Picasso y la Paz

Arte y Construcción de la Modernidad en Occidente
Maestría en Comunicación Digital
Realizado Por:
Olga Beatriz Rueda – Paulo César Paz

¿Qué es el arte?
―Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo‖.
Pablo Picasso

Contextualización

La vida de pablo Picasso se desarrolla en una época
caracterizada por las guerras: la I guerra mundial (1916) y la II
guerra mundial (1939 – 1945); pero lo que afectó de manera
importante al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y
el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra
más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y
la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado.

En la exposición Picasso, ―Guerra y Paz‖, la obra se pone de
manifiesto especialmente a partir de los años de la guerra civil
española, con la tarea que le encomienda el gobierno de la
República de la realización de la pintura mural Guernica para el
pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937
y todas las obras que giran en torno a ella que se han erigido en
emblema del sufrimiento humano.

Su adhesión al partido comunista francés en octubre de 1944
marca una intensa actividad en favor de una decidida defensa en
pro de la libertad y la paz, que queda plasmada en su obra de ese
momento y adquiere una dimensión definitiva con su
participación en los congresos de la Paz de 1948 en Wroclaw, el
de 1949 en París y el de 1950 en Londres, en los que sus dibujos

Contextualización

Picasso emprende en 1945 la realización de los grandes
paneles titulados La guerra y la paz, que en 1954 serían
instalados en una capilla de Vallauris y que entrañan un
extenso trabajo preparatorio.

Por otro lado, en la cincuentena de dibujos que realiza sobre
la escultura L’homme au mouton, encarnación del buen pastor
cristiano y reminiscencia de la tradición mediterránea, una
larga reflexión en torno al poder del arte frente al terror, nos
remite por su humanismo al contexto de la guerra, en la que el
cordero encarna la víctima y el pastor se erige en paladín de
la paz y la tolerancia.

Picasso, se consideraba una persona pacifista y comunista, el Paloma de la Paz
cual se vio reflejado cuando fue miembro del Partido
Comunista Francés, al cual perteneció hasta los últimos días
de su muerte. La unión a este partido comunista se debió a
varios sucesos que paso él en el periodo de la ―Segunda
Guerra Mundial‖ y ―Guerra Guernica‖, como por ejemplo, la
muerte de su madre en enero de 1939.

Contextualización
Picasso

Las vanguardias artísticas de principios del s. XX son una
ruptura esencial en la Historia del Arte. Un deseo de renovación
se extiende por Europa y España. Se cuestiona todo sobre la
obra de arte y se dan respuestas muy variadas. España será un
país atrasado en los nuevos lenguajes artísticos, pero en
cambio proporcionará algunos de los artistas esenciales del
siglo, creando un contexto enormemente rico.
Dalí

En la escultura destacan los artistas Pablo Gargallo (1881-
1934), con su obra abstracta en hierro (El profeta), que
prefigura la obra de Julio González (La Montserrat) y de Alberto
Sánchez (El pueblo español tiene un camino que le conduce a
una estrella). En la pintura destacan los cubistas Picasso y
Gris, y los surrealistas Miró y Dalí, que desarrollaron gran parte Miró
de sus mejores obras en el extranjero, concretamente en París,
la capital del arte de vanguardia.

Si Picasso origina el cubismo, Dalí y Miró son los campeones
del surrealismo, el primero del figurativo y el segundo del
abstracto. Tienen los tres un rasgo común: la búsqueda de un
lenguaje expresivo propio, con un enorme ímpetu creativo e
innovador.

Contextualización

Es el mayor genio del arte del siglo XX, al que
revolucionó radicalmente, iniciando caminos
nuevos, como testimonio del hombre y de la
historia de su época.

Sus obras responden a casi todos los estilos
del siglo XX, de los que será creador o
primera figura, a lo largo de sus tres grandes
etapas: figurativa, cubista y expresionista.

“El artista no trabaja con hipótesis. Trabaja
consigo mismo y su tiempo. Trabaja para
dar claridad, delante de su consciencia y Tres músicos
sus contemporáneos, de sí mismo y de su
tiempo”.
Picasso

Pablo Picasso pintando 'el
Guernica'

La vida de Pablo Picasso

Los primeros años
Picasso nace en Málaga en 1881. Su padre, José Ruiz
Blasco, era profesor de Dibujo y Pintura en la Escuela
de Bellas Artes y le enseñó las primeras lecciones. Su
madre, María Picasso López, era malagueña de remota
ascendencia italiana (Picasso adoptó desde su
juventud el apellido materno).

