1. TEMA 1.
ARTE CLÁSICO
ARTE GRIEGO

2. El arte griego abarca
un ámbito geográfico
muy extenso: la
península Balcánica y
el mar Egeo, que
constituyen el núcleo
originario, los territorios
colonizados por los
griegos en el
Mediterráneo y los
territorios incorporados
tras las conquistas de
Alejandro Magno.

3. ETAPAS
Las realizaciones más importantes del arte
griego se producen entre los siglos VII y I a.C.,
periodo en el que se distinguen tres etapas:
• Época arcaica que abarca los siglos VII y VI a.C.
• Época clásica que abarca los siglos V y IV a.C.
• Época helenística, entre los siglos IV y I a.C.

4. Influencias
Las primeras manifestaciones artísticas del
arte griego reciben la influencia:
_ De las culturas prehelénicas: minoica o
cretense y micénica.
_ Del arte egipcio.
_ Del arte de los pueblos de Próximo
Oriente (Mesopotamia, fenicios, etc.)
Los contactos comerciales con estas zonas
facilitan en intercambio cultural.

5. ARQUITECTURA
La arquitectura griega supone un profundo cambio
respecto a lo realizado hasta esos momentos. Es una
arquitectura que se aleja del colosalismo de la
arquitectura egipcia y toma como referencia la medida
humana. Busca la perfección, la armonía y el equilibrio
en las proporciones. El principal objetivo es alcanzar la
belleza, ideal de los griegos en todas sus
manifestaciones artísticas.
La influencia posterior de la arquitectura griega será
enorme, principalmente por su aportación
en la creación de los órdenes arquitectónicos que
formarán durante siglos parte fundamental del
vocabulario de toda la arquitectura occidental.

6. LOS ORDENES GRIEGOS
La combinación de los diferentes elementos
constructivos recibe el nombre de orden, distinguiéndose
tres órdenes en la arquitectura griega: el orden dórico, el
jónico y el corintio, que tendrán una enorme importancia en
la arquitectura posterior.

7. CUBIERTA O
TECHUMBRE
ENTABLAMENTO
COLUMNA
PLATAFORMA
(KREPIS)

8. EL ORDEN DÓRICO
Es el más antiguo de
los órdenes griegos. Ya
aparece documentado
en Grecia y las colonias
griegas (en Sicilia y la
Magna Grecia
particularmente) a partir
del siglo VII.

9. La columna carece de basa y arranca directamente del
estilóbato. El fuste, estriado en arista viva, disminuye
progresivamente su diámetro, sobre todo a partir del
segundo tercio, lo que provoca un engrosamiento llamado
éntasis. Un collarino (moldura formada por varios anillos)
limita la parte superior del fuste.
El capitel es geométrico y está formado por el equino
(moldura circular convexa bajo el ábaco) y el
ábaco (pieza en forma de tablilla sobre el equino).

10. Éntasis

11. Sobre las columnas descansa el entablamento formado por el
arquitrabe, el friso y la cornisa.
El arquitrabe es un elemento transversal liso.
En el friso se alternan las metopas, espacio generalmente
cuadrado con decoración escultórica, y los triglifos, con
dos acanaladuras verticales.
La parte que sobresale del entablamento es la cornisa.

12. • Sobre el Entablamento descansa una techumbre a dos
aguas. El espacio comprendido entre la línea horizontal
de la cornisa y el ángulo del tejado recibe el nombre de
frontón y en él suele haber decoración escultórica (en
el tímpano o fondo del frontón). En los vértices del
frontón se colocan las acróteras, elementos
ornamentales con forma vegetal, animal o humana.

14. EL ORDEN JÓNICO
La creación del orden jónico fue el
resultado de una larga serie de
experiencias que se llevaron a cabo
durante el siglo VII en las costas de Asia
Menor. De las regiones de origen el jónico
pasó a la Grecia continental y a las
colonias occidentales. En ocasiones se
utilizó en el interior de los templos dóricos.

16. La columna del orden jónico descansa sobre una basa
formada por varias molduras (toros, dos molduras convexas y
escocia, entre las anteriores), basa que se apoya en un plinto. El
fuste de la columna, que se estrecha gradualmente hacia arriba
y no presenta éntasis, está recorrido por 24 acanaladuras (de
borde romo). Es más esbelto que en el orden dórico. El capitel
consta de un equino, decorado con un haz de volutas y un
ábaco, estrecha tablilla cuadrada. El collarino en este caso
recibe el nombre de astrágalo (decorado con cuentas que imitan
huesecillos).

17. El entablamento está
constituido por el arquitrabe,
formado por tres platabandas
(bandas) en saledizo cada
una sobre la inferior.
El friso es continuo y suele
presentar decoración
escultórica. Al igual que en el
orden dórico, la parte que
sobresale del entablamento
es la cornisa. Sobre el
entablamento descansa una
cubierta a dos aguas.

