ARQUITECTURA DEL S-XV ITALIANO

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En esta presentación se habla del contexto histórico, de las características generales de la arquitectura y el comentario de las obras más representativas del periodo del Cuatrocento italiano.

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ARQUITECTURA DEL S-XV ITALIANO

  1. 1. SIGLO XVI en ITALIA
  2. 2. MARCO HISTÓRICO: LA SITUACIÓN DE LA IGLESIA <ul><li>Si durante el S–XV el foco artístico más importante fue Florencia, durante el S-XVI el centro de gravedad del arte pasa a ser Roma, debido fundamentalmente al considerable aumento del poder papal que atrae a los más importantes artistas de la época. </li></ul>
  3. 3. <ul><li>Este poder de los Papas inspira el hecho de que la quieran convertir en la caput mundi, es decir, centro de poder y capital espiritual y artística de Italia y Europa. </li></ul>
  4. 4. <ul><li>Roma es por tanto el lugar idóneo donde los artistas puedan desarrollar sus grandiosos proyectos: hacia el 1500 los papas son los mayores constructores del mundo (Sixto IV, Julio II, León X, Paulo III, Sixto V) teniendo un objetivo común que es transformar la ciudad medieval en una ciudad “nueva”. </li></ul>
  5. 5. ARQUITECTURA
  6. 6. Bramante (1444-1515) <ul><li>No sólo fue arquitecto, sino también pintor y escribió dos tratados: uno sobre arquitectura y otros sobre las proporciones perfectas de los cuerpos. </li></ul>
  7. 7. <ul><li>Estaba cautivado por las ruinas antiguas (teatro Marcelo y anfiteatro Flavio) opta por una arquitectura donde prima la estructura y la monumentalidad. </li></ul>
  8. 9. <ul><li>Claustro de Santa María de la Paz (1500-1504): anuncia las coordenadas de las nuevas formas del Cinquecento con un sistema de proporciones basado en el módulo del cuadrado. Es una construcción de dos pisos: </li></ul><ul><li>Pilastras de estilo jónico combinado con arcos de medio punto. </li></ul><ul><li>Conjunto adintelado alternado pilastras y columnas corintias. </li></ul>
  9. 10. TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO (1502-1511)
  10. 11. <ul><li>Se considera esta obra como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa. </li></ul><ul><li>Material: granito, mármol, travertino, con acabados de estuco y revoco. </li></ul>
  11. 12. <ul><li>Pequeño tamaño: diámetro interior de 4,5 metros, inspirado en los tholos griegos. </li></ul>
  12. 13. <ul><li>Esquema de la obra: </li></ul><ul><ul><li>Planta circular (inspirado en los martirya orientales) </li></ul></ul>
  13. 14. <ul><ul><li>Períptera </li></ul></ul><ul><ul><li>16 columnas de orden toscano sobre una base escalonada </li></ul></ul>
  14. 15. <ul><ul><li>Entablamento dórico formado por metopas y triglifos </li></ul></ul><ul><ul><li>Balaustrada </li></ul></ul>
  15. 16. <ul><ul><li>Cúpula semiesférica levantada sobre un tambor con nichos. </li></ul></ul>
  16. 17. <ul><li>El muro de la cella tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados (puertas y ventanas), separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo. </li></ul>
  17. 18. <ul><li>Piso superior es introducido por una balaustrada que rodea el edificio y aporta ligereza y transparencia. </li></ul><ul><li>Se suceden las ventanas abiertas, las ciegas y los nichos en forma de semicúpulas culminadas por conchas. </li></ul>
  18. 19. <ul><li>Corona el templo una cúpula nervada de media esfera, cuyos nervios confluyen en una linterna que remata en una cruz. </li></ul>
  19. 20. <ul><li>Bramante parte de un módulo que no es una medida sino una forma: el cilindro , pues cilíndricas son las columnas, pórtico, balaustrada, cella y tambor. </li></ul>
  20. 21. <ul><li>Organización del espacio de forma pictórica: </li></ul><ul><ul><li>Contraste de masas y profundas perspectivas. </li></ul></ul><ul><ul><li>Alternancia de llenos y vacíos. </li></ul></ul><ul><ul><li>Dominio de curvas y rectas. </li></ul></ul><ul><ul><li>Entablamento clásico con metopas (decoración escultórica sobre el martirio de San Pedro) y triglifos. </li></ul></ul><ul><ul><li>Empleo de las columnas. </li></ul></ul>
  21. 22. <ul><li>Obra financiada por los RRCC y su función era honrar el lugar donde según la tradición había sido crucificado San Pedro. Es por esto por lo que Bramante se inclina hacia la planta central. </li></ul>
  22. 23. <ul><li>Simbología: el conjunto simboliza la condición del Apóstol Pedro como Primer Pontífice y fundamento de la Iglesia. </li></ul><ul><ul><li>La cripta simboliza el martirio del apóstol. </li></ul></ul><ul><ul><li>El peristilo a la iglesia militante. </li></ul></ul><ul><ul><li>La cúpula a la Iglesia Triunfante. </li></ul></ul><ul><ul><li>El crepidoma (tres escalones) representa las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad. </li></ul></ul>