Primera etapa de formación (1890-1897).
Su primera etapa de formación es la de su infancia y
juventud, bajo la tutela de su padre, y fue académica y
tradicional. Está muy bien representada en el Museo
Picasso de Barcelona.

Hasta los 9 años vivió en Málaga, donde empezó a
dibujar y a pintar. Se conocen dos cuadros suyos de
esta época y un dibujo fechado en 1890. Siguió, desde
el otoño de 1891, una estancia en La Coruña, donde su
padre fue a ocupar el cargo de profesor de dibujo. Allí
tuvo lugar, con la pubertad, la verdadera eclosión del
genio de Picasso. Antes de abandonar La Coruña Muchacha de los pies
expuso sus obras en una trastienda. Destacan La descalzos
muchacha de los pies descalzos y El mendigo de la
gorra.


La familia llegó a Barcelona en 1895 (donde se
quedaron el resto de sus vidas la madre y la
hermana del pintor, lo que contribuyó a que este
considerase tan malagueño como catalán). Allí
Picas-so se relacionó con las nuevas corrientes
artísticas y políticas.

Entró en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona,
donde tuvo como profesor a Antonio Caba. Fue un
alumno brillante, pero poco disciplinado, que sólo
tomaba los modelos oficiales para ejercitarse. Hizo
amistad (para toda la vida) con otro alumno,
Manuel Pallarés. En esta época pintó La primera
comunión (1896), cuadro con el que participó en la
Exposición de Bellas Artes de Barcelona, y Ciencia
y caridad, con el que fue galardonado en la
Exposición de Bellas Artes de Madrid. Al margen de
esta labor oficial, pintó toda clase de temas, sobre La primera
tablillas o pequeñas telas, de inspiración más libre comunión
y ejecución más atrevida, testimonio de su precoz
inquietud.


Segunda etapa de formación (1897-1899)

Busca un lenguaje más libre y moderno. Abundan los
paisajes, las escenas callejeras, los retratos y
caricaturas.

En el curso 1897-98 ingresó en la Academia de San
Fernando de Madrid. Llevó una vida bohemia y
precaria, pero rechaza el academicismo y vuelve en
1898 a Barcelona, más crítico que nunca. Con la salud
debilitada, marchó con su amigo Pallarés a Horat de
Ebro, donde permaneció ocho meses.

Tercera etapa de formación (1899-1900).
Se caracteriza por su integración en el grupo
modernista de 4 Gats, en donde realizó su primera
exposición individual.
Volvió a Barcelona en febrero de 1899 y trabajó en el
estudio del escultor Cardona; por aquel entonces
conoció a su primo Jaime Sabartés, gran amigo de
infancia y juventud en Barcelona, y más tarde su
secretario personal. A principios de 1900 abrió una Lola (1899)
exposición en los Qua-tre Gats, integrada por gran
cantidad de retratos de familiares, amigos y
conocidos: Lola, hermana del artista (1899) y los de
Sabartés, Casagemes, Ángel y Mateo F. de Soto,


Cuarta y última etapa de forma-ción (1900-1904).

Corresponde a su época azul, en la que junto a
imágenes clásicas y llenas de tristeza hay caricaturas
y dibujos eróticos.

En octubre de 1900 hace su primer viaje a París, con
su amigo Casagemes, donde pronto se les une
Pallarés. Ocupó el estudio que Nonell abandonó en
Montmartre y ajustó un contrato con el marchante
catalán Manyac. Conoce la pintura postimpresionista
(Cézanne), que le influye mucho al principio.

A mediados de enero de 1901 fundó en Madrid la
revista Arte Joven (cuatro números), junto con F. de A.
Soler, dentro del tipo de la barcelonesa Pèl & Ploma.
De regreso a Barcelona celebró una exposición de
pasteles en la Sala Parés.

Por segunda vez marchó a París, ahora con Jaume
Andreu, y expuso en la Galería Vollard, con el pintor
vasco Iturrino. Empieza una labor sin descanso, en la La nana (1901)
que se advierte la influencia de pintores
contemporáneos franceses (Steinlen, Tou-louse-
Lautrec). Practica un prefauvismo en La nana y en
L'at-tente, de densa pintura policroma. Por esta época


En el mismo 1901 sufre una gran crisis personal por la
pobreza y por la muerte de su amigo Casagemes: es el
inicio de la ―época azul‖ (1901-04).

En 1902 vuelve a Barcelona. Las obras del momento se
centran en el tema de la soledad de la mujer: Bebedora
adormecida, Desnudo de espaldas. En otoño
emprende el tercer viaje a París, con Rocarol: su
estancia en París fue especialmente dura.

