1. El constructivismo ruso es el movimiento arquitectónico que mejor se conoce en
occidente. Para la cultura nacional rusa, en su totalidad, el período del vanguardismo
ruso en el arte, y particularmente, en el campo de la arquitectura, es un periodo que
comprende una parte muy importante de esta cultura. Los rusos han sido siempre una
nación de intérpretes geniales de esta apertura hacia lo occidental, y han llevado sus
aportes hasta la cumbre misma del proceso histórico-cultural y artístico de la
humanidad. Tal fue la herencia de Bizancio en la Rusia Antigua, y también, con la
cultura europea desde los tiempos de Pedro El Grande; y mejor, si hablamos, de una
cultura rusa ―moderna‖ cuando desarrollaron un ambiente cultural propio gracias al
vanguardismo de la primera década del Siglo XX.
El constructivismo ruso
fue un buen momento para la historia de la arquitectura.
Por los caminos de la arquitectura, y el vanguardismo de los años veinte de este Siglo
XX, podemos acercarnos a la espiritualidad, a la cosmovisión, y a las tradiciones, de
varios pueblos islámicos, eslavos y occidentales, que desde la revolución bolchevique
han venido buscando desarrollar sus propias individualidades a través de un estado
multinacional. Los rusos han ocupado un ambiente cultural -muy sugestivo- gracias al
vanguardismo desde la primera década del siglo veinte. El constructivismo ruso fue un
buen momento para la historia de la arquitectura. Pero, sobre todo, es una parte
importante de esa historia del vanguardismo -como escuela y como tendencia
arquitectónica-. Así, como también, es la parte más importante de este original
movimiento artístico de ruptura con la tradición rusa. El constructivismo ruso -como
concepción vanguardista- fue capaz de dar muchas ideas nuevas para la arquitectura: esa
corriente de la arquitectura universal que se llama ―desconstructivismo‖ por ejemplo, y
que está enraizada dentro del constructivismo ruso. El constructivismo ruso tuvo el
acierto de no conformarse con el ―prolekultur‖, sino que solo formó parte de ese
―prolekultur‖. El ―prolekultur‖ fue una corriente de extrema izquierda en todo el arte, en
toda la cultura rusa, que buscaba una nueva unidad entre la ciencia, la industria y el arte.
Y, con mucha lucidez política, el constructivismo formó parte orgánica de este
movimiento cultural.

2. Vladimir Tatlin fue un excelente pintor
ruso, el más ilustre representante del constructivismo pictórico desde la época en
que se formó el movimiento donde estaban otros como Malevich, Rodckenko,
Kandinsky y Gan Lissitzky, entre otros, que crearon grandes “obras” para el
conjunto de las artes plásticas y el diseño gráfico dentro del vanguardismo.
El constructivismo arquitectónico ruso tiene el equivalente del Bauhaus alemán, y fue
parte importante del vanguardismo de los años veinte. Dentro de esta vanguardia, el
constructivismo ruso fue una rama de las tantas de ese árbol frondoso. Metido en esa
vanguardia, el constructivismo ruso no fue un movimiento más de los tantos que
existieron. Sucedió que el constructivismo ruso dentro de todas estas tendencias nuevas
impulsó mejor su concepción, y fue el único movimiento arquitectónico y pictórico que
logró realizarse totalmente en la práctica. Los otros movimientos -cognoscibles y
coexistentes- de ese momento solo quedaron como decoraciones fantásticas, como ideas
novedosas y expresiones sinceras, de creadores alborotados. Los vanguardistas rusos
lograron una producción espiritual, y los constructivistas rusos consolidaron ―obras‖
materiales (aunque hoy ―piezas‖ de museos) que son testimonios –si se hiciera una
verdadero rescate valorativo- para una interesante ―revelación cultural‖ que albergó una
autentica ―revolución cultural‖; reseñaron para la posteridad una revista de ―agitación‖
y comenzaron a construir sus ―nuevos‖ proyectos. Estos proyectos ―altisonantes‖ de los
constructivistas llamaron mucho la atención occidental, y está acción ―proyectual‖
levantó la propaganda hacia el constructivismo como movimiento artístico. No por eso
dejaron de existir otras tendencias que no eran menos interesantes que el discutido
constructivismo. El constructivismo fue el único movimiento ruso que logró captar la
atención a nivel mundial en el exterior. Solo comparable a este éxito cultural -con
etiqueta de revuelta- son las obras cinematográficas de Eisenstein y de Pudovkin. *(1).

3. Vladimir Tatlin fue un excelente pintor ruso, el más ilustre representante del
constructivismo pictórico.
Vladimir Tatlin fue un excelente pintor ruso, el más ilustre representante del
constructivismo pictórico desde la época en que se formó el movimiento donde estaban
otros como Malevich, Rodckenko, Kandinsky y Gan Lissitzky, entre otros, que crearon
grandes ―obras‖ para el conjunto de las artes plásticas y el diseño gráfico dentro del
vanguardismo **(2). Esta época estuvo muy caracterizada: los pintores ―proyectaban‖ y
los los arquitectos ―dibujaban‖. De la pintura se llegó a la arquitectura. Se puede decir
que el símbolo del vanguardismo arquitectónico de los años veinte fue el proyecto de
Vladimir Tatlin para el edificio en la III Internacional Comunista. Aprovechando los
nuevos materiales de los últimos tiempos, y de las nuevas ―estructuras‖ con el uso del
hierro, el cemento, y el nuevo estilo espectacular del concreto ―armado‖.

4. El “proyecto” de Tatlin es un proyecto
fantástico.
El ―proyecto‖ de Tatlin es un proyecto fantástico: el arquitecto ha creado una nueva
imagen, un nuevo lenguaje para la arquitectura y para el arte. Era un ―proyecto‖
extraordinario, una visión filosófica nueva. Era un edificio que miraba hacia el futuro: la
forma del edificio era una ―espiral‖. Una ―espiral‖ que se desarrollaba de abajo hacia
arriba, un edificio inclinado y con un ángulo de inclinación que coincidía con el ángulo
de inclinación de la tierra. El edificio de Tatlin era una ―estructura‖ que se desarrollaba
y se lanzaba hacia el futuro. La ―espiral‖ nos hace recordar el desarrollo de la
humanidad de abajo hacia arriba, era un icono simbólico del progreso. Era una visión
del ―futurismo‖. Sin embargo, este edificio era una reminiscencia fiel a la imagen
―historicista‖ de la Torre de Babel, algo que nos remitía al Génesis –según el designio
divino de poblar la tierra de habitantes reunidos en la llanura del Senaar-, después del
Diluvio, cuando decidieron construir aquella célebre torre bíblica: donde Dios
confundió milagrosamente el lenguaje de los constructores de ese vasto monumento
llamado Birs-Nimrud; o un enorme parecido al ―babélico‖ cuadro del holandés
Brueghel llamado también ―Torre de Babel‖. La misma congruencia edificable -era esa
imagen de Tatlin-, que alternaba y friccionaba muy bien -en altivez- con la Torre de
Eiffel (a cuya fastuosidad ―futurista‖ le expresó más tarde su admiración Vladimir
Maiacovski en su poema Conversando con la Torre de Eiffel).

5. Era un edificio que miraba hacia el futuro: la forma del edificio era una “espiral”.
El trabajo de Tatlin no fue solamente construir un icono, una obra monumental, sino
este edificio era para albergar el trabajo de la III Internacional Comunista. Y, aquí, se
puede volver al contenido del termino constructivismo. Hay una opinión –tergiversada-
que los constructivistas son aquellos arquitectos que experimentaban con las
―estructuras‖. La semántica de la palabra ―construcción‖ en ruso no significa
―estructura‖, sino ―edificación‖. El constructivismo esperaba -entonces- con esta
palabra no referida a las ―estructuras‖ sino a las ―edificaciones‖ del mundo, hacer ―un
cambio‖ en el mundo, y generar ciertos procesos sociales de ―cambios‖ a través de la
arquitectura.
El edificio de Tatlin era una
“estructura” que se desarrollaba y se lanzaba hacia el futuro.
El materialismo y el pragmatismo en la obra arquitectónica de Ginzburg es también ―el
último suspiro‖ del constructivismo. Se puede afirmar que Ginzburg fue una de las
figuras más representativas del constructivismo arquitectónico, y se puede decir también
que era el ideólogo. Filosóficamente, el constructivismo era un movimiento cultural que
estaba relacionado con los grupos de arquitectos constructivistas. En la cultura rusa,
espontánea y rigurosamente, o quizá, insólitamente, es ―la regla de oro‖ de la cultura

6. rusa donde se mezclan las cosas que parecen ser muy distintas. Por eso -en el
constructivismo- se mezclan el positivismo con el pragmatismo, el realismo con lo
fantástico, un idealismo insólito con un racionalismo permanente. El constructivismo,
como teoría y agitación cultural, tenía entre sus ―manifiestos‖ una concepción
filosófica, una ideología idealista para transformar el mundo. Los arquitectos
constructivistas se contradecían, pretendían hacerlo con ―métodos‖ muy concretos, con
―postulados‖ y ―teoremas‖, con propuestas matemáticas e ingeneriles, y con teorías muy
pragmáticas.
Era una visión del “futurismo”.
La Asociación de Arquitectos Contemporáneos (OSA) que de manera formal estaba
bajo la dirección de Lissitzky era una organización que presionaba hacia la modernidad,
pero este impulso efectista liquidó un proyecto ―futurista‖ y dió pasó al rígido Plan de
Vivienda. Los constructivistas no estaban solos en el escenario de los años 30, había
otras tendencias. Ginzburg era el iceberg de cierta tendencia ―futurista‖, con sus ideas, y
teniendo como representantes artísticos a los hermanos Vesnian, ellos se aproximaron a
cierto surrealismo. Se acercaron a las formas occidentales de la arquitectura
contemporánea, en este vaivén cultural, expusieron sus concepciones teóricas, y
Lizzitsky fue el predicador de cierto activismo modernizante en el año 32, donde
también destacaron otros arquitectos como Leonidov, Golosov, Melnikov y Ladovsky,
entre otros, de gran aporte conceptual y de ―proyectos‖ que han quedado para la
posteridad en la historia de la arquitectura, y en ―El Constructivismo‖.