18. El frontón y
la techumbre
cumplen las
mismas
características
que el orden
dórico.

19. EL ORDEN CORINTIO
Cuenta Vitruvio que el creador de este capitel fue
Calímaco, un escultor y orfebre de fines del siglo
V, que, tras contemplar un canastillo envuelto por
hojas de acanto depositado sobre la tumba de una
muchacha, quiso imitarlo en piedra.
Considerado como una variante del orden jónico,
durante mucho tiempo se empleó exclusivamente
en el interior de los edificios.

20. La principal diferencia con el orden jónico
está en el capitel, que consta de un
núcleo central en torno al que se
envuelven dos coronas con ocho hojas
de acanto cada una.
Entre las hojas de la corona superior se
asoman parejas de tallos que se pliegan
en forma de volutas. En el eje central se
alza un tallo del que sale una flor.

21. TEMPLO

22. Origen
Los primeros templos se encontraban en
parajes naturales al aire libre o en estancias
destinadas al culto, dentro de las viviendas.
La necesidad de dotar a los dioses de una
morada digna dio lugar a la creación de un
edificio independiente, el templo.

23. La principal influencia en su construcción fue la
del megarón, un tipo de edificio característico de
la cultura micénica.
Formado por una sala rectangular, en cuyo
centro se hallaba el hogar y un vestíbulo de
acceso. Su planta es, pues, un claro precedente
de la planta del templo griego.

24. Los templos se levantaban en zonas
aisladas, de carácter sagrado: témenos.
No eran lugares de reunión de los
fieles. Las ceremonias de culto se
celebraban alrededor de un altar para los
sacrificios, situado justo enfrente del templo,
cuyas puertas permanecían abiertas para
que la divinidad los pudiera contemplar. Ello
explica la despreocupación de la
arquitectura griega por el espacio interior.

25. MATERIALES
Los primeros templos griegos se construyeron en adobe o ladrillo y
madera, materiales humildes y poco duraderos, por lo que apenas
se conservan ejemplos de esta época.
A fines del siglo VII estos materiales serán sustituidos por la piedra,
preferentemente la caliza, que se recubría de estuco para obtener una
superficie más fina. También se utilizó el mármol, procedente de las
numerosas canteras del Mediterráneo oriental.
Las columnas se realizaban a base de tambores (bloques cilíndricos)
superpuestos y los muros con sillares perfectamente trabajados,
unidos, sin argamasa, por grapas metálicas.

26. La planta más utilizada será la rectangular. En ella, a
pesar de la existencia de numerosas variantes, podemos
encontrar habitualmente los siguientes elementos:
• Un breve ámbito de acceso o pronaos (1).
• La sala que aloja la estatua de la divinidad o naos (2).
• Un pórtico posterior, el opistódomo (3), en el que se
guardaban los tesoros y las ofrendas hechas a la deidad.

27. El templo se levanta sobre un basamento
escalonado, el crepidoma. Los dos primeros
escalones constituyen el estereóbato y el último
escalón recibe el nombre de estilóbato.
Este basamento permite aislar al templo, lo que
tiene una finalidad práctica al protegerlo de
Posibles humedades, pero también un valor
simbólico al marcar la separación entre el ámbito
terrenal y el ámbito sagrado.

28. Todo el conjunto
puede estar
rodeado por una
columnata
exterior.

29. Si la columnata rodea el edificio, el
templo es períptero.

30. y si es doble, díptero.
Cuando las columnas
están adosadas al
muro se denomina
pseudodíptero.

31. Cuando solo hay columnas en la fachada
principal estamos ante un templo próstilo.

32. y anfipróstilo si
también las hay en la
fachada posterior

33. Se habla de templo in antis
cuando las columnas
laterales de la fachada se
Sustituyen por antas,
pilastras que refuerzan y a
la vez decoran los muros
laterales que se prolongan
hasta el nivel de las
columnas.

34. Por el número de
columnas en su frente
hablamos de templo:
dístilo (2)
tetrástilo (4)
hexástilo (6)
octástilo (8)
eneástilo (9)
decástilos (10).

35. Tholos
• Es el templo de planta circular con
columnas alrededor

36. La arquitectura griega, al igual que la egipcia, es
adintelada: un elemento horizontal (el elemento
sustentado) descansa sobre un soporte vertical,
(el elemento sustentante).
El elemento sustentante es la columna, sustituida
a veces por figuras humanas, llamadas
cariátides si son femeninas o atlantes si son
masculinas. El elemento sustentado es el
entablamento.

37. Correcciones ópticas
Se trata de contrarrestar las deformaciones que
provoca la curvatura del ojo humano cuando se
observan líneas rectas de largas dimensiones, con
deformaciones reales contrarias que las anulan.