Regresó a Barcelona en enero de 1903. Pinta El
abrazo, La vida, Escuela de Bellas Artes, Miserables
ante el mar.

En la primavera de 1904 Picasso deja Barcelona con
Sebastià Junyer-Vidal y se instala definitivamente en
París, en el Bateau Lavoir de Montmartre. Realizó su
primera serie de grabados, La comida frugal (1904). La comida frugal (1904)
Vive rodeado de artistas (los fauves, sobre todo
Matisse, le influyen en su color) e intelectuales,
entablando amistad con Apollinaire y André Salmon.
Sus experiencias con las drogas cesaron tras la
muerte del pintor Wiegels.


El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó
desde el primer momento, mostrando en sus cuadros
la gente en los salones de baile y en los cafés la
asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y
del simbolismo de los pintores nabis. El cuadro
Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington)
refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra
su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el
predominio de los tonos azules en las obras que
realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria
humana, con trabajadores extenuados, mendigos,
alcohólicos y prostitutas.

Poco después de establecerse en París en un
desvencijado edificio, Picasso conoce a su primera
compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación
Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos;
los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo
rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo,
Acróbata y joven
que visitó con gran asiduidad, creando obras como
arlequín (1905)
Familia de acróbatas (1905, National Gallery,
Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó
su otro yo, práctica que repitió también en posteriores


En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso
en Gósol, España, su obra entrará en una nueva fase
marcada por la influencia del arte griego, ibérico y
africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-
1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) revela
un tratamiento del rostro en forma de máscara. La
obra clave de este periodo es Las señoritas de
Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York),
tan radical en su estilo que no fue comprendido,
incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de
aquel momento. Frente a la pintura tradicional,
Picasso rompe en esta obra con la profundidad
espacial y la forma de representación ideal del
desnudo femenino, reestructurándolo por medio de
líneas y planos cortantes y angulosos.
Las señoritas de
Inspirados por el tratamiento volumétrico de las avignon
formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges
Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro
de un estilo que un crítico describió después como si
hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos",
imponiéndose así el término cubismo.


Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración
dentro de esta línea de descomposición y análisis de
las formas, desarrollando juntos la primera fase del
cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta
monocromática prevaleció en estas representaciones
de motivos totalmente fragmentados, mostrados de
modo simultáneo desde varios lados.

Los temas favoritos de Picasso fueron los
instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus
amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus
marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art
Institute, Chicago). En 1912 realiza su primer collage,
Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso,
París), combinando pasta de papel y un trozo de hule
sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que
representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra
y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el Retrato de Daniel
cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es Henry Kahnweiler
más decorativa, y el color juega un papel más
predominante e importante, aunque nunca de manera
exclusiva.


Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de
estilos que utilizó:

Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro
cubista sintético.

Vollard (Metropolitan Museum of Art), está realizado
dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así
denominado porque emula las formas artísticas del
pintor francés Jean August Dominique Ingres.

De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-
Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo
clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los
dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en
Italia en 1917. . Arlequín


El busto de bronce de Fernande Olivier (también
llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte
Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de
Picasso en el tratamiento de las formas
tridimensionales.

También realizó conjuntos -como Mandolina y clarinete
(1914, Museo Picasso, París)- formados por
fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales,
explorando con ello las hipótesis espaciales
planteadas por la pintura cubista.

Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es
una escultura en bronce coloreada que representa un
vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una
cucharilla de plata y la reproducción exacta de un
terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más
Vaso de ajenjo
interesante de escultura policromada cubista realizado
por Picasso, anticipando con ella tanto sus
posteriores creaciones de objetos encontrados del
tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno),
como los objetos Pop art de la década de 1960.


Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para
realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei
Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con
la que se casó poco después.

Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917
Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a
su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo
vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a
sus numerosos amigos. A comienzos de la década de
1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas,
pesadas, escultóricas, dentro del que se ha
denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres
mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y
obras inspiradas en la mitología como Las flautas de
pan (1923, Museo Picasso, París).

Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de
bañistas inflados e informes, con cabezas muy Tres mujeres en la fuente
pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de
mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a
menudo con ellas sus propias tensiones vitales.


Aunque siempre declaró que no era surrealista, en
muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades
y características propias de este movimiento artístico,
como en Mujer durmiendo en un sillón (1927,
Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930,
Museo de Arte Moderno).

