materia desde la revolucion industrial

1. INTRODUCCION
1909
En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación
del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada
como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto.
Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de
visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos
atractivos superficialmente que desencadenan un consumo acelerado a causa del
envejecimiento psicológico determinado por la ley del último modelo.
El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred
Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias,
grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un
nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la
imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia
que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.
1919
La escuela Bauhaus, cuyo nacimiento tuvo lugar en el año 1919. Fue el fruto de la fusión de
dos grandes instituciones educativas en la República de Weimar: la Escuela Superior de
Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas. Su historia suele dividirse en tres períodos
que corresponden a tres directores, o bien a las tres ciudades donde se asentó su sede:
Weimar (1919-1924), Dessau (1925-1930) y Berlín-Steglitz (1930-1933).
La dirección estuvo a cargo sucesivamente por Walter Gropius, H. Meyer y finalmente, hasta
el momento de su clausura definitiva, por Mies van der Rohe.
Para entender este espíritu, basta remitirse a los escritos de Gropius, donde éste aborda
problemas en torno al diseño. En alguna oportunidad anotó:
“La creación de ‘tipos’ para los objetos de uso cotidiano es una necesidad social.
Las exigencias de la mayor parte de los hombres son fundamentalmente iguales. La
casa y los objetos para la casa, son un problema de necesidad general, y su
proyectación apunta más a la razón que al sentimiento. La máquina que produce
objetos en serie es un medio eficaz para liberar al hombre, mediante el empleo de
fuerzas mecánicas como el vapor o la electricidad, del trabajo necesario para la
satisfacción de las necesidades vitales: un medio para procurarle los distintos
objetos, pero más bellos y más baratos que los hechos a mano. Y no ha de temerse
que la tipificación pueda coartar al individuo; al igual que no se ha de temer que un
dictado impuesto por la moda pueda conducir a la uniformización completa del
vestir”. (3) Así se pasaba de proclamar arte y artesanía a exaltar la dupla arte y
técnica, resaltando siempre la búsqueda de la estética en los productos industriales,
los cuales eran concebidos en los talleres de la Bauhaus con creatividad artística
gracias a la formación primordialmente plástica de maestros como Paul Klee,
Vassily Kandinsky, Lyonel Feininger, Gerhanrd Marcks, Georg Muche y Laszlo Molí-
Nagy, quienes también fueron reconocidos pintores.
Desde finales del siglo XIX hasta mediados del 1900, los movimientos europeos que
intentaron conciliar arte e industria fueron el Arts and Craft en Inglaterra, la Union
Centrale des Arts Decoratifs francés, el movimiento De Stijl de los países bajos, en
el que participaron los pintores Piet Mondrian y Van Doesburg, exaltando el
geometrismo y la primacía de los colores primarios, el Art Noveau en Austria y
Bélgica, el Vkutemas en Rusia y la Bauhaus en Alemania. Los equivalentes
estadounidenses fueron la Chicago School of Design fundada en 1939 y el
Cranbrook Academy, fuente de ingeniosos diseños de muebles, textiles y de
cerámica durante las décadas de 1940 y 1950.
1947
En Alemania se fundó la Escuela Superior de Diseño de Ulm (Hochschule für Gestaltung –
HfG de Ulm-), considerada la entidad más importante creada después de la Segunda Guerra

2. Mundial para la formación de profesionales y que ha dejado una profunda huella a nivel
mundial.
Desde su apertura en 1947 se planteó un programa de estudios que seguía el modelo
Bauhaus, sin embargo, en él las artes se incluían con un interés meramente instrumental.
En su desarrollo acentuó la estrecha relación entre diseño y tecnología por medio de la
inclusión de asignaturas de carácter científico.
Cerró sus puertas por problemas políticos en 1966 y se considera que su principal aporte
fue crear una metodología del diseño, expresión del racionalismo y la objetividad germana
que se extendió al modelo de la empresa Braun, punto de partida del movimiento “Gute
Form” (buena forma), el cual se apegaba a la frase “la forma sigue a la función”.
La Revolución Industrial.
Es el periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX,
inicialmente Inglaterra en primer lugar, y el resto de la Europa continental con el tiempo, sufren
el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia.
La economía establecida en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la
industria y la manufactura. La Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles
y el adelanto de los procesos del hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por la mejora
de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril.
A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las
cuales las más relevantes fueron:
La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los
procesos productivos.
La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.
El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.
La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.
El surgimiento del proletariado urbano.
La Revolución industrial fue dividida en dos etapas: La primera del año 1750 hasta 1840, y la
segunda de 1880 hasta 1914.
La iniciativa de la máquina de vapor fue una de las más importantes innovaciones de la
Revolución industrial. Hizo posible mejoramientos en el trabajo del metal basado en el uso de
coque en vez de carbón vegetal.

3.  PRIMERA REVOLUCION INDUSTRIAL
El cambio que se produce en la Historia Moderna de Europa por el cual se desencadena el
paso desde una economía agraria y artesana a otra dominada por la industria y la
mecanización es lo que denominamos Revolución Industrial.
 Se pasa del viejo mundo rural al de las ciudades, del trabajo manual al de la máquina.
Los campesinos abandonan los campos y se trasladan a las ciudades; surge una nueva
clase de profesionales.
 Algunos de los rasgos que han considerado definitorios de la revolución industrial se
encuentra en el montaje de factorías, el uso de la fuerza motriz...
 además de los cambios que trajo: se pasa de un taller con varios operarios a grandes
fábricas, de la pequeña villa de varias docenas de vecinos a la metrópoli de centenas de
miles de habitantes.
 El antiguo régimen
 Política y sociedad
La hiladora “Jenny”, 1769

En cuanto a la política la forma del estado durante el Antiguo Régimen es la Monarquía
Absoluta
El rey considera que su poder es de origen divino (Dios ha delegado en él) y, por tanto,
ilimitado (sólo responden ante Dios). Los monarcas absolutos concentran en sus manos el
poder legislativo, el ejecutivo y el judicial, mandan sobre el ejército y todas las instituciones
del estado. El estado en su conjunto (incluyendo sus habitantes-súbditos) no son sino una
propiedad personal del Rey.

