Pintura barroca

1Prof. Félix González Chicote

→ La manifestación más rica, abundante y variada del arte barroco es la pintura.
→ En la pintura se produce la revolución más radical del Barroco. En ellas se
inspiran los pintores de siglos posteriores. Como características destacan:
a) El dominio de la profundidad.
b) El predominio del color sobre el dibujo.
c) Se da mayor importancia a la luz que a la forma.
d) Se consigue un dominio perfecto de la perspectiva.
e) Las figuras se disponen en diagonal para dar la sensación de desequilibrio.
→ Gusto por el naturalismo a través de un extraordinario realismo que se
refleja en:
- Representación de lo feo y lo desagradable.
- Amor a los objetos y el paisaje.
- Escenas de género.
- Pintura de flores y animales.
→ Utilización de - Paisajes independientes.
- Bodegones.
- Religiosos, sobre todo en retablos. Arte propagandístico.
→ Temas: - Temas profanos. Alegorías y mitología.
- Retrato político.
→ Técnica: se sigue empleando el fresco, triunfa el óleo.

Religiosos Mitológicos Retratos
Retratos colectivos Históricos

Costumbrista Paisajes
Bodegón

Movimiento
- Violentos escorzos.
- Líneas diagonales y
curvas (figuras).
- Desequilibrio.
- Serpentinata.
- Busca captación instante
y fugacidad del momento.
- Personajes y objetos
fuera del punto central.
- Sensación: escapar del
cuadro.

Naturalista y
realista
-Realismo, no belleza.
-Vejez, fealdad,
deformidad, trágico,
dramático y reacciones
violentas.
- Naturalismo entendido
como fidelidad posible
a la realidad.

Dogmas de la fe católica con personajes religiosos identificados con
la calle.

 Reacciones violentas. Dramático.

EL COLOR VERSUS DIBUJO.
Contornos difuminados y rápidas pinceladas.

LA LUZ.
- Dirigida y concentrada
- Fuertes contrastes
- Dramatismo intensificado.
- Técnica pictórica => tenebrismo.

Dominio de la tercera dimensión: volumen y profundidad

El espectador participa en la
obra, hay personajes que nos
miran.

Caravaggio
Velazquez
Rembrandt
Rubens

Prof. Félix González Chicote 16

Caravaggio
 Modelo de naturalismo barroco.
 Los modelos de sus personajes, religiosos o mitológicos eran personas
de la calle.
 Escenarios modestos y oscuros, hogares, tabernas, etc…
 Ambientación de los temas en la época del pintor con la intención de
facilitar al pueblo captar el mensaje.
- Intensa luz focal.
 Iluminación tenebrista - Fondos oscuros.
- Transición luces y sombras violenta.
↓
Dramatismo.

Baco (1597)
→ En el cuadro destaca la
calidad con la que
representa la vajilla y los
vegetales.
• Contrastes lumínicos.
* Bodegón en primer plano.

Cena de Emaús
→ Profundidad.
→ Personajes cotidianos.

La vocación de San Mateo, 1599
→ Personajes en dos grupos.
→ Sacados de tabernas.
→ Ropas contemporáneas

La vocación de San Mateo, Caravaggio.
→ Aureola que distingue a
los santos sólo la lleva
Jesús. Ni Pedro ni Mateo, al
que acaba de llamar
→ Las dos manos que
cuentan el dinero son una
de Mateo y la otra de un
recaudador.
→ Mateo se señala a sí mismo,
confirma la elección que,
inesperadamente, recayó en el.
San Pedro

Crucifixión de San Pedro

Santo entierro, de Caravaggio.
El cuadro recoge el momento en
el que el cuerpo de Cristo
muerto es depositado en su
tumba.
→ Marcado realismo.
→ Claroscuro. Rostros
iluminados.
→ Escorzo y perspectiva, el
cuerpo de Cristo “ a punto de
salir del cuadro”.

Conversión de San Pablo, de Caravaggio.
→ Soldado perseguidor cristianos.
→ Escena situada en establo.
→ Naturalismo y tenebrismo.
→ Escorzos acentuados.
→ Poca profundidad
→ Trascendencia divina
→ Luz en San Pablo => presencia
divina.
→ Desvío de la atención del tema
principal al secundario (caballo y
sirviente).

→ En la anatomía de la virgen muerta se reflejan
crudamente los signos de la muerte: pies y vientre
hinchados. La representa como una mujer del
pueblo, ¿una prostituta? lo que provoco el rechazo
del cuadro por los religiosos.
María Magdalena y los
apóstoles ocultando su rostro,
dolor silencioso.
Muerte de la
virgen, 1606.

