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La música es el más universal de los lenguajes. Es universal en el tiempo, porque desde
la más remota antigüedad ha ocupado un lugar preferente en todas las culturas. Y es
universal en el espacio, porque todos los pueblos la han utilizado por eso la música como
arte y como ciencia es un privilegio para los hombres, por que no tiene fronteras, raza, ni
credo religioso o político. Es como el sol que sin diferenciación alguna, llega a todos los
humanos con toda su belleza, sus cualidades y bondades.
Sin embargo el estudiar la música como ciencia, o como arte, ya tiene divisiones que son
de carácter regional, cultural, estructural, por la forma en la que se produce, y el tiempo
y espacio en que se genera.
Cada cultura posee su propia música. Las tradiciones clásicas, folklóricas y populares de
una región suelen estar muy relacionadas entre sí y son fácilmente reconocibles como
parte de un mismo sistema.
Historia de la música
La Historia de la música es el estudio de los diferentes acontecimientos y transformaciones,
y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la
Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha ve-
nido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música
para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta o académi-
ca. (Incorrectamente llamada música clásica).
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según
algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más
de 50.000 años. Es por lo tanto una manifestación cultural universal.
Historia de la música

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Música en la Prehistoria
Generalidades:
La escritura es el limite entre la pre –historia y la historia. Todo lo que se refiere a la pre-
historia está basado en hipótesis, que dan como evidencia los restos, pinturas o fósiles
encontrados en cuevas o excavaciones hechas en algunas ruinas, en cambio la historia
es más precisa por que todos los hechos y sobre todo los detalles no dejan lugar a dudas
sobre aquello que aconteció y se quiere dar a conocer.
En lo que respecta a la música podemos señalar que:
Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las cul-
turas prehistóricas.
Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, mientras
que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades vin-
culadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad
supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apa-
reamiento y con el trabajo colectivo.
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y
muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble
clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida
mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También
aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para
producir sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos
de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamenta-
ciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas
donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada
principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones
musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del
sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para
comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que
podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
a) Autófonos o Idiofonos: Aquellos que producen sonidos por medio del material
con el que están construidos.
b) Membranófonos: Serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el
hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco,
un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos: Que tienen en su construcción cuerdas, y una caja de resonancia,
como la lira, el arpa, o el laúd.

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d) Aerófonos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno
de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con
agujeros.
La música en el Mundo Antiguo (5000 a. c.– 476)
En todas las culturas conocidas, la arqueología permite rastrear huellas musicales en
restos, grabados y relieves en los que se pueden ver instrumentos, danzas y otras mani-
festaciones de la música.
En estos tiempos obedecía a tres características generales:
a) Ritual: Alabanza a los Dioses o seres supremos, conocidos; también la música
era parte importante de los ejércitos de ese tiempo, ya que con trompetas o tam-
bores transmitían órdenes a los batallones, o infundían el coraje para el combate.
b) Ceremoniosa: los acontecimientos más importantes de cada sociedad o comu-
nidad eran acompañados de música, como la siembra, la cosecha, las bodas de
los nobles o líderes, el recordar acontecimientos importantes, como una batalla o
guerra ganada, una cacería exitosa, etc.
c) Espiritual: Todo aquello que en ese entonces no tenia explicación, era conside-
rado divino, el sol, la luna, la lluvia, el trueno, el viento etc.
Antiguo Egipto y Mesopotamia
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sa-
cerdotes, en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó
con instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el arpa como
instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia
los músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca
no sólo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en
las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia.
Antigua Grecia

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Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la cultura indo-
griega. Era habitual encontrar a un músico tocando una siringa o similar. Anciet Orient
Museum de Tokio.
En la Antigua Grecia, la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que la rodea-
ban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca,
egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas
como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor edu-
cativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico. Aparecen
los bardos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y
guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se
relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor
cultural de la música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la
utiliza para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompaña-
dos de danzas y el aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas,
tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la
poesía.
Euterpe con una flauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa
(una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en
manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas.
Antigua Roma
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas cul-
turas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera
romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música en las
grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes
humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia
rodeados siempre de fiestas.

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En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los autores
más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo
su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras tea-
trales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran unos
actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, una especie de aulos. Los ro-
manos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos
artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerable-
mente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y las que pro-
venían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como
la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eran habituales los cer-
támenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma
valorara institucional y culturalmente a la música.
La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china
Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional
china.

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Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración.
Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está em-
papada de la tradición, legendaria y misteriosa de una de las culturas más antiguas del
mundo.
En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a las represen-
taciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido concordantes
con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada momento,
con su contexto correspondiente.
Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sin
necesidad de humanos ni seres mitológicos enviados al Olimpo chino. Como cosa natural
debieron haber relacionado las distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos
que en estos se obtienen.
La altura de los sonidos tenía para ellos un valor simbólico. Armonizar el cielo con la tie-
rra.
Representación de una cadencia típica en la música china.
Sistema tonal chino tradicional.
Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal, mate-
riales mas durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas constituyeron
los litófonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas, luego se añadían
seis más. Los litófonos no eran instrumentos melódicos propiamente dicho, sino puntos de
r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-
i(instrumentos) y chia-chung (canto). Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzas
específicas.
Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferior
correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a los lu pares (principio
YIN, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección en sí mismo pues de él depen-
de todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el sistema en potencia. Por eso a la
hilera impar le correspondía el principio YAN.
Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el fe-

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menino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo femeni-
no es la madre y el masculino el hijo.
Existen evidencias de una escritura musical China, que data aproximadamente de unos
500 años antes de Cristo, y era de una manera simbólica y sencilla donde están escritas tres
campanas de diferentes tamaños, con tres diferentes alturas de sonido la mas aguda YIN
la del medio YAN y YON para la campana de sonido grave
La música en Israel.
Por la Biblia conocemos la existencia en Israel de trompetas que sonaron en torno a Jericó
o el arpa que tañía David, o los grandes salmos que cantaban en coros que llegaban a las
5000 voces, acompañados de cítaras y otros instrumentos.

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Edad Media (478–1492)
Tras el final del imperio Romano en el siglo V, la Iglesia Católica se convirtió en garantía de
estabilidad y de orden social, extendió su autoridad a todos los ámbitos culturales.
La más grande, y única motivación para las composiciones artísticas es DIOS.
EL NOMBRE DE LAS NOTAS:
La primera forma de escritura musical se dio entre los siglos VIII y XIX , y hoy se conoce como
escritura neumática,. Los neumas palabra que significa aire en latín, no eran notas sino
signos elementales que se colocaban sobre cada silaba, del texto y que servían de guía
para recordar la melodía que debía ser cantadas, perteneciente a un repertorio conocido
de antemano.
En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de los
sonidos musicales. Al principio una línea roja trazada en el pergamino señalaba el sonido
FA y servia como referencia para los demás sonidos. Luego se añadió una segunda línea
para el sonido DO.
En el siglo XI, el monje Guido d´ Arezzo introdujo dos novedades importantes para la escritu-
ra musical, estableció el tetragrama (4 líneas) como base del sistema de escritura y dando
nombre a las notas al poner música al Himno a san Juan Bautista, cuyo texto en latín dice
lo siguiente:
UTqueart laxis MIra gestorum SOLve polluti
REsonaris fibras FAmuli tuorum LAbi reatum
Sancte loannes ( este ultimo verso se añadio mas tarde)
Con el tiempo la primera silaba se cambio por DO, excepto en Francia, y se añadió el SI
de sancte loannes.
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música
del periodo Románico.
La evolución de las formas musicales apegadas a la religión de manera estricta y sin restric-
ción se instauro a fines del siglo VI en el llamado canto gregoriano.
La música en la Iglesia católica primitiva.
Constantino instauró en Roma la sede del catolicismo hacia el año 325 d. C. Este nuevo
espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos.
Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos
musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales.
Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de
los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición
helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía can-
tada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que
dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.

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El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una
estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede
cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
El canto gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Es utilizado como expresión
y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principales
características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras
de autor desconocido, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son
obras redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido
a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene
forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros. (Con poca o ninguna
armonía)
Origen del canto gregoriano
El canto Gregoriano o canto llano, es música vocal religiosa sin acompañamiento instru-
mental (a capella). Varios cantores entonan al unísono una única melodía o monodia con
texto en latín, con ritmo, no sujeto a acentos regulares, y que se desarrolla en un ambiente
sereno y altamente espiritual, apropiado a su objetivo de transmisión de la palabra sagra-
da.
El papa Gregorio (540 – 604) fue el hombre que dio nombre a esta forma de canto. En su
primer intento de atajar cualquier brote de herejía dentro de la iglesia. Unifico las diferen-
tes escuelas liturgicas y los cantos con los que los cristianos celebraban sus actos religiosos,
desde hacia siglos. (liturgias galicanas, ambrosiana, bizantina y mozarave).
Estas medidas, que la tradición atribuye a San Gregorio, contribuyeron a dignificar la mú-
sica pues aunque se impartía teoría musical en las enseñanzas del trivium – dedicado a
las letras- y el cuatrivium dedicado a la enseñanza de las ciencias, no hay que olvidar los
ejercicios de oficios manuales, ya que así se consideraba la música algo propio de gente
inferior.