4.  Las sociedades del Antiguo Régimen se caracterizan por tener una población estancada,
sometida periódicamente a las llamadas crisis de subsistencia, y que aún no han conocido
la revolución demográfica que hará crecer la población europea a ritmos nunca antes
conocidos.
Se trata de una sociedad formada por grupos muy cerrados: la sociedad estamental.
 La sociedad estamental se caracteriza por la desigualdad legal entre los diferentes grupos
sociales o estamentos.
 De un lado distinguimos el grupo de los Privilegiados, constituidos por la nobleza y el alto
clero, que poseían enormes riquezas provenientes de las rentas de la tierra y gozaba de
exenciones fiscales -estaban excluidos del pago de varios impuestos-, eran juzgados
según leyes distintas a las del pueblo, y se reservaban los cargos más importantes del
ejército, la iglesia y el estado.
 De otro lado tendríamos al estamento no privilegiado (o tercer estado), que no era un
grupo nada homogéneo, pues cabían en él, desde ricos comerciantes y banqueros hasta el
más humilde de los campesinos, pero que tenían en común el hecho de ser quienes
sostenían económicamente el país con su trabajo, y el estado con sus impuestos.
 El tercer estado constituía habitualmente 9/10 de la población, de ellos la mayoría
campesinos pobres.
La economía
Las economías tienen una fortísima base agraria: tres cuartos de la población se ocupan de
tareas agropecuarias. Se trata de una agricultura en general caracterizada por su bajísima
productividad, por estar dirigida al autoconsumo (el campesino piensa fundamental en
alimentarse directamente el mismo y sus familias con el producto de sus tierras) y no a la
comercialización, y por la utilización de técnicas y herramientas que apenas han conocido
cambios en varios siglos: la utilización del arado romano sigue siendo general en casi toda
Europa y el mantenimiento del barbecho (dejar sin cultivar cada año un tercio o la mitad de las
tierras para que esta recupere sus nutrientes) en la rotación de cultivos como técnica de
fertilización de las tierras.
 De esta manera, mientras en algunos países del este de Europa el régimen señorial sigue
vigente, en Gran Bretaña ya casi ha desaparecido, lo que es considerado por muchos
historiadores como favorable para la modernización de la agricultura y de la economía en
general que se producirá en este país a partir el siglo XVIII.
 Esta economía agraria atrasada convive en muchas zonas con un importante desarrollo
urbano y comercial dinamizado por los grandes descubrimientos geográficos pues, desde
mediados del siglo XV, exploraciones portuguesas y castellanas revolucionan el
conocimiento geográfico y científico en general, incorporando a la cultura europea nuevas
tierras, mares, razas, especies animales y vegetales...
 Primero serán las costas africanas, luego el descubrimiento de América, posteriormente
las tierras del Pacífico, de forma que a finales del siglo XVIII apenas quedaban por
descubrir el interior de África y las zonas polares.
 Pronto algunos países europeos construirán enormes imperios coloniales basándose en su
superioridad técnica (armas de fuego) que servirán, inicialmente, para animar el comercio
europeo con inmensas cantidades de oro y plata y ya desde el siglo XVIII se incorporan
enormes plantaciones de tabaco y azúcar, que junto al comercio de especias y a la trata de
negros, servirán para enriquecer enormemente a las burguesías mercantiles de algunos
países europeos.
 Pero este panorama de cambios hay que matizarlo, destacando, por ejemplo, la
pervivencia de los gremios dentro de las actividades artesanales: los trabajadores de
cualquier sector artesanal en una ciudad (zapateros, tejedores, alfareros...) estaban
obligados a formar parte de una organización, el gremio, que controla toda la actividad que
se desarrolle en esa ciudad, de manera que las mercancías fabricadas en otros lugares no
puedan entrar en su ciudad.
 El gremio fijaba de una forma rígida horarios, precios, salarios, herramientas, número de
trabajadores por taller..., e impedían cualquier avance técnico u organizativo que pudiese
dar ventaja a unos talleres sobre otros.
 Por estas razones los nuevos regímenes liberales prohibirán la existencia de gremios
como organismos incompatibles con economías basadas en el progreso tecnológico
continuo que deriva de la competencia y el libre mercado.

El comercio encontraba numerosos obstáculos a su desarrollo como eran la existencia de
multitud de aduanas interiores o la mala calidad de los transportes terrestres que sólo
mejorarán con la construcción de los primeros ferrocarriles.

5.  La denominada Revolución Industrial tuvo su origen en Gran Bretaña desde mediados del
siglo XVIII.
¿ Por qué tuvo lugar primero en Gran Bretaña y no en otros países?.
 Factores políticos
Un régimen político estable, la monarquía liberal, que desde el siglo XVII es el sistema político
imperante (mientras en otros países de Europa se refuerza la monarquía absoluta), y que se
mantiene libre de las revoluciones que aquejan a otros países europeos.
 Las numerosas guerras en las que se vio envuelto el Reino Unido durante los siglos XVIII
y XIX no provocaron daños en territorio británico. La insularidad actuó en este sentido
como una barrera de protección a la que se unía el desarrollo de una poderosa flota de
guerra que mantendrá su hegemonía mundial durante los siglos XVIII y XIX.
 La existencia de una moneda estable y un sistema bancario organizado: el Banco de
Inglaterra fue creado ya en 1694. Estas condiciones no se darán en otros países europeos
hasta finales del siglo XVIII.

Factores sociales y económicos
Abundancia de capitales, procedentes, en parte, del dominio comercial británico, pues desde el
siglo XVII la marina mercante británica en dura competencia con los holandeses se ha hecho
con el control de buena parte de los intercambios comerciales de otros continentes con
Europa. El comercio de productos como el te o el tabaco, y el tráfico de esclavos, había
permitido la creación de enormes fortunas, en manos de comerciantes y banqueros. Este
comercio colonial proporcionaba a Gran Bretaña materias primas y mercados donde vender
sus productos manufacturados.
 Incremento sostenido de la capacidad para producir alimentos por parte de la agricultura
británica que está conociendo un importante desarrollo, la denominada revolución agraria,
desde la aprobación de leyes que permiten el cercamiento de las propiedades.
 Existencia de una abundante mano de obra.
 La población británica crece a gran ritmo a causa fundamentalmente de los cambios
en la agricultura: el suministro constante y creciente de alimentos va terminando con las
crisis demográficas.
 Parte de esa población en crecimiento emigrará a las ciudades y formará la masa de los
trabajadores industriales.
 No es casual que fuese un británico, el escocés Adam Smith, autor de La Riqueza de las
Naciones, quien hiciese la más destacada e influyente defensa de la libertad económica:
para Adam Smith la mejor forma de emplear el capital para crear riqueza es aquella en la
cual la intervención de los gobiernos es lo más reducida posible.
 La mano invisible del mercado asigna siempre de la forma más eficiente los recursos
económicos de un país.
Abundancia de emprendedores entre los comerciantes y los grandes propietarios de tierra.
 Una aristocracia que permite y premia las innovaciones y la creación de riqueza, en
contraste con la nobleza de otros países, más tradicional, apegada a la tierra y que
desprecia cualquier forma de trabajo productivo.

