1. AV
Los Ismos
Artes Visuales – Ramón Muñoz Coloma – rmunoz@ceat.cl

2. El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples
corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se
suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son
coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas.
Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un
orden cronológico.
Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con
respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios
del siglo XX, sino a fines del XIX.
El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura
moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba,
que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía
antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática,
pero el modo de plantearlo causó escándalos.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el
punto de partida para las corrientes del siglo XX.

3. Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela .

4. Impresionismo

5. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una
exposición celebrada en París en el estudio del fotógrafo
Nadar.
En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón
oficial, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet,
Pisarro, Degas, Morisot, Renoir y Sisley) ponen de
manifiesto su voluntad colectiva de hacer un arte nuevo que
rompa con el academicismo y la tivialidad artística
imperante en la época.
Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado
de la crítica y del público. Un cuadro de Monet titulado
"Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al
crítico Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el
nombre despectivo de "impresionismo".

6. Claude Monet . Impression, soleil levant. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm.
Musee Marmottan. París

7. Antes de esa primera exposición hubo un período inicial de
formación de unos quince años durante el cual se fueron
cuajando las bases que definen este movimiento.
El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876,
1877 (que mostró el momento de mayor cohesión del
movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de
esos años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne,
Renoir, Monet, Sisley) y se incorporaron otros (Gauguin, Redon,
Cassatt, Seurat, Signac).
El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países
europeos y también llegó a EE. UU.
Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo,
también conocido como postimpresionismo o neoimpresionismo.

8. CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el
claroscuro no tienen ninguna importancia.
• Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter
descriptivo. Búsqueda de la claridad y la luminosidad.
• Indiferencia por el tema, la única preocupación es la luz y el color
fugaces.
• Búsqueda de la belleza de la sensación directa: las formas se
plasman de modo no acabado, impreciso y vaporoso, llegando
incluso a desmaterializarse.
• Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la
naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete en busca de
la luz fugaz y el rápido cambio de los colores.
• Representación plástica de la vibración óptica de la luz.
• Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito.
• Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo:
Monet. Catedral de Ruán).

9. INFLUENCIAS
• La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el
rechazo del realismo clásico como culto a la materia
y la búsqueda de una pintura más sensitiva que
plasme la experiencia de las sensaciones visuales
fugitivas.
• Las teorías ópticas de Chevreul y de Maxwell: de
aquí que los colores no se obtengan por mezcla en
la paleta sino por mezcla optica en el lienzo, que se
busque la exaltación de los colores
complementarios y que se prescinda del negro
(negación de la luz), todo ello para lograr colores
limpios, luminosos y vibrantes.

10. Claude Monet
Estanque con
nenúfares (1899)
Óleo sobre lienzo.
88.3 x 93.1 cm.
Museo: National
Gallery. Londres

11. Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908)
Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm. National Gallery of Art.

12. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

13. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

14. Edouard Manet, Olimpia, 1863, óleo sobre lienzo, 130´5 x 190 cm, Musée d´Orsay, París.

15. Edouard Manet, Pífano, 1866, óleo
sobre lienzo, 160 x 98 cm, Musée d
´Orsay, París.

16. Edgar Degas
Clase de danza
c.1873-1875,
óleo sobre lienzo,
Musée d´Orsay, París

17. Edgar Degas
Bailarina en la escena, 1878,
pastel, Musée d´Orsay, París.

18. Pierre Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette, 1876, óleo sobre lienzo, Musée d´Orsay,
París.

19. Pierre Auguste Renoir, Le déjeuner des canotiers, 1881, óleo sobre lienzo, Philips
Memorial Gallery, Washington, D.C.

20. Post Impresionismo
(o Neoimpresionismo)

21. Bajo el nombre de Neoimpresionismo o
Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias
y estilos.
Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos
que responden a las inquietudes de los diferentes
artistas.
A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado
y definido, sino que la obra de cada uno de ellos
responde a la individualidad de sus planteamientos.
Hay una influencia del arte oriental. En 1868 Japón se
abre a Occidente.
Las muestras de los ukiyo-e-hanga ofrecen una
alternativa en la que encuentran una nueva forma de
realidad.

22. Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa,
1823-1829, grabado, Metropolitan Museum of Art, New York.

23. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas
obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
• Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a
diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo.
• El color se aplica en grandes superficies planas sin matización
y sin perder intensidad en la lejanía.
• Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e
incluso volumen.
• Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo.
• Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de
instantánea.
• Cobra importancia el dejar sin cubrir.
• Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y
la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se
van escalonando.

24. • Se usan diferentes puntos de vista, así, las
composiciones pueden resultar asimétricas y
desdentradas.
• Se usan encuadres originales.
• Se prefieren los formatos alargados.
• Hay un gusto por los detalles.
• Se transmite una visión edonista de la vida, la misma que
reclamaban los impresionistas.
• Gusto por situaciones insólitas.
• Se usan las siluetas.
• En definitiva se prescinde de todo convencionalismo
anterior. Son novedades que influyen en artistas como
Gauguin, Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse.

25. El Puntillismo
Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en
pintar a base de pequeños puntos de color puro. En la
octava exposición del impresionista de 1886, se dio la
primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio
de Impresionismo a Puntillismo se debió a las
aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló
de "Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra
escrita Libro sobre la complementaridad de los colores.
Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la
mente. Hay que superar la concepción retiniana para
incidir en una más conceptual. Este es el punto de partida
para el arte abstracto posterior.

26. Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887, óleo sobre tabla, 25 x 16 cm, París,
Musée d´Orsay.

27. Paul Signac, El palacio papal en Aviñón, 1900, óleo sobre lienzo, 73´5 x 92´5 cm,
París, Musée d´Orsay.

28. Diferencias con respecto al Impresionismo:
• La imagen adquiere una entidad desconocida
• La obra parte del "plein air", pero a diferencia del
Impresionismo se termina en el taller.
• Se recupera la división entre obra definitiva y boceto.
• Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y
rigidez, lo que potencia la pérdida de la
espontaneidad.
• Hay una marcada tendencia a la esquematización de
formas y a los volúmenes simplificados.
• Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos.
En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa,
ya que la luz era la que incidía sobre los cuerpos.

29. Vincent Van Gogh,
Los girasoles, 1888,
óleo sobre lienzo,91 x 72 cm,
Münich,
Bayerische
Staatsgemäldesammlungen
Neue Pinakothek.

30. Vincent Van Gogh, La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo,
73´7 x 92´1 cm, Nueva York, The Museum of Modern Art.

31. Vincent Van Gogh, La habitación de Vincent en Arlés, 1889, óleo sobre lienzo,
56´5 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.

32. Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
Musée d´Orsay.

33. Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900, óleo sobre lienzo, 66 x 81 cm,
París, Musée d´Orsay.

34. Henri Toulouse-Lautrec,
La Goulue entra con dos
mujeres al "Moulin Rouge",
1892, óleo sobre cartón,
79´4 x 59 cm, Nueva York,
Museum of Modern Art.

35. Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894, óleo sobre tela,
111´5 x 132´5 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.

36. Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888,
óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm, Edimburgo, National Gallery of Scotland.

37. Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892, óleo sobre lienzo, 75 x 94 cm, París,
Musée d´Orsay.

38. Fauvismo

39. Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a
1907.
La primera exposición tiene lugar en París en el Salón
de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el
"Salon des Indépendants".
La denominación deriva de la palabra "fauves"
(fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles
denominó a un grupo de pintores, encabezado por
Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura
alejado de todo principio académico.

40. CARACTERÍSTICAS
• Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color.
• Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar
lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del
cuadro.
• Énfasis cromático mediante colores puros, saturados,
principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin
referencia al tema o a su figura.
• Eliminación de la perspectiva espacial.
• Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y
africana).
• Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva
e intuitiva, con predominio de colores complementarios.
• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados
en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de
artesanía.

41. Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

42. Henri Matisse.
La raya verde, 1905, óleo
sobre lienzo, 60 x 41 cm.

43. Henri Matisse
Autorretrato, 1906,
óleo sobre lienzo, 55 x
46 cm, Statens
Museum for Kunst,
Copenhagen.

44. André Derain, El puente de Londres. (1906)

45. Expresionismo

46. El expresionismo surge en Alemania en la primera
década del siglo XX, como oposición al positivismo
materialista imperante en la época, en un intento de
ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en
la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la
renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva
de lo esencial, atendiendo exclusivamente al
sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla.
El expresionismo es un movimiento que no sólo
atañe a las artes plásticas sino también a la música,
el cine y las demás artes.