38. Estas exigen un cálculo matemático muy
complejo. El Partenón es un ejemplo
magnífico de ello.
Se curva hacia arriba en dirección al
centro. Se curva tanto en la base como en
el entablamento.

39. Las columnas se inclinan ligeramente hacia
atrás (hacia el interior) para evitar la impresión
de que el edificio se cae hacia delante.
Las columnas de las esquinas al recibir la luz
solar con mayor intensidad parecen más
recortadas y delgadas que las demás, por lo que
se hacen algo más gruesas.
La distancia entre las columnas (intercolumnios)
aumenta cuanto más nos alejamos del centro,
para corregir la impresión óptica por la que
parece que disminuyen del centro a los
extremos.

40. El Partenon
EL PARTENON: construido después de
las Guerras Médicas, en la Acrópolis de
Atenas, se inició en 447 y se terminó
hacia el 437 a. C.
Sus arquitectos fueron Ictinos y Calícrates.
Fidias hizo los relieves.
Está dedicado a la diosa Atenea Parthenos.

41. • Análisis formal:
• Material: realizado en mármol policromado.
• Planta: es un templo de grandes dimensiones,
octástilo, con diecisiete columnas a lo largo,
anfipróstilo y períptero. El interior del edificio
está dividido en pronaos, naos y opistodomos,
accesible desde un pórtico. Para lograr más
altura en el interior, la naos y el opistodomos
tiene dos columnatas dóricas superpuestas, que
en el caso de la naos rodeaban la imagen de
Atenea. Pertenece al estilo dórico (aunque el
friso de la naos es jónico)

42. • Exterior: La fachada respeta el canon del orden
Exterior
dórico. Sobre el estilóbato se elevan las
columnas, estilizadas pero con un ligero éntasis.
Los capiteles tienen equinos casi planos y
ábacos ligeros. Sobre el arquitrabe liso, corre un
friso decorado con triglifos, que caen sobre cada
columna, y metopas a la altura de los
intercolumnios. La doble vertiente del tejado
deja un espacio triangular, el frontón,
completamente decorado con esculturas de
bulto redondo. Posee las correcciones ópticas
reflejadas en las diapositivas anteriores.

43. • La decoración está realizada con relieves
o incluso estatuas de bulto redondo.
- En el friso: la procesión de las Panateas
y las guerras entre atenienses y lapitas,
centauros y troyanos.
- En los tímpanos: el nacimiento de
Atenea (E) y la victoria de Atenea sobre
Poseidón (W).
La decoración estuvo supervisada por
Fidias.
http://www.youtube.com/watch?v=
9Tcp1C2mVZ0&feature=related

44. LA ACRÓPOLIS:
• Es el lugar donde el griego, en general, construye los
edificios más importantes. Literalmente significa “la
ciudad alta”, al principio estuvo amurallada al ser
residencia de los reyes, con el paso del tiempo las
acrópolis se convirtieron en la parte más noble de la
ciudad, como “residencia de los dioses”, construyéndose
principalmente templos.
• Progresivamente fueron perdiendo peso durante la
época de la democracia. En ella se situaban aparte de
los templos casi todos los edificios civiles importantes
como los teatros, los odeones, los gimnasios, stoa
(recinto abierto por uno de sus lados y de planta
rectangular que se utiliza para diversos usos: sala de
exposiciones, tribunal de justicia, vía comercial...), el
ágora (ámbito propio para la administración y también
para recreo del pueblo como lugar de reunión de la
ciudadanía, era el centro neurálgico de la ciudad).

45. ACRÓPOLIS DE ATENAS. s.V a.C.
Se sitúa entre el mar y la montaña, en medio de una fértil llanura.
La actual acrópolis es de la época de Pericles quien ordenó su
construcción después de que fuese destruida por los persas.
En el 449 a. C. comenzó la construcción del Partenón. Más tarde se
iniciaron los Propíleos o puertas delanteras que constan de dos
fachadas y entre ellas un vestíbulo (de orden jónico).
Otros edificios dentro de esta acrópolis son el templo jónico de
Atenea Niké, el Erecteión, una pinacoteca…
La Acrópolis nos da un ejemplo de aprovechamiento de la
topografía difícil y de la disposición visual de los edificios
subordinada a un itinerario religioso. Esta planificación es obra de
Mnesicles.

46. EL TEATRO GRIEGO
El origen del teatro griego está íntimamente ligado al culto que los
griegos
rendían a Dioniso, dios del vino, y alcanza su plenitud durante el siglo V
a.C.
En las fiestas dionisíacas se celebraban representaciones en honor al
dios que dieron lugar a la tragedia y comedia griegas. Desde estos
inicios, en los que el coro tenía un protagonismo absoluto, el teatro
evolucionó y poco a poco personajes concretos se independizaron del
culto a Dioniso.
El teatro desempeñó un importante papel en la vida de los griegos: la
tragedia era un medio de purificación o catarsis y a través de la comedia
se realizaba una dura crítica de las costumbres y personajes del
momento.

