4. Arte africana contemporanea
Nel XIX secolo fu abolito lo schiavismo, rimpiazzato
progressivamente, rimpiazzato da un governo
coloniale contestato si dall’inizio dagli intellettuali
locali. Da questo periodo di stravolgimenti politici e
tecnologici sono nate le tre tendenze dell’arte visiva
africana: lo sviluppo della fotografia, la resistenza
delle tradizioni locali, cerimonie, maschere, pratiche
di guarigione, tessuti e abiti, e l’ emergenza di
nuove forme d’arte in pittura, incisione, scultura,
arte pubblica e istallazioni. Il tentativo degli
olandesi di concorrenza al batik indonesiano ha
aperto lo sbocco a una nuova tradizione di tessuti
stampati africani.
5. ..
La fotografia è comparsa nelle città della costa
ovest dell’Africa dagli anni 1840, praticata da
africani, afroamericani o europei. Le tradizioni
africane del ritratto e dell’illustrazione evitano
l’esotismo e il primitivismo già sfruttati dagli
europei. La fotografia è diventata un modo
ricercato di rappresentazione del sé: nelle case
africane, le foto mischiano le nozioni di stato, di
moda, di tradizione e di modernità. Tra i ritratisti
di primo piano il Maliano Seydou Keita (1921-
2001) lavorava a Barnako negli anni 1950.
6. Zwelethu Mhtetwa, Senza titolo, seie dei tagliatori di canna da
zucchero, 2003
Fotografia a colori, 14,8 x 19,3 cm, Parigi, Centro Georges Pompidou
7. La pittura
Il primo pittore moderno dell’Africa Subsahariana a
utilizzare il cavalletto, la tela e i colori ad olio è stato Aina
Onabolu (1882-1963) di Lagos, in Nigeria. Fu seguito da
Ben Enwonwu (1921-1994), primo artista di reputazione
internazionale. La pubblicità fatta a questi sviluppi in
Nigeria, ha avuto seguito in Uganda. Alla fine degli anni
1950, un gruppo di studenti guidati da Uche Okeke
(1933), Bruce Onobrakpeya (1932) e altri artisti
intraprendenti, riforma il programma di studio sotto il
titolo «Natural Synthesis»: ricercano una coerenza tra
miti, racconti, arti corporee, sostenendo che queste
tradizioni possono arricchire l’arte nigeriana moderna
8. Uche Okeke, Fiori in un vaso, 1960
gouache su carta, 56x 38 cm
New York, Skoto Gallery
Questo quadro è un esempio del lavoro dell’artista
in questo periodo. Da allora il Nigeria ha visto
crescere il sostegno locale, nazionale e individuale
dell’arte e in diverse università sono stati creati
dei dipartimenti di “belle arti” o di grafica.
Intanto, mentre delle scuole d’arte aprono le porte
in tutti i paesi, l’apprendistato diretto resta un
punto di partenza della pratica delle arti visive,
come nelle pitture di insegne del congolese Chéri
Samba (1956) e del ganiano Kwamw Akoto (1950,
conosciuto anche come Almighty God). Ogni tanto
appare qualche visonario come Frédéric Bruly
Bouabré (1923). Della Costa d’Avorio, funzionario
civile, sceglie il disegno, dopo una visione
dell’attività cosmica, come guida per comprendere
il mondo.
9. Romuald Hazoumé, La
Senegalese, 1992
recipiente di plastica e stoffa
Romuald Hazoumé (1962) diventa un
artista ritrovando dei volti nei rifuiti di
plastica abbandonati a Porto-Novo. La
sua opera è rappresentativa di una nuova
generazione di artisti, fuori dalle
traiettorie di formazione abituali.
Hazoumé ha attirato l’attenzione grazie a
queste maschere che non erano
destinate né a essere portate, né a
partecipare a delle performances;
mettevano semplicemente l’accento sulle
possibilità antropomorfiche dei recipienti
di plastica buttati via e attiravano
l’attenzione sulle enormi quantità di
rifiuti accumulati nelle città africane. La
Senegalese porta un pezzo di stoffa come
foulard tradizionale; sebbene ispirata da
maschere iniziatiche, questa ha piuttosto
un valore sociale e non religioso.
10. Arte e apartheid
Nell’Africa del Sud del XIX secolo, le tradizioni della
popolazione nera esprimono la discriminazione sessuale,
l’iniziazione alla maturità, la guerra e la gerarchia sociale.