6.  Menor peso de los impuestos al comercio en el mercado interno: en Gran Bretaña el peso
de los impuestos interiores era muy reducido comparado con otros países europeos donde
era muy común encontrarse aduanas interiores cada pocos kilómetros lo que convertía al
comercio en una actividad poco productiva.
 Factores geográficos

Abundancia de hierro y, sobre todo, de carbón. El hierro se encontraba en los Montes
Peninos, mientras que el carbón abundaba tanto en Inglaterra como en Gales y Escocia.
 En las proximidades de las minas de carbón se concentrará gran parte del potencial
industrial británico en especial con el nacimiento de una fuerte industria siderúrgica básica
para proporcionar metales baratos para la construcción de máquinas, ferrocarriles,
infraestructuras.
 Fácil y constante suministro de agua como fuente de energía, pues el clima, lluvioso,
superando de promedio los 1.000 mm anuales y sin estación seca, proporciona corrientes
de agua numerosas y constantes.
 La energía hidráulica desempeñará un importante papel en los años previos a la difusión
de la máquina de vapor.
 Uno de los elementos sustanciales de la mecanización y modernización industrial fue la
aplicación de un nuevo tipo de energía: el vapor.
 La máquina de vapor del escocés James Watt (1782) se convirtió en el motor incansable
de la Revolución Industrial.
 El ferrocarril permitía transportar materias pesadas con una rapidez antes impensable de
32 a 40 Km. (debemos tener encuenta que 40 Km. era la distancia que solía recorrer un
caballo en una jornada).
 La revolución de la velocidad acorto extraordinariamente el tiempo de los desplazamientos
y permitió vertebrar el comercio interior, escasamente desarrollado hasta entonces. El
volumen de los intercambios se multiplicó
 La aparición del ferrocarril y del barco de vapor estimuló extraordinariamente la demanda
de hierro.
 La fabricación de vías, locomotoras, vagones y barcos disparó definitivamente la industria
siderúrgica.
 Las innovaciones introducidas a lo largo del siglo XVIII se realizaron en dos campos: la
mejora de la combustión en el carbón y la mayor calidad del producto final en el hierro.
 En cuanto al primero, se consagró como combustible un tipo de carbón, "coque" (hulla
refinada), capaz de producir elevadas temperaturas. La combustión se avivaba con la
inyección de aire caliente.
 En cuanto al segundo, se ideó la técnica del "pudelado" (1784), consistente en batir la
masa de metal incandescente, con lo que se obtenía un hierro más maleable. Mediante el
"laminado" (1783), la masa de hierro fundido se transforma en barras al pasar por unos
rodillos, lo que facilita su utilización industrial.

7. Cambios Sociales
 La industrialización va a provocar un crecimiento de la población sin precedentes en la
historia de la humanidad conocido como la Revolución Demográfica.
 Los cambios en la industria, la agricultura y los transportes produjeron un aumento
espectacular de la riqueza (que se traduce fundamentalmente en una mejor alimentación)
que se reflejó en un crecimiento notable de la población que servirá para multiplicar los
habitantes de Europa en muy pocos años e incluso para poblar con emigrantes otros
continentes.
 La disminución de algunas de las más temibles epidemias que habían azotado Europa
durante siglos, ciertas mejoras sanitarias e higiénicas ( como el descubrimiento de la
primera vacuna en 1796 que protegía contra la viruela) y, sobre todo, una mejor
alimentación con el fin de las crisis de subsistencia, están entre las causas de ese
crecimiento demográfico a lo largo de los siglos XVIII y XIX.
Michael Thonet
nació en 1796 y se le puede considerar como el gran creador de las técnicas del curvado de
madera. Curvando al calor varas de madera sólida y uniéndolas con tornillos o engrudo, consiguió
un tipo de mueble fácilmente industrializable
La silla Thonet de madera curvada marcó un hito en la época. Hasta entonces, la clase
acomodada era la única que tenía el privilegio de sentarse en sillas. La producción masiva de
sillas de madera curvada permitió extender su uso a la incipiente burguesía de toda Europa y aún
más allá de las fronteras a los propios nuevos estados americanos. No sólo cabe destacar su
importancia funcional sino su significado al marcar un antes y un después en lo que eran moldes
históricos.

10. Arts and Crafts

11. Plato de William De Morgan, fabricado
por la Orange House Pottery.
Lámpara de mesa en metal y cristal,
diseñada hacia 1910 por el estudio de
Dirk Van Erp.
Vaso de la Ruskin Pottery, hacia 1920.
Vaso diseñado por George
Prentis para la compañía de
cerámicas Grueby.
Vidriera diseñada por
Charles Rennie Mackintosh
para la puerta de entrada de
la Escuela de Arte de
Glasgow.
Vaso decorado por Carl Schmidt para la
Rookwood Pottery, hacia 1909.
Escritorio diseñado por Koloman Moser en 1903,
con figuras de mujeres y delfines en el frontal, y
un tramado geométrico que antecede al
tratamiento de superficies típico del Art Decó.
Básicamente el objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante un retorno de la artesanía
tradicional, como respuesta ante las consecuencias medioambientales y sociales de la
industrialización y la multiplicación de productos de baja calidad.
Se buscaba la simplicidad y la honestidad en la artesanía.
Se Intentaba promover la democracia y la cohesión social a través de la artesanía. Además
Se luchaba contra la carga de los trabajadores en la industrialización.
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos
y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es
considerado una necesidad funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza,
fragmentado sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las

12. artes aplicadas.
Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería
recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de
trabajo colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
Este movimiento fue encabezado por William Morris que pretendía recuperar la calidad del
diseño y de la producción artesanal.
William Morris, empresario, pintor, poeta y proyectista, formuló su crítica de oposición al
producto industrial, reprochándole su masificación e indiferencia. Rechazaba la producción
industrial en las artes, y luchaba por un retorno a la clásica artesanía medieval, considerando,
con justicia por cierto, que los artesanos merecían el rango de artistas. Sin embargo, sus teorías
definían los principios del diseño industrial al reconocer las posibilidades del objeto o de la
imagen como portadores de unas cualidades estéticas, las cuales, según Morris, eran fruto de las
cualidades artesanas y no de la máquina.
Retrato de William Morris con su mandil
de trabajo
Retrato de Jane Morris, mujer de William
Morris,1865
William Morris nació en 1834 y falleció en 1896. Pertenecía a una familia acomodada y se dedicó al
diseño y el arte influido por los escritos de John Ruskin y la amistad con el pintor Edward Burne-
Jones, a quien conoció como estudiante en 1853.
Por entonces realizó viajes a Bélgica y Francia, donde contempló cuadros de pintores del siglo XV,
como Memling y Van Eyck, que le influyeron para toda su vida, al igual que las grandes catedrales
góticas del norte.
Compartió taller con Burne-Jones entre 1856 y 1859, dedicándose al diseño de muebles
medievales. La amistad con Burne-Jones se prolongaría hasta el final de sus vidas.
En 1861 creó la empresa Morris and Company, con Ford Madox Brown, Rossetti, Webb y Burne-
Jones como socios. Enseguida consiguieron prestigio por sus diseños en vidrieras, muebles y
tejidos.
Ruskin (izquierda) y Rossetti, hacia 1863