La duda de Santo Tomás.
Momento en que Cristo Resucitado se ha aparecido a sus discípulos, Tomás
aún no cree en su identidad, Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del
costado como prueba física del reconocimiento de Cristo. Caravaggio nos
lleva la mirada al punto de la llaga con el dedo metido, de tal modo que la
atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores
contemporáneos se ve irremisiblemente atraída por esta "prueba" física.

David y Goliat

 La reacción contra el manierismo no se limitó al naturalismo de
Caravaggio y sus seguidores sino también existió una tendencia
clasicista con los hermanos Carraci.
 El clasicismo se caracteriza por:
• Fue una pintura realista, pero no rehuyó de lo vulgar y popular
planteando una visión más bella y amable de la realidad. Cierta
idealización.
• Tratamiento de la luz contrastado pero no tenebrista.
• Frecuentes temas mitológicos y alegóricos para decoración de
palacios.
• Desarrollo del paisaje como género independiente.

Desponsorios místicos de Santa Catalina, 1585.

Apedreamiento de San Esteban,1604

 Países Bajos => Vida política y cultura comunes Edad Media y Renacimiento.
 Reforma religiosa y movimientos independentistas => División en dos zonas:
 Holanda (norte)=> Protestante.
 Flandes (sur) => Católica.
 Grandes lienzos de altar con vida de los santos
 Destaca Rubens.
 Otros temas => Mitológicos, retratos y bodegones.

Rubens
 Orígenes y base de su pintura: grandes maestros italianos y realismo
flamenco.
 Composiciones abiertas, con predominio de los esquemas en diagonal.
 Escenas de gran vitalidad y dinamismo.
 Figuras opulentas y vigorosas.
 Primacía del color, con pincelada de factura suelta.
 Luz ambiental que difumina las formas y envuelve las escenas.

La adoración de los magos, 1609. Oleo sobre lienzo.
 Sobreiluminación de la Virgen y el Niño.
 Influencia veneciana:
- Escenario arquitectónico.
- Riqueza cromática.

→ Su composición se caracteriza por
el uso de las líneas diagonales.
→ Claroscuro influencia de
Caravaggio.
→ Figuras musculosas y apiñadas
por influencia de M. Ángel
→ Actitudes expresivas.
Posteriormente el estilo del pintos
cambia hacia tonalidades más
cálidas.
Descendimiento de la
Cruz

Las tres Gracias,

Las tres Gracias, 1635.
Se trata de un tema mitológico.
Las tres Gracias eran hijas de
Zeus y del ninfa Eurymona y se
llamaban Eufrósine, Talía y
Aglaya. Eran las encargadas de
repartir la alegría y la belleza por
el mundo y trabajaban al servicio
de Afrodita.
Se representa bailando juntas en
círculo y aparecen desnudas
porque la belleza no necesita de
artificios externos.
Isabel Brandt,
1ª esposa
Hélene
Fourment, 2ª
esposa.
Estuvo a punto
de quemar el
cuadro, le
parecía
pecaminoso.
Paisaje idílico que sirve de marco
de las figuras humanas, quedan
resaltadas en primer plano.

Las tres Gracias, de Rubens
Aparecen mujeres rubias de
anatomías generosas y de pieles
sonrosadas (canon de belleza de
la época).
Desnudo en círculo.
Sensación de
movimiento
Rubens representa un
belleza más sensual y
menos clásica.

La adoración de los Reyes
Paris, hijo de
Príamo, rey de
Troya
Mercurio
Atenea con
sus armas
Venus
acompaña de
Cupido
Hera, mujer
de Zeus.
Éride la diosa de la
discordia.

El juicio de Paris, de Rubens
Paris, hijo de
Príamo, rey de
Troya
Mercurio
Atenea.
Ofrece la
sabiduría.
Venus. Le
ofrece el amor
de la mujer
más bella.
Hera. Le
ofrece todo el
poder.
La hermosa mujer por la que Afrodita hizo crecer el amor en el pecho de Paris,
era Helena, la esposa del rey de Esparta, Menelao; en ocasión del paso de Paris
por las tierras de este rey, y después de haber estado una noche en su palacio,
Paris raptó a la bella Helena y se la llevó a Troya provocando la Guerra de
Troya.

RAFFAELLO SANZIO 1483-1520
Diana y sus ninfas sorprendidas por sátiros, de
Rubens

El duque de Lerma,
de Rubens
 Abandono de estatismo.
 Incorporación del escorzo.
Profundidad.
 Luz veneciana.
 Composición dinámica.

