1. MATERIA DEL PRIMER CONTROL HISTORIADOS
La Revolución Industrial.
Es el periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX, inicialmente Inglaterra en
primer lugar, y el resto de la Europa continental con el tiempo, sufren el mayor conjunto de transformaciones
socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia.
La economía establecida en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la manufactura. La
Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el adelanto de los procesos del hierro. La expansión
del comercio fue beneficiada por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril.
A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las cuales las más
relevantes fueron:
La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los procesos productivos.
La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.
El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.
La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.
El surgimiento del proletariado urbano.
La Revolución industrial fue dividida en dos etapas: La primera del año 1750 hasta 1840, y la segunda de 1880 hasta
1914.
La iniciativa de la máquina de vapor fue una de las más
importantes innovaciones de la Revolución industrial. Hizo posible mejoramientos en el trabajo del metal basado en el uso
de coque en vez de carbón vegetal.

2. Arts and Crafts
Plato de William De Morgan, fabricado
por la Orange House Pottery.
Vaso diseñado por George
Prentis para la compañía de
cerámicas Grueby.
Lámpara de mesa en metal y cristal,
diseñada hacia 1910 por el estudio de
Dirk Van Erp.
Vaso decorado por Carl Schmidt para la
Rookwood Pottery, hacia 1909.
Vidriera diseñada por
Charles Rennie Mackintosh
para la puerta de entrada de
la Escuela de Arte de
Vaso de la Ruskin Pottery, hacia 1920. Glasgow.
Escritorio diseñado por Koloman Moser en 1903,
con figuras de mujeres y delfines en el frontal, y
un tramado geométrico que antecede al
tratamiento de superficies típico del Art Decó.
Básicamente el objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante un retorno de la artesanía tradicional, como
respuesta ante las consecuencias medioambientales y sociales de la industrialización y la multiplicación de productos de
baja calidad.
Se buscaba la simplicidad y la honestidad en la artesanía.
Se Intentaba promover la democracia y la cohesión social a través de la artesanía. Además
Se luchaba contra la carga de los trabajadores en la industrialización.
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como
estéticos. Destacamos los más importantes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad
funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

3. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el
racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
Este movimiento fue encabezado por William Morris que pretendía recuperar la calidad del diseño y de la producción
artesanal.
William Morris, empresario, pintor, poeta y proyectista, formuló su crítica de oposición al producto industrial, reprochándole
su masificación e indiferencia. Rechazaba la producción industrial en las artes, y luchaba por un retorno a la clásica
artesanía medieval, considerando, con justicia por cierto, que los artesanos merecían el rango de artistas. Sin embargo,
sus teorías definían los principios del diseño industrial al reconocer las posibilidades del objeto o de la imagen como
portadores de unas cualidades estéticas, las cuales, según Morris, eran fruto de las cualidades artesanas y no de la
máquina.
Retrato de William Morris con su mandil de
trabajo
Retrato de Jane Morris, mujer de William Morris, y modelo preferida de
Dante Gabriel Rossetti. 1865
William Morris nació en 1834 y falleció en 1896. Pertenecía a una familia acomodada y se dedicó al diseño y el arte
influido por los escritos de John Ruskin y la amistad con el pintor Edward Burne-Jones, a quien conoció como estudiante
en 1853.
Por entonces realizó viajes a Bélgica y Francia, donde contempló cuadros de pintores del siglo XV, como Memling y Van
Eyck, que le influyeron para toda su vida, al igual que las grandes catedrales góticas del norte.
En 1861 creó la empresa Morris and Company, con Ford Madox Brown, Rossetti, Webb y Burne-Jones como socios.
Enseguida consiguieron prestigio por sus diseños en vidrieras, muebles y tejidos.
Ruskin (izquierda) y Rossetti, hacia 1863
En la década de 1860 Morris diseñó algunos de sus papeles más famosos, como Trellis, Daisy, Fruit y Pomegranate.
En la década de 1870 viajó a Islandia movido por su amor hacia las tradiciones del norte, e investigó sobre tintes
vegetales. También dio conferencias sobre artes decorativas y Las artes menores.
Su intervención en política se inició a finales de la década de 1870, dentro del movimiento socialista.
En 1890 fundó la Kelmscott Press, tomando a Emery Walker, de quien había escuchado una conferencia sobre tipografía
y edición, como asesor tipográfico.
Morris diseñó tres tipografías: la Golden Type, inspirada en las romanas venecianas de Nicolas Jenson, y dos góticas,
Troy Type y Chaucer Type.