  23. 26. <ul><li>San Pedro del Vaticano (1505-1506): el proyecto no llegó a realizarse sino que fue modificado por Miguel ángel. </li></ul><ul><ul><li>Planta de cruz griega cupulada, brazos con ábsides y espacios intermedios con cuatro cúpulas de cuarto de esfera y torres en los ángulos. </li></ul></ul>
  24. 27. MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475-1564) <ul><li>Su ideal artística es realizar una síntesis total de todas las artes a partir del pensamiento neoplatónico. </li></ul><ul><li>Se siente principalmente escultor por eso trata los elementos arquitectónicos con criterios plásticos: los frontones se quiebran, las columnas se adaptan a espacios reducidos, diferencias en escalas y cánones. </li></ul>
  25. 28. <ul><li>De las obras antiguas tomará una serie de elementos: </li></ul><ul><ul><li>Panteón de Agripa: cúpula y decoración interior mediante ventanas en frontón, los arcos de triunfo y sus arcadas. </li></ul></ul>
  26. 29. <ul><ul><li>Coliseo: la aplicación de los órdenes clásicos. </li></ul></ul>
  27. 30. <ul><ul><li>Termas de Caracalla: bóvedas poderosas. </li></ul></ul>
  28. 31. <ul><li>Plaza del Capitolio: planta trapezoidal y rodeada de palacios. En el centro se encontraba la estatura ecuestre de Marco Aurelio, la cual, colocada sobre una pequeña elevación del centro. </li></ul>
  29. 32. BASÍLICA DE SAN PEDRO DE ROMA. 1546 <ul><li>Mantuvo la planta de cruz griega de Bramante pero reforzó los elementos constructivos para erigir una cúpula más elevada (131 metros) y circular y ovalada. </li></ul>
  30. 33. <ul><li>Los contrarrestos los realizan: el trazado cóncavo-convexo de los ábsides y las cuatro cúpulas adyacentes. </li></ul>
  31. 34. <ul><li>El exterior se caracteriza por la monumentalidad que le confiere el orden gigante de las dobles pilastras corintias que acomodan balcones y ventanas. </li></ul>
  32. 35. CÚPULA <ul><li>42 metros de diámetro - elevada sobre pechinas - con un gran tambor - sostenida por cuatro robustos pilares ochavados que delimitan el espacio central. </li></ul>
  33. 38. <ul><li>Doble casquete como en la cúpula de la catedral de Florencia de Brunuelleschi </li></ul>
  34. 39. <ul><li>Tambor con doble fila de columnas monumentales - ventanas decoradas con alternancia de frontones triangulares y curvos (lunetos). </li></ul>
  35. 43. <ul><li>120 metros de altura desde el suelo - decorada a base de mosaicos - la inscripción que se ve como un cinto en la base de la cúpula dice: TU ES PETRUS ET SUPER HANCA PETRAM AEDIFICABO ECCLESIAM MEAM ET TIBI DABO CLAVES REGNI CAELORUM (&quot;Tú eres Pedro, y sobre esta Piedra edificaré mi Iglesia, y te daré las llaves del Reino de los Cielos&quot;). Las letras miden 2 metros de altura. </li></ul>
  36. 45. VIGNOLA - IGLESIA DEL GESÚ DE ROMA (1571-1575) <ul><li>Destinado a albergar el sepulcro de San Ignacio de Loyola, se convirtió en modelo de iglesia barroca europea porque respondía a los criterios de la Contrarreforma. </li></ul>
  37. 46. <ul><li>Planta en forma de cruz – una sola nave (produce un espacio amplio y diáfano) – cúpula sobre crucero – capillas laterales entre los contrafuertes con capillas – ábside presbiterio circular. </li></ul>
  38. 48. <ul><li>La fachada es de Giacomo della Porta y se convirtió en modelo de las iglesias jesuíticas durante cuatro siglos. Cuerpo bajo con pilastras y cuerpo superior terminado en frontón. Las volutas laterales se convierten en una solución más estructural que decorativa ya que ensancha el segundo cuerpo para que combina con el primero. </li></ul>
  39. 49. ESCULTURA
  40. 50. Miguel Ángel: para él el arte es síntesis. <ul><li>ARTE DE SACAR Y NO DE AÑADIR: consideraba que la escultura ya estaba dentro del bloque de mármol y que lo que el escultor tenía que hacer era sacarla. </li></ul>
  41. 51. <ul><li>Características de su obra escultórica son: </li></ul><ul><ul><li>Grandiosidad de sus figuras. </li></ul></ul><ul><ul><li>Facciones apasionadas. </li></ul></ul><ul><ul><li>Anatomías dotadas de gran tensión vital y dinamismo contenido. </li></ul></ul><ul><ul><li>Gestualidad, expresiva hasta el dramatismo, que se ha llamado “TERRIBILITÁ”. </li></ul></ul><ul><ul><li>Fue un creador hasta el último momento de su vida, pero nunca estaba contento con las obras que realizaba debido al perfeccionismo exacerbado que le hacía estar siempre de mal humor y en tensión. Esto le llevó a no acabar algunas de sus obras: non finito . </li></ul></ul>
