este trabajo esta hecho con la finalidad de dar a conocer a los interezados los diversos tipos de cine que existen

1. El cine
Etimológicamente, la palabra cine proviene del griego kiné, que significa
quot;movimientoquot; o bien, quot;cinéticoquot;, quot;cinéticaquot;, quot;kinesiologíaquot;, quot;cinetecaquot;, etc. Dicha palabra
designa a las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte y comúnmente
considerando las seis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte. No obstante,
debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el
cine hoy. Sin embargo éste, tiene que ver con el deseo, con lo imaginario, con lo simbólico
y con los juegos de identificación que realiza el espectador, porque lo condicionan de una
manera inconsciente y, sus aspectos son estudiados desde los campos de la psicología, la
sociología, la psiquiatría, la semiótica, entre otras disciplinas.
Este arte se proyecta a través de un lenguaje propio, que analizado desde la
semiótica adquiere un carácter icónico. Procede de la fotografía y se amplía con la
incorporación de la banda sonora y a su vez, el cine se encuentra emparentado con la
literatura. Ambos tienen como finalidad la utilización de la palabra y la de contar historias.
Dichos lenguajes no son antagónicos, sino diferentes. Lo que en cine vemos desarrollarse
en pocos minutos, en literatura puede ser narrado desde la visión del escritor con múltiples
facetas
Para realizar una determinada escena de cualquier índole, se necesita previa
preparación y las personas y elementos que hacen falta para que todo marche a la
perfección son los siguientes:
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos
organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación
del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la
difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o
creativo, se lo llama quot;co-productorquot;. También forman parte del área el director de
producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una
película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo
técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular.
Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar
a buen término el rodaje. También forman parte del área el asistente de dirección,

2. denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director el
director de actores.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una
historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos
escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión
cinematográfico se distinguen: el guión literario o cinematográfico, que narra la película en
términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y
escenas, y el guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas
(tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.
También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con
dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el
proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste
es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.
Sonido. Los encargados del sonido cinematográfico son el sonidista y los
microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la
música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la
banda sonora original.
Fotografía. El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la
película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la
historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar,
los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película,
también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la
imagen y la atmósfera óptica de la película.
El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de
fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara, el segundo asistente de
cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores
de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara y otros
asistentes o aprendices.
Montaje. El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas
tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en
escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos

3. registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del
director y el aporte del montador.
El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como
Avid u otros métodos de montaje digital, puede tener un asistente y a la vez suele trabajar
en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera
copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición
offline.
Arte (Diseño de producción). El área artística puede tener un director de arte o
varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un
diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos
directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados
de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros
suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta
área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como
otros efectos realizados durante la fase de postproducción.
Stunts o doble cine. Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que
sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz
podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores
ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para
realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para
realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de
un accidente y así atrasar toda la filmación.
Géneros cinematográficos
Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las
películas que abarquen, originalmente según sus aspectos formales (ritmo, estilo o tono y,
sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el espectador, ajuste).
Alternativamente, los géneros cinematográficos se definen por su ambientación o por su
formato.
1. Cine Cómico. Una comedia cinematográfica es una película con humor o que
intenta provocar la risa de la audiencia. Junto con el drama y la ciencia ficción, la
comedia es uno de los más importantes géneros cinematográficos.

4. El cine cómico o cine de comedia, que se caracteriza por la inclusión de gags,
chistes o bromas, tanto visuales como verbales, inicia su andadura prácticamente con el
comienzo de este arte. El regador regado (1896), película francesa de los hermanos
Lumière, se considera la primera comedia de la historia del cine. En estas comedias, casi en
su totalidad estadounidenses se utilizaban las persecuciones, los golpes, las caídas, las
sorpresas de los personajes, para conseguir la hilaridad del público. Era un cine lleno de
golpes de tartas, choques de automóviles y cientos de situaciones más o menos insólitas.
Entre los nombres importantes del cine cómico, destacan Charles Chaplin, Mack
Sennett, Roscoe Fatty Arbuckle, Buster Keaton, Max Linder, Harry Langdon o Harold Lloyd,
además de ello los Films de esta época son: Police (1916), El maquinista de La General
(1926), El hombre cañón (1926) y El tenorio tímido (1924).
2. Cine negro: Las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a
hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica
estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un
lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizada por una
iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se
juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos
efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro.
Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de
establecer (caso paradigmático son los detectives privados, frecuentes protagonistas del
género, tales como Sam Spade o Philip Marlowe). Las fronteras entre buenos y malos se
difuminaban y el héroe acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.
Así mismo este cine presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no
sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un
ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan
directamente el fracaso del protagonista. Las novelas de Dashiell Hammett y Raymond
Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe son frecuentes fuentes de los guiones del
género.
3. Cine de acción. Es un género cinematográfico en el que prima la
espectacularidad de las imágenes por medio de efectos especiales dejando al margen
cualquier otra consideración. Los elementos más frecuentes de una película de acción son
persecuciones (tanto a pie como con vehículos), tiroteos, peleas, explosiones, robos y los

