ciudades del  norte de Italia (Venecia, Padua o Milán, donde Leonardo recibió  el encargo de hacer una escultura ecuestre del duque Francesco  Sforza, que no se terminó, y cuyo modelo no se ha conservado). Leonardo da Vinci. Dibujo preparatorio para el Monumento a Francesco  Sforza en Milán. 1497.  Royal Library of  Windsor castle. Londres.
  7. 7. Ya hemos visto en el análisis como en esta obra se ponen de manifiesto dos de los rasgos más peculiares del arte del Renacimiento, la imitación de la antigüedad, tanto de las obras de arquitectura y escultura que se habían conservado, como de las obras escritas que  se estudian desde un punto de vista humanista, no teológico.El otro rasgo que también vemos en esta obra es el interés por el hombre, por el individuo, es pues una manifestación del humanismo, pensamiento dominante durante el Renacimiento, que pone al hombre en el centro del universo, interesándose por todos los aspectos relacionados con él. Se tiene una visión optimista del hombre y del mundo, y de su capacidad de progreso. El hombre ya no es un ser hecho para el pecado sino un ser lleno de dignidad. Todo lo que rodea al hombre merece el interés de los humanistas, y eso justifica la autonomía y la importancia del retrato como genero artístico.Andrea del Verrocchio (1435-88) Tiene una de los talleres más activos de la ciudad de Florencia donde trabajan y aprenden artistas como Leonardo o Boticcelli. Durante el Renacimiento se produce una transformación en la situación social del artista, que pasa de ser un artesano encuadrado en el taller medieval al artista individual que se interesa por todas las disciplinas del conocimiento y que van a luchar por ser tratados como trabajadores del intelecto y no manuales, que piensan y realizan sus obras sin la ayuda de los teólogos. Este taller representa muy bien esta transformación, y Leonardo es el mejor ejemplo de este avance, pues educado manualmente en este taller, acabó viviendo como protegido del rey de Francia. Esto contribuye a la autonomía del arte respecto a la religión; las obras no se valoran por su contenido religioso sino por la belleza de sus formas. Este cambio en la concepción del arte y del artista favorece su ascenso social, iniciándose en la época un gran debate sobre la nobleza del arte. 
  8. 8. La Florencia de Verrocchio, en pleno Quattrocento, es el centro del nuevo estilo artístico, donde trabajaran los artistas más importantes de la época. Allí gobierna la familia de los Medici, destacados mecenas que protegen a los mejores artistas de la época, que encuentran en Florencia el ambiente adecuado para el desarrollo de las nuevas ideas. Lorenzo de Medici (llamado Lorenzo el Magnífico) funda la academia Neoplatónica y encarga numerosas obras para la ciudad. Pronto es imitado por otras grandes familias patricias que reforman sus viviendas, pagan capillas, encargan esculturas, frescos, retratos. Este ambiente tan propicio para el arte queda interrumpido cuando el fraile Savonarola impone en la ciudad una república teocrática (1494) tras la expulsión de los Medici. Aunque fue quemado en la hoguera (1498), la misma hoguera donde él arrojó tantos libros y obras de arte, aunque los Medici retornaron a Florencia, Roma se convierte en el centro artístico del Renacimiento. Conclusión:  Verrocchio, representante del Renacimiento florentino, muestra ya en esta obra los nuevos valores imperantes en el clasicismo del siglo XVI, al alejarse de la grácil delicadeza del primer Renacimiento que representa Donatello,  y avanzar hacia una monumentalidad más expresiva, típica del Renacimiento maduro de un Leonardo o un Miguel Angel.Para saber más sobre esta obra podéis consultar esta pagina web:http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2011/02/los-condotieros-del-norte-de-italia.html

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