Pintura barroca holandesa:
Rembrandt y Vermeer

Rembrandt
 Pintura con rasgos muy personales. Tras la muerte de su esposa en
1642, fue perdiendo el favor del público hasta caer en la penuria y
soledad.
 Frente al realismo predominante su pintura ofrece una visión
subjetiva y espiritual de la realidad. Captar la interioridad humana.
 Composiciones simples.
 Luz tenebrista pero no violento contraste, suave transición de las luces
a las sombras.
 La mancha de color predomina sobre el dibujo.
 Espacio unitario y envolvente, las figuras se sitúan al fondo, dejando
un vacío en el primer plano.

Lección de Anatomía, 1632.

Lección de Anatomía, de Rembrandt

Lección de Anatomía del doctor Tulp
La pintura recoge un hecho real. El doctor Tulp, profesor de
anatomía del gremio de cirujanos disecciona un cadáver para
explicar el funcionamiento de los tendones.
Contraste y claroscuro.
- Retrato colectivo
- Captación
psicológica.

Entre los lunetos dispuso los tronos con sibilas y
profetas
Ronda “de noche”, 1642
Cuadro de una escena diurna, el deterioro del color provoco su título erróneo
Retrato colectivo. Miembros de la milicia del capitán Frans Banning Cocq
Tratamiento de la luz en los objetos metálicos y en traje del lugarteniente del
capitán

 Encargo del gremio de Arcabuceros
de Ámsterdam.
 Escena diurna, el deterioro del color
provoco su título erróneo.
Oscurecimiento del barniz.
 Momento en el que el capitán Cocq
(centro, vestido de negro y con banda
roja), ordena formar la compañía al
teniente Ruytenburch (a su izquierda
con uniforme amarillo) para realizar
la ronda.
 La acción predomina sobre la representación de los personajes, lo que
provoco el descontento al no resultar reconocibles, pues en este tipo de
obras cada uno pagaba su cuota correspondiente al pintor.
 Magnífica utilización de la luz (único recurso para dar profundidad
espacial). Acentuado claroscuro que envuelve las figuras.
 Sorprende la niña sobreiluminada y de cuya cintura cuelga un gallo,
emblema de la compañía.
 La escena transcurre en el interior de un portalón, pero en pleno día,
como se deduce de la luz que penetra por la izquierda.

El buey degollado, de Rembrandt
Esta naturaleza muerta simboliza de
manera drástica e impresionante la muerte
y la transitoriedad de todos los mortales.

Betsabé con la carta de David, de Rembrandt
En el II Libro de Samuel se
cuenta que el rey David
observó desde su palacio a la
bella Betsabé, esposa de
Urías, en vestido de noche.
Poco después de que la
invitara a su casa y la dejara
embarazada, Urías murió en
la guerra y David tomó a
Betsabé como esposa.
Rembrandt representa el
momento en que la joven
dama recibe la invitación del
rey y tiene que escoger entre
la obediencia y la fidelidad.

La joven de la perla

La joven de la perla, de Veermer
El espectador se siente
cautivado por la mirada
directa y los labios
entreabiertos de esta
muchacha enigmática que
lleva un exótico turbante. Su
piel es nítida y pura, como la
gran perla que cuelga de su
oreja. Se desconoce la
identidad de esta hermosa
mujer, retratada con un aire
intemporal.

Vista de Delft, de Vermeer

Ciudad
Orilla
Canal

Primer cuadro impresionista de la
pintura europea. Más que la instantánea
de una ciudad es la plasmación de un
instante fugaz en que un tímido rayo de
sol se abre camino entres las nubes para
iluminar la ciudad.

El reloj
marca las
7:10 de la
tarde.
Vista desde el canal de Rotterdam.
Reflejo de la luz
puntillismo

Escuela veneciana: Tiziano
La lechera Militar y muchacha
riendo
Muchacha leyendo
una carta
Escenas domésticas, de Vermeer
Todas estas pinturas comparten los siguientes rasgos:
 Disposición de las figuras en un plano profundo.
 Gama cromática rica y delicada.
 Dibujo minucioso y preciso que confiera gran nitidez.

Muchacha con vaso de vino, de Vermeer
En la literatura flamenca la
encajera se consideraba una
actividad doméstica.
Cuadro moralizador “serva
modum” con moderación
Sin perder de vista al hombre
que, sin duda alguna, está
buscando una aventura
erótica, se entrega plenamente
a la gran copa.
La mujer con las riendas en la
mano representada en el vídrio
de la ventana constituye la
personificación de la
templanza.