13. En la década de 1860 Morris diseñó algunos de sus papeles más famosos, como Trellis, Daisy,
Fruit y Pomegranate.
Como poeta, su primer éxito lo consiguió con The life and death of Jason, en 1867, al que siguió
The earthly paradise, a partir de 1868, sobre leyendas clásicas y medievales.
En la década de 1870 viajó a Islandia movido por su amor hacia las tradiciones del norte, e
investigó sobre tintes vegetales. También dio conferencias sobre artes decorativas, Las artes
menores.
Su intervención en política se inició a finales de la década de 1870, dentro del movimiento
socialista.
Morris diseñó tres tipografías: la Golden Type, inspirada en las romanas venecianas de Nicolas
Jenson, y dos góticas, Troy Type y Chaucer Type.
Las vidrieras dieron gran renombre a
Morris and Company. En la imagen, el
Rey Arturo y Lanzarote del Lago,
pertenecientes a una serie sobre la
Muerte de Arturo, de Malory. Varias
iglesias y entidades privadas realizaron
encargos a Morris para la fabricación
de vidrieras.
Especificaciones de Morris para el
tratamiento del color en los tintes y
tejidos. La laboriosidad de William
Morris le llevaba a implicarse
personalmente en todo tipo de
trabajos, por lo que era frecuente ver
realizar personalmente las tareas de
tallar piedra, grabar madera o tejer.
Los papeles pintados de Morris
alcanzaron una alta reputación. En la
imagen uno de sus diseños florales
sobre el Honeysuckle, de una
particular suavidad cromática.
Viña y hojas de acanto, un tapiz
diseñado y tejido por William Morris
personalmente, para introducirse en el
diseño e ejecución de estas artes
milenarias.
Tapiz del pájaro carpintero, para
muchos el mejor tapiz de los
realizados por Morris en alto lizo. La
inscripción en letras góticas arriba y
abajo del marco son de un poema del
propio Morris, que trata del rey Pico,
que según la leyenda fue
transformado en pájaro carpintero. Es
notable el agrupamiento de las formas
vegetales preferidas por su autor.
Sala en Wightwick Manor ,en la que
se aprecia el efecto conjunto de los
papeles y tapicerías diseñadas por
William Morris. Las cortinas también
pertenecen a la empresa de Morris.

14. Jugendstil
“Estilo joven o de la juventud” , es diferente del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la
última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada
por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del
nuevo estilo.
La generación de creadores del Jugendstil fue considerada una reacción a la asombrosa industrialización
iniciada en Inglaterra, la cual provocó en el mercado una intensa producción en serie que echaba a un lado
el trabajo artesanal. En efecto, la máquina sustituía a las creaciones únicas que salían de las manos del
artesano.
Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como
Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus
contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también
recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían
el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.
Los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural Las formas orgánicas y
los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, Estos detallados estudios
ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra
de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.
En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y
muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich,
Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.
Entre los artìstas màs destacados de este estilo tenemos:
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la
obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por
reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales.
Bruno Paul, también desempeño un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. Bruno Paul
diseñó audace s caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus, que, como la revista Jugend o Pan,
popularizó la nueva estética.
Pankok, siguió la línea de Bernhard, en el cual realizó la Casa Lange en Tubinga y estaba inspirado en el
tradicionalismo, como también lo estaban los interiores del Jugendstil, que eran asombrosamente modernos
dentro de su simplicidad.

15. Josef Maria Olbrich, arquitecto austriaco, uno de los principales representantes de la Sezession vienesa y
precursor de la arquitectura del movimiento moderno.
Henry van de Velde, arquitecto y diseñador belga consejero artístico de su corte. Recibió el encargo de
diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El
propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese
período, diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil, que destacaban por su
sencillez formal.
La arquitectura y el diseño del Jugendstil, a menudo era estructural y las
formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de
monumentalidad y luminosidad visual.
La tendencia alcanzó su esplendor en 1900, pero poco después fue
desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund, fundado
en 1907 por un grupo de promotores, diseñadores, arquitectos y artistas,
algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil.
La arquitectura, la pintura y la escultura jugendstil, fue hecha en particular
por el trabajo manual altamente calificado, se vieron de pronto invadidas por
una delicada ornamentación de líneas y de formas orgánicas de plantas y de
flores. Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan, suben y bajan,
mujeres transformadas en pájaros, formas asimétricas, arabescos que
parecen volar por las esquinas de una mesa o por las fachadas de los
edificios; todo un mundo de formas exquisitas y bellas, estaba al alcance de
una sociedad en pleno auge.
Se aprecian algunos puntos de contacto entre el Jugen y el movimiento Arts & Crafts británico ya
que, por ejemplo, ambos apuestan por las formas naturales y los modelos tradicionales para
reformar el diseño y, en última instancia, la sociedad. Por otro lado, la adopción por parte del
Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la evolución del
diseño alemán, hacia una vertiente racionalista, impulsada desde el Werkbund y posteriormente

16. desde la Bauhaus. El término “Jugendstil” se aplica también en la Historia del Diseño al Art
Nouveau
La Deutscher Werkbund (DWB) 1907
Era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por
Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna,
del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción auspiciada por el estado para
integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner
a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados
Unidos. Estaban estéticamente vinculados al expresionismo. Su lema era "Vom Sofakissen zum
Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico
de intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante
de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX.
Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento:
Separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban;
Imponer la normalización del formato DIN;
La adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al
ornamento.
Adam Gottlieb Hermann Muthesius (20 de abril de 1861 - 29 de octubre de 1927).
Conocido como Hermann Muthesius, fue un arquitecto, escritor y diplomático alemán,
racionalista a ultranza, crítico vehemente del Art Nouveau. Quizá por lo que es más
conocido es por promover muchas de las ideas del movimiento británico Arts and Crafts en
Alemania. Fue uno de los fundadores del movimiento Deutsche Werkbund, junto con Peter
Behrens. Este movimiento fue precursor de lo que sería la Bauhaus.

17. Peter Behrens (Alemania, 1868-1940).
Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como
grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la
arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con
el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial.
En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-
Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas
e incluso las viviendas de sus trabajadores. Behrens fue un pionero en la implantación
arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras
fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en
hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia
historicista. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en
ladrillo, se acercó a la corriente expresionista, aunque fue menos radical en el uso de los
materiales. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los
maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le
Corbusier.
Mobilier de salle à manger
[Mobiliario de comedor]
Uno de los nietos de la Reina
Victoria, Ernst Ludwig, Gran-
duque de Hesse, deseó
transformar la pequeña ciudad de
Darmstadt, en Alemania, en capital
regional. En 1898 pide a un
reconocido arquitecto vienés,
Joseph Maria Olbrich, que reúna
una colonia de artistas en un

18. barrio por construir, que se convertirá en el prototipo de una nueva vivienda.
Siete casas fueron inauguradas en 1901; seis construidas por Olbrich, la séptima por Peter Behrens, joven
prometedor talento casi desconocido, pintor de formación, de muy reciente fecha convertido a las artes
decorativas. Para cada casa, los principios siguen siendo los mismos: amplios ventanales abiertos, intensa
luminosidad, predominancia del blanco, ritmo lineal que pasa del mobiliario hasta la vajilla. Entre dicho mobiliario,
se encuentran estos tres prototipos de asientos de comedor, cuyo conjunto totalizaba nueve piezas: Una banqueta,
cuatro butacas para las damas, cuatro sillas para los caballeros, fabricados para la casa donde vivía el artista
Behrens.
La madera es de álamo lacado, la funda de piel roja. Con pies abocinados y brazos con una agraciada curva, estos
asientos con respaldos ampliamente calados, resaltan por su elegante sobriedad .
industrial
pendant light,
circa 1920 industrial pendant light,
circa 1920
by peter behrens, circa 1910
industrial pendant light,
circa 1930
industrial pendant
light, circa 1930
Logo for AEG (Allgemeine
Elektricitäts-Gesellschaft),
designed by Peter
Behrens, 1907.