7. El constructivismo ruso
fue un buen momento para la historia de la arquitectura.
Estos ―sindicatos‖ de artistas y arquitectos que agitaban , empezaron a ser vistos como
emporios de disconformidad, estas uniones independientes y contestatarias fueron
declarados fuera de la ley, y se creó otro orden administrativo burocrático, una sola y
vertical organización para todos los arquitectos de la Unión Soviética que se llamaba
Unión de Arquitectos de la URSS. Esta fue una de las fórmulas represivas que se
estilaron durante el régimen duro de Stalin, no solamente para controlar e intervenir en
asuntos del oficio de la arquitectura, sino en todas las demás artes, incluidas otras
esferas de la vida espiritual y cultural. Fueron prohibidos los ejercicios de diversas
profesiones, se formaron organizaciones totalitarias que fiscalizaban las actividades
creativas de los arquitectos, pintores, cineastas, músicos y escritores.

8. Estos proyectos “altisonantes” de los constructivistas llamaron mucho la atención
occidental, y está acción “proyectual” .
La idea de unir a todos los arquitectos en una sola asociación nació el año 28, en la
misma Sociedad de Arquitectos, porque existían tantas tendencias y tantas fracciones
que se peleaban entre ellos, y eso distraía la atención de los arquitectos de los problemas
fundamentales e importantes. Los iniciadores de esta nefasta iniciativa, los promotores
de estas ideas unionistas eran –precisamente- los mismos constructivistas y en particular
Guinzburg. No se puede precisar si la OSA., fue un pretexto de los unionistas para
liquidarla y suspenderla, de todas formas, habían condiciones para que hubiera
terminado así clausurada e inutilizada, desde su interior brotaba un sector estalinista,
pro-burócrata, y otro sector: más libre –por lo menos- de las hegemonías políticas. El
burocratismo que propició Stalin, contribuyó a que en la arquitectura se diese la
proliferación de las construcciones prefabricadas, algo que transformó la arquitectura
rusa en monocorde, en una arquitectura de diseño elemental y soso. Los estanilistas
decían que no había recursos para construir, y otros decían que no había arquitectos para
el diseño de la nueva arquitectura, y se justificaba el pre-fabricado. Ahora, mirando
hacia atrás, no es valida ninguna de las dos apreciaciones.

9. “Proyectos” que han quedado para la posteridad en la historia de la arquitectura.
Yo afirmaría, una apreciación de carácter muy personal, que durante el régimen
estalinista, la arquitectura precisamente ha tenido un desarrollo de austeridad que Stalin
como dictador entendía de cierta importancia, era una arquitectura pragmática para con
el pueblo ruso, y por eso se postergaba lo que este llamó ―pomposidad‖ en la
arquitectura rusa. En la época de Stalin, hubo además un desarrollo peculiar -por
supuesto- para la arquitectura. Aún durante el estalinismo, el ser arquitecto era una de
las cosas más prestigiosas de entonces, era algo muy importante, se respetaba mucho el
aporte ―libre‖ de los arquitectos, y creo que la monotonía empezó con más fuerza –
justamente- con la muerte de Stalin. Una tendencia hacia el clasicismo se dio en la
arquitectura rusa durante Stalin y solo ahora hay un nuevo estado de ánimo, y esto es
parte fundamental de esta crisis actual de unidad y de identidad nacional, desde cuando
se da el clasicismo como sistema formal y que llegó a Rusia, desde los tiempos de Pedro
El Grande, y sin embargo, a pesar de que llegó algo tarde: el clasicismo encontró un
terreno fértil para sus hazañas y primores. La idea de la reglamentación era muy típica
para la mentalidad del clasicismo, tanto para la mentalidad imperial como para la
burocrática socialista, que desde entonces, hubo la tendencia de que la arquitectura tenía
que ser muy reglamentada. Por otro lado, las ideas imperiales, no eran propias
solamente al círculo que las rodeaba y las fomentaba, sino que la intelectualidad
izquierdista –también- los apoyaba en una Rusia caótica y muy desordenada. Las ideas
de una organización estricta, las ideas de un ordenamiento total, tenían bastante
atractivo. Y, por eso, se puede decir que el clasicismo en Rusia es algo orgánico para el
espíritu ruso a pesar de que el arte se desarrollaba en ascenso muy libre. Los artistas y
arquitectos en algún momento levantaron ese clasicismo y después lo derrumbaron, sin
embargo, en otras épocas, la apertura fue más romántica, con más intensidad. Inclusive,
en la época de la vanguardia se mantuvo esa intensidad romántica que ha rechazado
completamente toda la influencia histórica occidental, toda herencia. Se puede, hasta

10. hoy, descubrir la utilización de esa intensidad romántica. Yo creo que el clasicismo es
un sistema filosófico libre que pretende armonizar y ordenar el mundo a su manera
perfeccionista. Tiene un futuro kantiano, y va a darse a través de nuevas ideas tanto para
la arquitectura como para otras artes, todavía en el clasicismo anidan principios
democráticos y básicos de la extensa humanidad.
Lizzitsky fue el predicador de cierto activismo modernizante en el año 32.
Ahora, con la oportunidad y la presencia de la ―perestroika‖, con el regreso de la
economía de mercado a Rusia, los arquitectos van a tener que volver y buscar al cliente,
aunque se supone también que desde ciertos sectores de la iniciativa privada se han
organizado e impulsado también algunas cuestiones fundamentales de las nuevas
tendencias en la arquitectura. Por supuesto, que en el futuro, esta nueva forma va a ser
igual que en cualquier otra parte, hay una tendencia a ―internacionalizar‖ los estilos. La
relación entre comprador y vendedor en la arquitectura rusa aún no se define, tan
mercantilmente. Pero la labor del arquitecto es hacer un mundo mejor y nuevo, cada vez
más hermoso, nosotros estamos porque se tenga una visión critica del proceso histórico
del vanguardismo y la arquitectura, se ponga mayor énfasis en lo educativo por parte del
usuario en cualquier clase social, y en donde ―espacio‖ necesite, se edifique con libertad
creativa los nuevos ―diseños‖ de esta arquitectura rusa actual. Teniendo en cuenta, muy
claramente, que el asunto historicista del constructivismo levantó trementadas
expectativas en el lado occidental.

11. Por los caminos de la arquitectura, y el vanguardismo de los años veinte de este
Siglo XX.
Vislumbro en estos momentos de ―la transparencia‖ soviética, de estas reformas de la
―perestroika‖, una situación favorable para superar aspectos dogmáticos, para superar
estancamientos políticos, con las nuevas reformas por parte de todos estos pueblos que
forman parte del estado soviético, y que están en contra del burocratismo, claro está,
mirando las cosas desde afuera. Vislumbro cambios, rechazando revisionismos
trasnochados, si es que estamos preparados para el cambio permanente de las cosas
como querían los constructivistas. Estamos por el lado de revisar desapasionadamente
los diseños y las obras de los arquitectos del constructivismo ruso, y seguro vamos a
encontrar que su aporte sincero está en tener una actitud por el cambio, ellos estaban por
la renovación de los estilos, por democratizar el lenguaje y el mensaje de la gran
edificación que se proyectaba hacia el futuro, y también creo que no fueron muy
comprendidos en su momento de moda que agitaron, sino algo muy tarde todavía, a
partir de la década del setenta, en que empieza esta enorme valoración por sus aportes
desde occidente. Pero el futuro ya pasó, y la ―modernidad‖ de las cosas planteadas
desde ese enorme potencial fantástico de sus proyectos es algo que importa mucho para
el diseño; quedan sus obras edificadas, y por último: un lugar muy especial de prestigio
aun no comprendido en la historia de la arquitectura para el constructivismo ruso.
Marzo 1988.

12. Los vanguardistas rusos lograron una producción espiritual, y los constructivistas
rusos consolidaron “obras” materiales (aunque hoy “piezas” de museos) que son
testimonios –si se hiciera una verdadero rescate valorativo- para una interesante
“revelación cultural” que albergó una autentica “revolución cultural”; reseñaron
para la posteridad una revista de “agitación” y comenzaron a construir sus
“nuevos” proyectos. ----------
*(1) Para una mejor comprensión de estas etapas de ciertos idealismos esteticistas de la
cultura rusa recomendamos investigar en algunos libros y textos siguientes en
castellano: -“Constructivismo”. Varios autores. 376 páginas. Madrid, Comunicación
(Alberto Corazón Editor.), 1973. -“El Nuevo Realismo Plástico” K. Malevitch. 181
páginas. Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor), 1975. -“La Bauhaus”.
Varios autores. 230 páginas. Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor). -“El
sistema de los signos: teoría y práctica del estructuralismo soviético”. Varios
autores. 190 páginas. Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor). -“Formalismo
y Vanguardia”, Sklovski, Eijenbaum, Tinianov. 172 páginas. Segunda Edición.
Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor). -“Cine soviético de vanguardia.
Teoría y lenguaje”, Tinianov, Eisenstein, Dziga Vertov, Nebrodovo. 208 páginas.
Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor). -“La arquitectura del siglo XX:
textos”. Varios autores. 540 páginas. Madrid, Comunicación (Alberto Corazón
Editor). -“Teoría de la historiografía arquitectónica”, R. De Fusco. 220 páginas.
Madrid, Comunicación (Alberto Corazón Editor).