Mapa de los Países Bajos
“El pintor está sentado delante de su
obra y dirige ligero el pincel con
colores bellos” frase de Leonardo da
Vinci.
El Arte de la pintura, de Vermeer

* Corona de laurel y un
cuerno que representan la
fama y la celebridad.
.
Clío, diosa
de la
Historia
Libro símbolo del
conocimiento

En España…
José de Ribera Il
Spagnoletto 1591-1652
Francisco de Zurbarán
(1589-1664)
Diego de Velázquez (1599-
1660).
Bartolomé Esteban
Murillo (1617-1682).

 Influencia de la pintura
italiana => Tenebrismo
de Caravaggio en Ribera y
Velázquez.
Características.

 Gran naturalismo y realismo => Con modelos reales.

 Sencillez y equilibrio en las composiciones => Escorzos sin movimiento
violento.

 Dibujo cede terrero a la utilización más natural del
color.

 Preocupación del
artista por la
profundidad.
 Dominio de la
perspectiva aérea.

 Luz como elemento que organiza los
ambientes .
 Crea atmósferas realistas.

RELIGIOSO.RETRATO INDIVIDUAL
RETRATO COLECTIVO
BODEGÓN
COSTUMBRISTA
MITOLÓGICO PAISAJE

José de Ribera Il Spagnoletto 1591-1652

 SAN ANDRÉS (1630).
 Óleo sobre lienzo.
Modelos a mendigos.
 Cuerpos castigados por vejez
o hambre.
 Extremo realismo.
 Intensos claroscuros.
 Formación y producción
italiana (Spagnoletto).
 Influencia de Caravaggio
(tenebrismo).
 Primeras obras => carácter
tenebrista.
 Segunda etapa => pincelada
menos densa, con más luz.
San Andrés,1630
 Cruz en aspa de su martirio.
 Anzuelo en su mano derecha, oficio
de pescador.
 Piel rugosa.
 Realismo.
 Cuerpo
envejecido.

Martirio de San Felipe, 1639.
Mujeres
indiferentes al
martirio.
Estudio
anatómico.
Grupo de
gente atenta
al martirio.Rostro con expresión
serena indiferente al
martirio.
-Naturalismo.
- Estudio de la luz
Renuncia al
tenebrismo.

El patizambo, 1642.
La composición del cuadro es
sencilla: aparece el protagonista de
la escena, el patizambo, y al fondo
un paisaje. Este cuadro demuestra
la evolución de la pintura de Ribera,
que ha pasado de los fondos
oscuros del tenebrismo a los
paisajes luminosos.
Destaca el personaje de aire
picaresco, cuya sonrisa y simpatía
hacen olvidar su miseria y
deformidad. En su hombro apoya la
muleta y en su mano izquierda lleva
un papel en el que se lee en latín
Da mihi elimosinam propter amorem
Dei (dame una limosna por amor de
Dios).

 Composición sencilla.
 Poco interés al paisaje (árbol y
piedra).
 Abandono etapa anterior
tenebrista
 Culto al color (veneciana).
 El patriarca Jacob ve en sueños
una escalera dirigida al cielo por la
que suben y bajan los ángeles.
El sueño de Jacob, 1639

Francisco de Zurbarán (1589-1664)

 Aprendizaje en Sevilla.
 Encargos monacales (especialidad) en Badajoz.
 Recomendación de Velázquez => Madrid, 1634.
 Evolución:
 Estética => Formas blandas, delicadas y coloristas.
 Temas más amables => influencia de Velázquez y de Murillo.

Dodegón o naturaleza muerta (1634). .
 Interés por el naturalismo tenebrista, lo cotidiano y humilde.
 Pocos elementos, yuxtapuestos y alineados en paralelo al plano de la
representación.
 Dibujo preciso y resaltados con intensa iluminación sobre fondo oscuro.
 Contrastes entre los bodegones austeros españoles y los flamencos.
 Mensaje religioso: humildad y presencia de Dios en las cosas sencillas.

 Estudio expresión de los
personajes.
Composiciones sencillas.
 Reproducción texturas de las
telas.
 Gama de los blancos y marrones.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco, 1639..

San Hugo en el refectorio de los cartujos,1655.
San Hugo y
su paje
San
Bruno
Los rostros demacrados de los cartujos reflejan los síntomas del
largo ayuno y emblema de la dura vida en la cartuja.
Naturaleza
muerta
Ambiente cerrado.
 Falta profundidad.
 Figuras en fila.
 Equilibrio composición
 Atención rostros y manos.
 Poder expresivo,
 Calidades telas y objetos.