19. ART NOUVEAU
Es un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego se extiende
por toda Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura definitiva con los viejos
estilos para dar lugar a la naturaleza, de donde tomaban diversos elementos o motivos ornamentales.
Aunque este conjunto de tendencias se tradujo en agregados formales a objetos resueltos, en muchos
casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística cultural y puso las bases para transformaciones mucho
más profundas.
Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las teorías de
William Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”, todos ellos deberían
proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación hasta los límites de
las técnicas artesanas y la aceptación incondicional de la intervención de la máquina.
El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y
artesanos en una dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que aquéllos se
hallaban insertos. Los que han considerado al Art Nouveau como una corriente opuesta al racionalismo,
cabe señalar ciertas analogías entre ambos movimientos, entre las cuales pueden citarse la promoción del
papel desempeñado por los materiales y las máquinas o herramientas de fabricación en la creación formal, o
bien su originalidad estilística.
El Art Nouveau fue un estilo histórico surgido en la década de 1880 que se inspiraba en el movimiento Arts
& Crafts británico, conocido también como “nuevo arte”.
Entre los exponentes del Art Nouveau:
Victor Horta, el arquitecto belga cuyo Hotel de familia o Casa Tassel (1892-93) fue una de las primeras
expresiones de este estilo en arquitectura. Este novedoso proyecto residencial incorporaba el hierro como
mecanismo estructural y decorativo, y el uso de columnas como tallos girando en espiral acuñó la expresión
“línea Horta”.
Hector Guimard, y especialmente por sus entradas o bocas de hierro fundido del Metro de París (1900). En
Francia, también se utilizó el término “Le Style Moderne” para identificar al Art Nouveau, mientras que en
Alemania se adoptó la denominación Jugendstil o estilo joven.

20. Antoni Gaudí, exponente en España con sus diseños y edificios ondulantes fue el precursor del Arte Nuevo,
en Barcelona.

21. Émile Gallé y otros, produjeron notables piezas de mobiliario y cristalería de estilo Art Nouveau. Las líneas
sinuosas y la estilización de formas florales, que identificaban de inmediato al Art Nouveau, se inspiraban
más en la naturaleza que en los estilos del pasado.

22. El Art Nouveau puede considerarse el primer estilo moderno verdaderamente internacional. Fue superado
estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de las vanguardias por
las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.
Características generales del Art Nouveau:
Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores
(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo
moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

23. Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la
impresión...
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de
medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy
cerca del diseño industrial
Josef Hoffmann (1870-1956)
Arquitecto y diseñador nacido en Pirnitz, Austria. Sus primeros estudios relacionados con el
arte decorativo los realiza en la hoy República Checa. Posteriormente, en Austria
estudia 3 años y se integra a la asociación de diseñadores académicos en Viena,
donde fue profesor durante 37 años.
Aun en formación, Hoffmann recorre Europa y continua la evolución de su estilo en
Inglaterra. Alterna con profesionales destacados del movimiento modernizador
británico y recibe buena influencia del escocés Charles Rennie Mackintosh.
En 1903, junto a otros especialistas, Josef Hoffmann funda en Viena, una empresa
dedicada al desarrollo del diseño decorativo y artes relacionadas, donde logra situar
el arte fino y las aplicaciones que lo conforman, a un nivel de importancia similar,
destacando la individualidad no sólo del diseñador sino que también del artista que
lleva a cabo la obra.
Durante los años siguientes, Hoffmann, logra ser un arquitecto renombrado y diseña
un gran número de edificios en Europa. Al mismo tiempo se dedica a diseñar muebles
y artículos para decoración de interiores.

24. ART NOUVEAU 1880
Es un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego
se extiende por toda Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura
definitiva con los viejos estilos para dar lugar a la naturaleza, de donde tomaban diversos
elementos o motivos ornamentales. Aunque este conjunto de tendencias se tradujo en agregados
formales a objetos resueltos, en muchos casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística
cultural y puso las bases para transformaciones mucho más profundas.
Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las
teorías de William Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”,
todos ellos deberían proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la
exaltación hasta los límites de las técnicas artesanas y la aceptación incondicional de la
intervención de la máquina.
El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y
artesanos en una dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que
aquéllos se hallaban insertos.
El Art Nouveau fue un estilo histórico surgido en la década de 1880 que se inspiraba en el
movimiento Arts & Crafts británico, conocido también como “nuevo arte”.
El Art Nouveau puede considerarse el primer estilo moderno verdaderamente internacional. Fue
superado estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de
las vanguardias por las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.

25. Corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los
distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern
Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o
Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace
reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con
características distintivas.
Fue una ruptura con los estilos dominantes en la época, se incorporan novedades derivadas de la

26. revolución industrial, uno de sus objetivos era que los objetos más cotidianos tengan valor estético
y sean asequibles a toda la población.
Está inspirado en Arts and Crafts británico de William Morris. Se destaca por tener Formas
naturales abstractas y curvilíneas.
Se utilizaba el Hierro como base estructural y decorativo, se inspiraba en la naturaleza y el uso
profuso de elementos de origen natural líneas sinuosas y alargamiento de formas florales basada
en la investigación científica sobre el mundo natural (Charles Darwin, tratado de las especies,
1859)
Algunas muestras del movimiento las encontramos en sitios como la entrada del metro en Paris.
Representantes son Antoni Gaudi, Charles Rennie Mackintosh.
Finaliza a comienzos de siglo con la preferencia estética de las maquinas y por las vanguardias de
formas geométricas simples, más adecuadas a una Producción industrial.
Sezession 1897
El nombre Sezession (o secesión) apunta a un grupo de artistas que se apartan de los grupos
soportados oficialmente por un Estado o sus administradores. La primera secesión de la política
oficial ocurrió en Francia, cuando en 1890 el “Salon au Champs-de-Mars” fue establecido, liderado
por Jean Louis Ernest Meissonier y Puvis de Chavannes.
En los años que siguieron, artistas de varios países europeos tomaron el mismo impulso,
primariamente en Alemania, Austria y Hungría, quienes se separaron de los movimientos del arte
tradicional y abrazaron estilos progresistas.
La primera secesión fuera de Francia ocurrió en Múnich en 1892, seguida prontamente por la
secesión de Berlín el mismo año. El movimiento secesionista más conocido fue el de Viena,
formada en 1897 y que incluía a Gustav Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka y Koloman Moser.
Klimt favorecía la decoración estilo Art Nouveau por sobre los estilos prevalecientes de su tiempo.
De entre estos movimientos secesionistas pueden verse en el de Viena las bases que luego darían
cierto sustento estílico al Art decó.
Gustav Klimt

28. Egon
Schiele

29. Oskar Kokoschka
En esta época, Austria sufre de problemas en todos los sectores: social, económico, religioso,
político, monárquico... que contrastan con un ambiente idealista. Es el periodo más brillante para
Austria, siendo su capital, Viena la cuna del psicoanálisis.
Los portavoces de este movimiento son: Gustav Klimt, Koloman Moser, Ferdinand Andri y Joseph
Maria Olbrich (arquitecto) entre otros.
Aunque la sezessión es incluible en el modernismo, típico de fines del período histórico y cultural
conocido como la Belle Époque, corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el
coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o
el modernismo español por ejemplos); en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la
sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a
la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro
del vanguardismo.