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de
1930, en los que predomina la armonía de líneas, el
trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente,
reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo
amor, Marie Thérese Walter, con la que tuvo a su hija
Maya en 1935. Thérese también fue retratada muy a
menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo
del famoso cuadro Mujer ante el espejo (1932, Museo
de Arte Moderno). Minotauromaquia (1935)

En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados
Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que
mezcla los temas del minotauro y las corridas de
toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del
caballo destripado anuncian las imágenes del
Guernica, el gran mural considerado por la mayoría
como una de las obras artísticas individuales más
importante del siglo XX.


El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil
española, la aviación alemana, por orden de Francisco
Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica.
Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el
enorme mural conocido como Guernica. En menos de
dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el
Pabellón español de la Exposición Internacional de
París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento
en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y
crueldad del acontecimiento mediante la utilización de
imágenes como el toro, el caballo moribundo, el
guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una
mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la
complejidad de estos y otros símbolos, el Guernica
logró un gran impacto como retrato-denuncia de los
horrores de la guerra.

El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra
Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se Madre con su hijo muerto
oscureciera y a que la muerte fuera el tema más
frecuente en la mayor parte de sus obras.


Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la
que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán
retratados en numerosas obras que recuperan los
primeros estilos de Picasso.

Su última compañera sentimental, a la que también retrató
en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que
conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde
entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

Los últimos cuadros de Picasso están basados en las
obras de los grandes maestros del pasado como Diego
Velázquez, Gustave Courbet, Eugene Delacroix y Édouard
Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso
trabajó también en cientos de litografías que realizó en la
imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la
cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de
2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también
importantes esculturas: El hombre del carnero (1944,
Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y El hombre del carnero
La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en
bronce obra de enorme fuerza.


En 1964 llevó a cabo la maqueta de
Cabeza de mujer, una monumental
escultura levantada en 1966 en acero
soldado en el Civic Center de Chicago.
En 1968, y a lo largo de siete meses,
creó las notables series de 347
grabados con los que retornó a sus
primitivos temas: el circo, las corridas
de toros, el teatro y las escenas
eróticas.

Picasso murió el 3 de abril de 1973 en
Notre Dame de Vie, su residencia
Imagen del castillo francés de Vauvenargues., donde está
cercana a Mougins. enterrado Picasso bajo la estatua de La femme au vase descansa
junto a Jacqueline.
Picasso quedó maravillado al visitar por primera vez el Castillo de
Vaudenargues, cerca de Aix-en-Provenza, y los paisajes que le
rodean, los paisajes de los cuadros de Cézanne. Sintió un
verdadero flechazo y a los 77 años se regala ―un Cézanne a
tamaño natural‖.

Las obras de Picasso se dividen en
periodos y épocas

Acerca de su pintura se caracterizó por Periodos y
Etapas; Periodo Azul (1901 y 1903), Periodo Rosa
(1905-1906), Protocubismo (1906-1907), Periodo
cubista (1908-1916), Periodo Neoclasicista (1917-
1927), Época Surrealista (1928-1932), Época
Expresionista (1936…), Periodo de Vallauris (
Recopilación de la mayoría de sus obras).

periodos y épocas

Periodo Azul:

Predominio de los tonos azules en las obras que
realizó durante 1901 y 1903. Algunos ejemplo son:
Dama en Eden Concert (1903), La Vida(1903), Las dos
hermanas (1904). Miseria humana, con trabajadores
extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas,
representados con cuerpos y formas ligeramente
alargadas al estilo de El Greco. La pintura Habitación
azul refleja el trabajo de su evolución hacia el periodo
azul.

Dama en Eden Concert (1903)

periodos y épocas

Periodo Rosa:

Desde 1905 su paleta se inclina hacia los tonos rosas
y rojos, lo que dura hasta 1906. Algunos ejemplos
son: Familia de Arlequín (1905) y tuvo una obra
maestra, la bella holandesa. A diferencia de las
chicas de París, las imágenes de las holandesas se
ven saludables y con curvas, este cambio de
complexión en la figura de la mujer deja asombrado a
Picasso que decía que ―Las chicas de Holanda tenían
talla de coraceros‖.

La bella holandesa

periodos y épocas

Protocubismo:

En el verano de 1906, en Gosol, su obra entrará en
una fase marcada por la influencia africana. En este
periodo Picasso se desvincula de los cánones de arte
relacionados en mostrar representaciones exactas de
la realidad, modificándolas, más precisamente
transformándolas con parámetros geométricos.
Algunas obras características son; El retrato de
Gertrude y Las señoritas de Avignon.

Es una propuesta radical en su estilo —la superficie
del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue
entendido, incluso, por los críticos y pintores
vanguardistas de aquel momento.

Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta
obra con la profundidad espacial y la forma de
representación ideal del desnudo femenino, El retrato de Gertrude
reestructurándolo por medio de líneas y planos
cortantes y angulosos.

periodos y épocas

Periodo Cubista

Transcurre entre 1908 a 1916. En este periodo Picasso
tiene una manera de pintar neoclásica, Busca una
pintura pura, y para ello comenzó a observar los objetos
de su taller, de modo intelectual. Obras características;
El Retrato de Vollard (1910), ―le guitariste‖ (1910) y El
aficionado (1912).

Cuatro años antes del estallido de la primera guerra
mundial ,Picasso vivía con apasionamiento la
excepcional aventura cubista - que si se analiza en
profundidad resulta bastante misteriosa- en la que no es
fácil deslindar los descubrimientos que le corresponden
a Braque.

Con éste trabajó durante varios años en estrecha
colaboración tanto en la génesis de las audacias del
cubismo y en la elaboración de su lenguaje como en la
selección de los temas y en el desarrollo de las
diferentes etapas que conforman tan complejo
movimiento, uno de los sugestivos ismos del siglo XX.
El Retrato de Vollard - 1910

periodos y épocas
Periodo Cubista

Su concepción revolucionaria, aquí visible con claridad,
comenzó manifestándose como una tentativa para
simplificar los asuntos-ya fuesen personas u objetos , ya
paisajes interiores o exteriores-y reducirlos a sólidos
geometrismos , con objeto de proporcionar el sentimiento
de presencia física táctil y, llevándolos al lienzo ,ir
suprimiendo progresivamente su flotar en la perspectiva
tradicional.

La rápida evolución experimentada llevó al maestro
malagueño a crear retratos como el presente , pintado en
invierno de 1909-1910-que revela el célebre galerista
francés , originario de la Reunión, criollo de rostro
ceñudo , quien osciló en su interés por el artista, sin
llegar a comprenderle del todo - que es verdaderamente
una pieza canónica a la hora de entender este momento
del cubismo.

El color ; limitado a varios tonos neutros , se coordina de
modo que que se acentúe la unidad del cuadro; el rostro
se magnifica en su realidad escultórica y, posteriormente El aficionado
, disecado , es presentado bajo todos sus ángulos y
descompuesto en facetas que el espacio, tratado de la
misma manera , tiende a absorber; en consecuencia , la
forma busca disolverse en su contrario y cristalizarse en
signos cada vez más herméticos , tal y como aquí

periodos y épocas

Periodo Neoclasicista

Este periodo comienza en 1917 y termina en 1927.
En este periodo hay una tendencia en muchos
artistas de vuelta al clasicismo. En su caso, una
vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea
precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio.

El Neoclásico se caracterizó por el uso de formas
escultóricas e imágenes de una grandiosidad y se
centra en el retrato. Pero durante estos años
alternó con sus obras de carácter cubista. Dentro
del primer grupo tenemos Las Bañistas, Mujeres
sentadas, Mujeres en la fuente y Mujeres a la orilla
del mar, Arlequines, la Flauta de Pan. Del segundo,
sin duda el cuadro más importante es Tres
músicos que es una alegoría a su amistad con
Apollinaire y Max Jacob.
Mujeres corriendo en la
playa

periodos y épocas

Época Surrealista

Este periodo dura de 1928 a 1932. En esta época
las formas son distorsionadas, representando lo
monstruoso o a evocaciones mitológicas y las
esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de
metal. Pinturas destacadas; Bañista en
pie (1929), Bañista al borde del mar(1930) y El
sueño (1932).

La relación de Picasso con el surrealismo se
explicita fundamentalmente en dos temas, que son,
además, dos de los temas clave de los
surrealistas: el amor y la crueldad. Ya en Los tres
bailarines los elementos sexuales cobran un
protagonismo comparable a algunas obras
de Miró; pero, a la vez, esos elementos sexuales
adquieren características aterradoras, feroces: las
bocas son sierras dispuestas a masacrar y los
órganos sexuales femeninos crecen dispuestos a
devorar.

El beso, el abrazo, el encuentro amoroso, aparecen
cargados de crueldad, como algo eminentemente La Danza - 1925
destructivo, en una atmósfera de violencia sexual
poco frecuente en el arte occidental, como los dos
gigantes monumentales y monstruosos que se

periodos y épocas
Época Expresionista

Durante la Guerra Civil española, Picasso es nombrado
director del Museo del Prado de Madrid por el gobierno
republicano. El bombardeo del 26 de abril de 1937 en
Guernica por parte de la aviación alemana marcó
profundamente a Picasso.
Este hecho conmociona al pintor, quien comienza a pintar
un enorme mural que pasará a ser uno de sus trabajos
más reconocidos a nivel mundial. La obra fue expuesta en
el Pabellón Español de la Exposición Internacional de
París de 1937.