Nelle regioni rurali e nei municipi neri cresce l’interesse
per la pittura, la scultura, le arti grafiche e le istallazioni.
Alcuni artisti come Gérard Sekoto (1913-1933) sono allora
costretti a vivere e lavorare in Europa. Sotto il regime
dell’apartheid si considerava poco prudente insegnare
l’arte ai neri africani nonostante si siano sviluppati dei
progetti artistici cono il sostegno dei bianchi, come il
Polly Street art Centre di Johannesburg negli anni 1950 o
l’Arte Centre Rorke’s Drift nel Natal negli anni 1960. Dopo
la chiusura di Polly Street alcuni artisti bianchi come Bill
Ainslie (1934-1989) aprono il loro atelier agli artisti
africani tra i quali David Koloane (1938)
11. Jackson Hlungwanu, Il trono di
Jackson, 1989
legno e acciaio, 120x70x80 cm
Gauteng, Randburg Gallery
Questi artisti e altri tra i quali
Penny Siopsis (1953) e Jane
Alexander (1959) mettono in
evidenza le ferite
dell’apartheid mentre le
fotografie di Zwelethu
Mthethwa (1960) rivelano la
continuazione dell’eredità
ineguale. Allo stesso
momento, nel Transvaal
rurale, Jackson Hlungwanu
(1923-2010) continua il suo
lavoro di guarigione del
mondo costruendosi una
propria New Jerusalem. Il
Trono di Jack è un esempio
tipico della sua scultura rude
e possente.
13. L’artista e l’opera
Hazoumé è nato a Porto-Novo (Repubblica del Benin), una città
cosmopolita dalle radici storiche essendo stata il porto principale
dell’impero di Oyo e mercato di tutti i tipi, anche di schiavi. Questa
regione è il soggetto di Hazoumé. Negli anni 1980 la sua opera ha
risonanza internazionale e nel 1992 è consacrato dalla mosra «Out of
Africa» alla galleria Saatchi a Londra e nel 2007 è premiato a Kassel.
ARTicle 14 deve il suo nome all’ipotetico articolo 14 delle costituzioni
africane: «Sbrigatela da solo». L’istallazione è un omaggio ai mercanti
di strada che lottano per la sopravvivenza nelle città dell’Africa
occidentale. È anche una critica al consumismo e alla globalizzazione:
calzoncini da calcio, portatili, giochi di plastica o DVD sono importati in
Africa. Hazoumé mette l’accento sull’ineguaglianza del commercio tra
Europa e Africa che oltretutto invade di rifiuti il continente. Il riutilizzo
degli oggetti di recupero mette anche in evidenza la capacità del
popolo africano di sbrigarsela con poco. Dietro al carretto si vedono
delle fotografie panoramiche di mercati di strada che in qualche modo
contrastano con l’immagine del carretto.
15. L’arte dell’Estremo Oriente
La vendita di Esecuzione di Yue Minjun (1962)
per 5,9 milioni di dollari da Sotheby’s a Londra
nel 2007, ne fa l’opera più cara d’arte
contemporanea cinese. La sua somiglianza con
Los fucilamientos de 3 mayo di Goya, illustra
l’influenza dell’iconografia occidentale in
Oriente. Il volto con le pupille chiuse e il riso
fisso (autoritratto) è il motivo ricorrente della
composizione; suggerisce la dissimulazione delle
emozioni.
16. Cina
L’arte contemporanea cinese, ancora giovane, ha già
passato diverse tappe. La politica di liberalizzazione degli
anni 1970 ha condotto a un periodo di attività frenetica.
Gli artisti hanno arricchito la loro ispirazione delle
performances e delle mostre che gli davano per la prima
volta accesso all’arte contemporanea occidentale e hanno
sperimentato ogni stile e mezzo. Tuttavia, dopo le
manifestazioni brutalmente represse di piazza Tienanmen
nel 1989, si pongono sempre di più la questione
dell’identità culturale. Appare la «pop art politica» che
porterà alla pop art e al «realismo cinico» che si interessa
direttamente alle questioni sociopolitiche. Artisti come
Zhang Xiaogang (1958) si interessano al passato del loro
paese in opere come quele della serie «Bloodline» (1997);
ma il governo che considera sovversiva l’arte
contemporanea, impedisce a questi artisti di esporre in
pubblico.