  42. 54. Piedad del Vaticano. <ul><li>1498-1499. </li></ul><ul><li>Talla de mármol. </li></ul><ul><li>1,74 metros de alto x 1,95 metros de largo . </li></ul>
  43. 55. <ul><li>COMPOSICIÓN: </li></ul><ul><li>Esquema de pirámide cerrada. </li></ul><ul><li>Virgen sentada y erguida que sostiene a Cristo yacente en su regazo, sin salirse casi nada del contorno dibujado por María (unión entre la madre y el hijo). </li></ul>
  44. 56. <ul><ul><li>Virgen con mirada baja y la evita hacia el observador – acoge con una mano a su hijo y con la otra nos invita a la adoración – vestido hace de base de pirámide. </li></ul></ul>
  45. 57. <ul><li>Contraposiciones: </li></ul><ul><ul><li>El desnudo y estilizado cuerpo del hijo con el ropaje de profundos pliegues de la Virgen. </li></ul></ul><ul><ul><li>La pesadez de la Virgen fuertemente apegada a la tierra con la liviandad del redentor que toca el suelo con el pie derecho. </li></ul></ul>
  46. 58. <ul><li>Perfección anatómica y de los rostros. </li></ul>
  47. 60. <ul><li>CONTENIDO: </li></ul><ul><li>27 de agosto de 1498 un Cardenal se la encargó a Miguel Ángel para su sepulcro. </li></ul><ul><li>Contrato especificaba: “una Virgen María cubierta con un ropaje y con el cuerpo de Cristo muerto en sus brazos” justo en el momento después del descendimiento. </li></ul><ul><li>Aspecto juvenil de la Virgen debido a la pureza de la madre de Dios. Miguel ´-Angel decía “ la madre tenía que ser joven, más joven que el hijo, para mostrarse eternamente virgen; mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como un hombre cualquiera” . </li></ul>
  48. 61. <ul><li>Es la única estatua firmada por Miguel Ángel, quien se sintió tan profundamente orgulloso de su trabajo que cinceló una inscripción en la cinta del pecho de la Virgen que decía “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat”. </li></ul>
  49. 63. <ul><li>PIEDAD DE FLORENCIA. 1550: obra que realizó para su propia tumba aunque no la acabó. Composición más compleja aunque mantiene la piramidal. La Virgen pasa a un segundo plano y el cuerpo de Cristo se contrae con violencia para impactar a la hora de la contemplación. La figura posterior corresponde a Nicodemo, que corresponde con el autorretrato de Miguel Ángel que aparece como donante. </li></ul>
  50. 65. <ul><li>PIEDAD RONDANINI. 1564. se trata de una obra inconclusa y el modelo ha evolucionado ya que la Virgen sostiene de pie a Cristo muerto en una postura de total inestabilidad. </li></ul>
  51. 67. David. 1501-1504. <ul><li>Talla de mármol. </li></ul><ul><li>4,34 metros de alto. </li></ul><ul><li>Recibió el encargo de tallar un bloque de mármol extraordinariamente alto y estrecho, que había permanecido durante cuarenta años en el patio de la catedral de Florencia. </li></ul>
  52. 68. <ul><li>Representa a David como un joven atleta, desnudo y musculoso, con la mirada penetrante y fija, a la espera de divisar a Goliat; en la mano derecha sostiene la piedra y en la izquierda la honda. </li></ul>
  53. 69. <ul><li>Perfección clásica en el modelado del cuerpo unido con unos detalles: </li></ul><ul><ul><li>Cabeza sobredimensionada. </li></ul></ul><ul><ul><li>Mirada expectante y segura. </li></ul></ul><ul><ul><li>Vigor concentrado en su mano robusta, cuyo gran tamaño la hace más poderosa. </li></ul></ul><ul><ul><li>Disposición en zig-zag del cuerpo. </li></ul></ul><ul><li>Expresividad. </li></ul><ul><li>Rompe la frontalidad del bloque con la ligera inclinación de la cabeza. </li></ul>
  54. 71. MOISÉS <ul><li>1512-1516 </li></ul><ul><li>Talla de mármol. </li></ul><ul><li>Es una figura que realizó para la tumba del papa Julio II, pero que nunca terminó. </li></ul>
  55. 72. <ul><li>Dos teorías del gesto irritado y mirada fulminante de Moisés: un momento antes de que rompa la Tablas de la Ley, cuando descubre que el pueblo ha traicionado a Dios; o cuadno Dios le profetiza que no entraría en la Tierra Prometida. </li></ul>
  56. 73. <ul><li>La tensión juvenil de David se ha tornado aquí en indignación: la fiereza de su mirada, las poderosas manos maltratando su barba, los músculos en tensión… son el perfecto resumen de la teribilitá. </li></ul>
  57. 74. PINTURA
  58. 75. LEONARDO DA VINCI <ul><li>Fue pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, biólogo, músico y escritor. Destacó en todos los campos del saber, por lo que fue considerado como un uomo universale. </li></ul>
  59. 76. ADORACIÓN DE LOS MAGOS. 1481-1482.