4. Las vidrieras dieron gran renombre a Especificaciones de Morris para el
Morris and Company. En la imagen, el tratamiento del color en los tintes y
Rey Arturo y Lanzarote del Lago, tejidos. La laboriosidad de William
pertenecientes a una serie sobre la Morris le llevaba a implicarse
Muerte de Arturo, de Malory. Varias Los papeles pintados de Morris
personalmente en todo tipo de
iglesias y entidades privadas realizaron alcanzaron una alta reputación. En la
trabajos, por lo que era frecuente ver
encargos a Morris para la fabricación realizar personalmente las tareas de imagen uno de sus diseños florales
de vidrieras. sobre el Honeysuckle, de una
tallar piedra, grabar madera o tejer.
particular suavidad cromática.
Viña y hojas de acanto, un tapiz
diseñado y tejido por William Morris
personalmente, para introducirse en el
diseño e ejecución de estas artes
milenarias. Sala en Wightwick Manor ,en la que
se aprecia el efecto conjunto de los
papeles y tapicerías diseñadas por
William Morris. Las cortinas también
pertenecen a la empresa de Morris.
Tapiz del pájaro carpintero, para
muchos el mejor tapiz de los
realizados por Morris en alto lizo. La
inscripción en letras góticas arriba y
abajo del marco son de un poema del
propio Morris, que trata del rey Pico,
que según la leyenda fue
transformado en pájaro carpintero. Es
notable el agrupamiento de las
formas vegetales preferidas por su
autor.
Jugendstil... juventud!!
“Estilo joven o de la juventud”, es diferente del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo
XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó
un papel importante en la popularización del nuevo estilo.
La generación de creadores del Jugendstil fue considerada una reacción a la asombrosa industrialización iniciada en
Inglaterra, la cual provocó en el mercado una intensa producción en serie que echaba a un lado el trabajo artesanal. En
efecto, la máquina sustituía a las creaciones únicas que salían de las manos del artesano.
Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist,
Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al
estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos
condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza
que trasladaron a toda su obra.

5. Los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural. Las formas orgánicas y los motivos
vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, Estos detallados estudios ayudaron a comprender
mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y
de un fuerte desarrollo orgánico.
En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas
regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y
Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.
Entre los artistas más destacados de este estilo tenemos:
Richard Riemerschmid
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los
diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño
mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales.
Pankok
Pankok, siguió la línea de Bernhard, en el cual realizó la Casa Lange en Tubinga y estaba inspirado en el tradicionalismo,
como también lo estaban los interiores del Jugendstil, que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad.
Josef Maria Olbrich
Josef Maria Olbrich, arquitecto austriaco, uno de los principales representantes de la Sezession vienesa y precursor de la
arquitectura del movimiento moderno.
Henry van de Velde
Henry van de Velde, arquitecto y diseñador belga consejero artístico de su corte. Recibió el encargo de diseñar o
proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El propio Van de Velde dirigió
la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese período, diseñó numerosos objetos de plata y
cerámicas Jugendstil, que destacaban por su sencillez formal.
La arquitectura y el diseño del Jugendstil, a menudo era estructural y las formas naturales abstractas para crear
una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual.