13. Malevitch fue productivamente hablando un gran
teórico.
** (2) El inicio de Malevitch es cubista y llega al futurismo, teoriza y transforma su
accionar tras los acontecimiento de 1915. Deja la pintura para ocuparse en la
arquitectura. Empieza su camino en cierto idealismo que más tarde le abre las puertas
hacia el ―suprematismo‖. Es una figura decisiva en la lucha contra la arquitectura neo-
regionalista rusa, su texto “La arquitectura como afrenta al cemento armado” es
parte de este accionar. Publica otros textos en el Bauhaus en 1927, son ideas nuevas que
han ajustado cuentas con sus otras ideas iniciales, antípodas de aquel entusiasmo por la
revolución, el hombre nuevo, la economía socialista, etc. De ese malestar que acusan las
ideas de Malevitch se configurar el ―suprematismo‖ tal como la historiografía consagra
a este interesante momento: ―Elemento fundamental al suprematismo –dice Malevitch-,
tanto en pintura como en arquitectura, es la liberación de toda tendencia social o
materialista. Toda idea social, por grande y significativa que pueda ser, proviene de la
sensibilidad pictórica o plástica. Ya sería el momento de reconocer de una vez por todas
que los problemas artísticos, de una parte, y los del estomago y la razón, de otra, se
hallan considerablemente separados entre sí‖. Más tarde vendrán las arremetidas
vanguardistas que subyacen finalmente al mismo Malevitch, a Kandisnki, a Mondrian,
sus atributos son muy parecidos. (Del libro: “La modernidad en la arquitectura”).
Arquitectura expresionista
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14. Vista de la fachada occidental de la iglesia de Grundtvig en Dinamarca, uno de los
pocos ejemplos de iglesia expresionista.
La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en
Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo.
El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones vanguardistas en
Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca entre 1910 y 1924.
Posteriormente, se aceptó que la arquitectura expresionista también abarcaba obras
desde el año 1905, y no solamente de esos países, sino también del resto de Europa.
Hoy en día, el sentido del término se considera válido para la arquitectura que,
independientemente del lugar de procedencia y la época de construcción, cumple con
una serie de características como la distorsión, la fragmentación, o la manifestación de
una emoción violenta.
Este estilo tuvo amplias similitudes con lo que hoy podríamos llamar premodernismo,
tanto en el uso de nuevos materiales, como en la innovación formal, suscitada en
ocasiones por el uso de formas biomórficas, o por la ampliación de posibilidades
ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el
acero, o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la Primera Guerra
Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales producto de
la Revolución alemana de 1919, desembocaron en perspectivas utópicas, y un programa
socialista romántico. Las condiciones económicas dieron lugar a una limitación en el
número de construcciones entre 1914 y mediados de los años 20, cuyo resultado fue que
muchas importantes obras expresionistas se quedaron en el papel, como la Architecture
Alpine de Bruno Taut, o el Formspiels de Hermann Finsterlin. Los edificios destinados
a exhibiciones fueron numerosos, alcanzando una cifra significativa durante este
periodo. La escenografía para el teatro y el cine, fue otra gran fuente de imaginación
expresionista.
La arquitectura expresionista ha estado marcada por importantes eventos, como la
exposición del Deutscher Werkbund en Colonia, en el año 1914, la programación teatral
de la Großes Schauspielhaus, o las actividades de la Escuela de Ámsterdam. La Torre
Einstein, de Erich Mendelsohn, ubicada en Potsdam, es el icono de la arquitectura
expresionista. Desde 1925, la mayoría de las principales figuras de la arquitectura
expresionista como Bruno Taut, Hans Poelzig o el propio Erich Mendelsohn, dieron un
giro hacia la Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit), una visión más práctica y
pragmática que huía de la agitación emocional del expresionismo. Sin embargo, todavía
ciertos arquitectos como Hans Scharoun, permanecieron trabajando en un lenguaje
expresionista.

15. No hay que confundir la arquitectura expresionista con un movimiento moderno. La
arquitectura expresionista se dio al mismo tiempo, pero de manera más sutil. Y debido a
lo sencillo que era este movimiento moderno, tomo mucho más fuerza, y con el paso de
los años hizo que lo romántico y subrealista quedara en un plano prácticamente
desconocido. Pero muchísimo más interesante que lo simple del movimiento moderno.
Índice
1 Características
2 Desarrollo
o 2.1 Deutscher Werkbund
o 2.2 Escuela de Ámsterdam
o 2.3 Arbeitsrat für Kunst
o 2.4 Der Ring
o 2.5 Neues Bauen
3 Bibliografía
4 Notas
Características
A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente
de dogmas, se pueden establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro
de las múltiples obras expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las
grandes diferencias que entre ellas hay, también se pueden ver aspectos comunes:
1. Distorsión de las formas para suscitar la emoción.
2. Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a
la experiencia interior.
3. Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.
4. Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración
y representación del concepto más profunda que la construcción misma.
5. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto.
6. Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas,
los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un
carácter más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el
modernismo.
7. Uso del potencial creativo del artesano.
8. Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.
9. Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el
empleo de influencias de culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la
India, o las arquitecturas romana o griega.
10. Concepción artística de la arquitectura.
Desarrollo

16. Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner, Dornach.
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos,
Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales,
suscitado en ocasiones por el uso de formas biomórficas o por la ampliación de
posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el
ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la
Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y
sociales producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas
utópicas y un programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la
influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de
Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y
utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el
empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de
excentricidad.1
Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal
(1914) de Paul Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad y
defiende la sustitución del ladrillo por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de
Cristal de la Exposición de Colonia de 1914, de Bruno Taut, autor que también plasmó
su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919).2 La arquitectura expresionista se
desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für Kunst, Der
Ring y Neues Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe
destacar la Escuela de Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron:
Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin,
Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.
Deutscher Werkbund

17. Pabellón de Cristal para la Exposición de Colonia de 1914, de Bruno Taut.
La Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo) fue el primer movimiento
arquitectónico relacionado con el expresionismo producido en Alemania. Fundada en
Múnich el 9 de octubre de 1907 por Hermann Muthesius, Friedrich Naumann y Karl
Schmidt, incorporó posteriormente a figuras como Walter Gropius, Bruno Taut, Hans
Poelzig, Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert
Niemeyer y Richard Riemerschmidt. Heredera del Jugendstil y de la Sezession vienesa,
e inspirada en el movimiento Arts & Crafts, su objetivo era la integración de
arquitectura, industria y artesanía a través del trabajo profesional, la educación y la
publicidad, así como introducir el diseño arquitectónico en la modernidad y conferirle
un carácter industrial. Las principales características del movimiento fueron el uso de
nuevos materiales como el vidrio y el acero, la importancia del diseño industrial y el
funcionalismo decorativo.3
La Deutscher Werkbund organizó diversas conferencias publicadas posteriormente en
forma de anuarios, como El arte en la industria y el comercio (1913) y El transporte
(1914). Asimismo, en 1914 celebraron una exposición en Colonia que obtuvo un gran
éxito y difusión internacional, destacando el pabellón de vidrio y acero diseñado por
Bruno Taut. El éxito de la exposición provocó un gran auge del movimiento, que pasó
de tener 491 miembros en 1908 a 3000 en 1929.4 Durante la Primera Guerra Mundial
estuvo a punto de desaparecer, pero resurgió en 1919 tras una convención en Stuttgart,
donde fue elegido presidente Hans Poelzig –sustituido en 1921 por Riemerschmidt–.
Durante esos años se produjeron varias controversias sobre si debía primar más el
diseño industrial o el artístico, produciéndose diversas disensiones en el grupo.
En los años 1920 el movimiento derivó del expresionismo y la artesanía al
funcionalismo y la industria, incorporando nuevos miembros como Ludwig Mies van
der Rohe. Se editó una nueva revista, Die Form (1922-1934), que difundió las nuevas
ideas del grupo, centradas en el aspecto social de la arquitectura y en el desarrollo
urbanístico. En 1927 celebraron una nueva exposición en Stuttgart, construyendo una
gran colonia de viviendas, la Weissenhofsiedlung, con diseño de Mies van der Rohe y
edificios construidos por Gropius, Behrens, Poelzig, Taut, etc., junto a arquitectos de
fuera de Alemania como Jacobus Johannes Pieter Oud, Le Corbusier y Victor
Bourgeois. Esta muestra fue uno de los puntos de partida del nuevo estilo arquitectónico
que empezaba a surgir, conocido como estilo internacional o racionalismo. La
Deutscher Werkbund se disolvió en 1934 debido principalmente a la crisis económica y
al nazismo. Su espíritu influyó enormemente en la Bauhaus, e inspiró la fundación de
organismos parecidos en otros países, como Suiza, Austria, Suecia y Gran Bretaña.5
Escuela de Ámsterdam
Paralelamente a la Deutscher Werkbund alemana, entre 1915 y 1930 se desarrolló una
notable escuela arquitectónica de carácter expresionista en Ámsterdam (Países Bajos).
Influidos por el modernismo (principalmente Henry van de Velde y Antoni Gaudí) y por
Hendrik Petrus Berlage, se inspiraron en las formas naturales, con edificios de diseño
imaginativo donde predomina el uso del ladrillo y el hormigón. Sus principales
miembros fueron Michel de Klerk, Pieter Lodewijk Kramer y Johann Melchior Van der
Mey, que trabajaron de forma conjunta infinidad de veces, contribuyendo en gran
manera al desarrollo urbanístico de Ámsterdam, con un estilo orgánico inspirado en la