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La enseñanza en la edad media:
Características del canto Gregoriano
- Intencionalidad religiosa, la música al servicio de la palabra de DIOS.
- Melodías de dos o tres sonidos.
- Ritmo libre y regular, todas las notas duran igual.
- Textos en latín.
Estilos y formas del canto Gregoriano
1 – Silábico - una nota para cada silaba
2 – Salmódico – Sobre una nota varias silabas

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3 – Adornado – Un pequeño grupo de notas para una silaba
4 – Melismático - Un gran numero de notas para una silaba
Otros tipos de liturgia
• Ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye en
el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial.
• Mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdo-
ba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos
en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto,
como fue la ciudad de Toledo.
• Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
Música no Gregoriana durante el románico
La música religiosa:
Durante toda la Edad Media la música religiosa representa el arte sabio y refinado.
Aparte del canto Gregoriano, se destacan en la música religiosa, las laudas y las cantigas.
- Las laudas - son cantos populares devotos escritos para cantar en lengua romance,
se atribuye su creación a San Francisco de Asís, quien en su juventud fue un trovador,
una vez consagrado, utilizo el canto de los trovadores para expresar su amor a la na-
turaleza, y así elevar su espíritu en la oración.
- Las cantigas - son cantos de alabanza dirigidos a la virgen Maria, España contribuye
en este genero de la edad media con muchos aportes de Alfonso X.
Música profana.
Se denomina música profana a la que no tiene nada que ver con la religión.
La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y
XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y
troveros, junto a los minnesinger alemanes.

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El laúd es el instrumento más popular en la edad media
Goliardos – Actores de sátiras donde el canto es esporádico.
Menestrelli – Relatores de odiseas, y cuentos de manera cantada, usan dos sonidos.
Trovador y Trovero – Poetas líricos y compositores, Sus poemas emplean nuevas formas,
melodías y ritmos, originales o copiados, de la música popular. El primer trovador del que se
tiene noticia fue Guillermo IX de Aquitania. La mayoría de los 400 trovadores que vivieron
en esta época fueron nobles o reyes para quienes componer e interpretar canciones era
una manifestación más del ideal caballeresco.
Juglares – Artistas profesionales, cantantes, relatores de historias, y acróbatas, cantan
composiciones de los trovadores y troveros, iban de ciudad en ciudad llevando noticias e
historias de los lugares que visitaba.
Minnesinger o Meistersanger – Son trovadores alemanes, cuya temática principal en sus
composiciones es el amor, son de origen noble y de una formación elevada.
En el siglo XIII de la escuela de Notre Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de
sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars
Nova.

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SABIAS QUE: Los trovadores, los juglares, y posteriormente los minnesanger, eran personas
que llevaban noticias de población a población?, al relatar historias de héroes también
relataban de manera cantada las ultimas acontecimientos en los pueblos que habían visi-
tado, la gente se reunía para escuchar las “ultimas noticias”, como quien se había casado
con quien o que nueva guerra se había desatado, etc.
LA MÚSICA EN EL GÓTICO: LA POLIFONIA
Nace un nuevo estilo arquitectónico, el arte Gótico, y un nuevo estilo musical La Polifonía.
Se conoce como polifonía a el conjunto de sonidos simultáneos, en el que cada uno tiene
una idea musical, formando al final un todo armónico.
Son varios sonido al mismo tiempo enriqueciendo una melodía.
En los siglos XII y XIII la música quiso salir de la línea recta del canto llano, que en cierta for-
ma limitaba las posibilidades armónicas, para ello y en base de la monodia gregoriana,
superpuso otra línea melódica y a esta otra.
Estas son las principales formas del gótico:
Ars Antiqua siglos XI y XIV:
- Organum – diafonía o contrapunto musical.
- Discantus – Voces paralelas en movimiento contrario, si una sube la otra baja o
viceversa.
- Conductus – Ya no es extraída del canto Gregoriano, el compositor crea su línea
melódica principal y sobre eso la armoniza.
- Gymel y Fabordón – De origen Inglés, intervienen las 6tas y 3ras.
Ars Nova siglos XIV y XV:
Nace una corriente que defiende la belleza de la música cuya justificación era la hermo-
sura de los sonidos más el goce sensitivo de los mismos.

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Las normas del Ars Nova son:
- Mayor fluidez y expresión de la melodía.
- Nuevos conceptos rítmicos, y un acercamiento a los compases actuales.
- Mayor coherencia en la sintáxis musical, frases con mejor secuencia.
- Nuevos conceptos armónicos.
- Aparición de música profana con mayor libertad
- Mayor libertad para el uso de la voz.
APARECEN LAS PRIMERAS PARTITURAS CON EL SISTEMA POLIFÓNICO CONOCIDO
EL ÓRGANO LEGADO MUSICAL DE LA EDAD MEDIA
El órgano es un instrumento musical en el que los sonidos se producen por el aire que pasa
por tubos de distintas longitudes y regulados por medio de teclas.
El origen del órgano se remonta al siglo III a. de C. cuando Cresivius de Alejandría invento
un órgano hidráulico. Llegaron a existir órganos de tamaño reducido que podían transpor-
tarse y que se tocaban colgados del cuello mediante correas, o colocándolos sobre una
mesa.
A partir del siglo XI, el órgano empezó a usarse en las iglesias. En Europa la evolución del
órgano fue continua comenzando su auge en el siglo XIV. Dos siglos después ya se habían
delimitado las características del órgano clásico con dos teclados y con pedales. Fue en
los siglos XVI y XVII cuando se crearon los grandes y hermosos órganos que se instalaron en
las catedrales e iglesias.

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Renacimiento (1501–1600)
El Renacimiento es un movimiento cultural que tuvo su origen en Italia y se extendió por
toda Europa durante los siglos XVI y XVII. Los hombres del Renacimiento quisieron rescatar
los valores de la antigüedad Griega y Latina. Hacerla renacer.
Características del Renacimiento:
- Reencuentro deliberado del hombre, con la antigüedad (cultura Griega del V al VI
a. de C.).
- Desprecio por las formas medievales.
- Consideración del hombre como centro de la reflexión y de la inspiración.
- Visión del hombre y la naturaleza.
- Fusión de la música religiosa y la profana
- Mayor equilibrio entre las voces.
- Uso sutil y atenuado de acordes disonantes.
- Sustitución de voces por instrumentos. Música instrumental para danza.
- Mayor dignificación del músico profesional.
Novedades musicales renacentistas:
- La invención de la imprenta, que tuvo un impacto decisivo en la difusión de la mú-
sica.
- El descubrimiento de América por Colón en 1492, que provoco, la mezcla de cultu-
ras musicales de Europa, África y las indígenas.
- La reforma Luterana en 1517, que marca el inicio de una tradición musical diferente
a la romana.
La música que se compuso en el renacimiento, era casi exclusivamente vocal.
La mayor novedad consistió en la aparición de la polifonía coral. En la música de la edad
media cada parte de la polifonía era ejecutada por un solista. En el coro renacentista por
el contrario son varios los cantores que entonan cada parte.

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En el renacimiento en la música de carácter religioso se destacan dos formas musicales
vocales. El Motete y la Misa.
- Motete – composición de dos, tres o más voces, de argumento generalmente sa-
grado, se cantaba en las celebraciones religiosas de adviento, cuaresma y semana
santa.
- Misa – se estructura sobre los textos litúrgicos de esta celebración, son sus partes:
Kyrie, gloria, credo, santus, y agnus.
Entre la música vocal de carácter profano:
- Canzona – Canción trovadoresca sobre un poema.
- Ricercare – canción de estilo imitativo y repetitivo.
- Chanson – canción francesa con texto sentimental onomatopéyico ingenuo y a
veces picante.
- Villancico – son canciones cantadas a los villanos.
La música instrumental:
Hasta el siglo XVI, los instrumentos musicales tan solo se utilizaban, para duplicaciones de
las partes cantadas o para interpretar las transcripciones de la polifonía vocal.
Los instrumentos de viento fueron perdiendo importancia siendo sustituidos por los instru-
mentos de cuerda y por los de sonido punteado. Destacan lo instrumentos capaces de
dar acordes, como el órgano ahora mejorado con dos teclados y pedales, el clavicém-
balo, el laúd, y la vihuela.
Formas musicales instrumentales:
- Variaciones – Tiene un tema, y el segundo tiene variaciones sobre el mismo tema.
- Tocata – Obra breve para teclado.
- Fantasía – Composición superditada a la improvisación del interprete. Dio origen a
la fuga.
- Danza – Obra para ser bailada.
Escuela flamenca
Es en la región flamenca (Países bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía
recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los mú-
sicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una
inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por
parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa.
Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, po-
tenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran
cantidad de schola cantorum (escuela de canto).
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien
se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Joaquín Des Pres.
Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a
más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono.
Se dice que Des Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el
comienzo de una gran libertad para los compositores.
Música renacentista francesa
La Chanson, música de tipo vocal que dara origen al Madrigal. En él destacan Pierre