San Hugo en el refectorio de los cartujos,1655.
 Tema: Milagro vivido por San
Bruno y otros seis monjes,
fundadores de la orden de los
cartujos. Estos se mantenían
gracias al obispo de Grenoble,
San Hugo, que un domingo les
envió carne para comer, lo que
provocó entre ellos la discusión
sobre la conveniencia o no de
romper su abstinencia de este
tipo de alimento.
En medio de la discusión quedaron en un milagroso sueño durante
cuarenta y cinco días, hasta que San Hugo los visita (momento del
cuadro) y pudo contemplar cómo se despertaban y la carne de los platos
se convertía en ceniza, lo que significaba que Dios aprobada su
abstienencia.

Defensa de Cádiz contra los ingleses.
La escena representa la defensa que las fuerzas españolas
hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la
flota conjunta anglo-holandesa bajo el mando de Edward
Cecil
Gobernador de Cádiz
Fernando Girón
impartiendo órdenes
Desembarco de tropas
frente al fuerte del
Puntal en Cádiz.

Velázquez (1599-1660)
Rubens

 REALISMO.
Características

 Sentido del equilibrio (detallismo en sus composiciones)

 Evolución color:
 Aclarando
 Forma lisa y uniforme.
 Técnica nerviosa y
suelta, casi impresionista.

 Captación del espacio => perspectiva aérea
(ambiente real).

 Sevilla, 1599.
 Formación con Francisco
Pacheco (suegro).
 Características:
 Tenebrismo.
 Composiciones sencillas
=> dos o tres figuras con
bodegones.
 Realismo absoluto.
 Modelado escultórico.

El aguador de Sevilla, de Velázquez.
La representación del hombre que
le sirve al joven en un vaso de agua
es característica de la etapa de
juventud, la influencia de
Caravaggio en el evidente en el tipo
de escena, los rostros y el
tratamiento de la luz.
 Bodegón.
 Escena cotidiana.
 Picaresca.
 Tenebrismo.
 Realismo casi fotográfico.
 Verismo.
 Brillos, colores, texturas,
 Luz focal sobre objetos y figuras
magistral.
* Falta dinamismo entre los
personajes. No existe comunicación
entre ellos, evitan cruzarse la
mirada.

Perfección de la calidades de cada
objeto, detalle de la copa o del
cántaro, con las gotas que resbalan
sobre él.

Interpretación: Las tres edades del hombre y
la transmisión de conocimientos
simbolizada por el agua.
El anciano los posee y lo
transmite al niño
El adulto, al
fondo y en
penumbra, se
sirve de él (está
bebiendo).

Vieja friendo huevos , 1618.
 Bodegón.
 Picaresca.
 Tenebrismo.
 Realismo casi
fotográfico.
 Verismo.
 Brillos, colores,
texturas,
 Luz focal sobre
objetos y figuras
magistral.
* Falta dinamismo:
Los personajes no se
miran. No existe
comunicación entre
ellos, evitan cruzarse
la mirada.

La adoración de los
magos, 1619.
 Retrato de la propia familia del
pintor.
 La Virgen sería su esposa.
 Jesús, su hija recién nacida.
 Los magos, su suegro Pacheco, él
mismo y su hermano o tal vez un
criado.
 Ausencia de idealización.
 Tenebrismo, luz focal, contrastes.

 Escena doméstica (bodegón con figuras).
 Escena al fondo.
Cristo en la casa de Marta y María, 1620.

 Pacheco => Corte (Conde-Duque de Olivares).
 Madrid en 1623.
 Nombrado pintor de cámara.
 Influencia del Conde Duque de Olivares.
 Contacto con las colecciones reales =>
Escuela Veneciana (Tiziano).
 Conoció a Rubens => luz y color.
 CARACTERÍSTICAS.
 Tonos más claros y luminosos.
 Alejamiento del tenebrismo inicial.
 Pincelada más suelta.
 Volúmenes menos duros.
 FELIPE IV (1624).
 Elementos clásicos del retrato cortesano.
 Dominio espacial.
 Estancia indefinida. Felipe IV,1624.
Memorial: símbolo
de gobierno.
Empuñadura
de la espada,
defensor del
país.
 Distanciamiento y rigidez.
Ceremonial de Corte.

 Temática mitológica (novedad).
 Influencia colorista de Rubens y pintura veneciana del siglo XVI.
 Conserva naturalismo de su etapa sevillana.
 Guiño al clasicismo => Desnudo del dios.
Las borrachos o el triunfo de Baco, 1628-29.