30. El vanguardismo 1900…
Se manifiesta a través de varios movimientos de vanguardia, los mismos, que desde
planteamientos divergentes abordan la renovación del arte, desplegando recursos que quiebren o
distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura,
literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se
produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto
de los continentes, principalmente América.
Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo, ultraísmo,
surrealismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque
con denominadores comunes:
La lucha contra las tradiciones, procurando la novedad y la libertad.
Audacia y libertad de la forma.
El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas tras otras.
Dadaísmo
Expresionismo
Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la reconstrucción de la
realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y
la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas
donde se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre.
Pretende expresar "fibias" y "fobias" del ser humano. Por lo tanto, no requiere de
una buena técnica, ni de un resultado estéticamente bello.
Fauvismo
Fue una oposición al pasado violento de la Guerra Mundial. El poema dadaísta
suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil
encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo
terrorífico, al nihilismo y a lo fantasioso. Busca renovar la expresión
mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de
pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía
o destrucción.
Fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908
aproximadamente. El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición
para el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color.
No se buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las
imágenes más libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a
dicha luz., En efecto, los fauvistas consideraban que mediante el color se podían
expresar sentimientos.

31. Cubismo
Nació en Francia en 1905. Sus principales rasgos son la asociación de
elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición
gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y
el retrato de la realidad a través de figuras geométricas.
Los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan
Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad,
Cézanne ya habría marcado el camino.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la
descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el
objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas,
un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un
cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos
los planos del objeto en la misma obra.
Su tipo de poesía más popular fue el caligrama cuyo principal exponente fue
Guillaume Apollinaire.
Uno de sus fundadores y protagonistas fue el español Pablo Picasso.
Futurismo
Forme uniche
della continuità nello spazio de
Umberto Boccioni, obra de 1913
Aunque tuvo una corta existencia,
aproximadamente hasta 1914, su influencia
se aprecia en las obras de Marcel Duchamp,
Fernand Léger y Robert Delaunay en París,
así como en el constructivismo ruso. Los
textos futuristas trajeron un nuevo mito: la
máquina.
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos
principales de la poesía el valor, la audacia y la revolución, ya que
se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso
gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo
sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el
retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la
disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión
plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida
contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la
máquina y el movimiento.
Dadaísmo
El dadaísmo fue un movimiento artístico surgido en Europa y en
Norteamérica. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con
Tristan Tzara como su fundador. Dentro de sus motivaciones estuvo
reaccionar de manera artística a la violencia extrema a la pérdida de
sentido que trajo la Guerra Mundial. El poema dadaísta suele ser una
sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica.
Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, al nihilismo y a lo
absurdo.
Por su parte, el procedimiento dadaísta busca renovar la expresión mediante el empleo de
materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica
general de rebeldía o destrucción. También se le suma el poeta-pintor de apellido Klerman que fue
uno de los impulsores del antiarte denominado «dadaísmo».
El dadá aparece simultáneamente en Nueva York con Picabia y Duchamp. Se extiende a Berlín y
París.

32. Ultraísmo
Apareció en España entre 1919 y 1922 como reacción al modernismo. Fue uno de los movimientos
que más se proyectó en el mundo de habla hispana contribuyendo al uso del verso libre, la
proscripción de la anécdota y el desarrollo de la metáfora, que se convierte en el principal centro
expresivo.
Fue influido por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinaire.
Surrealismo
Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir
los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional.
Se caracteriza por pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el
fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta
moral humana y las manifestaciones no son de su interés.
Consiste en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando vive un
hecho que le provoca recuerdos recónditos.
Estridentismo
Surgió en México y nace de la mezcla de varios ismos, como aporte nacido a la vanguardia
europea. Se dio entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo
urbano, así como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a
todo lo antiguo. Su representante fue Manuel Maples Arce.
Existencialismo
El existencialismo es un movimiento filosófico que postula fundamentalmente que son los seres
humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Emergió como
un movimiento en la literatura y filosofía del Siglo XX, heredera de los argumentos de filósofos
como Kierkegaard, Nietzsche y Unamuno.
Este movimiento generalmente describe la ausencia de una fuerza trascendental; esto significa que
el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus hechos, sin la presencia de una
fuerza superior que pudiera determinarle en su actuar. Esto le atribuye a los humanos el crear una
ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él. Esta
articulación personal del ser es el único camino existente para superar, generalmente, a las
religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el fin del individuo.
EL CONSTRUCTIVISMO Y LA ESCUELA RUSA 1914
Movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente
presente después de la Revolución de Octubre, fue una influencia importante para el arte Europeo.
Es fundado por el escultor y pintor
ruso Vladímir Tatlin: pintor y escultor
ruso en el cual fueron sus primeras
obras las más representativas de
este movimiento. Aunque comenzó
cultivando un estilo figurativo, sus
trabajos posteriores son abstractos.
Se inspiró en las construcciones
tridimensionales de madera, papel, y
otros materiales de Picasso.

33. Vladímir Tatlin
En Rusia empezó
a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando
materiales industriales como vidrio, metal, alambre y madera. Este tipo
de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la
aparición del constructivismo.
El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas
partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal,
alambre y trozos de plástico.
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y
Antón Pevsner, entre otros.
Alexander Rodchenko
El Lissitzky

34. Naum Gabo
Antón Pevsner
El Constructivismo, es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte
"puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del
sistema socialista. El término Construction Art (construcción artística) fue utilizado por
primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander
Rodchenko.
Este Constructivismo Ruso, es el nacimiento de un arte moderno dentro de una sociedad destruida
por una Revolución y más que eso una Guerra Mundial, en donde a pesar de todo estos factores
hubo un florecimiento del arte creativo, todo esto siendo al mismo tiempo que caía el régimen
zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo después, consolidaría la
Revolución en la Unión Soviética.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX.
Tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término
cubofuturismo.
La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los
artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria.
Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia
zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción artesanal y de agregados hechos

35. a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina.
El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que
raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte
visual conservador. En el año 1917 pusieron sus energías en la propaganda masiva para poder
apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división ideológica concerniente a la
función del artista dentro del nuevo Estado Comunista.
Para Tatlin y Rodchenko, las percepciones de las formas dentro del espacio y el tiempo, es el único
objetivo de nuestro arte plástico y gráfico. Estos dos artes más 25 artistas propusieron un punto de
vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la
comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles
y se volviera hacia el cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista. Tatlin cambió
de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor como un mínimo de
combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.
Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño
industrial, pintores como Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la
obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag (Administración Suprema de Campos
Correctivos de Trabajo, en otras palabras es el Departamento Oficial de la Policía Secreta de la
Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas).
Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin
embargo, la naturaleza del espíritu creativo, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el
diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.