El mural cargado de símbolos pretendió ser un acto de
denuncia del horror de la guerra y de las consecuencias de
la misma. El Gernica de Picasso estuvo durante cuarenta y
tres años en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en
1981 regresa a España al Casón del Buen Retiro de Madrid.
Allí permanece hasta 1992, pasando a su emplazamiento
definitivo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía de Madrid. Las obras de estos años están cargadas
de sentimientos de horror, pena y tristeza. De esta etapa
son títulos como La mujer llorando o La suplicante.
Mujer que llora - 1937
Durante la Segunda Guerra Mundial Picasso no salió de
Francia. Sus trabajos estarán de nuevo influenciados por
este ambiente. Temas sombríos, angustiosos y tristes

periodos y épocas

Periodo de Vallauris

En esta época se dedicó por completo a la
cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas
(El hombre del cordero que mide 2,20 m de
altura).

La obra Autorretrato (1907); es una de las
últimas que hizo Picasso, sintiéndose
identificado por el post-impresionismo. Forma
parte del Periodo Rosa.

Los tonos rojizos dominan, oscuros o claros,
en las distintas partes de cuadro. En el fondo
de la parte izquierda combina el color rosado
como base junto con café y azul, dando el
efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego
con tonos rojos y naranjas se va aclarando a
medida que se sube. Los tonos de la cara
llevan un gris como base, que junto con los
rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la Autorretrato - 1907
piel. En esta época, Picasso va dejando de lado
la perfección de la forma para fijarse más que
nada en lo fundamental.

Análisis del Guernica

Este cuadro tiene unas
dimensiones de 351 x 782
centímetros, realizado en óleo
sobre lienzo, en blanco y negro,
con una variada escala de grises y
ligeros toques azulados.

La obra se crea a partir de un
triángulo central enmarcado en un
rectángulo. A la manera cubista
de Picasso, se encuentran seis
seres humanos (cuatro mujeres
gritando, un guerrero abatido y un
bebé muerto en los brazos de su
madre), tres animales (un caballo, Guernica 1937
un toro y un pájaro), una bombilla
y una lámpara de kerosene. La composición central, la del triángulo, evidencia una jerarquía en la que el caballo
ocupa un lugar protagónico, le sigue la mujer desnuda y subyugado, el combatiente
descuartizado. A los lados del triángulo, en el marco rectangular izquierdo están la
madre con su bebé muerto en un grito de angustia, un toro, y sobre una mesa un
pájaro también con su pico abierto mirando hacia el techo en señal de auxilio; en el
lado derecho está una mujer alzando los brazos en actitud desesperada por las llamas
del bombardeo. Una cabeza fantasmal de mujer entra por una ventana iluminando la
escena con un quinqué.

Picasso ubica la escena en un interior, lo que refleja la angustia, el miedo, el
desespero, la extinción de un pueblo.


El toro que mira al espectador, está Emerge el caballo con una lengua en punta
Se ve la cabeza enorme una mujer consumida
acusando a la humanidad por estos de lanza, quien atormentado por haber sido
de una mujer que entra en llamas que alza
horrores; también contextualiza el hecho en destripado, relincha brutalmente. A
por una ventana, su sus brazos como
España, dado que el toro es tótem de este propósito, Picasso declaró que “el caballo
cuerpo no se observa; ella clamando socorro.
país con sus corridas y diversas fiestas en representa al pueblo”; entonces es un
ilumina la escena con su Sus ojos son en
que tienen como personaje a este animal. pueblo traicionado que se ve impotente
lámpara y mira forma de lágrimas, al
Es la única figura que no transmite angustia; ante la inminente llegada de Tánatos sin
horrorizada lo que allí igual que sus orificios
para Picasso representaba “la brutalidad y la aviso previo alguno. Esta es la figura
acontece. La mujer de nasales; ella mira
oscuridad”. principal del cuadro puesto que se ubica en
abajo, con una pierna hacia arriba como
se encuentra la madre con su bebé el centro y encabeza la jerarquía triangular.
deforme, mira la luz del cuando algunas
exangüe en brazos que echa la cabeza A las patas del equino se encuentra el
candil como conservando personas hacen a
hacia atrás en un grito de angustia, con combatiente desmembrado. Su brazo
una esperanza. Dios una súplica
los rasgos deformados, sus ojos en forma derecho empuña una espada rota y de ésta,
de lágrimas y sus pechos caídos surge de manera apenas perceptible una
simbolizan la muerte de su maternidad, flor, símbolo de la esperanza y de la vida
mientras que el rostro del bebé se ve sin que puede renacer
vida y su cuerpo lánguido.
Análisis de la obra de derecha a izquierda