 Viaja a Italia (Rubens) => completa
formación.
 Estilo más maduro.
 CARÁCTERÍSTICAS.
 Composiciones más dinámicas.
 Mayor naturalidad en los gestos.
 Abandono tenebrismo.
 Cambios en su paleta.
 Conquista profundidad espacial.

La fragua de Vulcano, 1630.

La fragua de Vulcano, 1630.
Apolo,
rodeado de
una aureola
luminosa y
ceñido con
una corona
de laurel,
anuncia a
Vulcano, dios del fuego, el adulterio de su esposa
Venus con Marte, dios de la guerra.
Estudio de la anatomía y de la luz en la parte
superior del cuerpo de los personajes.

 Cíclopes del mito, simples
herreros.
 Colores terrosos.
 Perspectiva aérea.
 Contrastes de luz y
sombras con abandono del
tenebrismo.

 PAISAJES VILLA MÉDICIS (1630).
 Mediodía y la Tarde.
 Pincelada suelta.
 Pintura al aire libre
 Impresionismo.

1630.
- Paisaje protagonista.
- Pincelada libre, suelta.
- Representar la impresión.
- No formas precisas.
- Pintados al aire libre.
- Impresionistas.

 Nueva etapa => pintor plenamente
formado.
 CRISTO CRUCIFICADO (1639).
 Elimina referencia espacial del
fondo.
 Acentúa sensación de soledad,
silencio y reposo.
 Serenidad, belleza y perfección
formal.
 No recurre ni exageraciones, ni
patetismos.

La rendición de Breda o las lanzas, 1635.El cuadro representa un momento de la guerra que enfrentó a la Monarquía
hispánica con los Países Bajos, que intentan independizarse. En la lucha, los
holandeses habían tomado la ciudad de Breda, que fue recuperada.

La rendición de Breda o las lanzas,1635.
En el centro el cuadro recoge el momento en que Justino de
Nassau, por parte de los Países Bajos, entrega las llaves de la
ciudad de Breda a Ambrosio de Spínola. Vencedor y vencido en el
centro, en el mismo plano, recibiendo la mayor iluminación.
Cuando el vencido quiere arrodillarse, Spínola se lo impide,
mostrando así su respeto, Calderón de la Barca en su obra El
Sitio de Breda,
pone el boca del
general Spínola el
proverbio: “El
valor del vencido
es la gloria del
vencedor”

La rendición de Breda o las lanzas.

 Destinado al Salón de
Reinos del Palacio del Buen
Retiro.
 Paleta más clara, olvido del
claroscuro.
 Domina la perspectiva
aérea (tonalidades azules al
fondo).
 Prima la mancha de color
sobre el dibujo.
 Gama cromática fría,
verdes, azulados y grises.
 Importancia del paisaje.  Algunos personajes miran al
espectador, como en “Los borrachos” y
en “Las Meninas”. Escena típicamente
barroca.

El príncipe Baltasar Carlos
Los múltiples retratos de la familia
real y de miembros de la corte que
realizó Velázquez le convierten en
uno de los retratistas europeos más
importantes del siglo XVII. Este
retrato del príncipe a la edad de seis
años estuvo expuesto en la sala del
trono del Palacio del Buen Retiro.
La postura del joven es una alusión
al futuro del joven.
Retrato de Felipe IV
En el retrato de Felipe IV
Velázquez refleja la figura
del monarca en una edad
avanza. El pintor pretende
reflejar la figura digna y
augusta del rey y, a la vez,
un cierto sentimiento de
resignación.

Príncipe Baltasar
Carlos, 1635.
 Caballo:
a) Escorzo.
b) Posición en corveta (patas
levantadas) → capacidad de
mando de reyes y herederos.
 Perspectiva de abajo hacia
arriba (el cuadro estaba
destinado a ponerse sobre una
puerta).
 Paisaje.
 Colores fríos.
 Primacía del color.

 Minuciosidad telas y
armadura.
 Fondo de paisaje =>
plateado, azules y verdes.
 Pinceladas largas, rápidas y
compactas.
 Actitud autoritaria del
retrato.
Retrato ecuestre del
Conde dique de
Olivares, 1638.

 Desnudo gran realismo.
 Aire melancólico, cansado y abatido.
Alegoría de la decadencia política y militar de
España.
Marte, 1640.

Bufones u “hombres de
placer”, como se lo
denominaba entonces, lejos
del naturalismo barroco, evita
resaltar sus defectos y los
dota de una gran humanidad.
El niño de
Vallecas, 1636.