17. Zhang Huan, estratto dalla
performance Family tree
New York, 2008
Alcuni artisti si esiliano in
Occidente. Zhang Huan (1965)
in particolare presenta una
serie di performances: in
Famili tree invita tre calligrafi a
scrivere dei testi cinesi sul suo
viso, fino a che questo non
diventa completamente nero.
In occasione dei Giochi
Olimpici di Pechino del 2008,
alcune restrizioni – almeno
quelle che riguardavano l’arte
apolitica – si allentano e
diversi artisti ritornano in Cina,
apportando nuove idee e
nuove influenze.
19. I dettagli
I cinesi considerano la società come una
grande famiglia che deve essere unita. I
difensori di questo modello pretendono che
gli individui si vedano attribuire all’interno
della famiglia delle responsabilità nelle loro
relazioni e verso l’esterno passeranno ciò che
hanno appreso nel nucleo familiare,
collaborando alla pace e all’armonia della
società …. L’artista si interroga su ciò che resta
dell’individualità in una cultura che dà
priorità ai bisogni della società. Per questa
serie si ispira ai ritratti di famiglia realizzati in
studio durante la rivoluzione culturale (1966-
1976). I membri della famiglia, che sembrano
maschere imperturbabili sono praticamente
intercambiabili. Le macchie gialle evocano le
macchie delle vecchie foto, ma potrebbero
essere anche macchie di nascita.
20. Il bambino
Il bambino corrisponde al fulcro del
ritratto. Lo sguardo dello spettatore è
attirato dal suo volto giallo che contrasta
con gli altri. I suoi genitali sono visibili e
indicano quasi una vulnerabilità del
personaggio.
Dalle orecchie esce una linea rossa che
si ritrova negli altri personaggi e
rappresenta il legame di sangue che li
unisce e in senso più largo i legami
storici e culturali che legano i personaggi
alla società.
22. Giappone
In Giappone le arti visive soffrivano da un po’ di tempo
del giudizio negativo degli occidentali. Ben che i concetti
occidentali abbiano largamente stimolato l’arte
giapponese, hanno avuto l’effetto di distruggerne
l’integrità. Per comprendere l’arte giapponese di oggi,
bisogna ricordare questa frattura identitaria. La sconfitta
del Giappone alla fine della Seconda Guerra mondiale e la
dominazione delle forze culturali e politiche americane
hanno pesato sullo sviluppo dell’arte giapponese del
dopoguerra. L’apertura del padiglione giapponese alla
Biennale di Venezia nel 1956 annuncia il ritorno del
Giappone nel mondo artistico internazionale. Ratificato
definitivamente dieci anni dopo, con la prima mostra
Gutai a parigi, alla galleria Stadler.
23. Yayoi Kusama, Camera-
specchio (zucca),
Se il movimento Gutai costituisce un caso a
parte, forse, in generale molti artisti
giapponesi sono legati ai movimenti
d’avanguardia occidentali. Ne risultano
opere come l’istallazione Camera-specchio
(zucca) di Kusama (1929). L’opera
psichedelica di questo artista rimanda
all’arte astratta e op art. Gli specchi della
stanza dal colore di una zucca moltiplicano
all’infinito i pallini che circondano lo
spettatore sin dal suo ingresso in questo
spazio.
24. Mariko Mori
A partire dagli anni 1980 l’arte giapponese
eccita la curiosità; appare come un
prodotto ibrido di una società dallo
sviluppo tecnologico estremo, un coacervo
unico di antico e di moderno. Con
l’esplosione della bolla economica negli
anni 1990 e la crisi, la società giapponese
si confronta ad una sfida senza precedenti
e i giovani artisti si interrogano sulla natura
dell’identità giapponese. Ne derivano
opere come quelle di Mariko Mori e di
Takashi Murakami che hanno allargato
l’audience dell’qrte giapponese.
25. Takashi Murakami, 727, 1996
acrilico su tela montata su tavola, 300 x 450 cm
New York, MoMA
26. ..
Quest’opera, una delle prime di Murakami, illustra la sua visione
artistica e la sua tecnica. Mescola elementi artistici occidentali e
giapponesi. Il suo titolo rimanda a una marca di cosmetici
giapponesi e a un tipo di aereo a reazione civile. Sembra che
Murakami abbia trovato questa diversità di significato originale
e divertente. L’immagine centrale è una delle prime versioni di
un suo personaggio ricorrente, Mr DOB, che creò nel 1993.