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Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son el
enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extravertido,
se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del
texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones popu-
lares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla,
parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si quisiera
pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
Música renacentista italiana
La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores fla-
mencos como: Adrian Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holan-
dés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida mu-
sical europea. Existían dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en singular), eran
canciones estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos
marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior.
Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar
cantando la voz superior y tocar las otras tres voces a modo de acompañamiento. Sus tex-
tos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. La contraparti-
da religiosa de la frottola fue la lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a
capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte
silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior.
Música renacentista inglesa
En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desem-
peñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John
Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
Música renacentista alemana
Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a
cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra
el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión
por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en

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alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu
en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en desta-
carse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz, aunque éstos no escribieron la
música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los orga-
nistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.
Música renacentista española
En la música renacentista española destacan las obras del compositor Tomás Luis de Vic-
toria.
La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe,
incluso el mismo Alfonso X el sabio compuso las cántigas bajo la influencia árabe, ya que
era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del renacimiento se
destacan: El Cancionero de Palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando
II de Aragón, el cancionero Al-Andaluz, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra,
los compositores Luys de Narvaez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

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Barroco (1600–1750)
El termino Barroco proviene del portugués barouco, que significo en su tiempo “perla irre-
gular y deforme”. Se empleo para describir de manera despectiva las formas artísticas
demasiado recargadas.
La música acompaño en todo momento los profundos cambios experimentados en la so-
ciedad, la cultura y el arte, y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical,
con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas para cons-
truir instrumentos.
La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y
primera mitad del siguiente. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplen-
dor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creati-
vos y revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se óperaron grandes avances técnicos
tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad,
bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite,
fuga y la sinfonía.
Características del Barroco musical:
- Predominio del estilo vertical u homofónico.
- Nacimiento del bajo continuo o bajo cifrado.
- Supremacía de un estilo armónico de sentido vertical.
- Delimitación e independencia entre música vocal y música instrumental.
- Nacimiento y esplendor de la música dramática, ÓPERA CANTATA etc.
- Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.
- Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado.
- Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.
- Supremacía de la música profana, sobre la religiosa

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El bajo continuo
También llamado continuo, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos
del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura
musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan sólo el contorno
de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la
invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentista un instru-
mento melódico grave (viola da gamba, violoncello, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta
las notas del bajo y un instrumento armónico (laúd, clavecín, órgano) a cargo del conti-
nuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras del
bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme
al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.
El sistema tonal
El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta
su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del postromanticismo.
En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las
notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la com-
posición de melodías.
EL CLAVESIN ES EN ESTA ÉPOCA EL INSTRUMENTO DE ACORDES MÁS UTILIZADO Y MÁS VER-
SÁTIL
Los castrati:
Los primeros músicos en alcanzar la categoría de estrellas fueron los castrati, para cuyas
voces se componía la ópera Italiana, en los siglos XVII y XVIII, un castrati era una maravilla
vocal, un precioso instrumento musical vivo, de una belleza y extensión asombrosa.
Los castrati eran varones, procedentes de hogares humildes y elegidos por la belleza de
su voz infantil, a los que se castraba antes de que llegaran a la pubertad, por este cruel
procedimiento se conseguía que estos cantantes conservaran el timbre de su voz blanca,
pero unido a la capacidad pulmonar de un adulto, recibían una esmerada educación

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vocal musical, y los que triunfaban, amasaban grandes fortunas, por lo que su destino era
envidiable.
Carlo Brosqui llamado también “FARINELLI”, fue uno de los más famosos castratis
Los luthiers:
Durante el barroco la construcción de instrumentos musicales llego a niveles difíciles de
superar. Los maestros artesanos llamados desde entonces luthiers, que perfeccionaron la
técnica de construcción de violines y otros instrumentos, hicieron de su oficio, un arte y una
tradición que continua viva en nuestros días.
Los más famosos luthiers vivieron en la ciudad de Cremona en Italia. Cuyos apellidos son:
STRADIVARIUS, AMATI y GUARNERI. Poseer un instrumento construido por ellos sigue siendo
el sueño para cualquier músico.
SABIAS QUE: por el año 1745 en Cremona Italia las tres familias vivían en un solo edificio,
después de años de pacifica convivencia, la tienda Amati decide hacer publicidad po-
niendo en su ventana el siguiente cartel”Hacemos los mejores violines de Italia”. La tien-
da de los Guarnieri reacciona señalando “Hacemos los mejores violines del mundo”. Por
ultimo, la familia Stradivarius cuelga su cartel “hacemos los mejores violines del edificio”.

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EL GRÁFICO PRESENTA, LA VARIACION DE SONORIDADES QUE PRESENTA UN VIOLIN STRADI-
VARIUS
Formas musicales del Barroco:
Formas vocales:
- La cantata –Texto religioso y profano carácter lírico.
- El oratorio – Viene de los oratorios de San Felipe Neri cantan la historia de un drama
religioso.
- La pasion – Dramaliturgico sobre la pasion y muetre de Cristo no es actuada.
- La ópera – Es el drama literario musical mas grande creado por el hombre y solo
es superado por el cine. Intervienen todos los elementos del drama y la música con
la participación de orquesta, coro, solistas, ballet, cuerpo de teatro, y un equipo de
escenografia que para esas epocas tenian todos los efctos deseados. Como barcos
navegando, el vuelo de dragones etc.
Formas instrumentales:
- El Preludio y la Tocatta - Piezas breves para instrumentos de teclado.
- La sonata - Obra para ser tocada en oposición a una obra cantada, tiene cuatro
movimientos que alternan rápido y lento.
- La suite – Sucesión de danzas populares, alemanda, polonesa, bourre y zarabanda,
entre otras courante, giga, paspie, minueto,etc.
- La fuga – Forma compleja de la polifonia occidental, consta de una melodía princi-
pal llamada motivo, y es imitada por la respuesta alternando de diferentes maneras.
Nacimiento y desarrollo de la ópera
A finales del siglo XVI en Florencia Italia, la camerana florentina y un grupo de nobles italia-
nos combinaron el arte de la canción con el drama de una historia narrada.
Tratando de imitar la tragedia Griega que reunía en si todos los elementos del teatro músi-
ca, poesía y danza, en los salones de los condes Bardi y Corsi buscaron un nuevo estilo en

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la expresión dramática, donde la palabra este permanentemente acompañada con el
canto. El grupo en cuestión se agrupo bajo el nombre de camerata Florentina.
SABIAS QUE: uno de los primeros en cantar ópera fue Vicenso Galilei, padre del astrónomo
Galileo Galilei, que compuso e interpreto el mismo una escena dramática de la ópera “el
lamento de Ugolino”
Barroco italiano
Claudio Monteverdi
Importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos Barroco,
los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los
nuevos estilos de comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía
franco-flamenca. Fue niño de coro en Cremona, su ciudad natal; fue discípulo de Ingeg-
neri; poco después de los veinte años entró al servicio del Duque de Mantua, donde residió
hasta 1612. Desde 1613 estuvo activo en Venecia, como maestro Capilla de San Marcos.
Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad
de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido. Se
conservan sólo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624).
Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas
antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder carac-
terizador de los instrumentos de la orquesta.
• Arcangelo Corelli
• Alessandro Scarlatti
• Antonio Vivaldi
concerto grosso de las quatro stagioni de Vivaldi (il prete rosso —el cura rojo—, por el color
de su pelo).
Barroco francés
• Jean Baptiste Lully
• François Couperin
• Jean-Philippe Rameau

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• Marc Antoine Charpentier
Barroco español
• Francisco Correa de Arauxo
• Juan Cabanilles
• Gaspar Sanz
• Antonio de Literes
• José de Nebra
• Padre Soler
Barroco inglés
• Henry Purcell
• Georg Friedrich Händel
Georg Friedrich Häendel
Häendel es uno de los compositores más importantes del barroco, siendo junto con su
contemporáneo Bach, el más importante de la primera mitad del siglo XVIII.Nacido en
1685, en Alemania, en 1712 se iría a vivir a Inglaterra para consagrarse como uno de los
mejores compositores británicos, consiguiendo en 1727 la nacionalidad británica. Es me-
nester comprender que Häendel provenía de una familia rica y no tenía los impedimentos
o limitaciones propios de la mayoría de los músicos. En 1759, con una gran reputación entre
el círculo musical londinense, moriría a la edad de 74 años, siendo enterrado en la abadía
de Weillmesiter.
Su obra musical es muy numerosa, más de 600 obras. Entre lo más destacable se incluye
sus óperas (Julio César, 1724); sus oratorios (El mesías, 1741); sus conciertos (Conciertos para
órgano Op.4, 1735) y sus suites orquestales (Música acuática,1717, y, los Fuegos Artificiales,
1749).
Barroco alemán
• Heinrich Schütz
• Dietrich Buxtehude

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• Johann Pachelbel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (1685–1750) fue un organista y compositor alemán, miembro de
una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas
de la música universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su
belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su épo-
ca y del pasado y su incomparable extensión. Bach tendrá enorme influencia en músicos
posteriores, en especial a raíz de su redescubrimiento, debido al músico Felix Mendelssohn.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música
europea y de la música universal. Toda su obra está perfectamente acabada y destaca
por su originalidad y perfección técnica, si bien cabe mencionar como especialmente re-
levantes los Conciertos de Brandenburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la
Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg.