  60. 77. <ul><li>La composición de la obra fue inspirada por la Adoración de los Magos de Botticelli. </li></ul>
  61. 78. <ul><li>La Virgen María y el Niño Jesús están representados en primer plano y forman un triángulo o pirámide con los Magos arrodillados en adoración. </li></ul><ul><li>Detrás de ellos hay un semicírculo de figuras que los acompañan, incluyendo lo que podría ser un autorretrato del joven Leonardo. </li></ul>
  62. 79. <ul><li>Domina un sentido de la circularidad: el hecho de que las piernas de María estén vueltas hacia la izquierda mientras que su cabeza y la de Jesús se giran a la derecha dan a la pirámide un sentido de movimiento rotatorio. </li></ul>
  63. 80. <ul><li>En el fondo, dos árboles forman una diagonal. Uno es un laurel, símbolo de triunfo, y el otro una palmera, signo de martirio. </li></ul>
  64. 81. LA VIRGEN DE LAS ROCAS. 1483-1486 <ul><li>Estilo: </li></ul><ul><ul><li>Los colores más utilizados son el marrón, el negro, el azul y el color carne. </li></ul></ul><ul><ul><li>Hay contrastes de luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la imagen. </li></ul></ul><ul><ul><li>Aquí se puede apreciar su teoría de la perspectiva aérea, según la cual la profundidad en los cuadros se consigue usando tonalidades de azul y que sean cada vez menos detallados conforme se alejan del primer plano, creando así una ilusión óptica. </li></ul></ul>
  65. 82. <ul><li>La Virgen está sentada en el suelo de un refugio rocoso de alta montaña. </li></ul><ul><li>Las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. </li></ul>
  66. 83. <ul><li>La Virgen está en el centro, con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista. La Virgen le está mirando. A su izquierda hay un ángel sentado más abajo que la Virgen. Más abajo está el niño Jesús sentado que también mira al pequeño. La Virgen predomina en la imagen. </li></ul><ul><li>Leonardo eligió pintar un momento apócrifo de la infancia de Cristo, cuando Juan el Bautista niño huérfano, refugiado dentro de una gruta y protegido por un ángel, encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto. </li></ul>
  67. 84. LA ÚLTIMA CENA. 1494-1497. <ul><li>No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. </li></ul><ul><li>Se encuentra en el refectorio de Santa María de las Gracias en Milán. </li></ul>
  68. 85. <ul><li>Leonardo ha escogido representar el momento más dramático: Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. </li></ul><ul><li>La afirmación de Jesús &quot; uno de vosotros me traicionará &quot; causa consternación en los doce apóstoles, y ese es el momento que Leonardo representa intentando reflejar &quot;los movimientos del alma&quot;, las reacciones individualizadas de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido. </li></ul>
  69. 88. <ul><li>La mesa con los trece personajes se enmarca en una arquitectura clásica representada con exactitud a través de la perspectiva lineal central, de manera que parece ampliar el espacio del refectorio como si fuera un trampantojo salvo por la diferente altura del punto de vista y el monumental formato de las figuras. Ello se logra a través de la representación del pavimento, de la mesa, los tapices laterales, las tres ventanas del fondo o, en fin, los casetones del techo. Esta construcción en perspectiva es lo más destacado del cuadro. </li></ul>
  70. 89. <ul><li>La escena parece estar bañada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crespuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio. </li></ul><ul><li>Los 12 Apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de 3. </li></ul>
  71. 90. SANTA ANA, LA VIRGEN, EL NIÑO Y SAN JUANITO. 1500. <ul><li>Es un cartón a tamaño natural que combina dos temas populares en pintura florentina del siglo XV: la Virgen (María) y Niño con San Juan Bautista (hijo de la pariente de María Isabel) y la Virgen y el Niño con Santa Ana (la madre de María): así están representadas las tres generaciones de la familia de Cristo. </li></ul><ul><li>Hay un juego entre las miradas de las cuatro figuras, con santa Ana sonriendo a su hija María, mientras que los ojos de ésta se fijan en su hijo, al que también mira san Juan. </li></ul><ul><li>El paisaje del fondo apenas está esbozado. </li></ul>
  72. 91. <ul><li>La Gioconda. 1503-1505. </li></ul><ul><ul><li>Óleo sobre tabla. </li></ul></ul><ul><ul><li>77 x 53 centímetros. </li></ul></ul>
  73. 92. <ul><li>REALISMO DIFUMINADO: Leonardo se propuso humanizar sus personajes, obviando los detalles y difuminando los contornos con la técnica del sfumato: “ el buen pintor debe representar esencialmente dos cosas: el personaje y su estado de ánimo” . A pesar de esto los detalles del bordado del vestido son magníficos. </li></ul>
  74. 93. <ul><li>ELEMENTOS PLÁSTICOS: </li></ul><ul><ul><li>Lo que más llama la atención es su enigmática mirada y misteriosa y atractiva sonrisa. </li></ul></ul><ul><ul><li>La ausencia de pestañas y cejas y la coloración verdosa del rostro (mala restauración) aumentan el magnetismo. </li></ul></ul>
  75. 94. <ul><li>Pintó a la mujer sobre la tabla y luego fue pintado capas de óleo con colores muy diluidos para poder poner innumerables capas transparentes. </li></ul><ul><li>Aparecen difuminados los ojos, los labios, los rizos que caen sobre le hombro de la mujer que se funden con las rocas y con el chal de la mujer. </li></ul>
  76. 95. <ul><li>COMPOSICIÓN: es sencilla. </li></ul><ul><ul><li>Mujer sentada en una silla de brazos, frente a un paisaje. </li></ul></ul><ul><ul><li>Vuelve el cuerpo a un lado y dirige una enigmática mirada al espectador. </li></ul></ul><ul><ul><li>Leonardo consigue que nada parezca inmóvil ni rígido, de manera que incluso las formas del paisaje parecen fundirse unas con otras. </li></ul></ul>