6. La tendencia alcanzó su esplendor en 1900, pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del
Deutscher Werkbund, fundado en 1907 por un grupo de promotores, diseñadores, arquitectos y artistas, algunos
de los cuales habían pertenecido al Jugendstil.
Se aprecian algunos puntos de contacto entre el Jugen y el movimiento Arts & Crafts británico ya que, por ejemplo, ambos
apuestan por las formas naturales y los modelos tradicionales para reformar el diseño y, en última instancia, la sociedad.
Por otro lado, la adopción por parte del Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la
evolución del diseño alemán, hacia una vertiente racionalista, impulsada desde el Werkbund y posteriormente desde la
Bauhaus. El término “Jugendstil” se aplica también en la Historia del Diseño al Art Nouveau
La Deutscher Werkbund (DWB) 1907
Era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue
una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción auspiciada por el estado para integrar los oficios
tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con
otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Estaban estéticamente vinculados al expresionismo. Su
lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio
abanico de intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los
movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento:
- Separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban;
- Imponer la normalización del formato DIN;
- La adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
El Deutscher Werkbund fue uno de los establecimientos que impulsó el Racionalismo en la forma
(Funcionalismo). En sus inicios fue una asociación de talleres que surgió en Alemania que buscaba unificar arte
con industria.
A fines del siglo XIX en Alemania se dio un rápido progreso tecnológico gracias a la estrecha relación entre las
universidades y la industria. Por esta razón, envían a Londres al escritor y crítico Herman Mathesius, para ponerse
al tanto de las actividades en arquitectura y diseño en Inglaterra. Esto le permitió conocer el trabajo de William Morris y
sus seguidores. Permaneció en Londres de 1896 a 1903.
En 1903 regresó a Alemania con nuevas ideas en el campo del diseño industrial moderno.
Su pensamiento se basaba en el racionalismo en la forma, perfecta y pura utilidad. “Muebles prácticos, sin adornos, con
formas simples, pulidas y ligeras.

7. En 1907 Hermann Muthesius se juntó con Peter Beherens, Theodor Fischer, Herman Muthesius, Bruno Paul, Richard
Riemerschmid, Henry Van de Velde entre otros, y fundaron la Deutsche Werkbund (asociación alemana de artesanos) en
defensa de la unión del arte, la artesanía y la tecnología. Aunque hubiesen recibido influencias de William Morris y del
movimiento Artes y Oficios, existían grandes diferencias en la Deutsche Werkbund, pues el primero defendía el retorno a
la artesanía medieval y el rechazo de la Revolución Industrial y de la máquina.
La Deutsche Werkbund se fundaba en la filosofía Gesamkultur; una actitud para mejorar el mundo en función del hombre,
el progreso social a través del uso de la máquina, del arte y de la artesanía. Pero el grupo se dividió en dos facciones: una
que defendía la estandarización y la tipificación de los productos (encabezada por Muthesius), la eliminación de todo
ornamento, el desprendimiento de la individualidad artística y la forma-función y otra (encabezada por Henry Van de
Velde) que daba lugar a la primacía de la expresión individual.
Peter Behrens intentaba situarse entre los dos extremos pero sus trabajos se inclinaban a seguir a Muthesius.
En el mismo año que Henry Ford implementaba la división del trabajo y lanzaba el Ford T, el industrial visionario Emil
Rathenau, de la empresa alemana AEG, contrató (1907) a Peter Behrens y Otto Neurath, constituiyendo el primer equipo
de consultores de imagen corporativa. Este trabajo desembocó en un programa completo constituído por proyectos de
edifícios, fábricas, establecimientos comerciales, productos, lámparas industriales, servicios de té… y crearon logotipos,
carteles, folletos, anuncios publicitarios, catálogos, residencias para trabajadores y otros productos. Contribuyendo no sólo
a una comunicación coherente, sino también a una fuerte cultura de empresa, y constituirán el paradigma histórico de la
identidad corporativa.
Este nuevo pensamiento dio origen en 1907 al Werkbund (Asociación Artesanal Alemana) creado en Munich. Esta estaba
constituida por fabricantes, arquitectos, artistas, diseñadores, comerciantes, periodistas, pedagogos, etc. con el fin de
«salvaguardar la calidad» de la producción industrial alemana. Su objetivo era fomentar las exportaciones alemanas y, al
mismo tiempo, proteger los valores culturales que parecían estar amenazados por la rápida industrialización y la acelerada
modernización de Alemania.
En los estatutos de Werkbund se aclaraba:
“El objeto de Bund es el ennoblecimiento del trabajo profesional con una acción combinada con el arte, la industria y la
artesanía lograda por medio de la educación, la propaganda y un criterio de unidad con respecto a las cuestiones de este
ámbito”.
En 1912 la asociación publicó su primer anuario, que incluía diseños destacados, exhibidos y promovidos en las
exposiciones, catálogos y asambleas organizados por ellos, que pronto adquirieron un carácter internacional.
El éxito se reflejó pronto, se empezó a hablar de “la forma alemana”. Esta doctrina se distribuirá en toda Alemania a través
de escuelas y establecimientos, dirigidos por Peter Behrens, Henry Van de Velde, etc.
Deutscher Werkbund. Caricatura de Karl Arnold sobre la polémica del congreso del Werkbund de 1914: Van de Velde propone la silla individual, Muthesius
propone la silla tipo, y el carpintero hace la silla para sentarse.
A partir de los postulados del Werkbund la configuración de los productos industriales sufren una transformación que
despoja al objeto de agregados superfluos.
El Werkbund para la arquitectura representó la defensa de la construcción en acero, hormigón y vidrio.