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Clasicismo (1750–1800)
El término “Clásico” hace referencia a las características del arte propio de la antigüedad
grecolatina: sencillez de líneas, sobriedad, equilibrio. En lenguaje cotidiano, todo aquello
que se califica como clásico es percibido como valor estable, “aquello que nunca pasa
de moda”
Es el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre estructura y
melodía, clara y comprensible. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Ha-
ydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes
más destacados
Características del Clasisimo musical
- Composiciones objetivas, buscan el ideal de la belleza.
- Línea melódica predominante sobre la armonía
- Estilo alegre y brillante
- Frases bitemáticas y cuadradas,
- Ritmo regular dentro de una sencillez natural
- Armonía poco compleja y eminentemente consonante.
- Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccio-
namiento de la orquesta.
- Predominio total de la música instrumental.
- Nacimiento de las formas musicales: sonata, sinfonía y concierto en su concepción
actual.
- Mayor “democratización” de la música al hacerse extensiva a un
- público más numeroso.
La sonata clásica:
El plan formal de la sonata clásica podría aplicarse a un solo instrumento, por ejemplo so-
nata para piano, o a un solista con acompañamiento, sonata para piano y violín. Sin em-
bargo, cuando se aplica a otras agrupaciones instrumentales recibe nombres diferentes;
así por ejemplo una sinfonía es una sonata aplicada a la orquesta sinfónica; un cuarteto
es una sonata escrita para cuatro instrumentos y un concierto clásico es una sonata para
un instrumento solista y orquesta, por ejemplo concierto para violín y orquesta.
La sonata consta de tres o cuatro movimientos:
- Alegro
- Adagio
- Andante o largo
- Minueto o scherzo
- Final alegro o presto
La sinfonía clásica:
Para los griegos, sinfonía significaba instrumentos que suenan juntos, mas tarde, sinfonía
fue sinónimo de consonancia a finales del siglo XVI se denomino sinfonía a los trozos ins-
trumentales situados entre partes de una obra teatral. La sinfonía es una forma musical
instrumental, escrita estrictamente para ser ejecutada por una orquesta sinfónica, es una
de las obras instrumentales mas completas, por la participación equilibrada de la armonía
y la participación de todos los instrumentos para la que fue escrita.

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El concierto clásico:
Tiene la forma sonata y es aplicada a un instrumento solista con acompañamiento de or-
questa. A mediados del siglo XVII el concierto clásico reemplazo al concerto grozzo, en el
que alternaban un grupo de solistas y la orquesta.
Los instrumentos solistas del concierto clásico son principalmente el violín y el piano, aun-
que puedan ser todos, en particular los instrumentos de viento.
Como la parte principal del concierto es la del solista, este tiene que tener cualidades
como el virtuosismo en la ejecución de su instrumento para que la exhibición de su talento.
SABIAS QUE: la danza en el clasicismo surgió en Francia como resultado de la llegada al
trono de monarca Luis XIV, quien además de ser bailarín, fundo la academia Royale de
Dance en 1661
La orquesta:
La orquesta fue evolucionando, hasta convertirse en uno de los medios de expresión mas
utilizados por los compositores
En la segunda mitad del siglo XVII aumento el número de componentes de la orquesta,
añadiéndose clarinetes y trompas, los músicos estaban colocados en dos grupos opuestos,
cada uno en un lado del escenario y uno enfrente del otro.
Músicos destacados en el periodo clásico:
•Franz Joseph Haydn (1732–1820), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes
en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750–1820).llamado el padre de la sinfonía,
compuso mas de 140.
De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca de Viena
y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de
ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la

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escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación
académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico
independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del presti-
gioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón
Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En
1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año
1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo
descendencia. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy
-primero Paul Anton y luego Nikolaus-, donde tuvo a su disposición una de las mejores or-
questas de Europa.
SABIAS QUE: Haydn era un hombre de muy buen carácter, amable y sin enemigos. Y tenía
un excelente sentido del humor. En la sinfonía llamada sorpresa incluyó un estallido de
instrumentos de percusión y de metal en medio de un pasaje delicado, de sonidos muy
suaves y melodiosos, ese estallido, estaba destinado a hacer saltar de sus butacas a los
que acuden a dormir en los conciertos
•Wolfgang Amadeus Mozart:
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes
Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, co-
nocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de
Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida musical. Desde pequeño fue niño
prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus
borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo, claro
y equilibrado, aunque sin huir la intensidad emocional. En su enorme producción musical
(más de 600 obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otrós géneros musi-
cales, sus conciertos para piano y sus óperas.

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SABIAS QUE: Mozart fue un hombre entregado totalmente a su arte, su rebeldía de no que-
rer ser dependiente de nadie, lo llevo a cambiar de una vida relativamente cómoda en
Salzburgo, por una de total necesidad en Viena, lo que al final causo su muerte.
• Ludwig van Beethoven (1770–1827), compositor alemán, considerado uno de los más
grandes de la cultura occidental.
Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el
desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento
musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la
capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para
mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian
Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II,
mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena
para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo
que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para
estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto
por sus principios clásicos como por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa como el
último de los clásicos y el primero de los románticos.
PARA REFLEXIONAR: Beethoven, aunque sin el sentido más importante para un músico (el
oído), fue capaz de regalarnos, lo que hasta el día de hoy son consideradas las más bellas
obras musicales, . . .. .pensar que muchos de nosotros teniendo todos los sentidos, pone-
mos siempre la excusa ante la primera dificultad diciendo, “no puedo”.
El músico que marca el paso o transición del clasicismo al romanticismo, es Ludwig Van
Beethoven, con su novena sinfonía, y la inclusión de la voz humana por primera vez en
una sinfonía. Esta es la razón para poner en práctica una de las características del roman-
ticismo, ya que los músicos empezaron a tener mas independencia y libertad para poder
componer, sin depender de las decisiones de un príncipe o de una iglesia, así el artista
componía lo que sentía, y por otra parte lo que le pedían, cobrando por aquello, viviendo
de esta manera con mayor comodidad.

30. 30
Beethoven y su producción musical:
Ludwig Van Beethoven fue quien transformo las formas musicales del clasicismo para dar
cabida a la expresión y al pensamiento romántico. Su obra inauguro la música del siglo
XIX. En su música se proyecta el mismo y su vida que llevo, y como dijo otro músico re-
nombrado Ricardo Wagner “Beethoven no es un músico, sino que el mismo es la propia
música”.
Las características de su música son:
- Expresión profunda de sentimientos subjetivos
- Estilo armónico, siendo raro el contrapunto.
- Sobriedad de las líneas melódicas.
- Gran capacidad para el desarrollo temático.
- Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta clásica, como el trombón y el con-
trafagot, y la ampliación de la percusión.
- Perfeccionamiento de la técnica del piano, no hay que olvidar que Beethoven fue
un virtuoso de ese instrumento.
Obra musical:
- 9 sinfonías
- 5 conciertos para piano y orquesta
- 1 concierto para violín y orquesta
- 10 sonatas para violín y piano
- 5 sonatas para violonchelo y piano
- 17 cuartetos de cuerda
- 32 sonatas para piano
- 1 opera Fidelius
- música de escena
- ballets
- variaciones, bagatelas y obras religiosas
Su mal carácter a menudo era mal interpretado, porque el solo mostraba su rebeldía, ante
la burla del destino “un sordo músico”.

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SABIAS QUE: “El Réquiem de Mozart”, y la “Novena sinfonía de Beethoven”, son considera-
das las obras musicales mas grandes?,. . . . . . por eso cuando el hombre piso la luna por
primera vez, los astronautas llevaron a la luna en un CD de oro, todo lo mejor del hombre
en lo que se relaciona a la cultura y el arte de la humanidad. Estas dos obras, fueron la
representación de la música.
Escuela de Mannheim
La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela
de Manheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de
1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron
los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y so-
bre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.
Esta escuela contribuyó a:
• Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta
entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.
• Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.

32. 32
Romanticismo (1800–1900)
El romanticismo como movimiento cultural y artístico se extiende desde finales del siglo XVIII
hasta fines del XIX. Surgió como reacción contra el formalismo neoclásico y en defensa de
la libertad, el individualismo y sobre todo el sentimiento.
El principal motivo de inspiración en este periodo es el amor, como una concepción total y
plena de los sentimientos. El amor a la pareja, a la familia. Es por esta razón, que se hace
uso de lo más bello que tiene el humano, el sentimiento, y es con este argumento que na-
cen las obras más populares entre los años1815 y 1880
Características de la música romántica:
- Composiciones intimas y humanas.
- Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza ex-
presiva.
- Estilo melódico de mayor riqueza, con melodías apasionadas e intensas y una calu-
rosa expresión de los sentimientos.
- Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el clasicismo. Desaparición de
las frases cuadradas.
- Ritmos complejos y libres.
- Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes con el fin de dar
mayor expresión.
- Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de los
matices.
- Atención especial al folklore y a otras melodías populares como fuente de inspira-
ción.
- Predominio de la música instrumental sobre la vocal
- Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta sinfónica.
- Mayor empleo de los instrumentos de madera, metal y percusión.
- Creación del poema sinfónico, forma musical con mayor libertad que la sinfonía.
- Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete vocal.
- Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos como el
arpa y la guitarra.
El piano romántico:
El siglo XIX es conocido como el siglo del piano, instrumento para el que se compusieron
numerosas formas musicales típicas del Romanticismo. El piano no faltaba en las grandes
salas de conciertos, en los salones y en los hogares de la burguesía europea.
Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a
ser el instrumento musical por excelencia, considerado hasta hoy, “el rey de los instrumen-
tos musicales”.
SABIAS QUE: Para que el piano tenga una mayor sonoridad, fue necesario diseñar un
mecanismo que sea capaz de soportar una tensión de las cuerdas metálicas que supera
las 20 toneladas, para esto se construyo un montaje de hierro fundido en una sola pieza,
y esto solo fue posible con los medios de la industria que en esos años recién empezaba.