5. asaltos; éste en realidad es más un convencionalismo popular, que un género
cinematográfico acuñado por críticos, estudiosos o cineastas.
El cine de quot;acciónquot; surge por la urgencia de clasificar cintas explosivas, con actores
populares y con tramas lineales, llenas de espectacularidad y opulencia aparecidas a
mediados de los setenta en el cine americano, los locales de alquiler o renta de películas
en formatos caseros son quienes masificaron esta forma de adjetivar a las cintas como de
quot;acciónquot;. La trama suele estar basada en un conjunto reducido de clichés en los que se
suele incluir:
 Un héroe
 Un villano
 Una joven desvalida (que suele ser rescatada por el protagonista y, últimamente,
prevalecen las rubias).
 Un actor secundario cómico (que puede ser un animal).
 Un final feliz (que incluye la unión o boda del protagonista con la chica).
4. Cine de aventura. Es un género cinematográfico que refleja un mundo heroico de
combates y aventuras. Suele predominar la acción y valores caballerescos.
Inventado en Italia como medio de exaltación de su pasado histórico, para posteriormente
ser usado en Rusia para la exaltación de la Revolución Rusa.
Títulos como En busca del arca perdida dieron gran auge al género en los años 1980, que
ha tenido sus altibajos de interés a lo largo de la historia.
Sus características generales son:
 Tratamiento intrascendente y seudodramático de los conflictos que plantea.
 Las escenas de mucha acción: batallas, persecuciones,... siempre se filman en
planos cortos.
 Personajes estereotipados y antitéticos (un héroe fuerte, valeroso y un villano).
 Los personajes luchan por un objetivo: tesoro, resolución de un misterio, rescate de
personas.
 Premisa: El bien siempre prevalece sobre el mal.
 Protagonistas atraviesan por obstáculos y sufren una transformación a lo largo de la
historia.
 La acción dramática ocurre alejada de los espacios cotidianos. Siempre en lugares
poco usuales: selvas, desiertos, galaxias, etc.
 Frecuentemente la acción sucede en el pasado.

6.  Se le da más peso a la ambientación, vestuario y efectos especiales que al guión.
5. Cine de terror. Es un género cinematográfico que se caracteriza por su voluntad de
provocar en el espectador sensaciones de pavor, miedo, disgusto, repugnancia u horror.
Sus argumentos frecuentemente desarrollan la súbita intrusión en un ámbito de normalidad
de alguna fuerza, evento o personaje de naturaleza maligna, a menudo de origen criminal
o sobrenatural.
El motor sensacionalista en estas películas es, en muchos casos, la exhibición de la
crueldad, humana, bestial o sobrenatural, como representación del mal, en cualquiera de
sus muchas variantes, aparte del mal y muy ligado a él, lo oculto o misterioso, como es
lógico, define también al cine de terror como género, y lo hace tanto en el plano
arquetípico como en su desarrollo escenográfico. Lo oculto sugerido sirve tanto para
referirse a la temática del cine de terror (lo oculto del inconsciente criminal, lo oculto de los
monstruos siempre escondidos en las entrañas de la sociedad, lo oculto de nuestras
tendencias y deseos más inconfesables, como a su caracterización y puesta en escena, a
veces tendente, como en el suspense, a escatimar información al atribulado personaje,
que impotente en su butaca, espera angustiado acontecimientos.
6. Cine dramático. Como género cinematográfico el drama siempre plantea
conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una
respuesta emotiva en el espectador, conmoviendo a éste, debido a que interpela a su
sensibilidad. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas
interiores. La temática de este tipo de películas es diversa, pero su eje principal es el amor.
Cuando esto último es bastante exagerado, al drama se le conoce por melodrama: En él,
los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. La mayoría de las
películas promueven la moralidad como eje central y, por ello, tienen una dimensión
didáctica acusada. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de
la obra. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática).
7. Cine épico. Las películas épicas son un género cinematográfico en el que las
películas suelen ser grandes producciones con una temática normalmente dramática. El
nombre se deriva de las grandes historias y personajes de la novela épica, y normalmente
se emplea para hablar de películas de las llamadas quot;de capa y espadaquot;, aunque también
se suele hacer uso del término cuando se habla de los grandes westerns.
El término quot;épicoquot; se refiere a películas de larga duración, que a menudo centran su
trama en tiempos de guerra o de conflictos y que suelen abarcar un amplio espacio de