8. "El alemán Cartel Exposición Werkbund en
Exposición del Werkbund Colonia 1914
Colonia en 1914"
Adam Gottlieb Hermann Muthesius (20 de abril de 1861 - 29 de octubre de 1927),
conocido como Hermann Muthesius, fue un arquitecto, escritor y diplomático alemán, racionalista a ultranza, crítico
vehemente del Art Nouveau. Quizá por lo que es más conocido es por promover muchas de las ideas del movimiento
británico Arts and Crafts en Alemania. Fue uno de los fundadores del movimiento Deutsche Werkbund, junto con Peter
Behrens. Este movimiento fue precursor de lo que sería la Bauhaus.
Peter Behrens Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la
corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto
hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial.
En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-Gesellschaft), empresa para la que
diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores.
Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras
fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en hormigón colado, acero visto y
grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia historicista.

9. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en ladrillo, se acercó a la corriente expresionista,
aunque fue menos radical en el uso de los materiales.
En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter
Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier.
Nave de turbinas de la AEG (1909)
ART NOUVEAU
Es un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego se extiende por toda
Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura definitiva con los viejos estilos para dar lugar a
la naturaleza, de donde tomaban diversos elementos o motivos ornamentales. Aunque este conjunto de tendencias se
tradujo en agregados formales a objetos resueltos, en muchos casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística
cultural y puso las bases para transformaciones mucho más profundas.

10. Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las teorías de William
Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”, todos ellos deberían proponer un repertorio
estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación hasta los límites de las técnicas artesanas y la aceptación
incondicional de la intervención de la máquina.
El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y artesanos en una
dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que aquéllos se hallaban insertos. Los que han
considerado al Art Nouveau como una corriente opuesta al racionalismo, cabe señalar ciertas analogías entre ambos
movimientos, entre las cuales pueden citarse la promoción del papel desempeñado por los materiales y las máquinas o
herramientas de fabricación en la creación formal, o bien su originalidad estilística.
Entre los exponentes del Art Nouveau:
Victor Horta, el arquitecto belga cuyo Hotel de familia o Casa Tassel (1892-93) fue una de las primeras expresiones de
este estilo en arquitectura. Este novedoso proyecto residencial incorporaba el hierro como mecanismo estructural y
decorativo, y el uso de columnas como tallos girando en espiral acuñó la expresión “Línea Horta”.
Victor Horta
Hector Guimard, y especialmente por sus entradas o bocas de hierro fundido del Metro de París (1900). En Francia,
también se utilizó el término “Le Style Moderne” para identificar al Art Nouveau, mientras que en Alemania se adoptó la
denominación Jugendstil o estilo joven.

11. Antoni Gaudí, exponente en España con sus diseños y edificios ondulantes fue el precursor del Arte Nuevo, en
Barcelona.
Émile Gallé y otros, produjeron notables piezas de mobiliario y cristalería de estilo Art Nouveau. Las líneas sinuosas y la
estilización de formas florales, que identificaban de inmediato al Art Nouveau, se inspiraban más en la naturaleza que en
los estilos del pasado.
El Art Nouveau puede considerarse el primer
estilo moderno verdaderamente internacional.
Fue superado estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de las vanguardias
por las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.