Questa entità ambigua, amalgama di Doreamon (un gatto robot
di una serie manga popolare in Giappone) e del personaggio dei
giochi video Sonic the Hedgedog, incarna lo sviluppo complesso
dei manga e dei film d’animazione giapponesi del dopoguerra. E
guardando bene c’è anche una certa rassomiglianza con Mickey
Mouse. Per Murakami l’influenza della sottocultura americana
sul Giappone del dopoguerra è legato alla stasi della cultura,
della società e della politica giapponesi.
27. Il richiamo alla tradizione
Se la composizione in tre pannelli
evoca quella dei paraventi giapponesi
tradizionali, mette anche l’accento
sull’aspetto piatto dell’immagine.
Spesso Murakami utilizza fondi
monocromi per produrre una
superficie liscia ma come si vede dalla
patina, data con diversi strati di pittura
applicata e grattata, come nei quadri
nihonga del XIX secolo. Allo stesso
tempo l’onda ricorda quelle delle
xilografie di Hokusai. Murakami
confronta lo stile tradizionale al
movimento fluido delle animazioni
contemporanee e dell’immaginario
manga.
28. Mr Dob
IL personaggio di Mr Dob, entità minacciosa che
cambia in continuazione impregna la società
giapponese fino a divenire una sorta di referenza
onnipresente. Il nome compare nell’immagine D
sull’oreccchio sinistro, la O è sulla fronte e la B
sull’orecchio destro . È un’abbreviazione di una parola
giapponese dobojite che significa perché e viene da
un film d’animazione IL Generale Inakappe.
La bocca con i denti appuntiti che fa pensare ad un
ghigno malevolo è un motivo che si ritrova in diversi
personaggi di Murakami. IL personaggio vuole essere
assurdo, aggressivo, ma anche sottolineare l’assenza
di significato del quadro.
29. Corea
In Corea del Sud il contesto nel quale i movimenti artistici
emergono maggiormente dopo la guerra di Corea era
puramente locale, come lo erano le fonti artistiche alle quali
si riferivano gli artisti, dalla pittura all’inchiostro e dalla
porcellana bianca alla cheramica buncheong. La maggior
parte degli artisti sudcoreani scoprirono l’arte occidentale nel
loro paese e più tardi studiando all’estero. I temi di identità,
del movimento e della comunicazione saranno esplorati nel
corso degli anni 1990 da artisti il cui lavoro era già
riconosciuto. È il caso della performance Cities on the Move-
2727 km Bottari Truck (1997) di Kimsooja (1957). Ma le
tradizioni coreane restano importanti e alcuni movimenti
come il Munginimhoe (gruppo della foresta d’inchiostro) si
esprimono con tecniche tradizionali e altri rimandano alla
pittura popolare.
30. Kimsooja, Cities on the Move-2727 km Bottari Truck, 1997
fotografia della performance da un cortometraggio
31. Il nomadismo e altri temi
L’artista sudcoreana Kimsoja lavora su una vasta
gamma di media: video, istallazioni,
performances e fotografie. Esplora il
nomadismo, il ruolo delle donne nella società e
le relazioni dell’individuo con la società e con se
stesso. In un tentativo di sottolineare le
somiglianze e le differenze tra le diverse culture
e le loro convinzioni spirituali, fa riferimento alla
cristianità, al buddismo zen, al confucianesimo,
allo sciamanismo e al taoismo.
32. Bottari Truck
In questa performance l’artista è seduta su un
ammasso di bottari che significa pacchi multicolori
attaccati su un camion. La gente del popolo utilzza i
pacchetti per trasportare ogni cosa, ma fare i
pacchetti indica che la donna deve partire dalla sua
casa. Tranquilla, immobile e solitaria ha percorso
2727 km in undici giorni attraverso la Corea nel 1997.
Ha rivissuto la sua infanzia nomade seguendo la sua
famiglia di militari. Vuole anche dire che il corpo è
come uno dei pacchetti trasportati dal camion. Il
Bottari Truck è un progetto a lungo termine che ha
istallato con una struttura di specchi alla biennale di
Venezia del 1999 (Dappertutto o Bottari Truck in
Exile) e l’ha dedicato ai rifugiati del Kosovo. Nel 2005
a Colonia in una ex prigione nazista.
L’opera è tra l’introspettivo e l’impegno politico,
cambiando in continuazione punti di riferimento.