7. tiempo. Se suele hacer uso de un escenario histórico, aunque también se puede hacer uso
de una ubicación de ficción. Normalmente, las películas épicas centran su trama en la
consecución de una serie de metas o búsqueda, las cuales tienen que ser alcanzadas por
un quot;héroequot; o por un grupo de personas.
8. Cine histórico. Género cinematográfico que gira en torno a la narración de uno o
varios hechos históricos reales. Es uno de los géneros más comunes del cine y sus orígenes
se hunden en los primeros años de vida del Séptimo Arte. En varias ocasiones ha sido usado
como una herramienta política y muchas veces ha sido utilizado como método de
propaganda.
9. Cine musical. Es un género cinematográfico que se caracteriza por películas que
contienen interrupciones en su desarrollo para dar un breve receso por medio de un
fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía. En los comienzos de este
género, el fragmento tenía como objetivo impresionar sin mantener mucha conexión con
el desarrollo narrativo.
10. Cine mudo. Es aquel que no posee sonido ni diálogos, consistiendo únicamente
en imágenes.
11. Cine de animación. En este se usan mayoritariamente técnicas de animación. A
diferencia del cine de imagen real que registra imágenes reales en movimiento continuo,
descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de
animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una
por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma que al
proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras
en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de
animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
12. El cine bélico. Como genero, tiene ciertas características obvias, como son las
de índole temática, que marca la diferencia con otros géneros, en el vemos reflejada
aspectos militares, uniformes, y acciones estratégicas o tácticas en los campos de batalla,
incluso se mezclan con filmes de espionaje en retaguardia o en el frente, o aventuras
conexas en los diversos teatros de operaciones.
13. Cine independiente. Una película independiente es aquella que ha sido
producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. a diferencia
del cine de industria que puede ser o no de autor, el cine independiente lo será casi

8. siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y
toda su producción puede ser considerada independiente.
14. Cine documental. Es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la
realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero
eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el
segundo un género televisivo.
15. Cine experimental. Es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico,
olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo
estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones,
experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de
la imagen o el sonido.
16. Cine de autor. Fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para
referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de
todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones.
Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al
margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios
comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e
inquietudes en la película. Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción,
ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio
sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los
cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
Historia del Cine
El Precine. El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el
movimiento. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas
demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han buscado
procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las representaciones con
sombras, los primeros espectáculos en público con proyección de imágenes animadas.
Utilizada ya en el siglo XVI, la quot;cambra obscuraquot; permitía la proyección de imágenes
externas dentro de una cámara oscura. La precursora de la fotografía. De la misma
manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de

9. cine, en proyectar imágenes sobre una superficie plana, con el fin de hacerlas llegar a
todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los
espectadores. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos
destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison,
cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película individualmente.
Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la
gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado estuvo, como el tiempo llegó a
demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a
nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.
El nacimiento del cine: La época muda. Con todo, se considera que el cine nació
oficialmente el 28 de diciembre de 1895. Aquel día, los hermanos Lumière mostraron, en
sesión pública, sus films a los espectadores del Salon Indien de París. En uno de sus primeros
films, quot;La llegada de un tren a la estación de Ciotatquot;, el efecto de una locomotora que
parecía salir de la pantalla fue enorme. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron
Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue apagando por
el cansancio del público.
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la
vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès,
que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès
hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan
en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer
inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. quot;Viaje a la Lunaquot; (1902) y quot;Viaje a través
de lo imposiblequot; (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes.
Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo.
Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de
maquetas.
Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban
explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al
espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y
espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares.

10. Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular, que supera las barreras
sociales e idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas y etnias-
, el factor negocio entra en acción. Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico
y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados contra los explotadores de
aparatos cinematográficos. Se trata de la guerra de las patentes (1897-1906) que, después
de una época de procesos, clausuras de salas, confiscación de aparatos y momentos de
violencia, da la victoria a Edison.
Ello afectó negativamente a los productores independientes, los cuales, para huir del
inventor-negociante, marchan al otro lado del país, a California, donde fundan Hollywood.
Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano.
Dentro de los maestros del período mudo tenemos: David Wark Griffith, Douglas
Fairbanks, Luis Buñuel, Rodolfo Valentino, Lilian Gish , Mack Senté, Gloria Swanson,
Whe Lloyd, John Barrymore, Charles Chaplin.
La época sonora. En el año 1893, el físico francés Démeny inventó lo que se llamó
fotografía parlante. Charles Pathé, uno de los pioneros del cine, combinó fonógrafo y
cinematógrafo, llegando a fabricar unas 1900 películas cantadas. Y también en la misma
época, Léon Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de films parecido, que
presentó en la Exposición Universal de París de 1902.
Otros inventos posteriores, el de Eugène Lauste y el de Messter Baron y Ruhmer, en la
segunda década del siglo XX, son importantes como primeros experimentos, pero no
llegaron a buen término a causa de la mala calidad del sonido resultante o problemas con
la sincronización.
Así, en 1918, es patentado el sistema sonoro llamado Triergon, que permitía la
grabación directa en el celuloide. Pero no será hasta el año 1922 que Jo Engel, Hans Vogt
y Joseph Massole presentan el primer film, Der branstifer, que lo utiliza incorporando las
aportaciones del ingeniero norteamericano Lee de Forest. El sistema que usan estos
alemanes dará lugar al llamado Movietone, que será utilizado por la Fox antes de la
estandarización y al llamado Tobis Klangfilm.
En 1925, la compañía Western Electric decide apostar por Lee de Forest y, en el año
1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers que, con esta apuesta,
pretendía superar una mala situación económica. Y así ese año presentaban cinco cintas
en que la imagen convivía con el sonido gracias al sistema Vitaphone de sincronización
disco-imagen. Éstas consistían en un discurso de William Hays, una pieza interpretada por la