18. arquitectura tradicional holandesa, destacando las superficies onduladas. Sus principales
obras fueron el Scheepvaarthuis (Van der Mey , 1911-1916) y el Eigen Haard Estate
(De Klerk, 1913-1920).6
Arbeitsrat für Kunst
Torre Einstein (1919-22), de Erich Mendelsohn, Potsdam.
El Arbeitsrat für Kunst (Consejo de trabajadores del arte) fue fundado en 1918 en Berlín
por el arquitecto Bruno Taut y el crítico Adolf Behne. Surgido tras el fin de la Primera
Guerra Mundial, su objetivo era la creación de un grupo de artistas que pudiese influir
en el nuevo gobierno alemán, con vistas a la regeneración de la arquitectura nacional,
con un claro componente utópico. Sus obras destacan por el uso del vidrio y el acero,
así como por las formas imaginativas y cargadas de un intenso misticismo. Enseguida
captaron miembros provenientes de la Deutscher Werkbund, como Walter Gropius,
Erich Mendelsohn, Otto Bartning y Ludwig Hilberseimer, y contaron con la
colaboración de otros artistas, como los pintores Lyonel Feininger, Erich Heckel, Karl
Schmidt-Rottluff, Emil Nolde y Max Pechstein, y los escultores Georg Kolbe, Rudolf
Belling y Gerhard Marcks. Esta variedad se explica porque las aspiraciones del grupo
eran más políticas que artísticas, pretendiendo influir en las decisiones del nuevo
gobierno en torno al arte y la arquitectura. Sin embargo, tras los sucesos de enero de
1919 relacionados con la Liga Espartaquista, el grupo renunció a sus fines políticos,
dedicándose a organizar exposiciones. Taut dimitió como presidente, siendo sustituido
por Gropius, aunque finalmente se disolvieron el 30 de mayo de 1921.7
Der Ring

19. Chilehaus (1923), de Fritz Höger, Hamburgo.Obra simbólica del expresionismo en
ladrillo.
El grupo Der Ring (El círculo) fue fundado en Berlín en 1923 por Bruno Taut, Ludwig
Mies van der Rohe, Peter Behrens, Erich Mendelsohn, Otto Bartning, Hugo Häring y
varios arquitectos más, a los que pronto se añadieron Walter Gropius, Ludwig
Hilberseimer, Hans Scharoun, Ernst May, Hans y Wassili Luckhardt, Adolf Meyer,
Martin Wagner, etc. Su objetivo era, al igual que en los movimientos precedentes,
renovar la arquitectura de su época, poniendo especial énfasis en los aspectos sociales y
urbanísticos, así como en la investigación en nuevos materiales y técnicas de
construcción. Entre 1926 y 1930 desarrollaron una notable labor de construcción de
viviendas sociales en Berlín, con casas que destacan por el aprovechamiento de la luz
natural y su ubicación en zonas verdes, destacando la Hufeisensiedlung (Colonia de la
Herradura, 1925-1930), de Taut y Wagner. Der Ring desapareció en 1933 tras el
advenimiento del nazismo.8
Neues Bauen
Neues Bauen (Nuevo edificio) fue el nombre que se dio en arquitectura a la Nueva
Objetividad, reacción directa a los excesos estilísticos de la arquitectura expresionista y
el cambio en el estado de ánimo nacional, en el que predominaba el componente social
sobre el individual. Arquitectos como Bruno Taut, Erich Mendelsohn y Hans Poelzig se
volvieron hacia el enfoque sencillo, funcional y práctico de la Nueva Objetividad. La
Neues Bauen floreció en el breve período entre la adopción del plan Dawes y el auge del
nazismo, abarcando exposiciones públicas como el Weissenhof Estate, el amplio
planeamiento urbano y proyectos de promociones públicas de Taut y Ernst May, y los
influyentes experimentos de la Bauhaus.
Bibliografía
Dempsey, Amy (2008). Estilos, escuelas y movimientos. Blume, Barcelona.
ISBN 978-84-9801-339-9.

20. Ramírez Domínguez, Juan Antonio (y otros) (1983). Historia del Arte. Anaya,
Madrid. ISBN 84-207-1408-9.
(Véase Expresionismo#Bibliografía)
Arquitectura orgánica
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Casa de la Cascada por Frank Lloyd Wright
La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la
arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.
Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios,
y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y
correlacionada. Los arquitectos Gustav Stickley, Antoni Gaudí, Frank Lloyd Wright,
Alvar Aalto, Louis Sullivan, Bruce Goff, Rudolf Steiner, Bruno Zevi, Hundertwasser,
Samuel Flores Flores, Imre Makovecz y Antón Alberts son los mayores exponentes de
la denominada arquitectura orgánica.
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o
racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los
arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank
Lloyd Wright. El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como
son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la
incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar
algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la
arquitectura.
Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlandia
como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas ideas fundamentales
podrían resumirse de la forma siguiente:
1) Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al
que ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del
arquitecto no debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes,
sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre.

21. 2) Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura
racionalista propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades de
planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas
tetraédricas, en- las que se encajan las necesidades, buscando además con ello
una simplificación estructural y constructiva. Asplund, Aalto y sus escuelas
comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los
movimientos del hombre y llegan a la creación de los espacios que consideran
más indicados, a los que se les proporciona una envolvente apropiada. Las
soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando lugar
normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más
costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el organicismo abandona
uno de los postulados del racionalismo, creando en cambio, cuando es bien
interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los grandes
arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar, y por lo
tanto es más propio hablar de un planteamiento que de un estilo de arquitectura
orgánica. Como obras maestras de la arquitectura orgánica podemos citar la
biblioteca de Viipuri (1930) y el pabellón finlandés en la Exposición de Nueva
York de 1939, ambos de Aalto; la ampliación del Ayuntamiento de Goteborg
(1937) de E. Asplund, y la casa de Taliesin West, en Arizona, de F. Lloyd
Wright.
Índice
1 Definición
2 Evolución
3 Ejemplo
4 Galería de imágenes
5 Véase también
6 Referencias
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
Definición
El término ―arquitectura orgánica‖ fue acuñado por el famoso arquitecto Frank Lloyd
Wright (1867-1959):
Y aquí estoy ante ustedes predicando la arquitectura orgánica, declarando que la
arquitectura orgánica es el ideal moderno y la enseñanza tan necesaria si queremos ver
el conjunto de la vida, y servir ahora al conjunto de la vida, sin anteponer ninguna
"tradición" a la gran TRADICIÓN. No exaltando ninguna forma fija sobre nosotros, sea
pasada, presente o futura, sino exaltando las sencillas leyes del sentido común —o del
super-sentido, si ustedes lo prefieren— que determina la forma por medio de la
naturaleza de los materiales, de la naturaleza del propósito... ¿La forma sigue a la
función? Sí, pero lo que importa más ahora es que la forma y la función son una.
F. L. Wright, Organic Architecture, 19391

22. En 1940 Alvar Aalto expresó la necesidad de que la arquitectura se centre en aspectos
psicológicos, y no sólo en requisitos funcionales o técnicos:
La arquitectura es un fenómeno sintético que incluye prácticamente todos los campos de
la actividad humana... En el último decenio, la arquitectura moderna ha sido funcional
principalmente bajo el aspecto técnico, subrayando sobre todo el punto de vista
económico de la actividad constructiva. Esto ha sido indudablemente útil para la
producción de alojamientos para el hombre, pero ha constituido un proceso demasiado
costoso, si se considera la necesidad de satisfacer otras exigencias humanas... El
funcionalismo técnico no puede pretender ser toda la arquitectura... Si se pudiera
desarrollar la arquitectura paso a paso, comenzando por el aspecto económico y técnico,
y continuando después con las funciones humanas más complejas, entonces el
planteamiento del funcionalismo técnico sería aceptable. Pero esto es imposible. La
arquitectura no sólo cubre todos los campos de la actividad humana, sino que debe ser
también desarrollada simultáneamente en todos esos campos. Si no, tendremos sólo
resultados unilaterales y superficiales... En lugar de combatir la mentalidad racionalista,
la nueva fase de la arquitectura moderna trata de proyectar los métodos racionales desde
el plano técnico al campo humano... La presente fase de la arquitectura es, sin duda,
nueva y tiene la precisa finalidad de resolver problemas en el campo psicológico...
Alvar Aalto2
Evolución
El teórico David Pearson propuso una lista de reglas hacia el diseño de una arquitectura
orgánica. Se conoce como la carta de Gaia para la arquitectura y el diseño orgánicos.
Según Pearson el diseño debe:3
Ser inspirado por la naturaleza y ser sostenible, sano, conservativo, y diverso.
Revelar, como un organismo, el interior de la semilla.
Existir en el ―presente continuo‖ y ―comenzar repetidas veces‖.
Seguir los flujos y ser flexible y adaptable.
Satisfacer las necesidades sociales, físicas, y del espíritu.
―Crecer fuera del sitio‖ y ser único.
Celebrar la juventud, jugar y sorprenderla.
Expresar el ritmo de la música y de la energía de la danza.
Ejemplo
Un ejemplo bien conocido de la arquitectura orgánica es Fallingwater o Casa de la
Cascada de Frank Lloyd Wright, diseñado para la familia de Kaufman en la zona rural
de Pensilvania. Wright tenía muchas opciones para localizar una casa en el amplio solar,
pero eligió colocarla directamente sobre la cascada en el lugar que la familia solía hacer
sus reuniones campestres.
Los pilares de piedra del lugar y vigas cantilever de gran luz componen un edificio
único en medio de un exuberante bosque.
Galería de imágenes