Nei cideo si vede la sagoma dell’artista : silhouette
anonima davanti al paesaggio che sfila, potrebbe
essere chiunque, un rifugiato dalla guerra, una donna
che rientra in famiglia, un emigrante, un
vagabondo….
33. Lotus: zone of Zero
Duemila lanterne sospese in
forma di loto e il suono di canti
tibetani, gregoriani e islamici
avviluppavano l’auditorium di
Lotus: zone of zero nel 2008 alla
Galleria Ravenstein di
Bruxelles. Questa realizzazione
mescolava credenze religiose e
significati culturali diversi. Il
fiore di loto simbolizza i
concetti buddisti di purezza e di
causa e effetto. La struttura
forma dei cerchi come il rosone
di una chiesa. Il cerchio è anche
alla base dei motivi dell’arte
islamica e dei mandala indu e
buddisti.
34. L’arte dell’America Latina
La maggior parte delle opere prodotte nel corso del XX
secolo in America Latina esprime la storia coloniale
della regione e mira a creare una identità indipendente
di influenza europea. Gli artisti d’America Latina, in
generale, hanno voluto reinterpretare le origini della
loro terra. Gli elementi locali ne sono stati
rappresentati in maniera eclettica e i simboli sono stati
rivisitati. Così un opera come Abaporu (1928) di Tarsila
Do Amaral (1886-1973) ha ispirato il «movimento
antropofago» che mirava a risituare alcuni elementi
della cultura europea, in un contesto «più brasiliano».
Più recentemente le opere di artisti come Vladimir
Cybil (1967) e Andre Juste (1956) di Haïti o la
messicana Betsabée Romero (1963) hanno restaurato
l’importanza dei simboli nazionali.
35. Ciro Meireies, Mission-Mission (come costruire una cattedrale), 1987
materiali vari, 235 x 600 x 600 cm
Zurigo, collzione Daros-Latinoamerica
36. ..
Il brasiliano Cildo Meireles (1948) si interessa all’arte
politica a partire dal colpo di stato militare del maresciallo
Castelo Branco, sostenuto dagli Stati Uniti nel 1964. La
sua opera rimanda alle pressioni politiche e religiose e la
sua realizzazione più conosciuta Mission Mission è una
istallazione che esplora l’azione delle missioni gesuite in
Paraguay, in Argentina e in Brasile a partire dal 1610. In
questa opera, un tappeto di 600.000 monetine è steso
sotto un soffitto di ossa e questi due elementi sono legati
da una colonna di ostie che simbolizza il tentativo dei
missionari per salvare la popolazione locale dal
cannibalismo convertendoli al cattolicesimo. …
37. …
Numerosi artisti dell’America latina hanno lasciato il
loro paese, spesso perché sono stati costretti; questa
emigrazione provoca un’ibridazione culturale della loro
opera. Nella maggior parte dei casi la
marginalizzazione, la disoccupazione e l’instabilità
politica hanno costretto gli artisti all’esilio. L’artista
cubana Ana Mendieta (1948-1985) è stata vittima
dell’operazione Peter Pan (un programma lanciato agli
inizi degli anni 1960 dal governo americano che voleva
offrire un rifugio ai figli delle famiglie cubane opposte
al regime rivoluzionario). Questo spostamento le è
costato una grande parte della sua identità culturale e
spesso nelle sue opere, sculture, fotografie,
performances questa esperienza ritorna.