11. New York Philarmonic Orchestra, una pieza de violín tocada por Mischa Elman, una
audición de la cantante Anna Case y la película de Alan Crosland, Don Juan, con John
Barrymore como protagonista y en la que se había añadido una partitura interpretada por
la orquesta antes citada.
El cine sonoro: una nueva forma expresiva. Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y
emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera
el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con
el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar
de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35
años.
En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura
sincronizada, posteriormente el 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz
Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo tambalear
todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine
mudo había sido definitivamente vencido.
Cabe mencionar que el cine sonoro no era simplemente el mudo con sonido incorporado,
sino una nueva forma de expresión que tenía que reconciliar lo real (la grabación precisa
de palabras y sonidos) con lo irreal (la imagen bidimensional), mientras que el cine mudo
había sido una unidad armoniosa, completa por sí misma.
Épocas importantes del cine
Cine de los años 20. La «funcionalidad» del cine en los años 20 es más extensa, ya que
salva el abismo que separa a buena parte de la masa de los medios de comunicación
usuales, básicamente la prensa, mediante una información más directa, «sensorial» y por
tanto accesible. Pero no se trata de una información «pura», televisiva, sino
fundamentalmente de una «recreación» de la realidad, como veremos, en el sentido de
configurar un espacio de la representación de la realidad.
Por otro lado, el cine sustituirá en cierto modo a la vertiente lúdica que constituyen los
espectáculos populares, hasta entonces una de las pocas formas de ocio social
extendidas masivamente entre la población. De esta sustitución se deriva el hecho de los
innegables «préstamos» que el cine recibe de aquél.

12. La estructura de la transmisión de informaciones en España es compleja. Por un lado
existe una mayor difusión de la prensa escrita en la época analizada, e incluso irrumpe
siquiera con mínima fuerza la radiofonía. Es decir, a la población llegan genéricamente los
lugares comunes propios de lo que podría llamarse «las grandes noticias». Todas las clases
sociales, reciben esta imagen de la realidad más distante a la cotidiana. El cine aprovecha
esta rica veta de expectación preconfigurada, y dota abundantemente a los
espectadores de un género que en realidad dista bastante del posterior informativo o
«nodo».
Mejores películas: La Quimera del oro, el fantasma de la ópera, el Gabinete del doctor
Caligari, un perro andaluz, el Acorazado Potemkin, el hombre mosca, metrópolis, el ladrón
de Bagdad.
Grandes maestros: Charles Chaplin, Fritz Lang, Sergei Eisenstein, Rupert Julian, Robert
Wiene, Luis Buñuel.
Cine de los 30. Se conoce como cine de gángsters el género cinematográfico que tiene
como tema principal el crimen organizado. A diferencia de otros géneros cuyo tema
central es el delito, en el cine de gángsters predomina el punto de vista del propio criminal,
lo que hace que muchas de estas películas resulten moralmente ambiguas; en ocasiones,
obras de este género han sido acusadas de glorificación de la violencia, por lo que han
tenido frecuentes problemas con la censura.
En los años 30, la etapa de formación del género, las películas más emblemáticas
son El enemigo público de William A. Wellman, y Los violentos años veinte, de Raoul Walsh,
ambas protagonizadas por James Cagney. Tras la Segunda Guerra Mundial, el cine de
gángsters decae y es sustituido en el aprecio del público por el cine negro, con el que no
debe confundirse aunque existan entre ellos numerosas similitudes, en consecuencia, sin
duda alguna el género que predominó en los años 30 fue el de terror.
Los primeros intentos de cine sonoro en México fueron frustrantes. Los trabajos de
Contreras Torres, Salvador Pruneda y Ángel E. Álvarez no lograron una mínima exhibición. El
primer paso importante lo dio Raphael J. Sevilla con Más fuerte que el deber (1930), luego
se incorporaron Fernando de Fuentes con El compadre Mendoza (1933) y Cruz Diablo
(1934); Arcady Boytler con La mujer del puerto (1933).
Por otro lado, tras su experiencia en La quimera del oro (1925), Charles Chaplin rodó
Luces de la ciudad (1930). Lo cierto es que Chaplin se adentró en el sonoro con una soltura