  77. 96. <ul><li>En dos puntos convergen las miradas hacia la obra: el rostro y las manos. </li></ul><ul><li>Para acentuar el aire de misterio, Leonardo utilizó un recurso como es que los dos lados del cuadro no coincidan exactamente: </li></ul><ul><ul><li>Cara y Paisaje: la línea izquierda del horizonte parece más alta que la de la derecha, de forma que cuando el espectador mira el lado izquierdo del cuado, la mujer parece más alta y su expresión diferente que si observa la parte derecha. </li></ul></ul>
  78. 97. <ul><li>El resultado es que la dama se presenta como un ser vivo que cambia continuamente ante los ojos de los admiradores. </li></ul>
  79. 98. <ul><li>CONTENIDO: tan enigmática como la expresión es la identidad de la mujer retratada. Se ha dicho de todo: </li></ul><ul><ul><li>Es el ideal de belleza del autor. </li></ul></ul><ul><ul><li>Adolescente vestido de mujer </li></ul></ul><ul><ul><li>Amante de Guiliano de Médici. </li></ul></ul><ul><ul><li>El propio Leonardo. </li></ul></ul><ul><li>Vasari la identifica con la mujer de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo. </li></ul>
  80. 99. MIGUEL ÁNGEL <ul><li>Bóveda de la Capilla Sixtina </li></ul>
  81. 100. <ul><ul><li>1508-1512 </li></ul></ul><ul><ul><li>Fresco sobre el muro. </li></ul></ul><ul><ul><li>Es considerado como el maestro del dibujo con sus figuras bien torneadas, musculosas, expresivas y de carnes vibrantes y llenas de vida. </li></ul></ul>
  82. 101. <ul><li>ELEMENTOS PLÁSTICOS: la concepción escultórica guió la pintura de Miguel Ángel como se aprecia en la rotundidad de los torsos y las contorsiones de los cuerpos. Para conseguir que cada figura tuviera una postura diferente hizo bocetos y estudios previos. Los cuerpos desnudos y la extrema naturalidad de los gestos revelan su profundo conocimiento de la anatomía humana. Todos los colores son fuertes y luminosos: verde y violeta (colores litúrgicos de la eucaristía predominan en la composición). </li></ul>
  83. 102. COMPOSICIÓN <ul><li>Simuló diez arcos fajones en la intención de dividir la gran bóveda en nueve tramos sucesivos. </li></ul>
  84. 103. <ul><li>Dos falsas cornisas parten los tramos en tres registros. </li></ul>
  85. 104. <ul><li>Los rectángulos resultantes en el registro central son de dos tamaños diferentes y narran nueve historias del Antiguo Testamento: </li></ul><ul><ul><li>La separación de la luz de las tinieblas. </li></ul></ul><ul><ul><li>La creación de los astros. </li></ul></ul><ul><ul><li>La separación de las tierras y las aguas. </li></ul></ul><ul><ul><li>La creación de Adán. </li></ul></ul><ul><ul><li>La creación de Eva. </li></ul></ul><ul><ul><li>El pecado original y la expulsión del paraíso. </li></ul></ul><ul><ul><li>El sacrificio de Noé. </li></ul></ul><ul><ul><li>El diluvio universal. </li></ul></ul><ul><ul><li>La embriaguez de Noé. </li></ul></ul>
  86. 114. <ul><li>Las esquinas de los recuadros menores están sentados los ignudi adolescentes desnudos que sostienen medallones de bronce con escenas del Antiguo Testamento. </li></ul>
  87. 115. <ul><li>En los lunetos y en los tímpanos de los registros laterales se encuentran los antepasados de Jesús. </li></ul>
  88. 117. <ul><li>Entre los tímpanos alternan cinco sibilas y los siete profetas que también ocupan los dos recuadros situados entre las pechinas de los rincones de la bóveda. </li></ul>
  89. 118. <ul><li>CONTENIDO: es fiel a una de las máximas de Miguel Ángel “ la ley de la pintura dice así: en ella deben poder leer todos los que no conocen las letras ”: representa la historia de la primera humanidad. En las bóvedas están representadas las tres realidades del hombre: </li></ul><ul><ul><li>Los principales sucesos espirituales de la Humanidad y las condiciones anteriores a la Revelación (lunetos, tímpanos y pechinas). </li></ul></ul><ul><ul><li>Conocimiento y sus características (sibilas, profetas e ignudos). </li></ul></ul><ul><ul><li>Relación con el cielo (historias bíblicas). </li></ul></ul>
  90. 119. <ul><li>ESCENA DE LA CREACIÓN DE ADÁN: es la más famosa, en la que Dios, con el dedo tendido hacia el padre de la Humanidad, le transmite la vida. Miguel Ángel consiguió que son su barba larga y blanca y su gesto bondadoso, aunque terrible, se convirtiera en la imagen universal del todopoderoso. </li></ul>
  91. 123. RAFAEL <ul><li>LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN. 1504. </li></ul><ul><li>Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de Perugino. Igualmente se considera que la pintura se inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina. </li></ul>
  92. 125. <ul><li>Las figuras, con sus pequeñas cabezas ovales con pequeños rasgos, provienen directamente del estilo de su maestro. </li></ul>
  93. 126. <ul><li>Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada: </li></ul><ul><ul><li>Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras. </li></ul></ul>
  94. 127. <ul><li>El sacerdote es el centro focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y san José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla. </li></ul><ul><li>Predominan los colores cálidos. </li></ul>
  95. 128. LA VIRGEN DEL JILGUERO. 1505. <ul><li>En esta pintura colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús y san Juanito) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular. </li></ul><ul><li>La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). </li></ul><ul><li>El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo: San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro. </li></ul>
  96. 129. LA TRANSFIGURACIÓN. 1517-1520. <ul><li>La obra narra dos hechos: </li></ul><ul><ul><li>La parte superior muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas entre Moisés y Elías con quienes está conversando. Debajo de él hay tres discípulos, en tierra, asustados. </li></ul></ul><ul><ul><li>En la parte inferior representa a los Apóstoles intentando liberar a un niño poseído de los demonios o epiléptico. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la llegada de Jesucristo, recientemente transfigurado, quien lleva a cabo el milagro. </li></ul></ul>