23. Museo Guggenheim NY. F.L. Wright
Skogskyrkogården. Erik Gunnar Asplund
Ayuntamiento de Säynätsalo. Alvar Aalto
Auditorio universitario. Helsinski. Alvar Aalto
Véase también
Arquitectura
Arquitectura sustentable
Referencias
1. ↑ Wright, Frank Lloyd (marzo de 2008). El Futuro de la Arquitectura (3ª
edición). Apóstrofe. pp. 194-195. ISBN 978-84-455-0284-6.
2. ↑ Aalto, Alvar (noviembre 1940). «La Humanización de la Arquitectura». The
Technology Review: pp. 14-16.
3. ↑ Pearson, David (noviembre de 2001). New Organic Architecture: The
Breaking Wave. University of California Press. Consultado el 26-08-2009.
Bibliografía
C. ORTIZ-ECHAGÜE. Estilo Orgánico

24. B. ZEVI, Historia de la Arquitectura moderna, Buenos Aires 1954.
S. GIEDION, Espacio, tiempo y arquitectura, Barcelona 1961.
Enlaces externos
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orgánica.
ADAO - El portal internacional de la Arquitectura orgánica
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Arquitectura regionalista
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La Plaza de España de Sevilla es uno de los mejores ejemplos de arquitectura
regionalista en el Sur de España.
La arquitectura regionalista es una corriente arquitectónica que aparece en España en
un periodo que comprende finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Corre pareja
a otras corrientes historicistas en las que se emplean, a modo de recuerdo evocador,
modelos arquiectónicos del pasado. En muchos casos es entendido como un
historicismo localista.1 Se caracteriza por plasmar arquitectónicamente una
característica estética de un lugar. A comienzos de siglo XX la arquitectura española se
encontraba en pleno debate de elegir un estilo arquitectónico que diera una identidad
nacional. Entre estos debates existían ejemplos de arquitecturas que buscaban
igualmente la identidad de las regiones de España.1 La tendencia dominante de esta
corriente se mostró durante el primer cuarto del siglo XX y finalizó con la Guerra Civil
española.
Índice
1 Historia
2 Expresiones Regionalistas
3 Referencias
4 Véase también

25. Historia
La idea era la de plasmar arquitectónicamente la esencia artística de las regiones. Uno
de sus promotores iniciales fue el arquitecto e historiador de la arquitectura Vicente
Lampérez y Romea, presidente de la Academia de Arquitectos Españaoles.2 Surge como
rechazo al modernismo arquitectónico. La acepción tuvo diferente difusión en las
regiones españolas. En cada caso se adoptan estilos populares arquitectónicos, bien sea
inspirándose en la estética lugareña o regional (bien sea en el estilo constructivo como
en el la ornamentación), bien sea mediante el empleo de los materiales constructivos. La
Exposición Universal de París de 1900 expuso en el Pabellón Español (diseñado por
José Urioste) lo que sería un primer intento nacional de marcar una tendencia
estilística.3 Dando lugar a un neoplateresco inspirado en elementos constructivos de
palacios salmantinos.
Alcanza su punto álgido en la exposiciones intenacionales de 1929: la exposición
Iberoamericana de Sevilla,4 y la internacional de Barcelona.5 El primero dio lugar a un
ensalzamiento del regionalismo historicista en Andalucía, así como de otras regiones
españolas.
Expresiones Regionalistas
Como cabe pensar cada una de las corrientes regionalistas tuvo un desarrollo particular
en cada región. En cada uno de los casos se establecen precursores y detractores:
Andalucía - Es muy importante el regionalismo historicista en Andalucía. En
este caso su adhesión al neomudejar, al empleo de azulejos en la decoración de
sus fachadas.
Cantabria - A finales del XIX y comienzos del XX tuvo numerosas
manifestaciones regionalistas.6 Siendo su máximo exponente Leonardo
Rucabado y Aníbal González.
Referencias
1. ↑ a b José Andrés Gallego, (1982), Revolución y restauración, 1868-1931, Ed.
Rialp, Volumen 1, pág. 173
2. ↑ En sus artículos "Desde Madrid" publicados en la revista "Arquitectura y
Construcción".
3. ↑ Bueno Fidel, Mª José (1979). Universidad de Maĺaga. ed. Arquitectura y
nacionalismo: (pabellones españoles en las exposiciones universales del siglo
XIX) (primera edición). Málaga: Colegio de Arquitectos. pp. 93-102.
4. ↑ Cabeza Méndez, José María (2004). La Exposición Iberoamericana de Sevilla
y los aparejadores. Sevilla: Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos
Técnicos de Sevilla. ISBN 84-95278-58-8
5. ↑ Rodolfo Ucha Donate, Bernardo Giner de los Ríos, (1980), 50 años de
arquitectura española, Adir, pág. 222-225
6. ↑ Rodriguez Llera, R.: Arquitectura regionalista y de lo pintoresco en Santander
(1900-1950)
Mundiales en la actualidad

26. Arquitectura postmoderna
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Torre Jin Mao visto desde el Shanghai World Financial Center SWFC
La Arquitectura postmoderna es una tendencia que se inicia en los años 1950, y
comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970, continuando su influencia
hasta la arquitectura de nuestros días. El postmodernismo se dice que está anunciado
por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en
respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno.
Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más
pronunciadas y visibles del postmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las
formas y espacios funcionales y formalizados del estilo modernista se sustituyen por
diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por sí misma y abundan las
nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los
arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos
arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de construcción,
que habían sido abandonados por el estilo moderno.
Ejemplos de influencias a gran escala en la arquitectura postmoderna son el Edificio
Portland de Michael Graves en Portland (Oregón), y el Edificio Sony (originalmente
Edificio AT&T ) de Philip Johnson, en la Ciudad de Nueva York, que toman prestados
elementos y referencias del pasado y vuelven a introducir el color y el simbolismo de la
arquitectura.
La arquitectura postmoderna también es definida como "neoecléctica" donde la
referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución de los estilos agresivos
modernos sin ornamentos. Este eclecticismo se combina frecuentemente con el uso de
ángulos no ortogonales y superficies inusuales. Las más destacadas en estos aspectos
son la Nueva Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y la Piazza d'Italia de
Charles Willard Moore. El Edificio del Parlamento de Escocia en Edimburgo también
se han citado como de moda posmoderna.

27. Arquitectos modernistas pueden considerar a los edificios posmodernos como vulgares,
asociado con una ética populista, y compartiendo los elementos del diseño de centros
comerciales, horadados por "chucherías". Arquitectos posmodernos pueden considerar
muchos edificios modernos, como desalmados y ligeros, demasiado simplistas y
abstractos. Este contraste se ejemplifica en la yuxtaposición de los "blancos" contra los
"grises", en el que los "blancos" estaban buscando para continuar (o revivir) la tradición
modernista del purismo y la claridad, mientras que los "grises" fueron adoptando a una
visión cultural más polifacética, visto en la declaración de Robert Venturi donde
rechazaba la visión del mundo modernista del "blanco o negro" y estando a favor del
"blanco y negro y a veces, gris." La divergencia de opiniones se reduce a una diferencia
de goles: el modernismo se basa en un uso mínimo y veraz del material, así como la
ausencia de ornamento, mientras que el postmodernismo es un rechazo de las normas
estrictas establecidas por los primeros modernistas y busca el significado y la expresión
en el uso de técnicas de construcción, formas, y referencias estilísticas.
Una de las formas de construcción que caracteriza explícitamente a la posmodernidad es
el tradicional tejado a dos aguas, en lugar de una azotea plana ícono de la modernidad.
Derramar el agua lejos del centro del edificio, debido a la forma del techo, siempre
cumplió con un objetivo funcional en los climas lluviosos y nivales, y era una manera
lógica para conseguir grandes tramos con elementos estructurales más cortos, sin
embargo, era relativamente raro en las casas modernas. (Estos fueron, después de todo,
"máquinas para vivir", según Le Corbusier, y las máquinas no suelen tener techos a dos
aguas.) Sin Embargo, las raices modernistas propias del postmodernismo aparecen en
algunos de los ejemplos notables de techos "recuperados". Por ejemplo la Vanna
Venturi House de Robert Venturi, rompe el tejado en el medio, negando la
funcionalidad de la forma, y el 1001 de la Quinta Avenida en Manhattan que anuncia
una forma de techo abuhardillado evidentemente plano, con frente falso. Otra
alternativa para los techos planos de la modernidad sería exagerar un techo tradicional
para llamar la atención incluso más a esta, como la Academia Estadounidense de las
Artes y las Ciencias de Kallmann McKinnell & Wood en Cambridge, Massachusetts,
teniendo tres niveles de techo bajo a cuatro aguas constituyendose uno encima de otro
para una declaración enfática de refugio.
Índice
1 Relación con estilos anteriores
2 Raices del postmodernismo
3 Robert Venturi
4 Objetivos y características
5 Arquitectos influyentes
6 Cambio de las pedagogías
7 Véase también
8 Enlaces externos
Relación con estilos anteriores