12. Características generales del Art Nouveau:
- Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
- Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores
(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo
moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
- Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la
impresión.
- Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de
medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy
cerca del diseño industrial
Corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió
diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria),
Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en España).
Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se
expresó con características distintivas.
Fue una ruptura con los estilos dominantes en la época, se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial,
uno de sus objetivos era que los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población.
Está inspirado en Arts and Crafts británico de William Morris. Se destaca por tener Formas naturales abstractas y
curvilíneas.
Se utilizaba el Hierro como base estructural y decorativo, se inspiraba en la naturaleza y el uso profuso de elementos de
origen natural líneas sinuosas y alargamiento de formas florales basada en la investigación científica sobre el mundo
natural (Charles Darwin, tratado de las especies, 1859)
Algunas muestras del movimiento las encontramos en sitios como la entrada del metro en Paris.

13. Hector Guimard
Finaliza a comienzos de siglo con la preferencia estética de las maquinas y por las vanguardias de formas
geométricas simples, más adecuadas a una Producción industrial.

14. Josef Hoffmann (1870-1956)
Arquitecto y diseñador nacido en Pirnitz, Austria. Sus primeros estudios relacionados con el arte decorativo los realiza en
la hoy República Checa.
Aun en formación, Hoffmann recorre Europa y continúa la evolución de su estilo en Inglaterra. Alterna con profesionales
destacados del movimiento modernizador británico y recibe buena influencia del escocés Charles Rennie Mackintosh.
En 1903, junto a otros especialistas, Josef Hoffmann funda en Viena, una empresa dedicada al desarrollo del diseño
decorativo y artes relacionadas, donde logra situar el arte fino y las aplicaciones que lo conforman, a un nivel de
importancia similar, destacando la individualidad no sólo del diseñador sino que también del artista que lleva a cabo la
obra.
Durante los años siguientes, Hoffmann, logra ser un arquitecto renombrado y diseña un gran número de edificios en
Europa. Al mismo tiempo se dedica a diseñar muebles y artículos para decoración de interiores.

15. Charles Rennie Mackintosh (7 de junio de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto,
diseñador y acuarelista escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and
Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia.Fue el padre de una
hermosa niña llamada Elizabeth Nicol Rennie que también siguió los pasos de su padre.
Protomodernista (antecedente del modernismo). Trata de reformar rompiendo con lo anterior. Saltó a
la fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900. Formó parte del grupo
“Los cuatro” de Glasgow, creado en 1897. Fue su principal figura.
Toma elementos del Arts and Crafts, y fue muy bien aceptado por la oposición al Art Nouveau belga
(fue un héroe para la Secesión).
Era uno de los Arquitectos mas destacado de los personajes vinculados al Art Nouveau (incluyendo a
Víctor Horta), pero después de 1913 no recibió más encargos y murió en la miseria en 1928