  97. 130. <ul><li>Prefigura el manierismo: posturas estilizadas y retorcidas; pero también anticipa el arte barroco - la tensión dramática y el fuerte uso del claroscuro. </li></ul>
  98. 131. Rafael - La Escuela de Atenas. 1510-1511
  99. 132. <ul><li>Fresco de 7,72 metros de base. </li></ul><ul><li>En 1504 Rafael se traslada a Florencia donde le influyen Miguel Ángel con sus estudios anatómicos y Leonardo con el sfumato, el claroscuro y la distribución de las figuras en el espacio. Fue capaz de eludir la frontalidad para crear majestuosas construcciones en perspectiva circular. </li></ul>
  100. 133. <ul><li>ELEMENTOS PLÁSTICOS: las pinceladas, la suavidad del dibujo y la armonía de los colores reflejan la paz interior que quería comunicar con sus obras. La aparente sencillez de esta obra es fruto de un dibujo preciso y de un estudio detallado de las proporciones, actitudes y distribución de las figuras. </li></ul>
  101. 134. <ul><li>COMPOSICIÓN: </li></ul><ul><ul><li>La escena tiene lugar en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de Bramante para la basílica de San Pedro y en edificios clásicos romanos. </li></ul></ul>
  102. 135. <ul><li>Las líneas de perspectiva de la composición confluyen en los cuerpos de Platón y Aristóteles. </li></ul>
  103. 136. <ul><ul><li>La arquitectura marca la progresión en profundidad de las diferentes figuras. </li></ul></ul>
  104. 137. <ul><ul><li>Aunque el resto de los personajes parecen estar dispuestos de manera anárquica, una mirada atenta permite observar que están distribuidos en grupos, los cuales tienen sus figuras principales y sus propias dinámicas y formas de relacionarse. </li></ul></ul><ul><ul><li>Rafael fue capaz de reflejar con sencillos gestos ideas de gran complejidad. </li></ul></ul>
  105. 138. <ul><li>CONTENIDO: refleja el espíritu de la cultura del Renacimiento y celebra la búsqueda racional de la verdad. La escena recoge una gran número de filósofos de la Antigüedad (no incluyó a ninguno contemporáneo porque consideró que se habían limitado a comentar las obras de los antiguos). </li></ul>
  106. 139. <ul><li>Platón (rasgos de Leonardo), consecuente con su filosofía idealista, alza la mano y sostiene el Timeo, su tratado sobre el origen del cosmos. </li></ul><ul><li>Aristóteles, más apegado al conocimiento sensible, lleva consigo su Ética y señala con la mano hacia la tierra, la realidad humana. </li></ul>
  107. 140. <ul><li>Pitágoras, personificación de la aritmética y la música, lee rodeado por un grupo que le mira concentrado en sus explicaciones. Entre ellos destaca Averroes que lleva turbante. </li></ul>
  108. 141. <ul><li>Epicuro, que también lee un libro sostenido por un niño. </li></ul>
  109. 142. <ul><li>Heráclito con el rostro de Miguel Ángel, se apoya en el primer peldaño de las escaleras y se muestra pensativo y extrañamente quieto, si tenemos en cuenta su afirmación de que todo está sometido a continuo cambio. </li></ul>
  110. 143. <ul><li>Diógenes el Cínico, que renegaba de las posesiones terrenales y las convecciones sociales, está tumbado de cualquier manera en la escalera, indiferente a lo que sucede a su alrededor. </li></ul>
  111. 144. <ul><li>Euclides, con la cara de Bramante, mide una figura geométrica con su compás. </li></ul>
  112. 145. <ul><li>Sócrates, situado a la derecha de Platón, expresa sus ideas a Alejandro Magno. </li></ul>
  113. 146. <ul><li>Zoroastro está representado con una esfera celeste. </li></ul><ul><li>Ptolomeo, de espaldas a los espectadores, sostiene un globo terráqueo, símbolo de su teoría de que la tierra es el centro del universo. </li></ul>
  114. 147. <ul><li>El joven con birrete negro que mira hacia nosotros es el propio Rafael, que tiene a su lado a uno de sus discípulos. </li></ul>
  115. 148. PINTURA VENECIANA <ul><li>Venecia Demostró desde muy pronto tener una personalidad propia diferente a la del resto de los focos italianos. </li></ul><ul><li>Desde el Quatroccento los pintores venecianos sienten una predilección por el color, elemento que prevalece sobre le dibujo. Serán colores cálidos. </li></ul><ul><li>Es el color el mecanismo que sirve par plasmar la luz dorada de esta ciudad que fascinará a los representantes del impresionismo en el S-XIX. </li></ul><ul><li>En Venecia se respira un ambiente muy oriental ya que el comercio era muy rico y permitió que hasta allí llegasen gentes de lejanos países y con ellos objetos y animales exóticos que quedan muy bien reflejados en los cuadros de Veronés. </li></ul><ul><li>Es un arte sensual que se complace en la captación de las calidades, de los cuerpos femeninos desnudos y de los brillos de los lujosos objetos: se detienen en temas que pueden ser considerados secundarios y anecdóticos. </li></ul><ul><li>Incorporación del paisaje al lienzo como fondos compositivos o adquiriendo pleno protagonismo. </li></ul>
  116. 149. TIZIANO <ul><li>Es el retratista de la escuela y el maestro de las formas blandas y redondas como muestra en su predilección por los desnudos femeninos e infantiles. </li></ul>
  117. 150. <ul><li>En LA BACANAL convierte un tema mitológico en un cuadro social, en una fiesta alegre y aprovecha la composición para colocar en un ángulo un esplendido desnudo femenino, obtener brillos de telas y vidrios y efectos de luz azulada en el cielo y los bosques. </li></ul>
  118. 151. DANAE <ul><ul><li>1553. </li></ul></ul><ul><ul><li>Óleo sobre lienzo. </li></ul></ul><ul><ul><li>1,28 x 1,78 metros. </li></ul></ul>
  119. 152. El antecedente de esta obra hay que buscarlo en la Venus de Urbino de Giorgone de 1510.