13. prodigiosa. En Tiempos modernos (1935) alcanzó la cumbre de su crítica contra la inclusión
de la máquina en la sociedad productiva.
Mejores películas: El conde Drácula, Hampa dorada, Frankestein, Lo que el viento se
llevó, La fuga de Tarzán, La dama de las camelias, King Kong, Luces de la ciudad, El
hombre invisible, Scarface.
Grandes maestros: Victor Fleming, James Whale, Tod Browing, Cooper Schoedsack, Fritz
Lang, Frank Capra, Charles Chaplin, Howard Hawks.
Cine de los 40. Es difícil establecer una unidad en el cine de los 40, pues existen tres
períodos. El primero comprende los años 1940 y 1941, antes de que Estados Unidos entrara
en la guerra. El segundo abarca hasta el final de la guerra en 1945. El tercero es la
posguerra y la recuperación de los cines nacionales europeos.
En tanto, surge en esta época brillantes personajes, como: Orson Welles, hace en
1941 Ciudadano Kane; Rossellini hace: Roma, ciudad abierta fue rodada en 1945. La
primera voz que desde América se alzó contra los nazis fue la de Charles Chaplin en El gran
dictador (1940). Curiosamente, Chaplin era el único cineasta que todavía no había
aceptado el cine «hablado» y ésta fue su primera película hablada, en la que hace un
discurso de siete minutos. Aparecerían también figuras como Marilyn Monroe, mítica mujer
que en lo años 40 reflejara un sentido nuevo al cine norteamericano.
Pero sería en esta época en que el cine latinoamericano, y sobre todo el mexicano
alcanzarían gran auge con celebridades como Jorge Negrete, Mario Moreno “Cantinflas”,
Sara García, entre otros, sería “Cantinflas” quién establecería un estilo distinto al cine de la
época, presentando la verdadera cara de la sociedad mexicana de la época.
Mejores películas: Casablanca, Al rojo vivo, El ciudadano Kane, Abajo el telón, Ahí
está el detalle, Ser o no ser, Duelo al sol, Los tres mosqueteros, El gran dictador, Gilda,
Las uvas de la ira, Gángsters en fuga.
Grandes maestros: Michael Curtis, Roberto Rossellini, Frank Capra
George Sidney, Orson Welles, Mario Moreno Cantinflas, Vittorio de Sica, Fritz Lang,
Jean Rendir, Charles Chaplin.
Cine de los 50. Los exiliados europeos hicieron lo posible por recomponer sus carreras
en Hollywood. El maestro Fritz Lang, acaso uno de los más destacados en aquel destierro,
ya había rodado en Estados Unidos Furia (1936), El hombre atrapado (1936) y Los verdugos
también mueren (1943). Durante la década de los cincuenta, puso su firma a cintas

14. inolvidables: Los sobornados (1953), Deseos humanos (1954), Mientras Nueva York duerme
(1956), Más allá de la duda (1956), Los contrabandistas de Moonfleet (1955) y Encubridora
(1952). De vuelta en su Alemania natal, se le dio la ocasión de rodar tres títulos con un poso
de nostalgia: El tigre de Esnapur (1958), La tumba india (1959) y Los crímenes del Doctor
Mabuse (1960).
Otro creador itinerante fue Max Ophüls, que viajó de un lado a otro del Atlántico. En
Francia rodó La ronde (1950), El placer (1952) y Madame de… (1953), interpretada esta
última por Danielle Darrieux, Charles Boyer y Vittorio de Sica. Una de sus obras más brillantes
durante la década fue Lola Montes (1955).
En Latinoamérica se siguió viviendo una buena década de cine emblemático para
todos los países del continente, a los grandes del cine de los 40 como Jorge Negrete,
“Cantinflas”, Sara García, se les sumarian estrellas de la talla de Pedro Infante y Libertad
Lamarque, dando así más difusión al cine en estas tierras.
Mejores películas: El crepúsculo de los dioses, La noche del cazador, Los diez
mandamientos, Eva al desnudo, El séptimo sello, La vuelta al mundo en 80 días, Pepe el
toro, El siete machos, Los olvidados, Cantando bajo la lluvia, Los siete samuráis y Simbad y
la princesa, La ventana indiscreta, Ben-Hur, Un tranvía llamado deseo.
Grandes maestros: Mario Moreno Cantinflas, Federico Fellini, Billy Wilder, John Ford,
Stanley Donen, Michael Anderson, Sydney Lumet, Cecil Demille, Ingmar Bergman, Masaka
Kobayashi, Elia Kazan, Jorge Negrete, Pedro Infante, Ladislao Vajda.
Cine de los 60. La creciente importancia de la televisión había llevado a los estudios
de Hollywood a experimentar con diversas modalidades de pantalla ancha para combatir
el nuevo medio, pero la naturaleza de las películas no había cambiado significativamente.
A comienzos de los 60, Doris Day seguía siendo la novia de América. Pero a finales de la
década la estrella de la Day se había eclipsado casi del todo, viéndose ensombrecida por
el nuevo estilo de películas ejemplificado por Buscando mi destino (Easy Raider) y Grupo
salvaje (The Wild Bunch, ambas de 1969).
Uno de los elementos que más contribuyó a acelerar el inevitable cambio en quot; la
fábrica de sueños quot; fue la muerte o el retiro de numerosas figuras clave de la era dorada de
la industria cinematográfica americana. Sam Goldwyn había dejado de producir películas;