33. 33
Formas musicales del romanticismo:
- Preludio – Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuo-
sismo, escrita principalmente para piano.
- Bagatela – Composición corta para piano sin ninguna pretensión.
- Estudio – Obra breve de restringido de temática, es la misma que cada vez tiene
mayor dificultad.
- Improntu – Obra que no se sujeta a ninguna norma, donde el ejecutante tiene liber-
tad de improvisación.
- Nocturno – Composición de carácter apacible y sentimental, con una delicada y
expresiva línea melódica.
- Lied – Canción culta, refinada intima y de sugerencias líricas.
- Sinfonía y concierto – la sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los
ideales románticos.
- Música programática – Comunica al oyente por medio de un programa la idea
musical que es el argumento, dio origen al poema sinfónico.
- Poema sinfónico – Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla
musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica que establece la unión
entre la poesía y al música.
Músicos destacados en el periodo romántico:
Franz Schubert (1797–1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cu-
yos Lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre
las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el
clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.

34. 34
Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro
de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar
en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta también tocaba
el violín. Escribió además obras para piano, música sinfónica, religiosa y numerosas óperas.
Murió el 29 de octubre de 1828 a los 31 años de edad.
Felix Mendelssohn (1809–1847), compositor alemán, una de las principales figuras de co-
mienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.
Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix
Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn, adoptó su se-
gundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un pariente con este
apellido, aunque normalmente se le conoce por su primer apellido. En su infancia toda la
familia se convirtió al protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y
recibió una cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los
11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de
verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años
después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al com-
positor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la
obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo.
Frédéric Chopin, Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, Polonia, cerca de Var-
sovia. Hijo de padre francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años.
Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más
tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También
fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven
mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus re-
uniones musicales. Tras graduarse con honores en el conservatorio, su padre solicitó una
beca del gobierno polaco para que pudiera ampliar su formación en el extranjero, ayuda
que le fue denegada. A los 20 años de edad deja su Polonia natal en un viaje de estudios;
nunca regresará. Se establece en París, donde morirá el 17 de octubre de 1849, víctima de
la tuberculosis. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica,
y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por excelencia, y
tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época.
Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya de-
mostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándo-
le un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte
de su padre, aunque posteriormente reprendería sus estudios. Fue un brillante compositor
y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de
veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, du-
rante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos
de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen húngaro. Fue el precursor del recital
para piano y, a través de sus numerosos discípulos, el pianista más influyente del siglo XIX.
Nació el 22 de octubre de 1811 en la localidad de Raiding, cerca de Sopron. Comenzó a
estudiar piano con su padre. En Viena recibió clases del pianista austriaco Carl Czerny y del
compositor italiano Antonio Salieri. En 1823 marchó a París con sus padres, ciudad donde
pronto se dio a conocer como pianista. Mientras tanto, tomó lecciones de composición de
Ferdinando Paër, compositor de óperas italiano, y de Anton Reicha, compositor y teórico
checo-francés, también maestro de Berlioz y de César Franck.

35. 35
Entre 1839 y 1847 realizó giras por Europa, desde Lisboa hasta Moscú y desde Dublín hasta Es-
tambul, y consiguió una fama sin precedentes. En 1847 abandonó su carrera como virtuoso,
y sólo en contadas ocasiones volvió a tocar en público. Ese mismo año conoció a la princesa
rusa Caroline Sayn-Wittgenstein, que permaneció a su lado para el resto de sus días. Desde
1848 a 1861 fue director musical en la corte ducal de Weimar, donde interpretó obras com-
puestas por Berlioz, Wagner y otros compositores, así como las suyas propias.
Liszt fue una de las personalidades más importantes de su tiempo. Aparte de sus logros como
pianista y director, dio clases a más de cuatrocientos alumnos, compuso unas 350 obras y
escribió o colaboró en ocho volúmenes en prosa, sin contar su correspondencia. Además
realizó más de 200 paráfrasis y transcripciones de otros compositores para piano.
Entre sus obras pianísticas destacan los doce Estudios de ejecución trascendental (1851), las
veinte Rapsodias húngaras (1846-1885; nº 20 sin publicar), los Seis estudios sobre un tema de
Paganini (1851), el Concierto nº 1 en mi bemol mayor (1849; revisado en 1853), el Concierto
nº 2 en la mayor (1848; revisado en 1856-1861), y las piezas que forman los tres volúmenes de
Años de peregrinación (1855, 1858, 1877). Algunas de estas últimas anticipan el impresionis-
mo del compositor francés Claude Debussy con su representación de escenas naturales. Las
obras orquestales incluyen, aparte de las sinfonías Fausto y Dante (ambas de 1857), trece
poemas sinfónicos, género que inventó Berlioz y que Liszt bautizó con ese nombre; Les prélu-
des (1854), el más conocido se basa en un poema de Lamartine. La originalidad de su obra
está fuera de toda duda. La armonía y forma que empleó en sus últimos trabajos anticiparon
la música de algunos compositores del siglo XX, como el austriaco Arnold Schönberg (en la
atonalidad de obras como la Bagatela sin tonalidad) y el húngaro Béla Bartók con sus prime-
ras obras nacionalistas.
Johannes Brahms, de origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo
XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Ham-
burgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contra-
bajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer
bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó
una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del
violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro,
Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se
quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escri-
bió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms co-
bró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann,
y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin
descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara,
aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y
jamás se casó.
La opera romántica Alemana:
“La opera es la obra literaria musical, más grande creada por el hombre, superada solo, por
el cine.”
Intervienen una orquesta sinfónica completa, cuerpo de teatro y baile, coro mixto,
solistas y todo el elenco posible para que las presentaciones sean lo mas realistas posibles,
al margen de todos los participantes mencionados, esta otro grupo igual de numeroso, que
atiende estrictamente lo que se refiere a la escenografía, ya que dependiendo de la opera
variaran los escenarios y los efectos especiales como barcos navegando, el vuelo de drago-
nes, ataque a los castillos etc. , así como la iluminación, y el decorado del interior de cada
escenario.

36. 36
En Alemania uno de los precursores mas representativos de la opera es Richard Wagner,
quien tenía estas características en sus obras.
- Uso y potenciación del alemán es todas sus operas
- Temas basados en mitos y leyendas alemanas.
- Utilización del “leit motiv, o motivo musical que caracteriza a los diferentes persona-
jes de la opera en cuyos contrastes se consigue el aspecto dramático.
- Evolución hacia el drama musical, donde las escenas se encadenan sin distinción
entre el aria y el recitativo.
Richard Wagner (1813-1883), teórico y compositor alemán, una de las figuras más impor-
tantes del siglo XIX.
Marcó un cambio importante en la composición operística. Creía que el drama y la música
eran igualmente importantes. Su obra más famosa es la tetralogía El anillo del nibelungo
(1853-1874), basada en el Cantar de los nibelungos, poema épico alemán escrito hacia
el año 1200.Hulton Deutsch Nació el 22 de mayo de 1813 en Leipzig y estudió en la uni-
versidad de esta ciudad. Entre 1833 y 1839 trabajó en los teatros de ópera de Würzburgo,
Magdeburgo, Königsberg (actual Kaliningrado) y Riga. En estos años escribió sus óperas Las
hadas (1833) y La prohibición de amar (1836), y varias obras orquestales, entre ellas una
sinfonía compuesta a los 19 años. En 1836 residiendo en Königsberg contrajo matrimonio
con la actriz Minna Planer. En Riga finalizó el libreto y los dos primeros actos de su primera
ópera importante, Rienzi.
En 1839 Wagner concibió su segunda ópera importante, El holandés errante (1841). El 20
de octubre de 1842 se representó su ópera Rienzi en el Hoftheater de Dresde, Alemania. Su
éxito propició que se representase en la misma ciudad su ópera El holandés errante el 2 de
enero del siguiente año y que fuera nombrado director del Hoftheater.
La ópera romántica Tannhäuser se estrenó en Dresde el 19 de octubre de 1845. Esta obra,
innovadora desde el punto de vista técnico y estructural, asombró a una audiencia acos-
tumbrada a la ópera convencional del momento y produjo una gran avalancha de crí-
ticas. Sin embargo, el compositor húngaro Franz Liszt, gran admirador de la música de
Wagner y unido a él por una amistad que duró toda la vida, decidió representar la ópera
Tannhäuser en Weimar, Alemania, tres años después. Este mismo año Wagner finalizó su
ópera romántica Lohengrin, pero la dirección del Hoftheater de Dresde, presionada por