47. En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres
momentos distintos. El primero se desarolla en Dresde, a raíz de
la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente), y dura
hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y
está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul),
del que surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se
desarrolla en el período de entre guerras (desde comienzos de los
años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo)
y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva
objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo
inicial desarrollado por los otros grupos citados.
El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda,
Bélgica y Francia.
El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte
degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y
muchas de sus obras destruidas.

48. CARACTERÍSTICAS
• La pintura es concebida como una manifestación directa,
espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista
basada en una necesidad interior (carácter instintivo y exaltada en
Die Brucke / carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).
• Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre
interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no
copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.
• Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la
realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso
interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial
atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por
este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados
de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de formas y
figuras.
• Ausencia de carácter decorativo.

49. Edvard Munch, El grito,
1893, ceras, pastel y
témpera sobre papel
cartón, 83´5 x 66 cm,
Munch Museet, Oslo.

50. Edvard Munch, Madonna,
1893-1894, óleo sobre lienzo,
90 x 68´5 cm, Munch Museet,
Oslo.

51. Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm.
Öffentliche Kunstsammlung. Basilea

52. Emile Nolde. La última Cena (1909)

53. El Cubismo

54. Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis
Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios
del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo,
paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne.
La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra
de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".
Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis
objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente
debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.
Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de
profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y
marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea
fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el
collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional
carácter descriptivo.

55. Las características de un nuevo lenguaje:
En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son
descubrimientos:
1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen:
Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión
global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes
volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota
también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por
eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en
un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano
en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal
albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional
visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un
mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo
ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de
perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

56. 3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado
por la descomposición del volumen.
4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones
suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques.
Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los
objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de
ellos
5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las
composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son
traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las
formas y la mente del pintor las simplifica.
6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy
importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador
acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del
mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta
experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata
de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el
artista.

57. Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo,
escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en
1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del
Cubismo:
• Científico,
• Órfico
• Instintivo.
Otros especialistas se han referido a las etapas con otros
nombres como fase analítica, fase hermética y fase
sintética.
Todas estas denominaciones responden a un deseo de
taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo.

58. 1. Fase analítica
En el primer
momento, se partió
de la observación de
la realidad para
proceder después a
su "destrucción".
Resultaba un
conjunto de planos
indescifrable, lo que
es en definitiva es la
obra cubista.
Pablo Picasso. Frutero y pan
sobre una mesa (1909)

59. 2. Fase hermética
Para paliar la confusión y la difícil
lectura de las obras analítica,
Picasso y Braque, empiezan a dejar
pistas en sus obras. Se empiezan a
introducir detalles figurativos y
esquematizados para estimular la
comprensión. Por ejemplo, las
cuerdas o clavijas ayudan a
identificar la posible existencia de un
instrumento musical, o un pomo la de
una mesa. En esta etapa también se
hizo habitual la imitación "realista" de
caracteres de imprenta, letras o
cifras, que lleva a la comprensión de
que nos hallamos ante la presencia
de un periódico, de una etiqueta de
botella o de un sobre. Se empieza a
imitar la madera o el mármol para
Pablo Picasso. Retrato de
sugerir por ejemplo un violín. Ambroise Vollard. (1910)

60. 3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura:
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar
minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un
ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por
Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de
material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan
materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del
Collage.
El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz
porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la
vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la
vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el
referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el
análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del
soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que
comience a hablarse de la "introducción de intrusos".

61. Con el collage se inaugura una
serie de técnicas que comportan
una revisión total del acto
pictórico en sí, y se ofrecen al
artista infinitas posibilidades de
variación. Con el collage la
técnica cambia, no sólo se trata
de pintar, sino también de añadir
y construir. Esta técnica
constructiva, hace que se camine
lógicamente hacia la escultura y
su tridimensionalidad. El pincel
es sustituido por las tijeras y la
cola, y después los clavos y la
soldadura. Los fragmentos de
imagen pasan a formar parte de
un conjunto estético. Los
materiales se descontextualizan,
se hacen enigmáticos y
adquieren características
Pablo Picasso. Guitarra. (1913)
propias.

62. Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.
óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

63. Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907
Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

64. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm.,
óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

65. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

66. Pablo Picasso .
El poeta (1910)

67. Pablo Picasso .
Ma Jolie (Woman with Guitar)
(1911-12)

68. Georges Braque.
Viaducto en L’estaque.
1908.

69. Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

70. Georges Braque
Casas en L´Estaque, 1908
óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm,
Kunstmuseum Bern.

71. Arte Abstracto

72. Wassili Kandinsky es el iniciador de la abstracción.
La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se
toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera
etapa de la abstracción (1900-1914) la representa
Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas
irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le
importa la mancha de color y la expresión.
Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo,
con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail
Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el
Manifiesto Rayonista.
Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia
una plástica pura en las artes figurativas. El uso
restringido del color y las formas simples, caracterizan el
Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

73. Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal
Tretjakov. Moscú.

74. Wassily Kandinsky.
Upwards, 1929.

75. Kasimi Malevich:
Suprematist
Composition, White on
White (1918)

76. Kasimir Malevich
Suprematism. 1915
Stedelijk Museum, Amsterdam

77. Neoplasticismo

78. Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o
movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética
renovadora basada en la depuración formal.
El planteamiento básico de este movimiento queda
perfectamente claro en la frase programática de uno de
sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”.
Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el
"Primer manifiesto" del movimiento.
Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la
nueva estética y que posteriormente denominaría
"Neoplasticismo".

79. CARACTERÍSTICAS
• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración
de un nuevo orden armónico de valor universal.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo,
azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

80. Piet Mondrian,
Composición en
rojo, amarillo y
azul, 1921, óleo
sobre lienzo, 39 x
35 cm.

81. Piet Mondrian,
Composición 10.
1940, óleo sobre
lienzo, 80 x 73 cm.

82. Theo van Doesburg
Arithmetic
Composition (1930)

83. Action - Painting

84. Término acuñado por el crítico norteamericano Harold
Rosenberg, para designar una técnica pictórica gestual, que
consiste en aplicar el color directamente sobre un lienzo
extendido en el suelo, mediante el procedimiento conocido como
dripping o "chorreo".
El Action Painting significa en español “Pintura de Acción” y es
una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que
adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del
expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico,
consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de
manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema
prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de
acción” y no en la mera reproducción de la realidad.
El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones
automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y
pinturas de arena de André Masson.

85. Jackson Pollock. Número 8 (1949).

86. Jackson Pollock. Número 1 (1949)

87. Dadaísmo

88. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término
que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y
fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía
cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad
y de todos los valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta
rumano Tristan Tzara.
Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York,
donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp.
La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un
nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-
mades).
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este
movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

89. CARACTERÍSTICAS
• Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos
por la tradición y también por la vanguardia fauve y
expresionista (actitud anti-arte).
• Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de
materiales (collage y décollage) y objetos de desecho
cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y
cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo
e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la
identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
• Liberación del subconsciente (se produce una transición al
surrealismo y al arte semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
• Auge del disparate.

90. • Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad
pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-
mades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los
objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda
de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor
artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su
contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el
concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de
objetos artísticos
• Temática en la que predominan los mecanismos absurdos
("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la
máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente
importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
• Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del
collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de
imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos,
revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado
por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y
estado.

91. Marcel Duchamp,
Rueda de
Bicicleta, Objeto
Pronto, 1913

92. En 1917 Marcel
Duchamp fue invitado
por la galería Grand
Central de Nueva York a
formar parte del jurado
de una exposición de
artistas independientes.
Sin informar a nadie, el
propio Duchamp envió
para exponer en esa
exposición este urinario
de porcelana blanca
firmado con el
seudónimo "R. Mutt".
Cuando su Fuente fue
rechazada para la
exhibición, Duchamp
renunció al jurado y el
incidente causó un
escándalo que sacudió
al mundo del arte.

93. Francis Picabia
Parada Amorosa, 1917,
Acuarela

94. Kurt Schwitters
Merz 199-2, 1921

95. Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

96. Hannah Hoch,
Pretty Maiden,
1920

97. Surrealismo

98. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera
guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo
abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó
en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L.
Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus
planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis
Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores.
En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton,
que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad
y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales
y científicos por medio del automatismo psíquico.
La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los
procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido
todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la
cultura burguesa.

99. Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y
vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo
empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y
se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras
discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación
entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el
movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en
1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional,
debido a que el movimiento se había extendido por muchos
países.
En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se
manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos,
interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros)
y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos
tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el
automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos
grafico-plásticos propios.

100. CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en
las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo
desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el
tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación
tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma
cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.

101. • Además de lo onírico, representación de toda clase de
simbologías, especialmente eróticas y sexuales.
• Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo,
etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la
sensación de profundidad (creación de grandes espacios y
lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la
figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.
• Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática,
frottage y grattage.

102. • Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del
automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método
con la intención de transformar directamente el estado psíquico
del artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador
no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo
racional.
• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en
transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una
superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las
dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida
de la pintura automática para la realización posterior de
imágenes fantásticas.
• Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos
arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son
rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado
creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta
técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura
automática.

103. Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

104. Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of
Modern Art. New York.

105. Salvador Dalí.
Sueño Causado por el
Vuelo de una Abeja en
Torno a una Granada
un Segundo antes de
Despertar, 1931,
51 x 41 cm., óleo sobre
lienzo, Foundación
Thyssen-Bornemisza,
Thyssen Museum,
Madrid.

106. Salvador Dalí,
Crucifixión o Corpus
Hipercubicus, 1954,
194.5 x 124 cm., óleo
sobre lienzo,
Metropolitan Museum,
New York.

107. René Magritte.
El castillo de
los Pirineos
(1959)

108. René Magritte.
La condición
humana (1933)
National Gallery of Art,
Washington

109. René Magritte.
El imperio de las
luces (1954)
Museo Peggy
Guggenheim.
Venecia.

110. René Magritte
El dominio de
Arnheim (1949)

111. Joan Miró. Nocturno (1940).

112. Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

113. Op Art

114. Surge en EE.UU. hacia 1958.
La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye"
(El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos
ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la
Bienal de São Paulo.
En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como
un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban
varios grupos diferentes de artistas.
El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos
críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los
diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales
por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta
saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido
envejecimiento de este estilo artístico.

115. CARACTERÍSTICAS
• Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter
emocional.
• Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento
aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas,
contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones
de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de
estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas .
• Composiciones estructuradas mediante espacios
geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante
módulos repetitivos y en variación.
• Participación del observador: en muchos casos el observador
necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama
de efectos ópticos.
• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores
impecablemente lisos y uniformes.
• Colores planos de contornos netos (hard edge).

116. Victor Vasarely
Cheyt M.

117. Victor Vasarely
K- Tridem

118. Victor Vasarely
Vonal Ksz

119. Pop Art

120. Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el
estilo característico de los años sesenta.
El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado
por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para
denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el
diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.
La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se
inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear
obras figurativas con una temática absolutamente directa que las
haga accesibles al público en general.
Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan
alejado de la realidad y de la comprensión del público.
En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano
recibe el nombre de "nouveau realismo" (nuevo realismo).

121. CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner
el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.
• Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y
apariencias del mundo contemporáneo.
• Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes
ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics,
revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios
publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos
populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar
(alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras,
etc.).
• Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos
como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.
• Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje
es figurativo y representa objetos reales, no se concentra
exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina
éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al

122. • Representación de carácter inexpresivo, preferentemente
frontal o repetitiva.
• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en
la composición de la obra (las combine paintings de
Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un
nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos
tiempos (neodadaísmo).
• Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la
violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el
erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología
industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).
• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes
formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein).
• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los
empleados en la industria y los objetos de consumo.

123. Andy Warhol,
Lata de sopa Campbell.

124. Andy Warhol,
Elvis, 1964.

125. Andy Warhol,
Marilyn.

126. Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960
oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon
90 x 118 in.

127. Robert Rauschenberg
Rétroactive 2. 1964
Sérigraphie et peinture à l'huile
Galerie LLena Sonabend, Paris

128. Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967

129. Jasper Johns. Flag (1954)

130. Roy Lichtenstein,
El beso.

131. Roy Lichtenstein
Woman in Bath, 1963
Oil on canvas
171 x 171 cm
Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid

132. Fuentes:
• Esta presentación está confeccionada, fundamentalmente, con
la visión e información de “Breve Historia del Arte. Arte del
Siglo XX”. Beatriz Aragonés Escobar. www.spanisharts.com
• Compendio del Arte Moderno y Contemporáneo.
http://www.arteuniversal.com/
• Los Ismos. www.portaldearte.cl

133. AV
Los Ismos
Artes Visuales – Ramón Muñoz Coloma – rmunoz@ceat.cl