15. y la MGM, empezó a declinar a finales de los 60; la Universal se centró en la televisión y en
la industria turística, mientras que la Paramount buscó refugio en los brazos del grupo de
compañías Gulf and Western; por su lado la Warner Bros se vio absorbida por el grupo
Kinney.
Si hubo una película de los años 60 que simbolizó el fin del viejo Hollywood fue
Cleopatra (1963), cuyos costos ascendieron finalmente a 40 millones de dólares. Cleopatra
fue un glorioso canto de cisne del viejo Hollywood, al igual que su estrella, Elizabeth Taylor,
fue uno de los últimos grandes mitos fabricados por los grandes estudios.
En la década de los 60, la figura cinematográfica clave de la época fue probablemente James
Bond. A finales de los 60 estaba ya claro que las películas más taquilleras eran las que atraían a los
espectadores jóvenes. En el año 1969 se produjo la aparición de toda una serie de películas que
demostraban la fuerza de esta nueva tendencia.
Mejores películas: El apartamento, Un hombre para la eternidad, Dimensión
desconocida, West Side Store, La Noche de los Muertos Vivientes, Los pájaros, Lawrence of
Arabia, Oliver, 200 maníacos, Tom Jones, Cowboy de Medianoche, Jason y los Argonautas,
Mi bella dama, Batman y Robin, El calor de la noche, Lágrimas y sonrisas, La caída de la
casa Usher, Cleopatra.
Grandes maestros: Robert Wise, Norman Jewison, Billy Wilder, David Lean, Carol
Reed, Stanley Kubrick, Tony Richardson, John Schlesinger, Robert Mulligan, George Cukor,
Blake Edwards, Mike Nichols, Fred Zinnemann, Alfred Hitchcock, Luis García, John Ford, Leo
Mankiewicz, Luchino Visconti.
Cine de los 70. Cuando uno escribe sobre el cine de los setenta, ha de enfrentarse a
un prejuicio, y es que el sexo, las drogas y el rock and roll marcaron el fin del Hollywood
clásico, dando paso a la decadencia que hoy nos desvela.
Mientras los grandes directores como Billy Wilder, John Huston, Fred Zinnemann,
George Cukor, Martin Ritt y Elia Kazan entraban en una zona crepuscular, surgía con fuerza
el grupo formado por Don Siegel, Woody Allen, Bob Fosse, Robert Altman, Spielberg,
Coppola, Martin Scorsese, George Lucas y Brian de Palma.
Consciente de ello, Francis Ford Coppola empezó a buscar una vía alternativa que
le diera más independencia de la estructura industrial de Hollywood. Después de reunir un

16. mínimo capital financiero, fundó a finales de 1969 la American Zoetrope, la productora que
tanta relevancia tuvo en su vida. Después de una nueva crisis, en 1979 adquirió los
Hollywood General Studio, que fueron revendidos cinco años más tarde para salir de otra
crisis al millonario canadiense Jack Singer.
Mejores películas: El padrino, Annie Hall, Alien, Patton, El cazador, Taxi driver,
Contacto en Francia, Kramer vs. Kramer, El expreso de medianoche, El golpe, El exorcista,
La profecía, La naranja macánica, Star Wars, El chanfle, Rocky, Tiburón, Grease, Carrie, La
matanza de Texas, Apocalipsis now.
Grandes maestros: Francis Coppola, George Roy, Michael Cimino, William Friedkin,
Martin Scorsese, Randal Kleiser, George Lucas, Alan Parker, Roberto Gomez Bolaños, Steven
Spielberg, Terry Jones, John Avildsen, Stanley Kubrick, Richard Donner, Federico Fellini, Ridley
Scott, Jhon Travolta, entre otros.
Cine de los 80. La década de los años 80 supuso dentro del pasado siglo XX un
cambio y una ruptura radical en todos los aspectos, no ya sólo culturales y estéticos para
con todo lo anterior. La concepción del mundo varió y en algunos casos se estabilizaban
nuevas tendencias mientras que en otras empezaban a formarse nuevos conceptos
artísticos e incluso socio-político-económicos que alteraron el mundo. En consecuencia la
estética, la moda y la sociedad cambiaron en una etapa dominada por la laca, el cuero
las guitarras de punta, la confirmación de las tendencias punk y una separación radical
entre unos valores demasiado esforzados en romper con la “antigüedad” que suponía el
pasado más reciente.
En contraposición a las nuevas tendencias que asolaban el panorama
cinematográfico con la constante variación de géneros intentando optar por un
eclecticismo continuo, Lucas y Spielberg ofrecen todo lo contrario. Un retroceso al cine
más clásico, al cine en estado puro ejemplificado en este caso del género de aventuras
bañándose en las grandes películas que desde finales de los años 30 hasta finales de la
década de los 50 nos dejaron grandes cineastas para nuestro deleite. Además de tomar
como referencia las películas comentadas, el mero hecho de situar la acción del
largometraje durante la segunda guerra mundial, un contexto mucho más universal y por lo
tanto menos específico le añade pues el halo de obra atemporal que se desvincula
totalmente de los estilos tan buscados por sus coetáneos durante esos mismos años.
Lo mejor que se puede decir de una película como en busca del arca perdida es que
destila una magia propia que la desvincula de cualquier frontera física y global el selecto