16. Sezession 1897
El nombre Sezession (o secesión) apunta a un grupo de artistas que se apartan de los grupos soportados oficialmente por
un Estado o sus administradores. La primera secesión de la política oficial ocurrió en Francia, cuando en 1890 el “Salon au
Champs-de-Mars” fue establecido, liderado por Jean Louis Ernest Meissonier y Puvis de Chavannes.
En los años que siguieron, artistas de varios países europeos tomaron el mismo impulso, primariamente en Alemania,
Austria y Hungría, quienes se separaron de los movimientos del arte tradicional y abrazaron estilos progresistas.
La primera secesión fuera de Francia ocurrió en Múnich en 1892, seguida prontamente por la secesión de Berlín el mismo
año. El movimiento secesionista más conocido fue el de Viena, formada en 1897 y que incluía a Gustav Klimt, Egon
Schiele, Oskar Kokoschka y Koloman Moser. Klimt favorecía la decoración estilo Art Nouveau por sobre los estilos
prevalecientes de su tiempo. De entre estos movimientos secesionistas pueden verse en el de Viena las bases que luego
darían cierto sustento estílico al Art decó.
Aunque la secesión es incluible en el modernismo, típico de fines del período histórico y cultural conocido como la Belle
Époque, corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos
semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplos); en la secesión, aunque se
busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la
sobriedad sale a la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del
vanguardismo.
Los carteles provienen del campo cultural, no comercial, como primaba hasta entonces. Los trabajos son muy
estructurados, dándoles mucha importancia al orden, el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos
continuamente). Su objetivo estético final era la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk, término acuñado por Richard
Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás.
Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte
propio, sin servilismos extranjeros. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de inspiración y análisis.
La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y abstracta. La tipografía es un elemento
determinante, le dan gran importancia a la letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo.
Sobre la puerta de entrada del "Repollo de Oro", como es conocido popularmente en Viena, puede leerse A cada tiempo
su arte, y a cada arte su libertad ("Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit").
Pabellón de la Secesión de Viena, construido en 1897 por Joseph
Maria Olbrich para las exposiciones del grupo de la Secesión
Gustav Klimt

18. Egon Schiele

19. Oskar Kokoschka
Koloman Moser
Koloman Moser (Kolo Moser) nació en Austria en 1868. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena y la Escuela de
Artes Aplicadas (Kunstgewerbeschule) en el mismo país. 1868 – 1918. En 1897, junto a Gustav Klimt, fundó el grupo de la
Secesión de Viena.
Pintor, dibujante y litógrafo austriaco. Se dedicó al diseñado gráfico e industrial, uno de los más destacados artistas de la
Secesión vienesa. Fue cofundador de la Wiener Werkstätte (Talleres de Viena) y coeditor de las revistas die Fläche y
Hohe Warte. Conocido, sobre todo, por sus carteles, ilustraciones, y decoraciones para las exposiciones de la Secesión.

20. Desarrolló diversos y ambiciosos proyectos con gran habilidad, desde los vitrales de la iglesia Am Steinhof (1904), hasta
muebles, telas, orfebrería, joyería, vidriería y cerámica, encuadernación o sellos postales.
Sus diseños para arquitectura, diseño gráfico e industrial marcaron un estilo particular, de líneas limpias y los motivos
repetidos del arte y la arquitectura grecorromana, muy clásicos diseños contrarios al tipo barroco de su era. Se puede
observar un modernismo muy limpio y sin recargas.
En esta época, Austria sufre de problemas en todos los sectores: social, económico, religioso, político, monárquico... que
contrastan con un ambiente idealista. Es el periodo más brillante para Austria, siendo su capital, Viena la cuna del
psicoanálisis.
Los portavoces de este movimiento son: Gustav Klimt, Koloman Moser, Ferdinand Andri y Joseph Maria Olbrich
(arquitecto) entre otros.
Aunque la sezessión es incluible en el modernismo, típico de fines del período histórico y cultural conocido como la Belle
Époque, corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos
semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplo); en la secesión, aunque se
busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la
sobriedad sale a la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del
vanguardismo.
El vanguardismo 1900…
Se manifiesta a través de varios movimientos de vanguardia, los mismos, que desde planteamientos divergentes abordan
la renovación del arte, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o
expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores, en general
dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los
continentes, principalmente América.
Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, etc.), diversas
corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:
- La lucha contra las tradiciones, procurando la novedad y la libertad.
- Audacia y libertad de la forma.
- El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas tras otras.
Expresionismo
Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la reconstrucción de la realidad, la
relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a
través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. Pretende
expresar "fibias" y "fobias" del ser humano. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, ni de un resultado
estéticamente bello.

21. Fauvismo
Fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908 aproximadamente.
El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la
síntesis forma-color.No se buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más
libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a dicha luz., En efecto, los fauvistas consideraban que
mediante el color se podían expresar sentimientos.
Cubismo
Nació en Francia en 1905. Sus principales
La jalouisie, un collage de 1914 rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar,
del francés Juan Gris. desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo
sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de
figuras geométricas.
Los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son
Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con
anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de las imágenes en figuras
geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra.
Tuvo dos etapas, un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual
se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra.
Su tipo de poesía más popular fue el caligrama cuyo principal exponente fue Guillaume Apollinaire.
Uno de sus fundadores y protagonistas fue el español Pablo Picasso.