38. Ana Mendieta She Got Love a Torino
Ana Mendieta. She Got Love è una grande retrospettiva europea dedicata all’artista cubano-americana Ana Mendieta (1948-
1985). La mostra sarà aperta al pubblico dal 30 gennaio prossimo nei suggestivi spazi della Manica Lunga. Il progetto, a cura di
Beatrice Merz e Olga Gambari, si propone di rileggere la figura dell’artista come pioniera della performance e video, body art,
fotografia, land art e scultura nel ventesimo secolo. Uno dei contributi unici di Mendieta è la sintesi di queste forme in un
linguaggio visivo fresco che ha influenzato una generazione di giovani artisti. Con oltre un centinaio di lavori realizzati dall’artista
tra il 1972 e il 1985, la mostra presenta il suo personalissimo alfabeto visionario e materico, magico e poetico, politico e
progressista. Proprio l’identità femminile di Mendieta ha influenzato il suo lavoro d’artista già a partire dalle radici culturali
dell’infanzia a Cuba per estendersi all’artista icona femminile negli Stati Uniti. Nel suo lavoro, Mendieta esplora temi come
l’esistenza individuale, vita e morte, violenza, amore, sesso, rinascita e sradicamento, in un modo coerente che trascende
l’universale e lo spirituale. Spesso mimetizzando il suo corpo nella Natura, nel vissuto di Mendieta compaiono diversi luoghi, da
Cuba agli Stati Uniti all’Italia, in una ricerca delle origini personali e collettive. Segno inconfondibile delle sue opere è, infatti,
una caratteristica silhouette femminile, un autoritratto essenziale realizzato in terra, fango, piume, fiori, foglie, cenere, polvere
da sparo, rami, alberi, conchiglie, erba, ghiaccio, roccia, cera, corteccia, muschio, sabbia, sangue, acqua, fuoco. Queste forme
ibride di performance, sculture site-specific e documentazione esprimono la sua volontà di ricongiungimento a un’eterna e
universale energia cosmica dove l’elemento umano, quello naturale e quello divino convivono. Ogni performance dell’artista
sarà presentata come un ambiente profondo e avvolgente raccontato con video, schizzi, fotografie e documenti che creano
l’ingresso mentale e fisico all’originale ambientazione del lavoro. Il titolo della rassegna, She Got Love, deriva da una delle opere
filmiche di Mendieta in cui l’artista scarabocchia le parole in rosso sangue attraverso una porta bianca. Il film rientra nella
selezione di opere che saranno proiettate nell’ambito della mostra. In occasione della retrospettiva sarà pubblicato per i tipi di
Skira un esaustivo catalogo con testi dei curatori, apparati bio-bibliografici e una ricca selezione di immagini, parte delle quali
inedite. La mostra corrisponde all’evento dell’anteprima mondiale di Itali-Ana, Mendieta in Rome, un documentario sulla
ricerca artistica di Mendieta durante gli anni di residenza presso l’American Academy in Rome. Il film, prodotto da Corazon
Pictures e diretto da Raquel Cecilia Mendieta, verrà proiettato per tutta la durata della rassegna. La mostra è realizzata in
stretta collaborazione con l’Estate of Ana Mendieta e la Galerie Lelong. La mostra è realizzata grazie al contributo della
Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT e con il supporto tecnico di Kuhn & Bülow Insurance Broker, Berlino
42. Art Chicano
Con questo termine si designa quella arte della
regione frontaliera tra Stati Uniti e Messico dove
l’unione di due culture ne crea una nuova. La
maggior parte delle opere della Mendieta sono
pubbliche, o meglio create nella strada e in
luoghi pubblici.
45. ..
Molti paesi dell’America latina hanno soffertto di un
sottosviluppo economico, politico e sociale. L’artista
peruviano fernando Bryce (1965) ha elaborato una
critica dei problemi dell’America Latina attraverso
una serie di disegni a matita e a inchiostro fondati
sulla propaganda del dipartimento della Difesa degli
USA a partire dagli anni 1950. Queste brochures
facevano la promozione del turismo; la serie «Al
sud della frontiera» (2002) mette in discussione gli
stereotipi e la credibilità dei documenti stampati.
46. Léon Ferrari, La civiltà occidentale
e cristiana, 1965
olio su gesso e plastica,
200x120x60 cm
Buenos Aires Collezione
dell’artista
L’argentino Leon Ferrari è
conosciuto per i suoi
soggetti politici e religiosi.
In quest’opera Gesù è
crocifisso sulla fusoliera di
un bombardiere
americano, chiara protesta
contro l’imperialismo degli
USA e in quel caso contro
la guerra nel Viet-Nam
47. L’eredità dei muralisti
La mancanza di sicurezza e la violenza sociale in
America latina hanno raggiunto talvolta
dimensioni impressionanti, in particolare in
Veneziela, in Messico in Equador, in Colombia e
in Brasile. Ispirato da David Siqueiros (1896-
1974), uno dei grandi muralisti dell’arte
messicana, Rafael Cauduro (1950) tratta alcuni
dei suoi soggetti nel suo affresco Storia della
giustizia in Messico (2002) commissionato dal
tribunale supremo del Messico.