28. Biblioteca Pública de San Antonio, Texas
Antiguo símbolo ruyi adorna el Taipei 101 (Taiwan)
Las nuevas tendencias se hicieron evidentes en el último cuarto del siglo XX, ya que
algunos arquitectos comenzaron a alejarse del funcionalismo moderno que ellos
consideraban aburrido, y que una parte del público consideró poco acogedor y
desagradable incluso. Estos arquitectos se volvieron hacia el pasado, citando aspectos
anteriores de varios edificios y fusionandolos a todos estos (incluso a veces de manera
inarmónica) para crear un nuevo medio de diseño edificios. Un claro ejemplo de este
nuevo enfoque fue que el posmodernismo vio el retorno de las columnas y otros
elementos de diseños premodernos, a veces la adaptación de clásicos ejemplos griegos y
romanos (pero no simplemente recrearlos, como se hizo en la arquitectura neoclásica).
En el modernismo, la columna tradicional (como una característica de diseño) fue
tratada como una forma de tubo cilíndrico, sustituido por otros medios tecnológicos
tales como ménsulas, o enmascarados completamente por el muro cortina en la fachada.
El resurgimiento de la columna fue estético, en lugar de una necesidad tecnológica.
Rascacielos modernistas se habían convertido en la mayoría de los casos monolíticos,
rechazando el concepto de un montón de elementos del diseño por un solo vocabulario
desde el suelo hasta la cima, en los casos más extremos, incluso usando una constante
"huella" (sin reducción gradual o diseño "pastel de bodas"), con la construcción a veces
incluso sugiere la posibilidad de una única extrusión metálica directamente desde la
tierra, sobre todo mediante la eliminación de los elementos visuales horizontales. Esto
fue visto más estrictamente en los edificios de Minoru Yamasaki del World Trade
Center.
Otro cambio fue el de "el ingenio, el ornamento y la referencia" que se ve en los
edificios antiguos en fachadas decorativas de terracota y adornos de bronce o acero
inoxidable de los períodos Beaux-Arts y Art-Deco. En las estructuras postmodernas esto
se logró con frecuencia mediante la colocación de citas contradictorias de estilos de
construcción anteriores una al lado de la otra, e incluso la incorporación de referencias
estilísticas mobiliarias a una escala enorme.
El contextualismo, una tendencia del pensamiento aparecida al final del siglo XX,
influye en las ideologías del movimiento posmoderno en general. El contextualismo se

29. centra en la creencia de que todo conocimiento es "sensible al contexto". Esta idea fue
tomada, incluso más allá, al decir que el conocimiento no puede entenderse sin tener en
cuenta su contexto. Aunque los ejemplos notables de la arquitectura moderna respondía
sutil y directamente a su contexto físico (analizados por Thomas Schumacher en "El
contextualismo: Los ideales urbanos y deformaciones", y por Colin Rowe y Fred
Koetter en Collage City), la arquitectura posmoderna con frecuencia se dirigió al
contexto en términos de los materiales, formas y detalles de los edificios a su alrededor-
el contexto cultural. El término "contextualismo" en sí es una amalgama de las palabras
"contexto" y "textura".
Raices del postmodernismo
El interior de la Basílica de Nuestra Señora de Lichen claramente se basa en formas
clásicas de la arquitectura de iglesia de Europa Occidental.
El movimiento postmodernista comenzó en Estados Unidos alrededor de los años 1960
y 1970, luego extendiéndose a Europa y el resto del mundo, siguiendo activo hasta el
presente. Según Charles Jencks el fin simbólico del modernismo y el transito al
posmodernismo se produjo a las 15:32 del 15 de julio de 1972, cuando el complejo
habitacional Pruitt-Igoe en St. Louis (una version premiada de la "maquina para la vida
moderna" de Le Corbusier) fue dinamitada por considerárselo un lugar inhabitable. Los
objetivos de la posmodernidad o modernismo tardío comienza con su reacción al
modernismo, intentando abordar las limitaciones de su predecesor. La lista de objetivos
se amplía para incluir la comunicación de ideas con el público a menudo de manera
humorística o ingeniosa. A menudo, la comunicación se realiza al citar extensamente
pasados estilos arquitectónicos, a veces muchos de estos a la vez. Desprendiéndose del
modernismo, también se esfuerza para construir edificios que son sensibles al contexto
dentro del cual están construidos.
El postmodernismo tiene su origen en la carencia constatada de la arquitectura moderna.
Su preocupación por el funcionalismo y la construcción económica significó que los
ornamentos fueran eliminados y los edificios estaban cubiertos con un aspecto racional
y austero. Muchos consideraron a las construcciones no para satisfacer la necesidad
humana para la comodidad tanto para el cuerpo como para la vista, ese modernismo no
tuvo en cuenta el deseo de belleza. El problema se agravó cuando algunos bloques de
apartamentos que ya monótonos se degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los
arquitectos buscaron reintroducir el ornamento, el color, la decoración y la escala
humana a los edificios. La forma ya no se define únicamente por sus requisitos
funcionales o mínima apariencia.
Robert Venturi
Robert Venturi, estuvo a la vanguardia de este movimiento. Su libro, Complejidad y
contradicción en la arquitectura (publicado en 1966), jugó un papel decisivo en la

30. apertura de los ojos de los lectores para la obtención de nuevas formas de pensamiento
sobre las construcciones, ya que extrajo de la historia entera de la arquitectura, tanto de
gran estilo y vernácula (ambos históricos y modernos) y arremetió contra el
modernismo funcional demasiado simplista. El alejamiento del funcionalismo del
modernismo está bien ilustrado por la adaptación de Venturi de la famosa máxima de
Mies van der Rohe "menos es más" a "Menos es más aburrido". El libro incluye una
serie de diseños propios del arquitecto en la parte final incluyendo esctructuras tales
como el Guild House, en Filadelfia, que se convirtieron en iconos más importantes del
posmodernismo. Él trató de traer de vuelta el ornamentoa causa de su necesidad. Él
explica esto y su crítica del Modernismo en su Complejidad y Contradicción en la
Arquitectura al decir que:
Los arquitectos pueden lamentarse o tratar de hacer caso omiso de ellos (refiriéndose a
los elementos ornamentales y decorativos en las construcciones), o incluso tratar de
eliminarlos, pero no van a desaparecer. O que no desaparecerán por mucho tiempo,
porque los arquitectos no tienen la facultad de reemplazarlos (ni saben por cual cosa
sustituirlos)
.
El segundo libro de Venturi, Aprendiendo de Las Vegas (1972) desarrolló aún más su
opinión acerca de la modernidad. Co-autor junto a su esposa, Denise Scott Brown y
Steven Izenour, Aprendiendo de Las Vegas sostiene que los elementos ornamentales y
decorativos "acomodan las necesidades existentes para la variedad y la comunicación".
Alex Todorow en uno de sus ensayos, Una perspectiva desde el Campidoglio, a tal
efecto cuando dice que:
Cuando [él] era joven, una forma segura de distinguir entre grandes arquitectos fue a
través de la consistencia y la originalidad de su trabajo... Este ya no debería ser el caso.
Cuando la fuerza de los maestros modernos estaba establecida en la consistencia, la
nuestra debería recaer en la diversidad.
El posmodernismo, con su diversidad posee sensibilidad al contexto del edificio y su
historia, y las necesidades del cliente. Los arquitectos posmodernos menudo consideran
los requisitos generales de los edificios urbanos y sus alrededores durante el diseño del
edificio. En la obra de Frank Gehry, Venice Beach House, las casas vecinas tienen un
similar color mate brillante. Esta sensibilidad vernácula es a menudo evidente, pero
otras veces los diseños responden a los grandes estilos vecinos. El museo Arthur M.
Sackler de James Stirling en la Universidad de Harvard cuenta con una esquina
redondeada y los patrones de rayas de ladrillos que se relacionan con la forma y la
decoración de la Sala Conmemorativa policromática victoriana al cruzar la calle, aunque
en ninguno de los casos es la imitación de elementos o historicismo.
Objetivos y características
Los objetivos de la posmodernidad, incluyen la resolución de los problemas del
Modernismo, la comunicación de los significados con ambigüedad, y la sensibilidad
para el contexto del la construcción, están sorprendentemente unidos por un período de
edificios proyectados por arquitectos que nunca colaboraron en gran medida entre sí.
Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden

31. ser ilustradas por los diversos edificios creados durante el movimiento. Las
características del postmodernismo permite su propósito de ser expresado de diversas
maneras. Estas características incluyen el uso de formas esculturales, adornos,
antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un trampantojo. Estas características
del significado son el pluralismo, la doble codificación, los arbotantes y los techos altos,
la ironía y la paradoja, y el contextualismo.
Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con mucho ardor.
Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de Hans Hollein. El edificio se
compone de unidades de construcción diversas, todas muy diferentes. Las formas de
cada edificio no son como las que conforman rígidas el modernismo. Estas formas son
esculturales y son un poco juguetonas. Las mismas no se reducen a un mínimo absoluto,
sino que se construyen y se forman por sí mismas. Las unidades de construcción
encajan entre sí de una manera muy orgánica, que realza el efecto de las formas.
Después de muchos años de abandono, el ornamento retorna. La Venice Beach house de
Frank Gehry construida en 1986, está llena de pequeños detalles ornamentales que se
han considerado excesivos e innecesarios en el modernismo. La Venice Beach House
cuenta con un conjunto de troncos circulares existentes principalmente para la
decoración. Los troncos en la parte superior tienen un propósito menor de sostener los
cubre ventanas. Sin embargo, el mero hecho de que podría haber sido sustituido por un
clavo prácticamente invisible, hace que su existencia principalmente ornamental. El
ornamento en el Edificio de Servicios Municipales de Portland (Edificio Portland)
(1980) es aún más prominente. Las dos formas triangulares impulsadas hacia afuera son
principalmente ornamentales. Existen por razones estéticas o de objetivo propio. El
posmodernismo, con su sensibilidad al contexto de la construcción no excluye las
necesidades de los seres humanos con respecto a la construcción. El Cementerio Brion
(1970-72) de Carlo Scarpa ejemplifica esto. La necesidades de recursos humanos de un
cementerio es que posee un carácter solemne, sin embargo, no debe hacer que el
visitante se deprimen. El cementerio de Scarpa logra el estado de ánimo solemne con
los colores desvaídos de gris de las paredes y las formas perfectamente definidas, pero
la hierba de color verde brillante impide que esto sea demasiado abrumador.
Construcciones posmodernas en ocasiones utilizan trampantojos, creando la ilusión de
espacio o de profundidad donde no existen realmente, como se ha hecho por los pintores
desde los romanos. El edificio Portland (1980) tiene pilares representados en el lado del
edificio que hasta cierto punto parecen ser reales, pero no lo son.
El museo de arte Hood (1981–1983) cuenta con una típica fachada simétrica, que fue en
el momento prevalente en todo los edificios posmodernos.
La Vanna Venturi House (1962–64) de Robert Venturi ilustra el objetivo
postmodernista de comunicar un significado y las características de simbolismo. La
fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa, mirando hacia atrás al
siglo XVIII. Esto se consigue en parte mediante el uso de simetría y el arco sobre la
entrada.
Quizás el mejor ejemplo irónico en las construcciones postmodernas es la Piazza d'Italia
(1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) los elementos del
Renacimiento italiano y de la Antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con una

32. torcedura. La ironía llega cuando se observa que los pilares están cubiertos con acero.
También es paradójico en la forma en que cita a la antigüedad italiana lejos de la
original de Nueva Orleans.
La codificación doble da significado a las construcciones de transmitir significados de
manera simultánea. El Edificio Sony en Nueva York hace esto muy bien. El edificio es
un rascacielos que lleva consigo connotaciones de una tecnología muy moderna. Sin
embargo, la parte superior contradice esto. La sección superior transmite los elementos
de la antigüedad clásica. Esta doble codificación es un rasgo predominante de la
posmodernidad.
Las características de la posmodernidad se unificaron en lugar teniendo en cuenta sus
diversas apariciones. El más notable entre sus características son sus lúdicas formas
extravagantes y el humor de los significados que se transmiten en las edificaciones.
Arquitectos influyentes
Algunos de los arquitectos más conocidos e influyentes en el estilo posmoderno son los
siguientes:
Aldo Rossi Charles Moore
Barbara Bielecka Boris Podrecca
Ricardo Bofill Cesar Pelli
John Burgee Paolo Portoghesi
Terry Farrell Antoine Predock
Michael Graves Tomás Taveira
Helmut Jahn Robert A.M. Stern
Jon Jerde James Stirling
Philip Johnson Robert Venturi
Ricardo Legorreta Peter Eisenman
Frank Gehry Mario Botta
Arquitectura Minimalista
23-feb-2011
Olimpia Callejas
21:21 Tadao Ando for Miyake - roryrory
Minimalismo en la arquitectura es la tendencia de reducir a lo esencial en cuanto a
elementos constructivos y con ellos dar mayor intensidad emociocional.
El minimalismo en la arquitectura se basa en la simplicidad de las formas, es la
tendencia de reducir a lo esencial, sin elementos decorativos sobrantes, para así
sobresalir por su geometría y su limpieza. Es la línea recta, el color natural en los

33. materiales, las texturas, la funcionalidad y la espacialidad que te envuelve por si solo, es
la luz, el entorno.
El origen del minimalismo en la Arquitectura
El Arquitecto Ludwig Mies Van Der Rohe tenia como base un concepto de formas
puras y simples en sus creaciones ( las cuales son la esencia del minimalismo ), durante
el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus en
Alemania, a finales de los años 30.
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Años más tarde, después de la Segunda Guerra Mundial emigra a Estados Unidos, país
en el cual ya era conocido por su gran trayectoria y proyectos realizados. Adquiere la
nacionalidad americana.
Su visión del racionalismo y posteriormente del funcionalismo es aun punto de partida
para profesionales hasta nuestros días. Se podría resumir su influencia en una frase que
él mismo dictó y que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la
primera mitad del siglo XX: " menos es más ", de ahi el minimalismo en la arquitectura
es la tendencia de reducir a lo esencial en cuanto a elementos constructivos y con ellos
transmitir mayor intensidad emociocional en cada proyecto.
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Arquitectura minimalista en la actualidad
El arquitecto japonés Tadao Ando es uno de los máximos representantes de ésta
corriente arquitectónica, teniendo influencia del Arquitecto Ludwig Mies Van Der
Rohe, su pensamiento esta basado en la construcción de formas geométricas simples,
como él mismo dice: " Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra
éste doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de
que pueda dotársela ".
Para el arquitecto Tadao Ando la naturaleza juega un papel muy importante
incorporándola siempre en un primer plano dentro de sus proyectos, de esa manera su
obra siempre es rica en espacios armónicos, muy diferentes al caos que muchas veces se
presenta en las ciudades.
La Arquitectura es arte, es técnica para proyectar y así construir edificios que forman
nuestro entorno, el minimalismo es una de las muchas opciones que tenemos para

34. proyectar y construir, es una propuesta interesante que a pesar que ya tiene varios años
que inicio, es posible que sea vigente por muchos años más.
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Minimalismo
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El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya
sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción
transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo
(minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los
grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y
necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este
significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir
minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico
Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros
objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de
manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp.
Índice
1 Cultura
2 Escultura y Pintura minimalista
3 Diseño minimalista
4 Música minimalista
5 Véase también
6 Enlaces externos
Cultura

35. Piet Mondrian, Ilustración realizada en el estilo neoplasticista.
La reconstrucción del Pabellón Alemán de Ludwig Mies van der Rohe en Barcelona
Bastidores de bicicletas en Hamburgo, 2008
Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior
a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.
Según la última versión del diccionario de la Real Academia Española (RAE), el
minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como
colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales,etc.
Características:
Abstracción
Economía de lenguaje y medios
Producción y estandarización industrial
Uso literal de los materiales

36. Austeridad con ausencia de ornamentos
Purismo estructural y funcional
Orden
Geometría elemental rectilínea
Precisión en los acabados
Reducción y síntesis
Sencillez
Concentración
Protagonismo de las fachadas
Desmaterialización
Escultura y Pintura minimalista
El minimalismo se desarrolló en el campo de la escultura cuyos representantes
principales son: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La
pintura minimalista tiene influencias del constructivismo y sobre todo del planteamiento
reduccionista de Ad Reinhardt. Algunos pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold,
Agnes Martin.
Diseño minimalista
El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la
arquitectura, donde la estructura se reduce a sus elementos necesarios. El diseño
minimalista ha sido muy influenciado por el diseño tradicional japonés y la arquitectura.
Además, los trabajos de los artistas de De Stijl es una importante fuente de referencia
para este tipo de trabajo. De Stijl ha ampliado las ideas que se podría expresar mediante
el uso de elementos básicos tales como líneas y planos organizada de manera muy
particular.
Se puede igualmente hablar de una arquitectura minimalista visible en la obra de, por
ejemplo: John Pawson, Souto de Moura, Tadao Ando, Hiroshi Naito o Rudi Riccioti.
Música minimalista
Artículo principal: Minimal.
En el mundo de la música, en los 35 últimos años, el término minimalismo se aplica a
veces a la música que muestra alguna de las características siguientes (o todas):
Repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un
período largo de tiempo;
Éctasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos
largos;
Énfasis en una armonía tonal;
Un pulso constante.
La primera composición que se considera minimalista fue la obra de 1964 In C, de
Terry Riley, a la que siguieron, en la década de 1970 las obras de Steve Reich y Philip
Glass entre otros. Sin embargo se atribuye el empleo, por primera vez, del término
música minimalista a Michael Nyman ,quien en un artículo en The Spectator en 1968,

37. se lo aplicaba al compositor inglés Cornelius Cardew. La música minimalista puede
sonar a veces similar a diferentes formas de música electrónica (e.g. Basic Channel), así
como a algunas composiciones basadas en la textura, como alguna de las obras de
Gyorgy Ligeti. A veces el resultado final es similar, pero el procedimiento de
acercamiento no lo es. También se habla de techno minimal, un género secundario de la
música de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido entrecortado, un compás
rítmico de 4/4 simple (generalmente, alrededor de 120-135 BPM), una repetición de
bucles cortos, y cambios sutiles.
Algunos de los compositores que frecuentemente se asocian con este movimiento son:
Arvo Pärt.
Brian Eno.
Henryk Górecki.
Cornelius Cardew.
Philip Glass.
Steve Reich.
La Monte Young.
Ludovico Einaudi.
Yann Tiersen
Michael Nyman.
Stefano Ianne.
Tony Conrad.
Pauline Oliveros.
John Coolidge Adams.
Moby.
Wim Mertens.
Mike Oldfield.
Sigur Ros.
James Blake.
Daft Punk.
Arquitectura high-tech
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38. La Sede central del HSBC (Hong Kong) de Norman Foster, es un ejemplo de
arquitectura High Tech.
El high-tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los
años setenta. Toma su nombre del libro: The Industrial Style and Source Book for The
Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin. El libro muestra abundantes
ejemplos de obras donde priman los materiales industrializados particularmente
utilizados en techos, pisos y muros.
Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de
cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del
Movimiento Moderno; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en la
innovación y la tecnología. Este período hace de puente entre el Movimiento Moderno y
el Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite
claro entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo
que agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de darle una
fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente.
Había una desilusión creciente en la arquitectura moderna sobre el progreso y evolución
de dicho estilo. La concreción de los proyectos de desarrollo urbano propuestos por Le
Corbusier, condujo a una ciudad terriblemente monótona. Más cuando eran realizados
en forma estandarizada. El entusiasmo por la construcción de edificios económicos
condujo a la concreción de edificios con calidad de terminaciones extremadamente
bajas. Muchos de los barrios residenciales diseñados degeneraron en sitios donde
reinaba la disgregación social, la violencia y la delincuencia a lo largo del mundo.
Como consecuencia la gente se desilusiona respecto de la imagen de progreso que se le