37. 37
la reacción crítica del público, rechazó la obra. De nuevo llegó Liszt en su ayuda y estrenó
esta ópera el 28 de agosto de 1850 en Weimar.
El anillo del nibelungo El compositor alemán Richard Wagner compuso el texto para El ani-
llo del nibelungo durante sus primeros años de exilio en Suiza. Aunque este drama musical
está basado en el poema épico alemán Das Niebelungenlied (c. 1200), se ha considerado
que simboliza los conflictos entre países y clases sociales y la lucha por el poder."La cabal-
gata de las Valkirias" de Wagner: The Ring .
PARA REFLEXIONAR: En la segunda guerra mundial los nazis alemanes, asesinaron a ocho
millones de judíos en los campos de concentración, y según cuentan ponían de fondo la
música de Wagner a todo volumen, para apagar los gritos de las victimas. Cuando acabo
la guerra, los judíos como algo simbólico, prohibieron la música de Wagner, es decir que
en Israel esta totalmente prohibida la música de este compositor
La opera romántica Italiana:
En la Italia del siglo XIX la opera se impuso como genero predilecto, al extremo de eclipsar
a las demás formas musicales. La opera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad
libertad y patriotismo, por las que Italia durante ese siglo.
Características generales:
- Lo vocal prima sobre cualquier otro motivo, quedando en segundo plano los aspec-
tos orquestales y armónicos.
- El virtuosismo del cantante se acentúa más que en otras épocas.
- En ciertos momentos de la representación (arias y dúos) se busca la brillantez y luci-
miento de los solistas más que la unidad escénica y conceptual de la obra.
Entre los más destacados operistas Italianos se encuentran:
Giacchino Antonio Rossini (1792-1868), compositor italiano, conocido especialmente por
sus óperas cómicas. Fue uno de los máximos exponentes del bel canto del siglo XIX, género
que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emo-
cional.

38. 38
Nació el 29 de febrero de 1792 en Pesaro, estudió en el conservatorio de Bolonia. Es autor
de 37 óperas, desde Demetrio y Polibio (1806) hasta Guillermo Tell compuesta a los 37 años
(1829). Su primera mujer, la soprano española Isabel Colbran, interpretó varias de sus prime-
ras óperas. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla, escrita
en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in
Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory
(1828). En 1831 Rossini dejó de componer óperas y durante el resto de su vida sólo escribió
dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar
de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del
mundo operístico. Falleció el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. Las óperas de Ros-
sini fueron las últimas compuestas dentro del estilo italiano de opera buffa (ópera cómica).
Ligeras y animadas, su música destaca por sus características cómicas. Rossini utilizaba el
bel canto para crear melodías alegres de gran brillantez y emotividad.
Giussepe Verdi 1813 – 1901, nació en Roncole, Italia. Estudio música en Milán y su primer
éxito lo logro con la opera “Nabucco” en 1842 obre de trascendencia politico – social y
cuyo coro de lamentación de los hebreos cautivos en Babilonia lo cantaba la gente por
las calles de Paris Y Londres.
La obra de Verdi tiene tres periodos:
- El denominado “patriótico”, por su compromiso con la libertad del pueblo Italiano
dominado entonces por Austria. Bajo la influencia de Rossini, Verdi compuso “Rigo-
letto, La Traviata, y el Trovador”.
- En el segundo periodo, demuestra mas interés por el drama y su unidad con la dis-
tinción psicológica de los personajes, trabajo en temas mas elaborados como obras
de este periodo “Simón Bocanegra, La fuerza del destino, y don Carlos”.
- Al final escribió “Aída y Otelo” y por ultimo y a sus 80 años” Falstaff”.
El verismo musical:
A finales del siglo XIX surge una nueva corriente dramático - musical denominada Veris-
mo, esta influida por la literatura de la época donde las cosas mas simples de la vida se
ven reflejadas en las composiciones, así el actuar de un ama de casa y sus problemas del
mercado, o el cabalgar en caballos de primera clase, o el panadero que es protagonista
de una encrucijada romántica y absurda. Puccini es el compositor más importante del
verismo musical.
La música romántica en Francia:
París se convirtió en la capital europea de la opera.
La opera fue cultivada por compositores como:
- Charles Francois Gounod 1818 – 1893 alcanzo la fama con sus operas “Fausto, Ro-
meo y Julieta, Mireille”
- Geoges Bizet 1838 – 1875 excelente pianista sus operas: “los pescadores de perlas”,
y la que lo consagro la opera “Carmen”, opera verista.
- Jacques Ofenbach 1819 – 1880 creador de la opereta que es derivada de la opera
seria, las principales “Orfeo en los infiernos, la bella Elena (basada en la guerra de
Troya)”.

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SABIAS QUE: que el primer conservatorio, como tal empezó a funcionar en Paris?, los exá-
menes de admisión eran sumamente exigentes y ante numeroso público
La danza romántica:
A lo largo del siglo XIX, se extendieron por toda Europa, procedente de Viena, una serie de
danzas y composiciones musicales como valses, mazurcas y polcas encabezadas por los
maestros indiscutibles, la familia Strauss.
El vals es un baile de salón de origen Vienés (Austria) se realiza por parejas en movimientos
giratorios.
Los más grandes compositores de valses:
Johan Strauss (padre) – 1804 – 1849 nació en Viena fundo una orquesta propia y fue direc-
tor de los bailes de la corte.
Johan Strauss (hijo) – 1825 – 1899 fue director de orquesta y bien llamado el “rey del vals”,
compuso y ejecuto con su orquesta mas de 150 valses, creando una música de gran rique-
za melódica y elegancia forma,. Entre sus obras principales están Danubio azul, Las mil y
una noches, el vals del emperador, Cuento azul.
PARA REFLEXIONAR: Después de tanto tiempo, aún el ritmo del vals es considerado como
uno de los bailes mas elegantes y selectos, en nuestro medio se los baila solo en eventos
muy importantes y trascendentales en la vida de las personas como la celebración de los
15 años de las señoritas y en las bodas, lo bailan los nuevo esposos, y toda la familia.

40. 40
LOS NACIONALISMOS (1850–1950)
En la segunda mitad del siglo XIX se originaron en Europa movimientos nacionalistas que tu-
vieron como guía las ideas de libertad e igualdad propagadas por la Revolución Francesa
y la afirmación y exaltación de la identidad nacional de cada pueblo o nación.
En este periodo se considera al amor por la nación, y sus características culturales y folkló-
ricas, como fuente de inspiración para las composiciones musicales.
Características de la música nacionalista:
- Interés por el folklore propio, que es considerado como la esencia expresiva del
canto y de la música de un pueblo.
- Expresión del sentimiento nacionalista. como manifestación política y como ma-
nifestación de la cultura autóctona de un pueblo. Por eso las obras nacionalistas
incluían leyendas ritmos, melodías populares e instrumentos autóctonos.
- Reacción contra el dominio musical de Alemania, Austria, Italia y Francia.
- Huida de las formas clásicas para dar culto a la música popular.
- Nacimiento de nuevos modismos basados en la música de cada pueblo.
- Valoración de la riqueza tímbrica de las orquestas.
- Redescubrimiento de nuevos instrumentos para la música sinfónica, sobre todo en
la percusión.
- Gran variedad de riqueza melódica.
Los periodos de la evolución del nacionalismo musical son dos. El primer periodo se inicio
a mediados del siglo XIX y duro hasta comienzos del siglo XX, tiene características de corte
romántico y muy ligado al folklore. El segundo periodo se extendió hasta la mitad del siglo
XX, la música de este periodo fue más independiente y creativa.
Rusia
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una
Vida para el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo
de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos en base a la cultura rusa. Más tarde
fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El Convidado de
Piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una
vez depurado su estilo de composición en base a sus estudios posteriores, despertó una
gran atención tanto en su país como en en extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesis
de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con
una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
El Grupo de los Cinco.
De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, am-
bos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En
las Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su ópera Príncipe Igor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore
ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan característi-
cas en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Mon-
te Calvo y Cuadros en una exhibición, que posteriormente llamaron la atención a Maurice

41. 41
Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su tra-
bajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes
fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza
elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua Rusa.
Compositores no nacionalistas:
Piotr Ilich Tchaikovsky 1840 – 1893 Fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y
color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música
de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras
como la obertura de Marcha Slava, y Capricho Italiano ubican definitivamente a Tchaiko-
vsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se
consideran entre las obras más famosas jamás construidas.
Antón Rubinstein. 1829 – 1894 fundador del conservatorio de San Petersburgo, se enfrento
al grupo de los5 y fue profesor de Tchaikovsky su obra mas famosa es “melodía en fa”.