36. Stijl 1917
Este movimiento se dio en Holanda en 1917. Se crea a partir de una revista "De stijl" que se
convirtió en un foro de debate sobre el diseño. Permitió crear el grupo de intelectuales.
Buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible pero que se encuentran
escondidas por las apariencias externas de las cosas. Era una importante
“Abstracción absoluta”, la pureza en el arte y diseño por medio de la adopción de un
lenguaje cubista universal abstracto.
De todos sus miembros, Van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras
sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de
Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas
visuales de De Stijl.
Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de
De Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
PIET MONDRIAN

37. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal
representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
La llegada del holandés Theo van Doesburg en 1921 a Weimar para enseñar diseño y arquitectura
De Stijl, rompería fuertemente con esta tendencia expresionista y enfocaría de lleno la enseñanza
de la Bauhaus hacia el Racionalismo. Significaría también la desvinculación de Johannes Itten en
1923.

38. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones,
consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas
líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el
curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.
Theo van Doesburg. (Utrecht 1883 - 1931) Pintor, teórico y arquitecto neerlandés.
En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el
naturalismo hasta 1916, cuando, al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los
primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista.
En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se ve influenciado por la
estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió
un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista
BAUHAUS 1919
Walter Gropius, arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la
investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX.
Básicamente fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter

39. Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del
partido nazi) en el año 1933.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria
reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la
sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más
racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con
su traslado de Weimar a Dessau.
En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por
completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño
industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos
profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la
escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida
una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando
una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la
que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt).

40. Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como
Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.
Ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales
y el diseño de escenografías y vestuario teatrales.
Pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La
Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris
y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de
la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.
El grito Edvar Munch Expresionismo Marcel Breuer
El expresionismo, heredero del Romanticismo era el movimiento artístico que poseía mayor fuerza en
Alemania, la recientemente terminada Primera Guerra Mundial y la polarización de diversos pensamientos
políticos influían en esta tendencia. Bauhaus en su primera etapa también estuvo muy influenciada por este
estilo.
También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían
responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen
diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además
de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía
y diseño industrial y comercial.
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños,
incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y
técnicos de elaboración.

41. Marcel Breuer, arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento
moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la
primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este
material con su facilidad para la producción industrial a gran escala.

43. En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y
cristal en Dessau, especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este
movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y
conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas
sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo
Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-
Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la
Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.
En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la
Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus
obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados
Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura
durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico
conocido como International Style.
Mies van der Rohe

45. Mies van der Rohe, arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes
de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de
acero y vidrio. Su arquitectura, se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de
sus elementos estructurales. Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y
su posterior funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Según
palabras de él "menos es más". Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia
total de elementos ornamentales. Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos
principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por
el partido nazi.
Las ideas originales de la Bauhaus puede encontrarse en el hecho de que, debido al deseo de privacidad de
la gente, el concepto de transparencia se elimina con la gran cantidad de edificios que se construyen
totalmente cubiertos por espejos. No obstante, la arquitectura actual sigue utilizando muchas ideas
originadas en la Bauhaus: existen diversas estructuras de metal aparentes de manera expresiva. En ellas, la
transparencia se logra no sólo por medio del cristal, sino también a través de otros materiales como celosías
de madera o de metal. Además, dicha transparencia está considerada como hi-tech, ya que emplea la
tecnología al máximo.
Todavía hoy la Bauhaus es sinónimo de una modernización radical del arte. No hubo ningún momento de la
vida en que no reformar y remodelar pues entre sus temas se incluyen no sólo la arquitectura y la pintura,
sino también la danza, el teatro, la fotografía y el diseño.
Por la amplitud de sus aspiraciones, la Bauhaus estaba estrechamente relacionada con el movimiento inglés
Arts and Crafts y con la Deutscher Werkbund. Todavía hoy muchos de sus productos forman parte de los
clásicos del diseño y resultan convincentes por su modernidad radical, como el sillón de tubo de acero de
Marcel Breuer o la lámpara de mesa de la Bauhaus.
Mientras desde el punto de vista de los contenidos la Bauhaus fue una fuerza artística de primer orden, no
pudo escapar de las fuerzas alemanas y europeas, y cada vez sufría mayores presiones políticas. Po r lo que
La Bauhaus de Weimar hubo de cerrar sus puertas en 1925 y se trasladó a Dessau y asi a muchos otros
países buscando una relativa tranquilidad o estabilidad de expresión tanto artística como política, pero
llegaron en un momento en que no se debía ni hablar, ni hacer nada en contra de la política, por lo que pudo
haber afectado a la escuela y la pedagogía de la Bauhaus.
En 1937 László Moholy-Nagy se convirtió en el director de la New Bauhaus de Chicago, de corta
vida. Al cabo de un año, se celebró una retrospectiva de diseño de la Bauhaus en el Museum of
Modern Art de Nueva York, lo que aumentó su reputación como la institución de diseño más
importante del siglo XX.

46. International Style o Movimiento moderno
Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo
XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales.
El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales
industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio
plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones
ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas
y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los
interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos.
Aunque los orígenes de este movimiento pueden buscarse ya a finales del
siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de la década de
1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Le
Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo
(especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se
aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios
estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos.
Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones
dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado dominadas
por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento
moderno.
Gropius y Le Corbusier
Le Corbusier
Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos
arquitectónicos empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por
entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de
los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por

47. sus formas arquitectónicas simples, escasa decoración y preocupación por el papel
social de la arquitectura.
Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, se manifestaron
contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de la
sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el
decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época,
en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor
Horta.
Art Nouveau: Casa Tassel de Victor Horta

48. El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales
industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del
siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus
experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de
la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura
reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson,
Pirie & Scott (1899-1904).
El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas
vías de innovación formal con sus Prairie Houses (casas de la pradera)
levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el
movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares prairie houses, con sus
proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente
moderna.
Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que
visitó Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Austria
realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en
especial contra los excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios
edificios extremadamente austeros, como la simétrica casa Steiner en Viena
(1910).