47. Partes del Teatro.
Los teatros eran
espacios abiertos
y las
representaciones
teatrales se
realizaban al aire
libre.
Tenían una
acústica perfecta.

48. En ellos se distinguen tres partes:
• El koilon (5) (lo que los
romanos llamaron cavea). Es la
zona de las gradas en las que se
sitúa el público y tiene planta
ultrasemicircular.
• Estas gradas están adosadas
a una pendiente natural o
excavadas en la roca.
• Se divide en pisos mediante
pasillos o diazomata y en
secciones o kerkide (2) mediante
escaleras radiales.

49. • La orchestra (1) es un espacio
circular (en el teatro romano será
semicircular) reservado a las
evoluciones del coro, en cuyo
centro se encontraba el altar de
Dioniso.
• La skené (3) es una
construcción rectangular que
servía al mismo tiempo como
depósito de vestidos y máscaras y
como fondo escenográfico. El
proskenion (4), espacio anterior a
la skené, era donde actuaban los
actores.
•
• El teatro griego mejor conservado
es el de Epidauro, construido a
fines del siglo IV a.C.

50. EL TEATRO DE EPIDAURO
Fue realizado, con toda probabilidad por Polícleto el Joven, en torno al año
330 a. C.
Aprovecha una colina, tiene 120 m. de diámetro y 24 m. de desnivel y una
capacidad para 15.000 espectadores.
Organizado alrededor de la orchestra, que al principio tenía un altar en el
centro.
Cavea o graderío: rodea en semicírculo a la orchestra, es el espacio para los
espectadores, con escaleras que ascienden radialmente y la dividen en
sectores. Tiene asientos de dos tipos: unos para el pueblo que terminan en un
reborde en ángulo y otros para las autoridades con respaldo y brazos.
Escena en posición tangente a la orchestra, edificio que en su origen tenía la
función de vestuario o almacén, con el tiempo la representación de la obra se
trasladó a la escena y apareció una plataforma elevada llamada proscenio,
situada entre la escena y la orchestra, donde actuaban los actores y a la que
se accedía por dos rampas laterales.
La entrada del público se hacía por dos accesos laterales llamados parodos.

52. ESCULTURA
La escultura griega es una de las creaciones
más destacadas de toda la historia del arte.
A pesar de que de algunos de los grandes
maestros sólo conservemos copias romanas.

53. Pueden distinguirse claramente los tres
períodos del arte griego dentro de la
escultura:
- Arcaica (S.VIII-S.V a.C).
- Clásica (S. V- S.IV a.C).
- Helenística (S.IV-S. I a.C).

54. Caracteres generales
a) La escultura evoluciona hacia la
representación de la belleza física y el
equilibrio espiritual.
Una belleza concebida dentro de la proporción
entre las partes, la anatomía armoniosa, la
idealización del cuerpo humano.

55. b) Exterioriza los
sentimientos, no es sólo
la expresión estética del
físico.
c) Se consigue plasmar el
movimiento, tanto de la
figura humana individual
como en su relación con
otros miembros del grupo
escultórico.
La flexibilidad de los
cuerpos, la tensión
muscular…

56. d) Preocupación por el
volumen: aportan diferentes
puntos de vista para
contemplar una imagen,
rompen con la frontalidad
egipcia.

57. ESCULTURA ARCAICA
Es el periodo comprendido desde
mediados del siglo VIII hasta el V a.C., es
una etapa de aprendizaje, de lucha por la
conquista de la técnica y de emancipación
progresiva de las influencias exteriores.
La culminación del arte de Próximo
Oriente y Egipto es el punto de partida
para los griegos.

58. INFLUENCIAS
Clara influencia
egipcia en sus
primeras
representaciones:
- Brazos pegados al
cuerpo.
- Frontalidad.
- Rigidez o hieratismo.
- Un pie adelantado.
- Fines votivos o
funerarios.

59. Rasgos propios
Representación anatómica más detallada.
“Sonrisa arcaica” (no representa una actitud
o sentimiento es más una manera de
representar el rostro).
Ojos almendrados.
Desnudo masculino.

60. Kóuros Anavissos

61. Se representan figuras de
hombres y mujeres
jóvenes, de tamaño
natural, llamados Kóuroi
y Korai. Kóuroi (atletas
desnudos) y Kórai
(mujeres vestidas, con
frecuencia sacerdotisas).
Todas estas esculturas
tienen unos rasgos
comunes:

62. Son figuras hieráticas con
brazos pegados al cuerpo.
Tiene un cuello muy grueso,
pelo con trazado geométrico,
sonrisa estereotipada y ojos
almendrados.
Muestran una anatomía
esquematizada en su
tratamiento (aunque más
detallada que la egipcia).
Visten tejidos geométricos,
esculpidos con poco detalle.
A pesar de estos arcaísmos es
patente la evolución de estas
esculturas habiendo
diferencias entre las más
antiguas y las más modernas.