42. 42
Sergei Rachmaninov. 1873 – 1943 fue virtuoso del piano y autor de de tres sinfonías, cuatro
operas, cuatro conciertos para piano, su ,música esta inscrita en la tradición romántica
Rusa.
Bohemia:
Smetana ( Mi patria) y Dvorák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo Mundo)
España
Albéniz (Suite Iberia) y Granados (Goyescas)

43. 43
IMPRESIONISMO (1860–1940)
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios
del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar
nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el
Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen
diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se
ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo
pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de
los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.
- Gabriel Fauré
- Claude Debussy
- Maurice Ravel El Bolero de Ravel, obra trascendental
- Isaac Albéniz Suite Española y Suite Ibérica como obras trascendentales
- Enrique Granados
- Manuel de Falla
- Joaquín Rodrigo El Concierto de Aranjuez como obra trascendental
- Jesús Guridi El Caserío como obra trascendental.
EXPRESIONISMO
Movimiento estético que floreció en Europa, en especial en el área alemana, en el primer
cuarto del s. XX (entre 1905 y 1925) y que se caracterizó por la expresividad anímica y sub-
jetiva del arte, como reacción frente a la sensorialidad del impresionismo y el positivismo de
fines del siglo XIX. La música expresionista se caracteriza por el intenso empleo del cromatis-
mo y por la tensión expresiva, a menudo teñida de pesimismo. Sus compositores más repre-
sentativos son los miembros de la llamada escuela de Viena (Schönberg, Berg y Webern).
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX.
Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti,
quien redacta el Manifeste du Futurisme, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario
Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por

44. 44
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a cual-
quier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y
música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año
en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores futuristas
fueron Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.
Russolo concibe el «arte de los ruidos» como una consecuencia a los estudios previamente
realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las perfor-
mances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para los movi-
mientos de los intérpretes. Russolo fue el antecedente de la «música concreta», un lenguaje
sonoro en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza
o por la técnica (técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Música del realismo socialista
El realismo socialista es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comu-
nismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la
historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin.
Las corrientes vanguardistas eran vistas como un natural complemento para las políticas
revolucionarias; en las artes visuales florecía el constructivismo y en poesía y música se
elogiaban las formas no tradicionales y vanguardistas, como el caso de la ópera atonal
La nariz, de Shostakovich, basada en el relato homónimo de Gógol Sin embargo, esta
situación no tardó en generar críticas de algunos elementos del Partido Comunista, que
rechazó estilos modernos como el impresionismo, el surrealismo, el dadaísmo y el cubismo,
debido a los principios subjetivistas que subyacían a ellos (el subjetivismo chocaba frontal-
mente con la aspiración objetiva del materialismo dialéctico) y a los temas que trataban
(el realismo socialista sólo consideraba relevantes los temas relacionados con la política y
los trabajadores).
El realismo socialista fue, en cierto modo, una reacción contra los estilos burgueses anterio-
res a la revolución, convirtiéndose en política oficial del Estado en 1932 al promulgar Iósif
Stalin el decreto de reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas. Se fundó
la Unión de Escritores Soviéticos para promover esta doctrina y la nueva política fue con-
sagrada por el Congreso de Escritores Socialistas de 1934, para ser a partir de entonces
estrictamente aplicada en todas las esferas de la producción artística. El 10 de febrero de
1948, se dictó el llamado decreto Zhdánov, que marcó el comienzo de una campaña de
críticas y descalificaciones contra muchos compositores soviéticos, entre ellos Vano Mura-
deli, Dmitri Shostakovich, Serguéi Prokófiev y Aram Kachaturian. Posteriormente el gobierno
de Stalin pasaría a apoyar a alguno de dichos artistas, llegando Shostakovich y Prokófiev a
recibir el Premio Stalin.

45. 45
Siglo XX (1900–2000)
Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo
Segunda Escuela de Viena
• Arnold Schönberg (1874–1951), compositor austriaco vienés de origen judío de música
clásica del periodo moderno (1900–1950). Uno de los músicos más grandes del siglo XX;
es, junto con Ígor Stravinski y Béla Bartók, el compositor más importante e influyente de la
primera mitad del siglo XX y una figura clave, junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y
Wagner, en la evolución de la música académica occidental.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición
atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en se-
ries de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo y del método
cancrizante o del espejo de la segunda mitad del siglo XX. Además fue fundador de la
Segunda Escuela de Viena.
• Alban Berg
• Anton Webern
Otras tendencias
• Béla Bartók
Estudió en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseñó piano
en la Real Academia de Música (1907–1934) y trabajó en la Academia de Ciencias (1934–
1940). En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones políticas. Realizó investigaciones
en la Universidad de Columbia (1940–1941) y enseñó música en la ciudad de Nueva York,
donde vivió con serias dificultades económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de
1945 en Nueva York.
Igor Stravinsky
El Grupo de los Seis (Le Groupe des Six)
Grupo francés formado a instancias del escritor Jean Cocteau, integrado por: Louis Durey,
Germaine Tailleferre, Georges Auric, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc.
• Olivier Messiaen
• Benjamin Britten
• György Ligeti
• Luciano Berio
• Krzysztof Penderecki
Música electrónica, música concreta
• Pierre Boulez
• Karlheinz Stockhausen
• Pierre Schaeffer
El jazz y sus variantes

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• McCoy Tyner
• Thelonius Monk
• Charlie Parker
• Bud Powell
• John Coltrane
• Herbie Hancock
• Art Tatum
• Miles Davis
• Duke Ellington
• Gene Krupa
• Buddy Rich
• Louis Armstrong
El cine del siglo XX y otros artes escénicos
• Henry Mancini
• Leonard Bernstein
• Ennio Morricone
• Clint Mansell
Musical
• Memories
• Cats
• El fantasma de la Ópera
• América
• Chicago
Videojuegos
• Koichi Sugiyama
• Kōji Kondō
• Nobuo Uematsu
• Motoi Sakuraba
Pop-rock (1960–1969)
• The Beatles
• Bob Dylan
• The Rolling Stones
• Michael Jackson
Pop-rock español
La Plaga de Langostas, Micky y Los Tonys, Los Mustang, Los Pekenikes, Los Secretos, Parálisis
Permanente, Radio Futura, Aviador Dro, Duncan Dhu, Siniestro Total, El último de la fila, 091,
Los Planetas, Fito y los Fitipaldis, Platero y Tu y Los Delincuentes.
Siglo XXI (2000–presente)
• Música contemporánea

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Estas son las corrientes musicales más importantes de los últimos años:
• Música contemporánea del siglo XXI
• Bandas sonoras
• Jazz y jazz fusión
• Pop
• Rock
• Heavy metal
• Rap
• Electrónica
• Hip Hop
• Punk
• Ska
• Reggae
• Alternativa
MUSICOS DESTACADOS EN LA HISTORIA DE LA MUSICA

48. 48
HISTORIA DE LA MÚSICA EN BOLIVIA
La historia de la música en Bolivia, al igual que la música universal, tiene diferentes face-
tas, de acuerdo a las épocas o eras en las que le toco vivir a nuestra patria. Los estudios
revelan la existencia de muchas culturas antes de la llegada de los colonizadores, a esta
etapa se la denomina precolombinas es decir antes de la llegada de Colon a tierras ame-
ricanas, las evidencias de los restos de estas culturas revelan un alto desarrollo social, polí-
tico, económico y artístico, a esta parte de nuestro estudio la denominaremos, “la música
en el incario”. Cuando llegan los españoles a colonizar estas tierras, ellos influyen en todo
aspecto, dejando una herencia particular de la cultura europea, y sobre todo lo referente
al arte de la música, también en este periodo nacen nuevas expresiones artísticas y musi-
cales, mezcladas con lo nativo u originario, a este desarrollo llamaremos “la música en la
colonia”. Finalmente cuando llega la independencia de nuestra nación, se puede decir
con mucha certeza, que recién empieza nuestra identidad cultural, teniendo como una
base aquello que dejaron los primeros habitantes de estas tierras y aquello que heredamos
de los europeos.
LA MÚSICA EN EL INCARIO
El estudio de las expresiones musicales de los grupos humanos autóctonos de nuestro país,
es investigado por etnomusicólogos y folklorólogos, los mismos que han cotejado varios
documentos escritos que dejaron cronistas españoles y mestizos del siglo XVI. Y el resultado
nos da una idea más o menos exacta de lo que fue el quehacer musical en nuestro país
antes de la llegada de los españoles. Una gran cantidad de costumbres y tradiciones han
llegado hasta nuestros días, y su sola observación nos permite pensar que nuestros ante-
pasados constructores de Tiwanaku, conocieron y cultivaron el arte de los sonidos para su-
blimizar sus ritos religiosos, o para enardecer a las tropas antes de las batallas, o solamente
para amenizar uno que otro acontecimiento de la vida social o militar .
La música en lo que es ahora Bolivia, también tiene una historia, la misma que empieza
hace miles de años, cuando en estas tierras los habitantes, dedicaban toda su existencia
al mejoramiento y engrandecimiento del imperio; La música y todas las formas de expre-
sión artística, era de alabanza y gratitud a sus dioses, tomando a la música en especial
como una forma divina de adoración.
Entre estas expresiones divinas se encuentra la Pachamama (madre tierra), el Tata Inti (sol),
la Killa (luna), el viento (wayra), la lluvia, (jilli – jilli), etc.
La música inca, fue cultivada mayormente en el Tahuantinsuyo, y a la par con la danza,
desempeñaba un papel importante en distintas ocasiones, encontrando nuevas facetas,
en los comportamientos sociales. Se sabe que al margen de la música ceremonial religio-
sa, había música y danza de características románticas, guerreras, fúnebres y agrícolas. La
música inca se componía de 5 notas musicales, por eso es llamada pentatónica.
Una característica inca fue la ejecución de música durante las labores agrícolas en tierras
del Estado, con lo cual convertían las duras faenas del campo en amenas reuniones.
Los instrumentos musicales empleados en las manifestaciones corporales eran diversos se-
gún las danzas a interpretar, los integrantes, las regiones o los motivos de las celebraciones.
Las flautas eran uno de los instrumentos más populares. Las quenas por lo general, eran
confeccionadas con huesos humanos mientras que otras flautas eran de arcilla, plata o,
las más comunes, de carrizos.