49. Vik Muniz, Medusa marinara,
1997,
fotografia istantanea a colori
9x 11 cm
New Yorc, MoMA
Vik Muniz (1961) non trova obbiettivi
reali nell’arte politica: preferisce
donare le opere delle sue mostre alle
organizzazioni caritative che si
occupano dei bambini brasiliani. Il suo
lavoro si appropria spesso delle
immagini europee che reinterpreta
sotto forma di assemblaggi di oggetti
per poi fotografarli. In Medusa
Marinara ha disposto in un piatto degli
spaghetti e della salsa di pomodoro
imitanto la testa di Medusa di
Caravaggio.
50. L’arte indiana
La scena artistica indiana è complessa e composta di opere
spesso in totale rottura con la tradizione della pittura e della
scultura modernista. Dopo l’indipendenza dell’India nel 1947,
le nuove istituzioni artistiche pubbliche e le università
incoraggiano lo sviluppo di un’arte modernista, al centro di un
mercato nazionale in piena espansione. Ma rapidamente il
silenzio del governo lascia le gallerie prendere piede. La
pittura e la scultura sono quelle più apprezzate dal rigime
conservatore; bisogna attendere gli anni 1990 affinché il
video, l’istallazione e la performance facciano la loro
apparizione. È allora che la scena artistica indiana diviene più
complessa e abbandona definitivamente le preoccupazioni
formali del modernismo e le tematiche nazionaliste degli inizi.
51. ..
Nel corso degli anni 1990, con la globalizzazione dell’economia
indiana, l’arte indiana su apre sul mondo: gli scambi artistici si
moltiplicano attraverso il mondo e l’arte acuista una nuova
visibilità fuori del paese, soprattutto con le biennali e triennali
internazionali.
Lo sviluppo delle tecnologie della comunicazione permette di
intensificare i contatti con le istituzioni artistiche straniere e di
ottenere dei fondi esterni. Tutto ciò facilita il ritorno di spazi
espositivi indipendenti e non commerciali che favoriscono le
esperienze degli artisti locali nel campo dei nuovi media,
performances e istallazioni.
Negli anni 1990, alcuni artisti riconosciuti come Nalini Malani
(1946) e Navjot Altaf, entrambe donne, si dedicano al video e
all’istallazione. Alla fine del decennio, una nuova generazione di
artisti, tra cui Subodh Gupta (1946) e Sonia Khurana (1968), si
lanciano in esperienze sullo spazio, la performance e le nuove
tecnologie.
53. Atul Dodiya, Mahalaxmi, 2002,
smalto su saracinesca e altri materiali,
274 x 185 cm
collezione privata
All’epoca il mercato nazionale è ancora pauroso e quello
nazionale mostra poco interesse. Ma in maggio 2005
con l’espansione dell’economia indiana il mondo
internazionale dell’arte si volta verso il sud est asiatico e
indiano mentre le case di vendite si interessano più da
vicino degli artisti locali come Atul Dodiya (1959) e
Rajeev Lochan (1956).
Dodiya ha un successo internazionale con i suoi quadri
iperrealisti, le sue istallazioni e la serie di pitture che
realizza su saracinesche. In questo, la pittura dietro
rappresenta tre ragazze che si impiccarono per
economizzare al padre il denaro della loro dote. …
54. Rejeev Lochan, opera della serie «Visione
della realtà», 1998
prova fotografica, olio e acrilico,
collezione privata
Lochan lavora con diversi media sulla
percezione delle immagini. «Se la
tecnologia mi aiuta ad esprimere la
mia arte, io la utilizzo». In questa
serie ritocca una fotografia in bianco
e nero togliendo gli elementi
«indesiderabili» e aggiungendone
altri con pittura o pastello.
55. Nuove forme di espressione artistica
Anche se il mercato dell’arte è sempre dominato
dalla pittura, i nuovi media e le istallazioni hanno
acquisito un loro posto in India.
Sul fondo della prosperità economica e i
rivolgimenti sociali e politici, l’opera di Navjot Altaf
(donna) si interessa ai lavoratori di Mumbai.
L’istallazione video Mumbai Meri Jaan del 2004 per
esempio rendiconta delle tribolazioni dei migranti e
di tre ragazzini di strada, offrendo uno specchio
della negligenza nei confronti delle categorie
disagiate.
56. ..
Il gruppo Raqs media esplora lo spazio urbano,
l’esplosione degli stereotipi locali e l’evoluzione
delle modalità di produzione e di condivisione
del sapere, sottolineando spesso il potere che
deriva dal controllo dell’identità e dall’utilizzo
della nozione di autenticità.