La escena surge iluminada por un
bombillo encerrado en un óvalo que
semeja un ojo y los haces de luz son
dibujados mediante puntas filosas.
Perfectamente ese bombillo podría ser el
símbolo de una bomba. De manera
gráfica, Picasso realiza un juego con el
lenguaje, utilizando la raíz común a las
dos palabras (bomb): bomba, bombillo.

Sobre una mesa, detrás del toro está un
pájaro, herido de muerte, que pía en su
agonía

Es significativa la elección del caballo y el toro que son representativos de su país por la afición a la tauromaquia. Picasso ubica la escena en un interior,
lo que refleja la angustia, el miedo, el desespero, la extinción de un pueblo.

Conviene señalar la peculiaridad de que a pesar de que sea un tema tan crudo e impactante como el de la guerra, en la que participan
mayormente los hombres, hay un único individuo masculino y el resto de personas son mujeres y en actitudes agónicas, suplicantes, desgarradas
por el dolor. Son esas víctimas apesadumbradas no sólo por los dolores que les infringen sino también por las pérdidas de sus esposos, hijos a
las que muchas veces deben sobrevivir.

La elección del blanco y negro, con predominio del negro y los grises sumerge al espectador en esa lobreguez del suceso, le inspira también un
estado anímico acorde con él: triste, sombrío, melancólico, pesaroso, aterrado. Una sensación como de luto. Las formas cubistas, por otra parte,
subrayan el caos y la destrucción de la guerra.

En consecuencia, se puede aseverar que el Guernica de Picasso testimonia no sólo un suceso acontecido en esa ciudad sino que patentiza
el sufrimiento, el dolor, la impotencia de los seres humanos ante la barbarie de la guerra, que afecta por igual a animales y hombres. En
ese sentido trata un asunto universal: la tragedia de la guerra, la destrucción que ocasiona, el caos en que subsume a la humanidad.

Arte y proceso de modernización
en la sociedad occidental (I)
Es indudable que el arte en muchas de sus posibilidades y manifestaciones si
ha influido en el proceso de modernización de la sociedad occidental, las
razones se exponen a continuación:

-Hay que resaltar, que desde la perspectiva weberiana, se puede afirmar que
la modernidad se construye en virtud de un proceso de racionalización de los
diferentes ámbitos y experiencias humanas.

- La Francia de Manet, y de otros grandes artistas que crearon tendencias
culturales, sociales y políticas, ha estado en la vanguardia artística en muchas
ocasiones por ser una tierra donde las novedades, las revoluciones incluso,
suelen germinar con facilidad.

-Siempre las artes tuvieron que luchar contra el talante acomodaticio y
retrógrado que se iba imponiendo desde el poder en diferentes épocas de la
historia de la humanidad, lo que generó cambios en las personas y en las
sociedades.

-La pintura neoclásica, también hizo su aporte a los cambios en las visiones Jaques Louis David- “La muerte de
de la sociedad occidental. Esta tuvo una concepción trascendente del arte, es Marat” - 1793
decir, de un arte útil cuyo objeto sería aleccionar al pueblo; fue arte orientado
al intelecto, no solamente a los sentidos, lo que obviamente generó cambios
en la forma de ver las cosas en las personas y motivó grandes cambios, que
nos llevaron a un sociedad moderna, racional, individualista.

en la sociedad occidental (II)

-Hay que tener en cuenta que los objetos creados por los artistas,
como individuos concretos, vitales, visionarios, que plasman en la
obra de arte su sensibilidad, su pensamiento y los conocimientos
técnicos, posee un lenguaje que es donde nace su capacidad
comunicativa, este lenguaje es asimilado y percibido por la
sociedad, lo que genera algo en esta.

-Se podría afirmar, entonces que el arte se relaciona con la
sociedad por la naturaleza comunicativa del producto artístico,
aceptado o rechazado por el público según el nivel de desarrollo
cultural que éste posea. Y esto es fundamental ya que el gusto y el
nivel intelectual del público son decisivos a la hora de juzgar la
obra de arte, por eso gran parte de este no acepta las vanguardias
más radicales, por la sencilla razón de que la sociedad tiene una
educación artística conservadora y esa forma de arte constituye
una rebelión contra el esteticismo tradicional.