63. Los Kóuroi
Los Kóuroi son atletas jóvenes y de pié, sujetos
al frontalismo (sólo un punto de vista: de frente),
estáticos, avanzando sólo la pierna izquierda. El
cuerpo es de anatomía rudimentaria, brazos
caídos y puños cerrados. La cabeza con pelo
largo y rizado, con simetría en los tirabuzones y
ondas; ojos saltones y almendrados, sonrisa
“arcaica”, labios gruesos y hieratismo. Las
esculturas evolucionan hacia un mayor realismo
y humanización que se refleja en la expresión
de la cara. Pueden ser de tipo votivo o funerario.

64. Kouros de
Anavyssos

65. Cliobis y
Bitón.

66. Las Korai
Las Korai son jóvenes vestidas. Los rasgos de
la cara siguen el convencionalismo de los
Kóuroi. Poseen una actitud grave y avanzan
hacia el espectador portando algo en las manos,
un vaso o un fruto, se suelen realizar en
mármol. Es difícil precisar su significado: para
unos son servidoras del templo, para otros son
exvotos (ofrendas).
.

67. Dama de
Auxerre

68. En la representación
del vestido vemos
avances entre la
Dama de Auxerre,
donde el peplo está
solamente sugerido y
los pliegues de la
túnica y el manto
incisos de Hera de
Samos (Museo del
Louvre).

69. FRONTONES
Esculturas de los frontones: se realizan
relieves en los frontones de los templos que
para adaptarse a las esquinas buscan tres
soluciones: - hacer que las figuras disminuyan
de tamaño adaptándose a los ángulos agudos
como en el Templo de Corfú. –colocar
serpientes con formas monstruosas como en el
Templo del Hecatómpedo. –representar luchas
mitológicas con personajes tumbados en los
ángulos como en el Templo de Egina.

70. ¿Egina
Corfú
Hecatómpedo?

71. Transición al clasicismo
Alrededor del año 500 a.C. en los frontones
de Egina y Olimpia se producen cambios
que anuncian el clasicismo. Vemos una
mayor expresión de sentimientos y un
mayor dinamismo de las figuras.

72. En escultura exenta tenemos el Auriga de
Delfos y en relieves El Trono Ludovisi,
ambos marcarán el paso de una etapa a
otra.

74. Pese a que encontramos pervivencias de
arcaismos:
- frontalidad, simetría en el cabello…
Tenemos un mayor naturalismo en la
caída de la túnica, pese a que los
pliegues son demasiado rectos.
Ya no es hierática ni rígida sino que
podría ponerse a andar o a mover las
riendas del carro.
El rostro expresa serenidad.

76. El nacimiento de Afrodita del Trono
Ludovisi expresa movimiento en cuerpos
que se doblan y formas anatómicas que
marcan una ondulación flexible (se supera
la rigidez anterior). Esta misma ondulación
y flexibilidad que marcan los tejidos sobre
los cuerpos o tapándolos.

77. Los avances en el domino de la técnica se
dan al final del periodo arcaico y se les
denomina esculturas de transición, se
rompe con el arcaísmo y se domina mejor
el movimiento, pero siguen algunos
rasgos arcaicos como la geometrización
del pelo.

78. LA ESCULTURA CLÁSICA
En el siglo V a.C. la
escultura alcanza su
máxima perfección y
serenidad. El ideal de
equilibrio griego
encuentra en la escultura
su máxima expresión.

79. Será en el siglo IV
cuando se preste mayor
atención a la expresión
de los sentimientos en
los rostros. Lo que
provocará un cambio
hacia el Helenismo.

80. Las figuras más importantes
son:
- S. V.a.C.: MIRÓN, FIDIAS
Y POLÍCLETO.
- S.IV a.C.: SCOPAS,
PRAXÍTELES Y LISIPO.

81. El siglo V (época de Pericles) representa para el
arte griego su momento clásico, la escultura
alcanza la máxima perfección.
Este momento está representado por Mirón,
Policleto y Fidias, con esculturas que reflejan
una gran serenidad interior, buscan la belleza
propia del ser humano y de la naturaleza, la
belleza ideal que se alcanza a través de la
simetría y la proporción.

82. MIRÓN
El broncista Mirón consiguió con su
Discóbolo la captación del movimiento en
el momento en que el atleta se dispone a
iniciar el giro para soltar el disco. El
cuerpo está contraído y apoyado sobre el
pie derecho. Es una postura de enorme
audacia.

84. La obra original era en bronce y estaría fechada entre
los años 460 y 450 a.C.
Análisis formal: Se trata de una escultura de bulto
redondo y tamaño natural. Representa a un atleta justo
en el momento que va a lanzar el disco.
Es una representación del hombre como ideal simbólico
en si mismo y no como representación de exvotos o
divinidades.
La disposición de la figura no es forzada sino
armoniosa: dos curvas se combinan, una que une las
dos manos (en cuyo centro está la cabeza) y otra que va
desde la cabeza hasta la rodilla.
Con gran avance en la representación de la anatomía y
logrando transmitir una sensación de instantaneidad,
que acentúa el dinamismo de la obra.
Pero el rostro todavía es inexpresivo, curiosamente en el
momento de mayor esfuerzo físico, y el pelo conserva
una geometrización arcaica.

85. POLICLETO
Es un teórico de la anatomía humana, broncista de la
escuela de Argos, en el Peloponeso, a su enorme
importancia artística hay que añadir sus aportaciones
teóricas recogidas en su libro Canon donde define su
idea del canon de belleza: como la regla de las
proporciones humanas, conforme al tipo ideal. Esa idea
de belleza se encuentra precisamente en la armonía y
en las proporciones del cuerpo humano, afirmando que
es conveniente que la cabeza sea la séptima parte de la
altura total de la figura. También crea el contraposto,
es decir, la oposición armónica de las diversas partes
del cuerpo humano, especialmente cuando alguna de
ellas se halla en movimiento o tensión, estando sus
simétricas en reposo.

86. Esta escultura
se convertirá
durante
muchos años
en el modelo
de belleza
varonil, la
medida por
antonomasia
del cuerpo
humano
perfecto.

87. El Doríforo
(Atleta con lanza)
Utiliza el canon 1/7 y logra el equilibrio con el
ritmo cruzado o “contraposto”:
- con la lanza en la mano izquierda pero el peso
cargado sobre la pierna derecha.
- cada pierna tiene diferente función: mientras
una sostiene el peso la otra descansa.
Esta obra fue realizada en bronce, pero hoy la
conocemos por copias romanas en mármol.
Las proporciones están matemáticamente
estudiadas, con una vigorosa musculatura que
expresa el volumen.

88. Otra obra suya es
el Diadumenos, que
también tiene
canon y
contraposto.

89. FIDIAS
Es considerado el paradigma del
clasicismo. Su obra tiene las mismas
características:
- Belleza serena de los rostros. Busca el
equilibrio y la belleza idealizada.
- Flexibilidad y transparencia de las
vestimentas.
- Combinación de equilibrio y vitalidad.
- Es el gran retratista de las divinidades
griegas (Atenea, Zeus…)

90. Los relieves del Partenón son el gran
legado de este autor.

91. El Partenón
La decoración
escultórica del
Partenón se hace
bajo la dirección de
Fidias, tanto en el
friso interior de los
muros de la naos
(procesión de las
panateneas), como
en las metopas y
frontones.

92. En las luchas entre
lapitas y centauros el
movimiento adquiere
unos efectos
dramáticos y una
variedad de
expresiones que
hacen de estas
metopas una obra
paradigmática en la
historia del relieve.

93. Análisis de la obra:
Posee las siguientes características: la
grave serenidad de los rostros, los
ampulosos, elegantes y naturales ropajes,
la sinuosa composición, y que se inserta
en un esquema triangular muy riguroso.
En el frontón este representa el
nacimiento de Atenea de la cabeza de
Zeus, ante la presencia de diversos
dioses; el acontecimiento tiene lugar al
alba.

96. En el oeste la lucha de Atenea y
Poseidón, se trata de su disputa por la
posesión de la Acrópolis: Poseidón ofreció
un caballo y Atenea hizo brotar un olivo.
El pueblo de Atenas escogió el olivo,
proclamando a Atenea su diosa
protectora. Utiliza la técnica de los paños
mojados con el modelado de los ropajes
para las figuras femeninas, estos paños
pegados al cuerpo, traslucen su
anatomía, acentuando aún más su
naturalidad. Cuerpos estáticos y cabezas
inclinadas.

98. En las metopas
representa luchas
mitológicas de
centauros y lapitas,
Guerra de Troya,
amazonas y gigantes,
representando el
movimiento, más o
menos violento.

99. En el friso el desfile de las Panateneas o Procesión de
las Panateneas, un friso de 160m de longitud y una
banda esculpida de 1,05m, con relieves que no
sobresalen más de cinco centímetros. Representa la
procesión de las Panateneas que tenía lugar cada
cuatro años en Atenas, dedicada a la diosa Atenea.
Composición: las escenas están en un solo plano,
rodean la parte exterior de la cella, tenían accesorios de
metal (hoy desaparecidos), usaba el color para definir
los objetos no esculpidos.