22. Futurismo
El Futurismo, movimiento inicial de las corrientes
Forme uniche della continuità de vanguardia artística, surge en Roma, Italia impulsado por el poeta italiano
nello spazio de Umberto Filippo Tommaso Marinetti, quien recopiló y publicó los principios del futurismo
Boccioni, obra de 1913 en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Al
año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo
Carrà, Luigi Russolo y Mario Jordano firmaron el Manifiesto del Futurismo.
Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel
Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. Los textos futuristas trajeron
un nuevo mito: la máquina.
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como
elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el
insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina,
el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle
una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos
temas dominantes: la máquina y el movimiento.
Dadaísmo
El dadaísmo fue un
movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció
Afiche dadaísta de Theo van Doesburg . en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su
fundador.
El nombre de dadaísmo fue elegido al azar, abriendo
un diccionario con un cuchillo: la primera palabra que Dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la
encontraron fue la onomatopeya del balbuceo infantil violencia extrema a la pérdida de sentido que trajo la Guerra Mundial.
«da-da», y de ahí la denominación de esta vanguardia
El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por la
inclinación hacia lo incierto, al nihilismo y a lo absurdo.
Por su parte, el procedimiento dadaísta busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales, o
manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.
También se le suma el poeta-pintor de apellido Klerman que fue uno de los impulsores del antiarte denominado
«dadaísmo».
El dadá aparece simultáneamente en Nueva York con Picabia y Duchamp. Se extiende a Berlín y París.
Ultraísmo
Apareció en España entre 1919 y 1922 como reacción al modernismo. Fue uno de los movimientos que más se proyectó
en el mundo de habla hispana contribuyendo al uso del verso libre, la proscripción de la anécdota y el desarrollo de la
metáfora, que se convierte en el principal centro expresivo.
Fue influido por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinaire.

23. Surrealismo
Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir los mecanismos del
inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional.
Se caracteriza por pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo
matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no
son de su interés.
Consiste en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando vive un hecho que le provoca
recuerdos recónditos.
Estridentismo
Surgió en México y nace de la mezcla de varios ismos, como aporte nacido a la vanguardia europea. Se dio entre 1922 y
1927 y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así como por el inconformismo, el humor negro, el
esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo antiguo. Su representante fue Manuel Maples Arce.
Existencialismo
El existencialismo es un movimiento filosófico que postula fundamentalmente que son los seres humanos, en forma
individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Emergió como un movimiento en la literatura y filosofía
del Siglo XX, heredera de los argumentos de filósofos como Kierkegaard, Nietzsche y Unamuno.
Este movimiento generalmente describe la ausencia de una fuerza trascendental; esto significa que el individuo es libre y,
por ende, totalmente responsable de sus hechos, sin la presencia de una fuerza superior que pudiera determinarle en su
actuar. Esto le atribuye a los humanos el crear una ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de
creencias externo a él. Esta articulación personal del ser es el único camino existente para superar, generalmente, a las
religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el fin del individuo.
EL CONSTRUCTIVISMO Y LA ESCUELA RUSA 1914
Movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la
Revolución de Octubre, fue una influencia importante para el arte Europeo.
Es fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin: pintor y escultor ruso en el cual fueron sus primeras obras las más
representativas de este movimiento. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son
abstractos. Se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros materiales de Picasso.
Vladímir Tatlin

24. En Rusia empezó a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando materiales industriales como vidrio,
metal, alambre y madera. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del
constructivismo.
El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales
industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.
Alexander
Rodchenko
El Lissitzky
Naum
Gabo