-En la época del carácter mitológico e histórico, se observó una
pintura de taller que siguió básicamente los modelos ideales de la
antigüedad grecolatina. A medida que este carácter histórico dio
paso a la contemporaneidad primero y la cotidianeidad después,
nos fuimos acercando a la modernidad que trajo el La Gioconda – Da Vinci
impresionismo.

en la sociedad occidental (III)

-Otra etapa importante que generó cambios en la sociedad
y en el arte, fue la época de la pintura romántica, ya que
esta supuso la irrupción del individualismo y la subjetividad.
Se empieza a observar entonces, la idea de un cambio
global de la sociedad, dando a entender que sólo quedaba
ya la posibilidad de las revoluciones individuales, la rebeldía
del yo ante un mundo demasiado rígido y convencional.

-Es importante resaltar que la etapa de la
contemporaneidad y la cotidianeidad, contribuyeron a
enriquecer temáticamente la pintura. Hay que tener en
cuenta, que el aporte de estas, fue la ausencia de referencias
fuera de la percepción visual, basándose en lo visible y no
en el ideal respaldado por la pintura académica y expresado
en la plasmación de temas mitológicos, históricos o
religiosos. Esta contemporaneidad elevó a la categoría de
arte temas hasta entonces ajenos a él: la vida de los
trabajadores, el mundo rural, el urbano, la mujer moderna,
la industria, el ferrocarril, el ocio en las ciudades, la vida Gustave Coubert – “Hombre
familiar y doméstica. desesperado” -
-Una de las funciones del arte es la de hacer que el hombre
tome conciencia del carácter problemático de la existencia
humana en la totalidad, sin importar el sistema social.

en la sociedad occidental (IV)

-El arte es una esfera específica de la actividad humana, que
nos revela el ser del hombre y que tiene una función de tipo
cultural, por lo tanto, ni en el pasado ni en el presente, ha
constituido una fuerza de importancia en los cambios de la
sociedad. Una corriente artística de vanguardia actúa para
modificar y superar la obra representativa de la tradición. Es
así como las distintas tendencias del arte contemporáneo,
son una modificación y superación del arte moderno.

-Para finalizar, se podría afirmar entonces que el arte en
todas sus manifestaciones rompe con lo antiguo
constantemente, lleva al hombre y a sus sociedades a
procesos racionales sobre su existencia, cambia
constantemente los cánones estéticos sobre diferentes
aspectos de la vida, el arte es reactivo, es contestatario ante
lo establecido, lo que hace que la humanidad se interrogue
o reflexione sobre su presente y futuro. El arte también ha
promovido la individualidad, el antropocentrismo, la
heterogeneidad, y el pluralismo, características intrínsecas
de la modernidad.

Referencias

La información recopilada fue extraída de diversas fuentes:

http://intelectuales08.wordpress.com/contexto-historico/
http://iessonferrerdghaboix.blogspot.com/2011/03/picasso-
miro-y-dali-en-su-contexto.html
http://www.oilpaintingcentre.com/painting2/html/86.html
http://tierra.free-people.net/artes/pintura-pablo-picasso.php
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=3745
http://www.artepinturaygenios.com/2011/01/picasso-y-el-
cubismo.html
http://www.museopicassomalaga.org/
https://picasso.shsu.edu/
http://www.picasso.com/
http://www.picasso.fr/es/picasso_pagina_index.php

Referencias

La información recopilada fue extraída de
diversas fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso
http://fundacionpicasso.malaga.eu/
http://www.fundaciopalau.cat/fundacio-palau/es
http://www.picasso.fr/es/picasso_pagina_index.php
http://www.artcyclopedia.com/artists/picasso_pablo.html
http://www.museupicasso.bcn.es/
http://www.picasso.com/
https://picasso.shsu.edu/
http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_(cuadro)
http://itunes.apple.com/app/picasso-augmented-guernica/id478311136?mt=8
http://arte.observatorio.info/2008/05/guernica-pablo-picasso-1937/
http://www.rtve.es/alacarta/audios/documentos-rne/documentos-rne-historia-del-
guernica-picasso-28-04-12/1388763/
http://en.wikipedia.org/wiki/Guernica_(painting)
http://www.elrelojdesol.com/zoomable-paintings/pablo-ruiz-picasso/index2.htm
http://www.aestheticrealism.org/GUERNICA_dk.htm

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