100. El punto de arranque es una cabalgata que ocupa
el 70% encabezada por los carros, luego el cortejo
a pie de ancianos portadores de ramas, músicos
con citaras y flautas, portadores de hidrias (vasijas
de agua), conductores de ganado y animales que
se van a sacrificar (ovejas, carneros...), en las
esquinas aparecen doncellas atenienses con peplos
y héroes (las 10 tribus de Atenas). Sin ser
observados por los humanos están las principales
divinidades olímpicas que lo contemplan sentadas:
Zeus en el trono, Poseidon, Apolo, Artemisa, que
conversan entre ellos. Los dioses están realizados
a escala superior que el resto del friso. Hay también
escenas anecdóticas como un joven atándose una
sandalia o como caballos encabritados.

101. En resumen: el pueblo camina a ofrecer el peplo a su diosa; según
la tradición, el cortejo, de hombres, carros, caballos y otros
animales, se ponían en marcha al alba y se mezclan el hombre, el
animal y los dioses. En total esculpió 360 personajes, 220 animales
y 10 carros con increíble plasticidad. Los rostros son captados con
diferentes expresiones, pero siempre serenas, a modo de dioses,
los vestidos dan sensación de naturalidad absoluta y dejan ver la
anatomía atlética masculina, estética propia del mundo heleno
clásico.
El material que uso era de gran calidad, las mejores placas de
mármol del Pentélico. La técnica escultórica se basaba en la
combinación de los distintos tipos de relieve rehundido, bajo, medio
y alto relieve, así como la técnica de los paños mojados.
Los fragmentos originales de las esculturas del Partenón se hallan
diseminadas por numerosos museos: Británico, Louvre, Acrópolis…

102. El siglo IV a.C.
Después de terminar la guerra del Peloponeso, es la
época de disgregación y crisis de las polis, se le conoce
también con el término de posclasicismo, la escultura
busca representar sentimientos y estados de ánimo,
dejando la serenidad y el equilibrio del estilo anterior,
aunque sigue buscando la belleza ideal, el arte se
vuelve más humano, los dioses se humanizan, los
rostros tienen el “pathos”, la expresión emocional y
estado anímico, prefieren el mármol al bronce, se
esculpen dioses más cercanos al hombre y también
figuras de poetas y oradores que sustituyen a los
atletas. Los escultores son Praxiteles, Scopas y
Lisipo.

103. PRAXÍTELES
Expresa en sus obras sentimientos de melancolía y es
considerado el escultor de la belleza sensual, de suaves
formas redondeadas, que se acentúan al apoyar el
cuerpo sobre una pierna, creando una de sus
características más importantes: la “curva praxiteliana”.
La curva da sensación de languidez al cuerpo, forma
una S donde el cuerpo se arquea ligeramente al
apoyarse en algo exterior al él, debiendo doblar una
pierna para apoyarse fuertemente en la otra, lo que
determina el saliente de la cadera, las figuras siempre
miran a algo o a alguien y además alarga el canon de
Policleto para lograr más esbeltez.

104. Obras suyas son el Apolo Sauróctono,
apoyado en un tronco de árbol; Hermes
de Olimpia con el niño dios Dionisios;

105. Venus o Afrodita de Cnido
Obra realizada en mármol de 1,90 m.
Análisis de la obra: Representa a la
diosa del amor y de la belleza que
según la leyenda nace de la
castración de Urano, de sus genitales
se desprendieron unas gotas de
semen que cayeron al mar y de la
espuma blanca surgió Afrodita que
navegará en una concha hacia la
tierra.

106. Formalmente es el ideal de belleza
femenina clásica y el primer
desnudo femenino griego, la realizó
para ser vista desde cualquier
punto ya que estaba colocada en
un altar. Es de formas suaves y con
la curva praxiteliana para darle
mayor sensualidad. Tiene un brazo
apoyado sobre un soporte, que en
este caso sostiene un paño o una
toalla que esta sobre la jarra del
agua, lo que hace que el otro
hombro quede ligeramente
desplazado, para contrarrestar el
resto del peso del cuerpo
(contraposto praxiteliano).

107. Respecto a los miembros
inferiores, tiene una pierna
en posición de movimiento,
únicamente apoyada con la
punta del pie y otra pierna
completamente apoyada
soporta el peso del cuerpo.

108. Por último, la cabeza queda
suavemente ladeada, en actitud
nostálgica.
Posee la típica composición de
curva praxiteliana, característica
común a todas las esculturas de
este autor.

109. SCOPAS
Escultor, decorador y
arquitecto que expresa
estados violentos del alma,
temas trágicos, el “pathos”.
Sus figuras están retorcidas
y llenas de movimiento
acompañadas con bestias o
naturalezas vegetales.Entre
sus obras más destacadas
está la Ménade.

110. LISIPO
Escultor preferido de Alejandro Magno. Realizó más de
1500 esculturas, trabaja sobre todo en bronce.
Busca el naturalismo y la variedad de actitudes que
permiten ver la escultura desde distintos puntos de vista,
desapareciendo totalmente la frontalidad.
Se inspira en la calle, de ahí su naturalismo. Sus
retratos son personales y virtuosos cuidando el detalle
sobretodo en los cabellos.
Obras suyas son Apoxiomenos, atleta quitándose el
polvo y la grasa con el estrígilo (utensilio curvado), sin
actitud triunfalista ni heroica, crea una nueva dimensión
espacial al hacer avanzar los brazos de la escultura.

111. Otro canon
La crisis de los ideales
anatómicos de Policleto se
anuncia en el siglo IV en las
esculturas de Lisipo , en su
Apoxiomeno.
Es más esbelto y su
posición más inestable, la
cabeza más pequeña y sus
músculos menos vigorosos.

112. HELENISMO
El helenismo significa la crisis de la polis bajo el
dominio macedonio. Bajo el liderazgo de
Alejandro Magno los valores cambian y la
armonía clásica da paso a otros nuevos modos
de expresar el arte.

113. Se inicia un nuevo realismo un tanto
amargo: se prefiere el desequilibrio de los
cuerpos retorcidos a las serenas posturas
anteriores. Se sustituyen los rostros
tranquilos por el dramatismo. Se busca
expresar la fealdad de seres
amenazadores antes que la belleza ideal.

114. A pesar de que Atenas mantiene su
estatus cultural, surgen otras escuelas en
Pérgamo, Rodas o Alejandría. Por lo que
surgen variedades de estilos dependiendo
de cada escuela.

115. En algunos casos el
recuerdo de épocas
anteriores lleva a
representaciones
como la Venus de
Milo.

116. En el grupo del Laocoonte los cuerpos se
retuercen, los músculos se hinchan, los
rostros expresan dolor.

117. El movimiento intenso y la
tensión caracterizan la
Victoria de Samotracia
cuyos pliegues
arremolinados y la postura
elástica la diferencian
claramente de las
esculturas, por ejemplo, de
Fidias.

118. ESCUELA DE PÉRGAMO
En Asia Menor, busca el patetismo y el
estudio anatómico con actitudes forzadas,
escenas de lucha. Su obra más
importante es los relieves del Altar de
Zeus en Pérgamo y el Galo moribundo.

119. ESCUELA DE ALEJANDRÍA
En Egipto, tiene predilección por los
temas vulgares y grotescos, por las
alegorías y por las figurillas llenas de
delicadeza. Destaca la Alegoría del río
Nilo.

120. ESCUELA DE RODAS
Isla cercana de las costas de Asia Menor,
caracterizada por composiciones
grandilocuentes y complejas, en las
cuales lo mas característico es el estudio
de la anatomía, de los paños mojados y
transparentes.
Como obras destacan la Victoria de
Samotracia y Laocoonte y sus hijos.

121. Laocoonte y sus hijos.
Se trata de un grupo escultórico donde se
esculpe la historia de Laocoonte, sacerdote que
desaconsejó la entrada del caballo de Troya y
fue castigado a morir por Atenea, con sus hijos.
El sacerdote de Apolo muere estrangulado por
serpientes marinas enviadas por Poseidón para
que no desvelara el secreto del caballo de
Troya. La obra tiene dos características el
patetismo y el dramatismo. El material de la
copia es mármol y fue descubierta en el siglo
XVI, es posible que el original fuese de bronce.

122. Es una escultura exenta de bulto redondo, su composición es plana
para ser vista de frente, se enmarca perfectamente en una
composición piramidal y en una diagonal que atraviesa toda la
escultura.
Por un lado, la pirámide la forman las tres figuras, con la cabeza del
Laooconte en el vértice superior, y, por otro lado, la diagonal
resultante de unir con una línea el brazo derecho y la pierna
izquierda de esté.
Tiene contraste de tamaños: sobresale el sacerdote en el centro,
los hijos son de menor tamaño y se retuercen helicoidalmente
mirando al eje central; geométricamente tiene un esquema
triangular (cuerpos) y helicoidal (serpientes).
Emplea las técnicas de: paños mojados (influencia de Fidias),
desnudos atléticos (influencia de Praxiteles), trépanos en cabellos y
barbas, ojos hundidos (influencia de Scopas). La obra se atribuye a
los artistas Hagesandro, Atenodoro y Polidoro. Siglo II a C.,
aunque los historiadores no se ponen de acuerdo con su
cronología. Descubierta en 1506 ejercerá una influencia
extraordinaria en Miguel Ángel y en los artistas que preludian el
Barroco. Actualmente se encuentra en los Museos Vaticanos.