El bufón don Sebastián de Morra
Velázquez pintó una serie de
retratos de bufones, tullidos y
enanos que había en la corte para
el entretenimiento de la realeza.
Estos personajes le brindaban al
artista la posibilidad de lucir sus
grandes habilidades como
retratista, al margen de los retratos
oficiales de compromiso.

 Irrealidad espacial,
 Espacio conseguido mediante luces y
sombras.
Pablillos de
Valladolid, 1636-37.

La Venus ante el espejo, 1647-1651.
La Venus del espejo representa a la diosa romana del amor, la belleza, y la
fertilidad reclinada lánguidamente en su cama, con la espalda hacia el
espectador.
Hermosos
desnudos
femeninos =>
Original,
elegante y
refinado.
 Influencias
de Tiziano y
Rubens.

La Venus ante el espejo, de Velázquez.
Cupido aparece sin arco ni flechas,
gordito e ingenuamente respetuoso,
incluso vulgar, tiene en sus manos
una cinta rosa de seda
simbolizando la atadura del amor
vencido por la belleza y la cinta con
la que venda los ojos a los amantes.

La Venus ante el espejo, de Velázquez.
En el espejo que sostiene Cupido la diosa mira hacia afuera, al
espectador de la pintura, a través de su imagen reflejada en el espejo. Y
el espectador, a su vez, puede ver en el espejo el rostro de la diosa,
difuminado por el efecto de la distancia, y sólo revela un vago reflejo de
sus características faciales. La imagen borrosa es una contradicción, ya
que Venus es la diosa de la belleza pero ésta no se distingue bien. El
aspecto borroso del rostro ha llevado a pensar que realmente es una
mujer fea o vulgar, una aldeana en vez de una diosa, una alusión a la
capacidad engañosa de la belleza.

Retrato de el Papa Inocencia XI, 1650.
Una de las virtudes de Velázquez
es que era capaz de penetrar
psicológicamente en el personaje
para mostrarnos aquellos aspectos
ocultos de su personalidad. La
expresión del papa es tensa, con
el ceño fruncido.
Técnicamente, el retrato es
elogiado por su arriesgada gama de
color, de rojo sobre rojo: sobre un
cortinaje rojo, resalta el sillón rojo,
y sobre éste el ropaje del papa.
Esta superposición de rojos no
consigue aplastar el vigor del
rostro. Velázquez no idealiza el
cutis del papa dándole un tono
nacarado, sino que lo representa
rojizo y con una barba desmañada,
más de acuerdo con la realidad.

Las Meninas o familia de Felipe IV, 1656.
Estamos ante un “cuadro acertijo” ¿Retrato colectivo de la infanta y
acompañantes? ¿Autorretrato? ¿Intento de pintar al rey contra su
voluntad?

Las Meninas o familia de Felipe IV, 1656.
Infanta
Margarita
Mª Agustina
Sarmiento
Isabel de
Velasco
Maribárbola
Nicolás
Pertusato
Guardadamas
Marcela de
Ulloa
José NietoVelázquez
Felipe IV y
Mariana de
Austria

Las Meninas o
familia de Felipe
IV, de Velázquez.
Composición.
Consigue la profundidad
gracias a la utilización de
distintos planos y las
líneas de perspectiva. La
figura del aposentador,
José Nieto, es el punto de
fuga.

Las Meninas o familia de Felipe IV.
-Casi todos los personajes miran
hacia los reyes.
- El espectador se sitúa en el
lugar que teóricamente ocupa
pareja real.
- El término “menina” era
utilizado en la corte española
para referirse a las doncellas de
honor.

Las Meninas o familia de Felipe IV.
.Además de la perspectiva,
Velázquez utiliza otro método
muy depurado para dar
sensación de profundidad al
cuadro y para sumergir los
contornos de las figuras según se
alejan de la posición del
espectador (perspectiva aérea).
Esta técnica se aprecia
claramente si nos fijamos en los
rostros de los retratados.
Primer plano.
Segundo
plano.
Plano
intermedio
Último plano

Velázquez rinde su particular
homenaje al acto creativo de la
pintura, reivindicando su
naturaleza intelectual previa a la
labor estrictamente artesana. De
hecho, se autorretrata en actitud
de observar y reflexionar.
La cruz de Santiago de su
indumentaria fue añadida
después, tras ser admitido en
dicha orden, para lo cual el tuvo
que conseguir bula papal, ya que
los caballeros de Santiago se
oponían al ingreso de alguien
que se había envilecido con el
trabajo manual al haber pintado
obras a cambio de dinero.