49. 49
Entre ellas destacan los sikus de caña y de cada instrumento está dividido en dos mitades
con tonos complementarios y tocados por un par de instrumentos. Para formar una melo-
día es necesario que ambos instrumentos toquen alternadamente cuando les corresponde
y de manera conjunta producir la melodía deseada.
Los incas contaron con varios instrumentos musicales de viento y percusión entre los que
se encuentran: la quena, la tinya, el calabacín, la zampoña, la wankara y la baqueta. La
música incaica era de las más desarrolladas de las músicas prehispánicas.
La quena, es tal vez junto con la zampoña el instrumento más representativo de la música
inca.
Características
Estudios realizados sobre este arte, consideran las siguientes características:
No toda la música inca era "pentafónica",(do, re, fa, sol, la), como lo señalaron en un
principio los D`Harcourt. André Sas demostró que los Nascas (mil años antes de los Incas)
poseían antaras cromáticas como se puede observar y constatar en los museos de Nasca,
del Perú y del mundo además de investigaciones de distinguidos musicólogos.
La música era de ritual y de múltiples expresiones, manifestándose especialmente en la
danza]
Este arte era sumamente sentimental, melancólico y monótono. La mayoría de instrumen-
tos estaban hechos de arcilla, hueso y/o madera
Instrumentos musicales
Los incas tuvieron instrumentos de viento y percusión, no conociendo los instrumentos de
cuerda, estos instrumentos musicales han sido motivo de estudios muy profundos por parte
de Arturo Jiménez Borja, Policarpio Caballero y por estudiosos franceses. El arqueólogo
peruano Federico Kauffmann Doig clasifica los instrumentos musicales incas en tres tipos:
Instrumentos aerófonos
Eran aquellos instrumentos que para poder ser ejecutados se utilizaba el aire por acción
humana, dentro de los cuales encontramos:
Flautas: Las cuales fueron confeccionadas con materiales propias de las zonas de quienes
las ejecutaban, como cañas de carrizo, huesos y cerámica.
Quena: Instrumento de uso muy generalizado, del cual se confeccionaban de distintas for-
mas y materiales, siendo el más típico el longitudinal de una sola pieza con varios agujeros
y abierta en ambos extremos.
Pincullo: Era una especie de flauta de gran tamaño, la cual se confeccionaba con cerá-
mica, siendo adornada con motivos y colores propios del ayllu o región.
Antara: Es un instrumento musical cuyo uso sigue siendo muy extendido entre los músicos
de los Andes. Este instrumento es conocido también como “flauta de pan” o “zampoña”.
Se confeccionaba con cañas de carrizo y huesos.
Pututo: Instrumento musical confeccionado de un caracol marino, el cual estaba aguje-

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rado en la base por donde se sopla. Emitía sonidos profundos, siendo un instrumento muy
utilizado por los chasquis, para enviar mensajes y como señal de guerra.
Quepa: Este instrumento musical estaba confeccionado con una calabaza agujerada en
forma de mate.
Manchaypuito: Una especie de cántaro hecho de barro, el cual consistía de dos flautas
fabricadas con fémures humanos, y con el cual se podía entonar una melodía triste.
Instrumentos membranófonos
Dentro de esta clase de instrumentos tenemos los tambores, los cuales fueron confeccio-
nados con el cuero de los animales y otros fabricados con la piel del vientre del enemigo
vencido; también eran usados los huesos largos de los brazos o de las piernas con los que
golpeaban el tambor. Podemos distinguir dos tipos de tambores:
Tinya: Este tipo de tambor era pequeño, el cual era usado principalmente en las faenas
del campo.
Huáncar o wankaras: Eran tambores más grandes, que eran utilizados en las guerras o en
los grandes bailes.
Instrumentos idiófonos
Instrumentos que eran de suma importancia en las danzas, ya que eran utilizados para se-
guir el compás de estas danzas. Entre este tipo de instrumentos podemos distinguir:
Sacchas o chajchas: Que eran cascabeles de metal o de pepas. Estas sacchas se coloca-
ban en las rodillas.
Sonajas: Estos instrumentos eran colocados en las muñecas.
Bastones con sonajas: Estos instrumentos servían para seguir el ritmo tanto de la música
como de la danza.
La ejecución de los números musicales iban de la mano con las danzas y eran frecuen-
tes en la vida diaria. La música incaica estaba referida a diversos aspectos y actividades
como la agricultura, religión, guerra y fiestas diversas. La música variaba según la región o
provincia y podemos decir que constituye la base del folclore andino.
Formas musicales de origen incaico
Harawi o yaraví: Es una canción nativa de motivos amorosos, de cadenciosa melodía que
expresaba los sentimientos del alma. Se cantaba, en su texto, la ingratitud de la amada, la
ausencia de la penas de amor.
Huayno o huayño: Es de expresión festiva y alegre. Actualmente toma diversas denomina-
ciones según la región (wayno, chuscada, qachwa, etc.), aunque estas hacen más refe-
rencia al baile que a la melodía.
Trilla-takiy: Eran canciones ejecutadas durante la trilla.
Jaylli: Es una canción y melodía, de carácter melancólico, se cantaba para recordar a los
seres queridos que se habían marchado al mundo de los muertos

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LA MÚSICA, EN LA EPOCA COLONIAL
La musicología histórica boliviana según el Dr. Robert Stevenson, asegura que la música
fue un arte profusamente cultivado en los tiempos virreinales entre 1535 – 1809 de manera
preferencial en la Audiencia de Charcas.
Al margen de las investigaciones y hallazgos de este profesor de la universidad de Cali-
fornia en Los Angeles, muchos otros investigadores continuaron con otros aportes, entre
ellos mencionaremos a: Samuel Claro, Waldmar Roldan,Cármen Garcia Muñoz, entre otros
especialistas el Dr.Gunnar Mendoza, Mons.Julio Garcia Quintanilla, y la distinguida investi-
gadora Dra. Julia Elena Fortun. Gracias a todos ellos se tiene una mejor visión de lo que
fue la usica en la época de la colonia.
En la ciudad de La Plata, hoy Sucre se instalo el mayor centro musical de América, ubi-
cando su principal cede en la catedral, la misma que se convirtió en escuela, y centro de
prácticas, donde niños de corta edad hacían gala de sus talentos, conformando de esta
manera el coro de “seises” niños cantores, quienes con el paso el tiempo se convertían en
cantores adultos, instrumentistas, organistas y hasta maestros de capilla. Bolivia conserva
en varios archivos la colección mas grande del continente de manuscritos musicales de los
siglos XVI, XVII, y XVIII, entre algunas de esas obras que fueron cuidadosamente transcritas,
han sido dadas a conocer en los tiempos modernos en conciertos y grabaciones, las mis-
mas que han causado la más viva admiración dentro y fuera de nuestras fronteras.
Entre los músicos más destacados de este periodo podemos mencionar a: Guierre Fernán-
dez Hidalgo, quien transformo al villancico español en una forma musical perfecta con
partes corales de hasta 16 voces Gesualdo de Venosa, ambos seguidores de Palestrina.
su obra pertenece al barroco musical, Juan de Araujo cuya obra es vastísima, sus manus-
critos se encuentran en la catedral de Sucre y de Julia Elena Fortun, en la iglesia de San
Ignacio de Moxos y en la biblioteca del seminario de San Antonio Abad del Cuzco.
Tras la conquista de los Españoles, junto a su idioma, religión y costumbres, llegaron los
primeros instrumentos musicales, las trompetas, pífanos (flautas) y atabales (tambores), mu-
cho después la vihuela y otros instrumentos de cuerda y teclado, a través de los núcleos
religiosos que se dedicaron a impartir la enseñanza de la música culta y religiosa, inicián-
dose con ello la labor pedagógica y cultural de la Iglesia Católica. Por las ordenes de Fran-
ciscanos, Dominicos, Jesuitas etc; Que en el afán de evangelizar llegaron hasta las tribus
de moxos chiquitanos, y todos los pueblos y comarcas de toda la audiencia de charcas,
capacitándolos en el manejo de instrumentos musicales y una infinidad de artesanías, que
fue la base para crear más delante los colegios y conventos.
En la época de la colonia, nacen una variedad grande de formas musicales, y muchos ins-
trumentos, que a la larga se mantendrían como parte importante de nuestra cultura, para
una clasificación que identifique su origen, y justifique la unión de dos culturas la europea y
la americana, al resultado de la mescla de ambas le llamaremos CRIOLLA o MESTIZA según
el caso.
Características:
- Había mucha diferencia entre música nativa y música europea
- Se crean varios instrumentos nuevos basados en ambas culturas, y con los materia-
les del lugar
- Nacen varias formas musicales nuevas, criollas y mestizas.
Algunas formas musicales y danzas que derivan de formas musicales europeas: