El lenguaje de la abstraccion2

Abstracción en el siglo XX
S A L A 3

Hasta inicios de la década de 1910, en la producción
de imágenes del mundo occidental predominaba lo
imitativo, es decir la representación de objetos
existentes en la realidad.
En esa década algunos artistas interesados por el arte
y sus valores intrínsecos comenzaron a explorar por los
caminos de la abstracción.
La bases las habían puesto los artistas de finales del
siglo XIX que dejaron de prestar interés al tema o
contenido de la obra y en cambio consideraron que una
imagen antes que nada se trataba de formas y colores
dispuestos en un cierto orden.
A inicios de la década de 1910 algunos artistas
interesados por los valores intrínsecos de idea llevaría a los artistas a sentirse oprimidos por
Esta la
las referencias al mundo natural por lo que se
pintura comenzaron a explorar por los caminos
de la abstracción. concentraron en investigar las relaciones entre los
elementos estrictamente formales de la imagen: líneas
La bases fueron puestas por los artistas de
y colores.
finales del siglo XIX que habían dejado de
prestar interés al tema o contenido de la obra y
consideraban que una imagen, antes que nada,
se trataba de formas y colores dispuestos en un
Í N D I C E
cierto orden.

Abstracción geométrica

Í N D I C E

E U R O P A
Cubismo
Si bien la pintura cubista conserva referencias
figurativas, supuso un precedente a la
abstracción.
En su búsqueda de desentrañar la realidad y
mostrarla en su totalidad, los pintores
descomponían en partes los volúmenes, Pablo Picasso, Naturaleza muerta con silla de paja,
1912. Óleo y tela acharolada sobre tela ovalada
implicando multiplicidad de puntos de vista. enmarcada con una cuerda, Museo Picasso, París.

Artistas como Pablo Picasso, Georges Braque,
Fernand Léger o Juan Gris, desarrollaron un
lenguaje de formas geométricas referidas a
objetos cotidianos y a las máquinas, símbolos
de la sociedad moderna.

Fernand Leger, Los discos, 1918. Georges Braque, Hombre con guitarra,
Óleo sobre tela, Museo de Arte 1911. Óleo sobre tela, Museo de Arte
Moderno de la Ciudad de París, Moderno, Nueva York.

E U R O P A
Orfismo
Robert Delaunay fue un artista preocupado por
la percepción del color y los efectos que
causaban su combinación. Se sirvió del cubismo
analítico para explorar las relaciones entre la
forma y color, pero sin abandonar una paleta
cromática amplia. Esta experimentación lo
llevó después de 1912 a la abstracción. Sus
obras se caracterizaron desde entonces por el
uso de formas circulares y colores planos.

Robert Delaunay, Formas circulares, 1930. Óleo sobre tela, Museo Solomon
Guggenheim, Nueva York,.

E U R O P A
Dadaísmo
Durante la primera guerra mundial, un grupo de
jóvenes artistas que estaban en contra de la
guerra se reunió en Suiza, y ahí se generó un
movimiento estético llamado Dadá, caracterizado
por su espíritu de protesta y rebeldía.
La práctica de estos jóvenes iba en contra de las
convenciones artísticas anteriores. Uno de ellos
fue el fotógrafo Christian Schad, quien creaba un
tipo de imágenes abstractas colocando objetos
sobre papel fotosensible que después procesaba,
obteniendo composiciones extravagantes de luz y
sombra.

Christian Schad, Schadograph 24b, ca. 1920. Plata sobre gelatina.

E U R O P A
Futurismo
Los artistas italianos del movimiento futurista
exploraban las relaciones entre el arte y la
máquina, a la que consideraban el nuevo tema
del arte. Su interés principal estaba en la
velocidad, con el auto como símbolo máximo
del dinamismo de la era moderna.
Luigi Russolo, Dinamismo de un automóvil, 1912/1913..
Hombres como Umberto Boccioni, Giacomo Óleo sobre tela, Centro Georges Pompidou, Paris.

Balla, Gino Severini y Carlo Carrà exploraron la
manera de representar la fusión de las formas
como si fueran captadas en movimiento.
A partir de 1909, los futuristas realizaron una
labor proselitista con la idea utópica de
configurar una nueva sociedad, en la que el
artista cumpliría el papel de guía espiritual.

Giacomo Balla, Mercurio pasando Gino Severini, Bailarin + océano = ramo de
delante del sol, 1914. Óleo sobre flores, 1913. Óleo y collage sobre madera,
tela, Colección Mattioli, Milán. Colección privada.

E U R O P A
Vorticismo
El Vorticismo tuvo un breve periodo de
existencia en el ámbito artístico inglés. Su
leitmotiv era la integración de la geometría
cubista con el dinamismo del movimiento
futurista.
El fotógrafo Alvin Langdon Coburn creó un
conjunto de imágenes valiéndose de espejos, a
manera de un caleidoscopio. Así, las
vortografías, como las llamó, se caracterizan
por tener una apariencia abstracta, algo que
iba en contra de la noción comúnmente
aceptada de la imagen fotográfica como una
representación mecánica de la realidad.

Alvin Langdon Coburn, Vortografía, 1917. Plata sobre gelatina.
Casa George Eastman, Nueva York.

E U R O P A
Suprematismo
En 1915 Kasimir Malevich publicó el Manifiesto
del suprematismo en Moscú, uno de los centros
del arte de vanguardia, y en él hacía una
rotunda defensa de la abstracción pura.
Para el pintor, el fin último del arte era la
manifestación de la sensibilidad de su autor,
por lo que la representación de cualquier
objeto resultaba innecesaria.
El vocabulario de su pintura estaba integrado
por formas geométricas puras: círculos, Kasimir Malevich, Suprematismo, ca.1917. Óleo sobre
tela, Museo Lunatscharski, Krasnodar.
triángulos, cuadrados, rectángulos; con
predominio de fondos blancos y colores básicos.
Con el tiempo, su obra se hizo más radical y
austera, como en su cuadro de blanco sobre
fondo blanco.
Muchos artistas rusos experimentaron con este
movimiento.

Kasimir Malevich, Cuadro negro sobre
fondo blanco, fechado 1913 ejecutado
después de 1920. Óleo sobre tela,
Ivan Kliun, Suprematismo, 1915/16. Óleo Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.
sobre tela, Galería Tretyakov, Moscú.

E U R O P A
Constructivismo
Después de la Revolución de 1917, varios
artistas rusos asumieron el reto de participar en
la creación de una nueva sociedad, poniendo a
prueba la capacidad del arte como factor de
transformación social.
En este ambiente surgió un movimiento llamado
Constructivismo, que abarcó todos los campos
de la creación: pintura, escultura, diseño
gráfico e industrial, escenografía, fotografía y
arquitectura.
El ideal de los artistas constructivistas como
Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y El
Lissitzky, era que el arte se integrara a la
sociedad.

El Lissitzky, Proun 19 D, c, 1922. Gesso, óleo y collage sobre madera,
Museo de Arte Moderno, Nueva York.

E U R O P A
Constructivismo
Los hermanos Pevsner, Antoine y Naum,
orientaron su trabajo hacia la exploración de
las posibilidades expresivas de los materiales y
las formas, mostrando poco interés por la
integración del arte a las funciones
productivas. Este hecho los llevó a emigrar de
Rusia, llevando los principios del
constructivismo ruso a países europeos y a los
Estados Unidos. Naum Gabo, Construcción: piedra con collar, 1933. Piedra, acetato de
celulosa, pizarra y bronce, Galería Tate, Londres.
Los Pevsner incorporaron nuevos materiales a la
escultura, como el acero, el vidrio y el
plexiglás, además de un lenguaje que unía la
precisión matemática y la estética.

Antoine Pevsner, Maqueta para un monumento simbolizando la
Liberación del Espíritu, 1952. Bronce, Galería Tate, Londres.

E U R O P A
Neoplasticismo
La pintura de Piet Mondrian y Theo van
Doesburg se resume en líneas rectas verticales
y horizontales, planos y colores.
Ambos pintores encabezaron un movimiento en
su natal Holanda al que llamaron De Stijl (El
estilo), a partir de una revista que publicaban
con el ánimo de difundir la creación en los
ámbitos de la arquitectura y el diseño
industrial.
El neoplasticismo -como fue llamado
posteriormente- fue un movimiento idealista Georges Vantongerloo, Tríptico, 1921. Bloques de madera pintada y
madera, Colección privada.
surgido después de la primera guerra mundial,
mediante el cual los jóvenes buscaban
recuperar el orden y estabilidad, colaborando
así en la reconstrucción de la sociedad.

Piet Mondrian, Composición con gris, rojo, Theo van Doesburg, Composición XVII,
amarillo y azul, hacia 1920-26. Óleo sobre 1919. Óleo sobre tela, Museo
tela, Galería Tate, Londres. Gemeente, La Haya.

A M E R I C A L A T I N A
Univesalismo constructivo
Joaquín Torres García regresó a su natal
Uruguay en 1934, después haberse formado
artísticamente en Europa. Un año después
escribió el manifiesto La Escuela del Sur, en
donde exhortaba a la realización de un arte
plenamente latinoamericano. Joaquín Torres-García, Construcción en blanco y
negro,1938. Óleo sobre papel sobre madera, Col.
Patricia Phelps Cisneros, Caracas.
Su expectativa era la creación de un arte
colectivo con lenguaje universal, que
sintetizara todas las vanguardias, como el
cubismo, el surrealismo, el neoplasticismo, y
acogiera las influencias artísticas de otras
culturas, incluyendo las precolombinas. Su
doctrina tenía el nombre de universalismo
constructivo.
Fuertemente influenciado por el
neoplasticismo, en sus obras utilizó una
estructura geométrica de casillas como base y
pocos colores. En ocasiones insertaba
elementos figurativos a manera de símbolos
autobiográficos y de la vida urbana.

Joaquín Torres-García, Locomotora con casa
constructiva,1934. Óleo sobre tela, Col. Patricia Phelps
Cisneros, Caracas.

E U R O P A
Arte óptico
Las raíces del arte óptico u Op art surgen de las
teorías artísticas de los años veinte, y sobre todo
en las enseñanzas impartidas en la Bauhaus,
donde se llevaron a cabo investigaciones
profundas sobre el color.
De ahí surgió el interés de artistas como Víctor
Vasarely por trabajar la percepción visual,
mediante sofisticados recursos de composición
geométrica y cromática que generan la ilusión de
movimiento. Víctor Vasarely, Boo, 1978. Acrílico sobre tela,
Colección privada.
Yaacov Agam, por su parte, experimentaba con
los efectos ópticos producidos a partir del
movimiento del espectador, volviéndose éste un
elemento activo de la obra.

Yaacov Adam, Doble Metamorfosis III, 1968. Óleo sobre aluminio, Centro
Georges Pompidou, París.

Cinetismo
El arte cinético enfatiza el movimiento real o
aparente de las obras. Algunos de sus
representantes más importantes fueron los
venezolanos Carlos Cruz-Diez y Jesús Rafael
Soto.
Sus obras encarnan profundas investigaciones
acerca del color, su funcionamiento y
percepción. Pues mientras que Cruz Diez
trabaja con colores inducidos, que no están en
la obra, si no que se producen en el ojo del
observador por su combinación óptica con otros
colores; Soto trabajó en el campo de la
escultura, explorando la luz y el movimiento
con el objetivo de crear estados de “pura
vibración”.

Carlos Cruz-Diez, Linducción cromática, 2006, Jesús Rafael Soto, Sphere Comcorde,1996. hilos de nailon y madera .
serigrafía. Col. particular

E U R O P A
Josef Albers fue alumno y maestro en la
Bauhaus hasta su clausura definitiva en 1933.
Entonces se trasladó a Estados Unidos en donde
enseñó en el Black Mountain College de
Carolina del Norte y en la Universidad de Yale.
A partir de 1950 desarrolló en sus obras una
amplia experimentación cromática más bien
empírica y alejada de las teorías. Es entonces
que comienza su serie Homenaje al cuadrado,
consideraba esta forma geométrica como algo
neutro y estático que sólo adquiría movimiento
a través del color. Josef Albers, Variante/ Adobe, 1947. Óleo sobre masonite.
Fundación Josef y Anni Albers, Bethany, Connecticut.
Kenneth Noland y Gene Davis fueron
seguidores de Josef Albers en la búsqueda de
una forma neutra que permitiera al color
expresarse libremente. Ambos artistas creyeron
encontrarla en la pintura a base de tiras.

Kennetk Noland, 2-1964,1964, Acrílico sobre
lienzo, Kasmin Ltd.

M E X I C O
Geometrismo
En México la abstracción geométrica ha sido
realizada por artistas como Carlos Mérida y
Gunter Gerzso, entre otros.
Aunque de origen guatemalteco, Mérida realizó
la mayor parte de su producción en nuestro país
arte puro donde predominase la forma y el color.
En la década de 1940 Gunther Gerzso comenzó
su carrera pictórica desarrollando un estilo
geométrico, con influencias del cubismo y el
surrealismo.

Carlos Merida, Mural exterior en azulejo poblano (detalle). Gunther Gerzso, Retrato del señor Jacques Gelman, 1957. Óleo sobre tela,
Azulejo. Poniente 150 No. 956, Industrial Vallejo, México. Col. Gelman.

M E X I C O
Geometrismo
En 1949, llegó a México el alemán Mathias
Göeritz. Como arquitecto traía un lenguaje
funcionalismo procedente de la Bauhaus pero al
cual transformó por considerarlo falto de
emoción. En la arquitectura y escultura
emocional creadas por él a partir de un
lenguaje abstracto, se busca crear una emoción
a través de las sensaciones que provocan los
diferentes espacios, adquiriendo la interacción
del espectador con la obra un papel Helen Escobedo, Elegía negra maqueta de
escultura en aluminio con laca negra, s/f. Aluminio
fundamental. pintado, Col. Femsa, Monterrey.

Durante la primera parte de su carrera, antes
de dedicarse de manera casi exclusiva a la
realización de instalaciones, Helen Escobedo
realizó una amplia producción de esculturas de
tipo geométrico.

Mathias Goeritz, Modelo para la serpiente del Eco, 1952. Madera recortada y
laqueada. Galería Enrique Guerrero, México.

E S T A D O S U N I D O S
Minimalismo
El minimalismo surgió como un movimiento
opuesto al expresionismo orden racional.
preferencia por formas rectangulares y cúbicas
objetos tridimensionales. que carecen de
simbolismo, simetría, superficies repetidas e
indiferenciadas. Se habla más de
ordenamiento que de composición. Los artistas
prefirieron los materiales industriales usados
de manera neutral y alterándolos lo menos
posible.

Robert Morris, Sin título, 1965/71. Madera y espejo. Galería Tate, Londres.

Carl Andre, Secante,
1977. Madera, Museo
de Bellas Artes Nasau
County.

Dan Flavin, Diagonal de
mayo, 1963. Lámpara
fluorescente. Galería
Tate, Londres.

Arte Neoconcreto
El movimiento Neoconcreto floreció en Río de
Janeiro hacia 1959 como una crítica hacia el
excesivo mecanicismo y cientificismo del arte
concreto brasileño.
Guiados por un poeta, sus miembros buscaban
un retorno al humanismo y la interacción
directa de la obra con el espectador, creían que
el arte podía servir para construir una
sociedad.
Entre sus representantes se encuentran Lygia
Clark y Hélio Oiticica.

Helio Oticica, Pintura 9, 1959. Óleo
Lygia Clark, Relógio de sol, 1960. Ensamblaje en aluminio, Colección Patricia
sobre tela, Colección Patricia Phelps
Phelps de Cisneros, Caracas.
de Cisneros, Caracas.

E U R O P A
Kandinsky
A Wassily Kandinsky se le considera el padre del
abstraccionismo lírico. Para él la pintura era un
medio para trascender la bajeza de la vida
diaria, así como un camino de purificación y
búsqueda espiritual.
Pensaba que los colores y las formas eran
capaces de transmitir verdades y el medio de
comunicación de la belleza.
El contacto con los suprematistas y
Wassily Kandinsky, Improvisación “Klamm”, 1914. Óleo
constructivistas rusos, así como su estancia en sobre tela, Galería Urbana de Lenbachhaus, Munich.
la Bauhaus, hicieron que a partir de 1921
modificara su pintura. Las manchas de color
más bien caóticas de sus inicios fueron
sustituidas por formas geométricas, dispuestas
en composiciones bien ordenadas.

Wassily Kandinsky, En el Azul,1925. Óleo sobre cartón Colección de arte
Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

E U R O P A
Biomorfismo
Constantin Brancusi fue gran admirador del arte
africano, del cual aprendió la combinación
armónica de elementos orgánicos y
geométricos; por ello sus esculturas resultan en
un diálogo entre un refinado naturalismo y la
abstracción.
El escultor consideraba a la forma como un
valor absoluto, y esto le llevó a repetir formas
como el ovoide, que aparece en muchas de sus Constantin Brancusi. Recién nacido versión I, 1920 (a partir de un
obras. mármol de 1915). Bronce, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Barbara Hepworth, fue parte del movimiento
avant-garde inglés de 1930. Por entonces su
lenguaje abstracto estaba dominado por los
círculos y las esferas. Hacia la década de los 40
sustituye estas formas por los óvalos, cuyo
interior complica. En sus creaciones podemos
encontrar frecuentes similitudes con cuevas y
cascarones.

Barbara Hepworth, Escultura oval Num. 2, 1943. Yeso, Galería Tate,
Londres.

M E X I C O
Accidentes controlados
En 1936 David Alfaro Siqueiros
estableció en Nueva York un taller
experimental en donde práctico con
nuevos materiales, especialmente
las piroxilinas o esmaltes.
A partir de entonces desarrolló lo
que llamó accidentes controlados,
obras donde los escurrimientos y las
texturas dadas por los nuevos
materiales tomaron un papel
central. Entre los alumnos de ese
taller se encontraba Jackson
Pollock.

Por su parte José Clemente Orozco,
después de una estancia en Nueva
David Alfaro Siqueiros, Accidente I-69, Acrílico sobre placa José Clemente Orozco, Paisaje
York, introduce en algunas obras acrílica con caja de luz, Sala de Arte Público Siqueiros, metafísico, 1948, Óleo sobre
elementos que lo relacionan con las CONACULTA/INBA, México D.F. masonite, Instituto Cultural
Cabañas, Guadalajara.
pinturas emotivas de Mark Rothko.

Expresionismo abstracto
Esta corriente, surgió en la ciudad de Nueva
York y se desarrolló plenamente durante los
años 50. Sus exponentes principales, como Mark
Rothko, Barnett Newman, Jackson Pollock,
Franz Kline y Willem de Kooning no siguieron un
estilo común, sino maneras expresivas muy
personales, buscando expresar emociones en
una época deprimida por la conciencia de los
horrores de la guerra.
Clyfford Still, Pintura, 1944. Óleo sobre
Pollock se distingue por el empleo de técnicas lienzo, Colección Sidney y Harriet Janis,
gestuales que provienen del subconsciente. Sus Museo de Arte Moderno, Nueva York.

obras siguen el propio movimiento realizado por
del artista a través de escurrimientos. Con esta
técnica se realza al máximo el momento de la
creación. Por ello se le reconoce como el
creador de la pintura de acción.
Clyfford Still estaba consciente de que el
tamaño del lienzo afectaba el impacto
psicológico sobre el espectador. En sus obras es
posible imaginar ríos de color que se
desbordan. Las formas escarpadas que
aparecen en sus obras han sido relacionadas
con el paisaje del oeste estadounidense, pero
él pensaba más bien en paisajes metafísicos.
Jackson Pollock, Número 1A, 1948. Óleo y esmalte sobre tela, Museo de Arte
Moderno, Nueva York .

La necesidad de creación espontánea, de raíces
surrealistas, llevó inicialmente a Mark Rothko a
una pintura abstracta de formas orgánicas. Pero
a partir de 1948 toda su obra tuvo como
protagonista al color, en cuya espiritualidad
creía firmemente.
Su pintura se compone por campos de color
horizontales de límites imprecisos, que parecen
invitar a la meditación.

Mark Rothko, Num 14, 1960. Óleo sobre tela, Museo de Arte Moderno de
San Francisco.

Las esculturas de David Smith se componen de
ensamblajes de hierro y acero, materiales con
los que dibuja en el espacio formas de gran
lirismo.
John Chamberlain inició su producción
escultórica bajo la influencia de Smith, aunque
su obra se caracteriza por el empleo de láminas
y carrocerías de automóviles chocados, que
ensamblaba inspirado en el concepto de
“acoplamiento” de la escultura hindú, en el
que todos los elementos tienen que
concentrarse en torno al centro.

John Chamberlain, Essex, 1960. Partes de automóvil y otros metales,
Museo de Arte Moderno, Nueva York.

David Smith, Australia, 1951. Acero pintado, Museo de
Arte Moderno, Nueva York.

En la década de 1940 la obra del fotógrafo
norteamericano Aaron Siskind dio un giro del
documentalismo social hacia la abstracción.
Fue entonces que comenzó a experimentar las
cualidades abstractas de la naturaleza y el
espacio urbano.
Siskind fotografía sitios que muestran la huella,
humana, los cuales aísla de su entorno para
crear formas inusuales, eliminando todo
contenido narrativo. Sus obras se relacionan así
con la pintura del expresionismo abstracto.

Aaron Siskind, Jerome, Arizona, 1949. Plata sobre gelatina.
Fundación Aaron Siskind.

E U R O P A
Informalismo
La libertad absoluta del artista en la creación de
sus formas, que no se sujetan a ningún principio
ordenador, es la característica básica de este
movimiento, de ahí el nombre de informalismo,
acuñado hacia 1951.
Los artistas agrupados en esta corriente, como
Jean Fautrier, Antoni Tàpies o Lucio Fontana,
tienen estilos sumamente personales, por lo que
no se puede hablar de homogeneidad.
Antoni Tàpies,Gran cruz marrón, 1982. Lucio Fontana, Concepto espacial
Sin embargo, una característica común entre Técnica mixta sobre tela, Galería Lelong, “esperando”, 1960. Tela, Galería
ellos es el gusto por la exploración matérica. El Zürich. Tate, Londres.

artista ya no sólo pinta, sino también rasga,
amasa, pega, araña, con lo cual las textura
toma un papel central.
Eduardo Chillida realizó sus primeros trabajos
de carácter abstracto en hierro, material que le
posibilitaba tanto el ensamblaje de tipo
constructivo y maleabilidad de tipo expresivo.
En su escultura predominan los volúmenes
masivos el vacío, planos amplios y superficies
lisas.

Eduardo Chillida, Modulación de espacio I, 1963. Hierro,
Galería Tate, Londres.

M E X I C O
Ruptura
A partir de los años 50 las nuevas generaciones
de artistas mexicanos comenzaron a manifestar
su distancia y disgusto hacia la pintura realista
que hasta entonces imperaba en México. Esta
generación estaba más preocupada por la
exploración individual y formal, influenciados
por las vanguardias europeas de la primera
mitad del siglo, así como por el informalismo
abstracto europeo.
Artistas como Lilia Carrillo, Fernando García
Ponce, Vicente Rojo o Manuel Felguérez se
inclinaron por el lenguaje de la abstracción.

Manuel Felguérez, óleo sobre tela, Col. Galería Juan Martín, México D.F.

Lilia Carrillo, A mediodía, 1967. Óleo sobre tela,
Colección Andrés Blaisten, México.

Secretaría de Educación Pública
Programa de Artes Visuales para secundaria.
Material didáctico para el profesor.

Tercer grado, bloques 3 y 4
“El lenguaje de la abstracción”

Coordinación del proyecto: José Antonio Espinosa.
Realización: Davayane Amaro Ortega.

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