  120. 153. <ul><li>ELEMENTOS PLÁSTICOS: obra realizada a base de la luz y de los tratamientos del color en lugar del dibujo. (algo que le fue reprochado por Miguel Ángel). Nadie ha tratado la luz con tanta profundidad, ya que esta luz dorada procedente del cielo convierte al cuerpo desnudo, perfecto y dorado en protagonista del cuadro. Los efectos lumínicos aplicados a la lluvia de oro intensifican la impresión de que no procede de este mundo. La sensualidad de la escena se intensifica con la aplicación del sfumato, apreciable sobre todo en los contornos del cuerpo de Danae. </li></ul>
  121. 154. <ul><li>COMPOSICIÓN: la relación entre todos los elementos es evidente: la lluvia se dirige hacia Danae, la sirvienta se apresura a recoger las monedas, la blancura de la joven y su suavidad destacan al compararla con el cuerpo de la criada. La obra narra un momento concreto de gran dinamismo: el dios llega en forma de lluvia para seducir a la bella muchacha y la sirvienta se inclina rápidamente para recoger las monedas, dejando claro que Dánae va a aceptar la proposición. Tanto la mirada de Dánae, como la de la vieja y la lluvia de oro, convergen en el centro del cuadro, aunque la protagonista del cuadro es la joven, iluminada por una luz sobrenatural. </li></ul>
  122. 155. <ul><li>CONTENIDO: la bella Dánae fue encerrada por su padre para evitar que se cumpliera una predicción por la cual un nieto le mataría. Zeus se presentó metamorfoseado en lluvia de oro para llegar hasta la doncella y concibieron a Perseo, que efectivamente mató a su abuelo, aunque por accidente. </li></ul>
  123. 156. <ul><li>Veronés: es el pintor del lujo ya que las escenas se desarrollan en palacios de mármol, con columnatas y balaustradas, jardines con fuentes. Sus figuras se envueleven en ropajes costosos y se adornan con alhajas. BODAS DE CANAÁ. </li></ul>
  124. 161. TINTORETTO <ul><li>Deja ver ya las crisis de los ideales del Renacimiento en sus composiciones manieristas. </li></ul><ul><li>Maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de los escorzos, del movimiento tenso, inestable, del paisaje romántico, de la profundidad obtenida mediante la alternancia de zonas de diferente intensidad lumínica (anticipo del Barroco). </li></ul>
  125. 162. EL LAVATORIO <ul><ul><li>1547. </li></ul></ul><ul><ul><li>Óleo sobre lienzo. </li></ul></ul><ul><ul><li>2,10 x 5,33 metros. </li></ul></ul><ul><ul><li>Debe el nombre al oficio de su padre que era tintorero de sedas. </li></ul></ul>
  126. 163. <ul><li>Los personajes en primer plano sirven de encuadre del conjunto e introducen al espectador en el interior de la escena, donde las figuras, en apariencia dispersa, están engarzadas por toda una serie de miradas y actitudes que las relacionan. </li></ul>
  127. 164. <ul><li>El escenario se inspira en la pautas marcadas por el arquitecto Serlio y está dominado por la mesa en escorzo. </li></ul>
  128. 165. <ul><li>Las losetas, de diferentes color y tamaño, convergen hacia el fondo atrayendo la atención hacia el canal y las construcciones arquitectónicas. </li></ul>
  129. 166. BODAS DE CANA – Tintoretto
  130. 167. MANIERISMO <ul><li>Se desarrolla en un momento de disturbios políticos, económicos, científicos y religiosos que hace entrar en crisis el optimismo del hombre renacentista y que en Arte desemboca en una reacción anticlásica. </li></ul><ul><li>Durante este periodo mueren los artistas más importantes del Renacimiento (sólo sobrevive Miguel Ángel) y desde 1530 el ideal clásico del Renacimiento ya no colmaba las aspiraciones del hombre: la razón y la armonía no bastan, por lo que el hombre pierde la seguridad en sí mismo, vive en la angustia generada por la tensión entre vida y fe, entre miseria y grandeza. </li></ul><ul><li>Es considerado sobre todo a partir del S-XIX como sinónimo de decadencia debido a la fría técnica imitativa de los grandes maestros del S-XVI. </li></ul><ul><li>El nombre de Manierismo proviene de la palabra maniera , que significa el modo de pintar o de esculpir (lo que hoy llamamos estilo), fundamentalmente de los más grandes: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. </li></ul>
  131. 168. <ul><li>Características generales: </li></ul><ul><ul><li>Predominio de la distorsión, la confusión, la tensión, la deformación frente a la claridad, placidez y armonía del clasicismo. </li></ul></ul><ul><ul><li>Abandono de la forma a favor de la luz y el color. </li></ul></ul><ul><ul><li>Figuras sinuosas, serpentinianas, estilizadas. </li></ul></ul><ul><ul><li>Importancia del color. </li></ul></ul><ul><ul><li>Empleo de convencionalismos como medio para traducir la tensión del hombre del momento: figuras en marcos estrechos, fondos oscuros… </li></ul></ul><ul><ul><li>Obras de carácter cerebral e intelectual por lo que en los círculos eclesiásticos no fue bien aceptado. </li></ul></ul>
  132. 169. ARQUITECTURA del MANIERISMO
  133. 170. Palladio: Villa Capra – La Rotonda
  134. 171. <ul><li>1551-1553. </li></ul><ul><li>Planta central organizada a partir de una gran sala circular central rodeada de habitaciones rectangulares que conforman un cuadrado. </li></ul><ul><li>Simetría organizada por la distribución de las dependencias y por el aspecto de cruz griega que le confieren los cuatro pórticos salientes. </li></ul>