Las hilanderas o la fábula de Aracne, 1657

Las hilanderas o la fábula de Aracne, 1657
El cuadro recoge el tema mitológico de la Metamorfosis de Ovidio : la fábula de
Aracne y Atenea. La joven Aracne retó a la diosa Atenea tejer el tapiz más
hermoso. Aracne ideó un bello tapiz, pero en él se representaba un tema que
molestó a la diosa “el rapto de Europa” ya que ponía de manifiesto los trucos
que usaba el padre de Atenea (Zeus) para seducir a mortales y diosas. Atenea,
enfadada, decidió convertir a Aracne en araña y de esta manera la condenaba a
tejer eternamente.

Las hilanderas o la fábula de Aracne.
Aracne de
espaldas,
trabajando.
CUADRO DENTRO DEL CUADRO: ESCENA COTIDIANA DE
UN TALLER DEL SIGLO XVII. LO TRIVIAL.
Atenea disfraza de
anciana (aunque se
delata porque deja
ver una pierna de
mujer joven)
intenta disuadir a
Aracne.
Al fondo el tapiz
realizado por Aracne

Las hilanderas o la fábula de Aracne, de Velázquez.
CUADRO DENTRO DEL CUADRO: ESCENA MITOLÓGICA. LO
ESENCIAL.
Atenea con su
coraza y casco
hace un gesto
amenazador.
Tres muchachas miran
el tapiz, una de ellas
mira a la hilanderas.
El violoncelo simboliza
la música que era
considerada el
remedio contra las
picaduras de arañas.

Bartolomé Esteban Murillo
(1617-1682).

 F. XVII en Sevilla.
 Generación final de artistas barrocos.
 Embellece la realidad.
 Triunfo del sentimentalismo incluso
en temas de miseria y pobreza.
 Temática religiosa => Carácter
familiar y tierno.
 Temas costumbristas.
 Características técnicas:
 Preocupación por el colorido.
 Evoluciona pincelada más
difuminadas y vaporosas.
 Menos interés por la composición
que Zurbarán y Velázquez.

Sagrada familia del pajarito (1650).
 Escena doméstica.
 Ternura: mirada del Virgen.
 Nada sobrenatural.
 Protagonismo de San José
como padre ideal.
 Naturalismo:
a) Ambiente humilde.
b) Tenebrismo no violento.
c) Colores terrosos.
d) Dibujo preciso.

Inmaculada Concepción de los Venerables, 1678.
La virgen, representada como
una joven morena, aparece en
el centro, flotando entre una
mar de nubes doradas,
rodeadas por ángeles. Los
ángeles se disponen de tal
manera que marcan un
movimiento ascendente.
La Virgen viste con túnica
blanca, símbolo de pureza, y
con el manto azul, que la
identifica como reina de los
cielos. Estos colores para las
vestiduras de la Virgen fueron
impuestos por la
Contrarreforma, antes era
túnica jacinto y manto azul.

Inmaculada Concepción de los Venerables, 1678.
 Representación juvenil de la Virgen.
 Prototipo formal y espiritual.
 Tema iconográfico repetido.
 Estilo:
 Ablanda los contornos.
 Difumina la figura.
 Importancia color y luz.
 Ropajes movidos por el viento.

Joven mendigo
Es una obra realista que retrata a
un joven harapiento, espulgándose.
A pesar de la crudeza del tema,
Murillo lo trata evitando ahondar en
su pobreza, la soledad o el dolor.
Alrededor del joven se despliegan
objetos de uso cotidiano (un
cántaro de barro y una cesta con
manzanas) y restos de comida que,
en sí mismo, componen un
bodegón.
La luz que recibe el cuadro procede
directamente de la ventana situada
a la izquierda e incide sobre el
mendigo, quedando el resto de la
estancia en seguridad.

Muchachos comiendo uvas y melón, de Murillo.
Es una obra realista que retrata a
dos muchachos vestidos con
harapos y descalzos que comen
uvas y melón despreocupados de su
pobre condición.
Detallismo en los pies descalzos y
polvorientos y preciosismo en la
cesta llena de uvas.
La ciudad que representa el cuadro
es la Sevilla de principios del XVII.

 Animación en los rostros
=> alegría y picardía.
 Rotos de sus ropas.
 Ocres y marrones.
 Bodegón.
 Vitalidad y simpatía frente
al realismo.
 Gestos y actitudes
infantiles.
Niños jugando a los
dados (1665-75).

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