17. grupo de películas que permanecen por méritos propios y más que justificados como una
de las más grandes obras maestras que el cine de aventuras ha dado nunca.
Mejores películas: Indiana Jones, La jungla de cristal, Amadeus, Pesadilla en Elm
Street, Cinema paraíso, Los cazafantasmas, Regreso al Futuro, Carrozas de fuego, El último
emperador, E.T. el Extraterrestre, Rambo, Karate Kid, Terminador, entre otras.
Grandes maestros: George Lucas, Milos Forman, Steven Spielberg, Sydney Pollack,
Irvin Kershner, Oliver Stone, Robert Redford, Bernardo Bertolucci, Hugh Hudson, Barry
Levinson, Richard Attenborough, Bruce Beresford.
Cine de los 90. Los 90 comienzan con el Oscar de Kathy Bates por Misery, otra
adaptación de una novela de Stephen King. Mientras, en España, se celebra la Primera
Semana del Cine de Terror de San Sebastián, que se convertirá en el mejor festival español
del género, tras los giros hacia el cine general del festival de Sitges.
1991 es el año de Terminator 2. El film era el más caro de la historia hasta la fecha, y
contaba con unos impresionantes efectos especiales realizados por ordenador. A partir de
Desafío Total (1990) y Terminator 2 el ordenador cobra una importancia primaria en el
mundo de los efectos especiales, que se irá incrementando con el paso de los años. Ese
mismo año, Tim Burton parodiaba a la familia media norteamericana por medio de un
moderno Frankenstein, inocente y encantador, en Eduardo Manostijeras. También en 1991,
Tetsuo de Shinya Tsukamoto triunfa y abre las puertas del cyberpunk, por las que entraran
más adelante films como Johnny Mnemonic y otros. Desde Francia, Alain Robak golpea
con Baby Blood y su quot;gore maternalquot;. Pero el gore ese año no hay que buscarlo en el terror,
sino en el cine negro de Quentin Tarantino y su Reservoir Dogs.
Durante los últimos años del siglo, el cine fantástico toma diversas direcciones,
muchas de ellas apuntan al apocalipsis, y al terror del fin del milenio. Tal es el caso de
Dellamorte Dellamore (1994), del italiano Michele Soavi, donde se mezcla el existencialismo
y el pesimismo, con tonos románticos y crueles. Ese mismo año, Terry Gilliam dirige la
también pesimista 12 Monos, el público americano se vuelve violento con Asesinos Natos
de Oliver Stone (no faltó algún chalado que cometió los asesinatos a la salida del film), y
Abel Ferrara convierte a Christopher Walken y Anabella Sciorra en vampiros nihilistas,
creando una metáfora entre la drogadicción, el SIDA y el vampirismo en the Addiction.

18. En el 98, un Godzilla que no tiene ni la milésima parte del encanto del mítico saurio
japonés original, se pasea por Nueva York. Por otra parte, el fin del milenio vuelve a hacer
estragos en las pantallas. Armageddon o Deep Impact son unas muestras de ello.
Mejores películas: Danza con lobos, El paciente inglés, Mortal zombie, El silencio de los
inocentes, Titanic, El cuervo, Sin perdón, Armagedón, Pesadilla antes de navidad, La lista
de Schindler, Shakespeare enamorado, Eduardo manostijeras, Corazón valiente,
Corazón salvaje, Sexto sentido.
Grandes maestros: Kevin Costner, Anthony Minghella, Curtis Hanson, Jonathan Demme,
James Cameron,Julio Mendem, Michael Haneke, Luc Besson, Mel Gibson.
Cine del nuevo milenio. Como sucedió en décadas previas, el cine del año 2000 se
enfrenta a retos crecientes. Retos que son consecuencia de nuevas circunstancias sociales
y tecnológicas, y que ponen a prueba la imaginación y la capacidad adaptativa del
sector.
Frente a esa modernidad tecnológica, Ridley Scott recupera la pulsión del cine
clásico en su personal homenaje al peplum, Gladiator (2000), galardonando con cinco
Oscar: Mejor película, mejor actor (Russell Crowe), vestuario, sonido y efectos visuales.
George Lucas recupera su saga galáctica y rueda tres nuevas entregas,
aprovechando el impulso de la nostalgia. Es el mismo resorte que explica el lanzamiento de
Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (2008), de Steven Spielberg, y de Star Trek
(2008), de J.J. Abrams.
La necesidad de consolidar antiguas franquicias conduce a la renovación de la
serie dedicada al agente James Bond. Daniel Craig pasa a interpretar el papel y el primer
largometraje donde lo desempeña, Casino Royale (2005) cosecha un merecido éxito. Por
consiguiente, entre las nuevas franquicias, acaso las más populares sean la de Harry Potter,
inspirada en las novelas de J.K. Rowling, y la de Piratas del Caribe, con tres entregas en las
salas de cine (2003, 2006 y 2007).