  135. 172. <ul><li>Es conocida como la Rotonda por la espectacular sala central cubierta por una bóveda, que resulta oscura ya que la única iluminación es un pequeño óculo en el centro de la cúpula y la luz que recibe de los cuatro corredores que convergen en ella. </li></ul>
  136. 173. <ul><li>En el exterior Palladio utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas, orientadas hacia los cuatro puntos cardinales. Un elevado basamento con escaleras – pórticos hexástilos de orden jónico con sus preceptivos entablamentos y frontones. </li></ul>
  137. 177. ESCULTURA <ul><li>GIAMBOLOGNA: EL RAPTO DE LAS SABINAS. </li></ul><ul><ul><li>1581- 1583 </li></ul></ul><ul><ul><li>Talla de mármol. </li></ul></ul><ul><ul><li>4,10 metros de alto. </li></ul></ul><ul><ul><li>Obra inspirada en las ideas estéticas de Miguel Ángel y Cellini y su aportación mas importante es la figura serpentinata, que consiste en un giro en espiral ascendente de las figuras. </li></ul></ul><ul><ul><li>Rómulo atrapa con sus fuertes brazos a la sabina, que intenta escaparse, mientras su marido se encuentra en el suelo, bajo las piernas del fundador de Roma. </li></ul></ul><ul><ul><li>Cada ángulo de la escultura ofrece una visión distinta sin perder la unidad de acción. </li></ul></ul>
  138. 178. <ul><li>CELLINI: PERSEO </li></ul><ul><ul><li>1545-1554. </li></ul></ul><ul><ul><li>Fundición de bronce. </li></ul></ul><ul><ul><li>3,20 metros de alto. </li></ul></ul><ul><ul><li>Se erige sobre un pilar de mármol cuadrado, decorado con pequeñas estatuas de bronce dentro de las hornacinas. </li></ul></ul><ul><ul><li>Ofrece un mayor efecto dramático si se observa desde su lado derecho, desde el cual ganan protagonismo la espada que sostiene en el mano derecha y la cabeza de Medusa que sostiene con la izquierda (el cuerpo yace a los pies). </li></ul></ul><ul><ul><li>El casco con las alas de Mercurio que cubre su cabeza destaca por su minuciosidad y recuerda que Cellini era orfebre. </li></ul></ul>
  139. 180. PINTURA <ul><li>Es donde se manifiestan de forma más impactante las formas rebuscadas y afectadas del Manierismo. </li></ul><ul><ul><li>Densidad de los cuadros, con figuras apretadas y acumulación de objetos como expresión del horror vacui que contrasta con los espacios que presentan los lienzos del Clasicismo. </li></ul></ul><ul><ul><li>Figuras de cánones alargados. </li></ul></ul><ul><ul><li>Aparición de temas extraordinarios, no siempre agradables. </li></ul></ul><ul><ul><li>Presencia de diversos ejes en los ángulos de las composiciones. </li></ul></ul><ul><ul><li>Empleo de tonalidades frías que no corresponden con los objetos representados. </li></ul></ul>
  140. 181. PINTURA FLAMENCA <ul><li>EL BOSCO – EL JARDÍN DE LAS DELICIAS (1510-1515). </li></ul><ul><ul><li>Óleo sobre tabla. </li></ul></ul><ul><ul><li>2,20 metros de alto x 1,95 metros tabla central y 96,5 tablas laterales. </li></ul></ul>
  141. 182. <ul><li>ELEMENTOS PLÁSTICOS: </li></ul><ul><ul><li>Uso del color supeditado al tema tratado: </li></ul></ul><ul><ul><ul><li>Izquierda = paraíso = tonos verdes y amarillos que sugieren pureza y renovación. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Central = prevalece la luz del paraíso con los tonos blancos de los cuerpos desnudos. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Derecha = infierno = negro y rojo, acorde con las escenas que se representan. </li></ul></ul></ul><ul><ul><li>Figuras pequeñas, muy perfiladas y de gran minuciosidad, lo que le permite recrear una enorme cantidad de gestos y escenas. </li></ul></ul>
  142. 183. <ul><li>COMPOSICIÓN: determinada por la forma del tríptico. </li></ul><ul><ul><li>Cerrado: única imagen en la que se observa el mundo en el tercer día de su creación dentro de una esfera de cristal, símbolo de su fragilidad. </li></ul></ul>
  143. 184. <ul><li>Tabla de la izquierda: creación de Eva, escena observada por Adán. Al fondo hay un estanque (la fuente de la vida) rodeado de animales fantásticos y árboles exóticos. </li></ul>
  144. 185. <ul><li>Tabla central con un extenso jardín rebosante de animales y hombres y mujeres desnudos en escenas lascivas. En el centro de la composición un círculo de jinetes gira como un tiovivo en torno a un estanque central en el que se bañan doncellas: origen de las actividades dominadas por las tentaciones de la carne. </li></ul>
  145. 186. <ul><li>Tabla de la derecha: dedicada al infierno. El negro de la oscuridad y el rojo del fuego dominan el paisaje. La conversión de las presas en cazadores (conejo que lleva una víctima humana colgada de una lanza) y las proporciones desmesuradas de los objetos cotidianos e inocuos (convertidos en instrumentos de tortura) expresan el caos existente en el infierno. </li></ul>
  146. 187. <ul><li>CONTENIDO: cumple la función de sermón gráfico a través del cual el Bosco pretende recordar lo efímero de los placeres terrenales y las graves consecuencias de su abuso. </li></ul><ul><ul><li>Tabla central: pecado mortal de la lujuria. </li></ul></ul><ul><ul><li>Tabla izquierda: origen del pecado. </li></ul></ul><ul><ul><li>Tabla derecha: castigo posterior al pecado. </li></ul></ul><ul><ul><li>Imágenes que representan la lascivia: pareja de está dentro de una esfera transparente. </li></ul></ul><ul><ul><li>Sexualidad de forma metafórica o simbólica: muchos de los frutos que mordisquean o sostienen los amantes se refieren a los órganos sexuales, y los peces representan el órgano fálico. </li></ul></ul>

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