49. Casa Steiner 1910 Architect: Adolf Loos Sankt-Veit-Gasse 10 Vienna Austria
1914-1932
La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso
de Bélgica, la necesidad de reemplazar los edificios destruidos por otros
alojamientos de bajo coste. Esta circunstancia propició la invención del
sistema ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard
Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el arquitecto
más famoso del siglo XX.
Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso crear edificios con
estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los dos
cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían
las vigas en voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de
la línea de los pilares. Dada la resistencia de este sistema constructivo, el
muro exterior quedaba liberado de la función de soporte, permitiendo por
tanto aligerar su carga y abrir los vanos que se consideraran necesarios.
Charles Édouard Jeanneret - Le Corbusier “Sistema Domino”

50. Aunque el sistema “Dominó” anticipara posteriores logros, nunca se llevó a la
práctica. Además, durante cierto tiempo los intereses de Le Corbusier
oscilaron entre la arquitectura y la pintura, tras su traslado a París en 1917.
Fundó el movimiento denominado purismo, creando bodegones en los que
combinaba el carácter científico del cubismo con un sentido clásico de la
armonía.
El desafío para los arquitectos modernos radicaba, según él, en construir
edificios de acuerdo con los nuevos modelos tecnológicos.
En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante
acontecimiento: la construcción de la casa Schröder en Utrecht, obra del
arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que Le Corbusier, Rietveld se asoció a los
movimientos artísticos de vanguardia. Fue miembro del neoplasticismo
difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el
arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg.
La independencia de las formas, rectangulares y de colores primarios, es
evidente en la casa Schröder. El edificio se caracteriza además por la perfecta
integración entre arquitectura y detalles ornamentales, incluyendo el
mobiliario.
Casa Rietveld Schröder
La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con
fuerza a comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en
Alemania.

51. Le Corbusier ideó un novedoso proyecto para el edificio de la Sociedad de
Naciones en Ginebra. Su ingenio arquitectónico, aplaudido con entusiasmo
por otros arquitectos de vanguardia, fue uno de los factores que provocaron
la creación, en 1928, de los Congresos Internacionales de Arquitectura
Moderna (CIAM). Los CIAM, que perduraron hasta 1959, sirvieron por encima
de todo para generalizar y consensuar los principios de la nueva arquitectura,
a la que se habían acogido numerosos arquitectos de diferentes
nacionalidades.
Un hito importante de este proceso fue la exposición de arquitectura
celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aunque
dominada por los principales arquitectos europeos, la muestra atrajo también
a destacados arquitectos japoneses y estadounidenses. Los japoneses
contaron con la presencia de Mamoru Yamada, mientras que entre los
estadounidenses estaban George Howe, William Lescaze, Richard Neutra y,
sobre todo Frank Lloyd Wright, quien, pese a mantenerse a distancia de la
estética industrial del movimiento moderno, ejerció y recibió influencias del
neoplasticismo holandés y asumió la sintaxis racionalista como nuevo
lenguaje arquitectónico internacional. En la exposición de Nueva York
también se dieron a conocer algunos excepcionales arquitectos escandinavos,
especialmente el sueco Erick Gunnar Asplund y el finés Alvar Aalto.
Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades
alemanas un estilo clásico y monumental, el movimiento moderno se inclinó
hacia una forma diferente de planificación urbanística. Durante el periodo de
entreguerras, Le Corbusier llevó a cabo una serie de anteproyectos para la
ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas a diferentes
actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en
rascacielos residenciales separados entre sí por extensas zonas verdes.
Aunque Le Corbusier nunca pudo ver realizadas por completo sus ideas
urbanísticas, su influencia fue enorme tanto en proyectos de posguerra, como
la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en 1960), como en los
años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de
Highpoint I en Highgate (Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold
Lubetkin.
Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva
denominada brutalismo, que significa hormigón visto, con la que se incluye en
la corriente crítica del movimiento moderno y se aleja definitivamente del
International Style popularizado en Estados Unidos.
Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret), 1887-1965.
Arquitecto y diseñador nacido en La Chaux-de-Fonds, Suiza. Le Corbusier se estableció en
Francia y alrededor del 1920, junto a su hermano y a la diseñadora Charlotte Perriand, ponen en
práctica sus conceptos modernistas y rediseñan muebles estilo antiguo utilizando métodos y
materiales industriales que influyeron de forma importante en el futuro de esta especialidad, cosa
que aun se manifiesta en el siglo XXI.
La creación que simbólicamente dio a Le Corbusier una gran popularidad entre los jóvenes
vanguardistas, fue el diván/butaca Chaise Longe, fabricado de bastidor metálico, basado en
modelos austríacos anteriores.

52. Petit Comfort Lounge ChairLeCorbusier

53. Los últimos trabajos de Le Corbusier tuvieron una gran influencia en
arquitectos como James Stirling y Alison y Peter Smithson, que desarrollaron
el nuevo brutalismo en Gran Bretaña; así como en el japonés Kenzo Tange. Al
mismo tiempo Philip Johnson aplicó el International Style a su propia casa
(1951), un contenedor de acero y cristal conocido como la Glass House y
situado en New Canaan (Connecticut).
Alison y Peter Smithson en Londres es el conjunto habitacional Robin Hood Gardens.
Kenzo Tange (丹下健三, Tange Kenzō;
September 4, 1913 – March 22, 2005).

54. La influencia de Mies van der Rohe también es evidente en los grandes
bloques de oficinas construidos en Estados Unidos y Europa durante las
décadas de 1950 y 1960. Ejemplos destacados fueron los realizados por
Skidmore Owings & Merril, así como también la obra del propio Mies en el
edificio Seagram de Nueva York, un majestuoso rascacielos de vidrio oscuro
levantado en 1957.
Skidmore, Owings & Merril, mas conocido como SOM, es el
estudio de arquitectura e ingeniería mas prestigioso de Estados
Unidos. Fué fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel
Owings, en 1936.
The Seagram Building. Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969)
was a German-born architect known for the design of skyscrapers
in an unashamedly modernist, steel-and-glass style.
Durante la década de 1960 una joven generación de arquitectos, entre los que
destacaron los Five Architects (Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves,
Charles Guathmey y Richard Meier) de Nueva York, proyectaron edificios
cúbicos inspirados en la arquitectura racionalista.

55. Aronoff Center for
Design and Art ,
Universidad de
Cincinnati. Arquitecto
Peter Eisenman
Habitación colectiva, IBA,
Berlim. Arquitecto Peter
Eisenman
Wall House 2, Groningen,
The Netherlands, John
Hejduk, 2001
Arquitecto: John Hejduk
Portland Public Service Building,
Oregon, by Michael Graves,
1980–82.
Michael Graves 425 Fifth
Avenue
Michael Graves
Iglesia de Notre
Dame du
Haut en
Roncham
p
Le Corbusier proyectó en
1950 la iglesia de
peregrinación de Notre
Dame du Haut en
Ronchamp. Es una de las
mejores muestras del estilo
brutalista que dominó la
obra del maestro franco-
suizo a partir de la II Guerra
Mundial.
Charles-Edouard Jeanneret Le
Corbusier.
Douglas House by Richard Meier
Richard Meier - Chiesa Dives
Richard Meier - Casa Smith