19. Mejores películas: Gladiador, La pasión de Cristo, El aro, Una mente brillante, Vidas
Cruzadas, Gol, El caballero de la noche, Matrix, Troya, Harry Potter, El señor de los anillos,
Scarie Movie, Million dollar baby, Piratas del caribe, Apocalypto.
Grandes maestros: Mel Gibson, Clint Eastwood, Hideo Nakata, Larry Wachowsky,
Alejandro Amenábar, Rob Marshall, Joel Coen, Benito Zambrano, Peter Jackson.
Premios Óscar
La estatuilla fue creada en 1929 por el escenógrafo de la Metro Goldwyn Mayer,
Cedric Gibbons, que dibujó un boceto de la estatuilla que entregarían a los premiados. A
partir de 1931 se conocería popularmente con el nombre de Óscar desde que, según se
cuenta anecdóticamente, Margaret Herrick exclamó al verla que se parecía a su tío Oscar.
Los Premios de la Academia, mejor conocidos como los Óscar , son los premios
cinematográficos otorgados anualmente cada mes de febrero por la Academia de las
Artes y las Ciencias Cinematográficas en Los Ángeles, California.
El premio es una estatuilla dorada, que representa un hombre desnudo sosteniendo
una espada que aguarda de pie sobre un rollo de película con cinco radios. Cada radio
simboliza una de las cinco ramas originales de la Academia: actores, guionistas, directores,
productores y técnicos.
El oficialmente denominado Premio de la Academia al Mérito mide 13 pulgadas y
media (33.75centímetros) y pesa 8 libras y media (3.9kilogramos). El diseño de la estatuilla
nunca ha cambiado desde su concepción original, pero el tamaño de la base ha variado
hasta el modelo actual, adoptado en 1945.
El proceso de manufactura consiste en hacer primero la estatuilla en plomo, pulirla y
darle varios baños en níquel, plata y cobre, antes de sumergirla durante dos horas en oro
líquido de 24 quilates.
Inicios de ceremonias. La primera ceremonia de entrega de los premios de la
Academia tuvo lugar el 16 de mayo de 1929 en el Hollywood Roosevelt Hotel,
transcurriendo sin sobresaltos al conocerse los nombres de los premiados desde el 18 de
febrero.
Al concurso se presentaban originalmente las películas estrenadas en Los Ángeles
desde el 1 de agosto hasta el 31 de julio del año anterior a la ceremonia de entrega de los

20. premios. Para los premios de 1933 se acordó prolongar el plazo de estreno hasta el 31 de
diciembre de 1932, fecha que se mantuvo a partir de entonces, de forma que a partir de
1934 concursan las películas estrenadas entre el 1 de enero y el 31 de diciembre.
Elección de los ganadores. La elección de los ganadores se realiza en dos etapas.
En la primera son nominados al Óscar cinco posibles ganadores. Esta nominación la
realizan los miembros de la Academia que pertenecen a la misma especialidad de los
nominados. Así, por ejemplo, los actores votan a los actores que son nominados, los
guionistas a los guionistas, y así sucesivamente. Por el contrario el ganador en cada
categoría es elegido por la totalidad de los miembros de la Academia, sea cual fuere su
especialidad. Todas las votaciones se hacen en secreto y la de los ganadores de tal forma,
que ningún miembro de la Academia conoce los resultados. Para ello interviene una
prestigiosa firma de auditoria, que es la encargada de realizar el recuento de los votos.
Hasta el momento de la ceremonia, en el que son presentados los nominados de cada
categoría y es abierto el sobre lacrado con el nombre del ganador, no existen más que
especulaciones.
Categorías. Las categorías premiadas han sufrido diversas variaciones a lo largo de
la historia. Los premios que se otorgan en la actualidad son los siguientes:
 Mejor película 1928, Mejor director 1928, Mejor actor 1928, Mejor actriz 1928, Mejor
actriz de reparto 1936, Mejor guión original 1940, Mejor guión adaptado 1928, Mejor
película de animación 2001, Mejor fotografía 1928, Mejor diseño de vestuario 1948,
Mejor documental largo 1943, Mejor documental corto 1941, Mejor montaje 1935,
Mejor película extranjera 1947, Mejor maquillaje 1981, Mejor canción original 1934,
Mejor banda sonora 1934, Mejor dirección de arte 1928 (también llamado Interiores,
Set o Diseño de Producción), Mejor cortometraje animado 1931, Mejor cortometraje
de ficción 1931 Mejor sonido 1930 hasta hoy, Mejor edición de sonido 1963, Mejores
efectos visuales 1963, Mejor argumento 1949 hasta 1955.
Premios especiales. Existen premios especiales, votados por comités especiales:
 Premio Juvenil de la Academia – entre 1934 y 1960
 Oscar Honorífico o especial – desde 1928
 Premio en Memoria de Irving Thalberg – desde 1938
 Premio Humanitario Jean Hersholt
 Oscar quot;Gordon E. Sawyerquot;
 Premios científicos y técnicos, otorgados desde 1931 y divididos en 3 categorías:

21. o Oscar al mérito técnico o científico
o Premio al logro científico o técnico (placa conmemorativa)
o Premio al logro técnico (reconocimiento verbal)
Películas con más nominaciones:
 14 nominaciones: Lo que el viento se llevó (1939) (8 premios)
 14 nominaciones: Titanic (11 premios)
 14 nominaciones: Eva al desnudo (6 premios)
 14 nominaciones: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (5 premios)
 13 nominaciones: Shakespeare enamorado (7 premios)
 13 nominaciones: Chicago (6 premios)
 13 nominaciones: Forrest Gump (6 premios)
 13 nominaciones: El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (4 premios)
Películas ganadoras de los 5 Oscars principales (Mejor película, Director, Actor
principal, Actriz principal y Guión):
 1934: Sucedió una noche.
 1975: One Flew Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco,
Atrapado sin salida).
 1991: The Silence of the Lambs (El silencio de los corderos, El silencio de los
inocentes).
Películas que han ganado todos los premios a los que eran candidatas:
 11 premios: El señor de los anillos: El retorno del rey.
 9 premios: Gigi
 9 premios: El último emperador