39. proponía y en el mundo occidental comenzó a reconocerse el error que se había
cometido.
De cualquier forma el desarrollo de la Arquitectura Moderna prevaleció y la sociedad se
apropió de la estética moderna. Tomó además elementos del Movimiento Metabolista
de los ´60 donde la tecnología llegaba al extremo de imaginar edificios y ciudades de
Ciencia ficción. En estas ideas destacaron el grupo Archigram y arquitectos japoneses
enrolados en el Metabolismo, como Kenzō Tange, Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa
y otros. Esto era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y
flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El High Tech es una
respuesta a esto y crea una estética muy nueva: glorificando la fascinación por la
continua innovación tecnológica.
Índice
1 Objetivos
2 Características
3 La función
4 Su evolución
5 Enlaces externos
6 Bibliografía
7 Galería imágenes
8 Ver además
Objetivos
La arquitectura High Tech se basa en muchos temas propios de la Arquitectura
Moderna, de los cuales se apropió reelaborando y desarrollando en base a las últimas
tendencias. Los objetivos principales de la arquitectura High Tech consiste en un juego
creativo de crear cualquier cosa nueva evidenciando la complejidad de la técnica.
La arquitectura moderna se esforzó en rebelarse contra los cánones establecidos para
crear una nueva estética. La arquitectura High Tech continúa esa actitud de rebeldía. En
el libro: "High-Tech: The Industrial Style and Source Book for The Home", Joan Kron y
Suzanne Slesin discuten acerca de la estética High Tech, donde utilizan expresiones
enfáticas como "...your parents might find insulting..." (NDT: es probable que tus
padres lo encuentren insultante). Este espíritu demuestra adecuadamente la actitud
rebelde.
Kron y Slesin fueron mucho más adelante (cuando acuñaron el nombre del movimiento
en el libro) explicando el término High Tech como aquel utilizado en los círculos
arquitectónicos para describir un número siempre mayor de viviendas y edificios
públicos con aspecto crudamente tecnológico (NDT: "nuts-and-bolts-exposed-pipes
technological look"). De todas formas High Tech ha sido un referente en la actual
arquitectura moderna, como es el ejemplo de la torre Agbar en Barcelona.
Características

40. Las características principales de la arquitectura High Tech son muy variadas,
incluyendo la exposición de componentes técnicos y funcionales de la construcción, una
disposición relativamente ordenada y un uso frecuente de componentes prefabricados.
Las paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en este estilo. Estas
características unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en algunos aspectos,
implicó la base del fundamento estético de las construcciones.
En lo que respecta al diseño interior había una preferencia por utilizar objetos familiares
a la industria; por ejemplo: recipientes usados en la industria química como jarrones
para flores. Esto porque el objetivo era el uso de la estética industrial. Objetivo que
brindara a la gente una familiaridad entre el espacio de trabajo industrial y el lugar
donde viviría o se entretendría. El movimiento buscó dar a todo una apariencia
industrial.
Es importante remarcar que los elementos técnicos mostrados para generar la estética
industrial no eran solamente a los fines estéticos sino a los funcionales. Responden a
una exigencia proyectual resolviendo problemas de diseño. Son solamente funciones,
aquellas que eran reelaboraciones del funcionalismo del Movimiento Moderno. Todavía
los elementos industriales mantienen en parte una apariencia y un objetivo funcional.
La función
Previo al Movimiento Moderno las funciones del edificio se encontraban ocultas y a
posteriori se destacaban formalmente las funciones y usos y se priorizaba la flexibilidad.
Esta flexibilidad significa que el edificio debe ser un catalizador de actividades y los
servicios técnicos deben ser propuestos y estar claramente definidos. El Centro
Pompidou en París de Piano & Rogers es un ejemplo completo del estilo High Tech. La
estructura portante, los conductos de ventilación y aire acondicionado, la escalera
mecánica, los transformadores; todo a la vista. En su momento fue completamente
revolucionario, ya que los conductos de ventilación que precedentemente estaban
ocultos ahora están a la vista.
Otro aspecto de la arquitectura High Tech es la renovada confianza en que con
tecnología se podía mejorar al mundo. Esto es particularmente evidente en el proyecto
de construcciones técnicamente sofisticadas de Kenzō Tange realizadas y/o proyectadas
en Japón durante el boom edilicio de los años sesenta. Pocos de esos proyectos fueron
realmente transformados en edificios.
En los años ochenta la High Tech evoluciona formalmente hasta hacerla difícil de
distinguir del resto de la Arquitectura Postmoderna. Muchos de sus temas e ideas fueron
absorbidos en el lenguaje de las otras corrientes arquitectónicas postmodernas y la
distinción cesó.
Los edificios fueron construidos principalmente en Europa y Norte América. Después
de la destrucción de muchos edificios significativos en Europa durante la Segunda
Guerra Mundial, reconstruirlos era muy problemático. Los arquitectos debieron decidir
si replicar los modelos históricos o sustituirlos con materiales modernos y nueva
estética.

41. La innovación científica y tecnológica en los años setenta provocaron un gran impacto
en la sociedad. Sobreexcitados por la carrera espacial y la llegada del hombre a la luna
por Neil Armstrong en 1969, junto a la exasperante innovación de la tecnología militar.
Estos desarrollos insinuaron en la mente de las personas que todo podría ser
solucionado con el avance y desarrollo tecnológico. Los instrumentos tecnológicos
comenzaron a ser comunes para toda la sociedad y esto generó una aceptación de optar
por instalaciones, estructuras portantes y cubiertas a la vista. Estas construcciones High
Tech fueron cada día más visibles para el hombre medio. Este desarrolló un amor por la
tecnología mostrada por la Arquitectura High Tech.
Su evolución
Con la crisis del petróleo de 1973, muchos de estos edificios se volvieron imposibles de
mantener por el alto uso de materiales metálicos y vidrio que no solo implicaron en un
veloz envejecimiento sino en un enorme gasto energético. El Centro Pompidou que
fuera reconocido como un exponente de la nueva tendencia rápidamente mutó en el
ejemplo de lo que no debía hacerse. Los principales hacedores del High Tech Foster [1],
Rogers, Piano, Thomas Herzog, Francoise-Hélène Jourda y Gilles Perroudin decidieron
refundar el High Tech para hacer frente a los nuevos problemas que comenzaron a
agobiar a la humanidad a principios de los 90. Para esto en 1993 durante la Conferencia
Internacional de Florencia sobre la energía solar en la arquitectura y el urbanismo
fundan el grupo READ que recibe apoyo de la Comunidad Europea.
Entre los fines de READ se encontraba la profundización del uso de las energías
renovables en la construcción. Así comienzan a proponerse ideas proyecto más
amigables con el medio ambiente donde entre los primeros exponentes de lo que hoy se
denomina Arquitectura sustentable fueron el edificio Commerzbank en Fráncfort del
Meno de Foster y el Centro Cultural Mont Cenis de Jourda & Perraudin hacia fines de
los 90. Estos fueron considerados los primeros Eco-tech como evolución del
movimiento High-tech en lo que actualmente se denomina Arquitectura sustentable.
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Arquitectura
high-tech.
Estilo High-tech (en inglés) [2]
Sobre Marina Waisman y las Vanguardias arquitectónicas [3]
La tecnología casa pasiva y su potencial impacto para la regeneración urbana del
nordeste de Inglaterra (en inglés) [4]
Bibliografía
Gauzine-Müller Dominique. Arquitectura ecológica. 29 ejemplos europeos.
Editorial Gustavo Gili. ISBN 84-252-1918-3
Sede de la Fundación Caixa Galicia en A Coruña Obra de Sir Nicholas
Grimshawn. ISBN: 978-84-96494-97-8
Galería imágenes

42. Torre Sears de Skidmore, Owings and Merrill (SOM), Chicago - Estados Unidos
de América, 1973
Estadio Olímpico de Múnich de Günther Benisch y Frei Otto, Monaco de
Baviera - Alemania, 1971
Torre de la televisión Žižkov de Václav Aulický, Praga - República Checa, 1992
Centro Mediático del Lord's Cricket Ground de Future Systems y Arup, Londres
- Reino Unido, 1999
Potsdamer Platz de Renzo Piano en Berlín, 1992-2000

43. Torre Agbar de Jean Nouvel, Barcelona, España, 2005.
Ver además
Arquitectura moderna
Arquitectura sustentable
Norman Foster
Renzo Piano
Richard Rogers
Centro Pompidou
Jean Nouvel