25. Antón Pevsner
El Constructivismo, es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como
instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art
(construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo
de Alexander Rodchenko.
Este Constructivismo Ruso, es el nacimiento de un arte moderno dentro de una sociedad destruida por una Revolución y
más que eso una Guerra Mundial, en donde a pesar de todo estos factores hubo un florecimiento del arte creativo, todo
esto siendo al mismo tiempo que caía el régimen zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo
después, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX. Tenía suficientes rasgos
comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo.
La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas,
presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos
fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción
artesanal y de agregados hechos a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina.
El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los
artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador. En el año 1917 pusieron sus
energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división
ideológica concerniente a la función del artista dentro del nuevo Estado Comunista.
Para Tatlin y Rodchenko, las percepciones de las formas dentro del espacio y el tiempo, es el único objetivo de nuestro
arte plástico y gráfico. Estos dos artes más 25 artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte
por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva
sociedad comunista.
Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el
cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista. Tatlin cambió de la escultura al diseño de una estufa que
daría el máximo de calor como un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el
periodismo fotográfico.
Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, pintores como
Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el
Gulag (Administración Suprema de Campos Correctivos de Trabajo, en otras palabras es el Departamento Oficial de la
Policía Secreta de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas).
Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin embargo, la
naturaleza del espíritu creativo, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición
constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.

26. Stijl 1917
Este movimiento se dio en Holanda en 1917. Se crea a partir de una revista "De stijl" que se convirtió en un foro de debate
sobre el diseño. Permitió crear el grupo de intelectuales.
Buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible pero que se encuentran escondidas por las
apariencias externas de las cosas. Era una importante “Abstracción absoluta”, la pureza en el arte y diseño por
medio de la adopción de un lenguaje cubista universal abstracto.
De todos sus miembros, Van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y
utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la
filosofía y las formas visuales de De Stijl.
Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de De Stijl y fundador del
neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
PIET MONDRIAN

27. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural
junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas
rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una
evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

28. Theo van Doesburg. (Utrecht 1883 - 1931) Pintor, teórico y arquitecto neerlandés.
En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando,
al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del
movimiento neoplasticista.
La llegada del holandés Theo van Doesburg en 1921 a Weimar para enseñar diseño y arquitectura De Stijl, rompería
fuertemente con esta tendencia expresionista y enfocaría de lleno la enseñanza de la Bauhaus hacia el Racionalismo.
Significaría también la desvinculación de Johannes Itten en 1923.
En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se ve influenciado por la estética de su amigo y
compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte
elementarista
BAUHAUS 1919
Walter Gropius, arquitecto y profesor alemán,
fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que
capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes
aplicadas durante la primera mitad del siglo XX
.
En la época del Deutscher Werkbund, Gropius diseñó junto a Adolf Meyer la Fábrica Fagus y la Fábrica Modelo para la
Exposición del Werkbund.

29. Fábrica Modelo para la Exposición del Werkbund.
Fábrica Fagus
En 1919 La Escuela Superior de Arte le otorga la cátedra a Gropius por unanimidad. Este sin embargo no se conformó
con el cargo concebido para él; en negociaciones posteriores, consiguió que la “Kunsthochschle” (Escuela Superior
de Arte) y la ya clausurada “Kunstgewerbeschule” (Escuela de Artes Aplicadas) se fusionaran, dando lugar a la
“Staatliches Bauhaus in Weimar” que Gropius dirigiría y fundaria en abril de 1919.
Los objetivos de la Bauhaus estaban orientados a reunificar todas las disciplinas artesanales. Gropius sostenía que el arte
debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía
utilitaria. Además, Gropius defendía que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico.
Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía y diseño
comercial.
La Bauhaus, reconcilió los oficios y las especialidades, acercó el arte y la tecnología a la sociedad obrera. En sus salones
de clases se experimentaba, en pintura, textiles, orfebrería, espacios interiores, ebanistería, en fin, se creó un laboratorio
de creación y de investigación. Personalidades importantes se unieron a esta tarea docente, entre las cuales se
encuentran los arquitectos, Walter Gropius, Margarete Schütte-Lihotzky, Mies van der Rohe, Henri van de Velde, Hannes
Meyer y Marcel Breuer; los artistas Gyorgy Kepes, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers y Anni Albers; los pintores Paul Klee
y Wassily Kandinsky.
En 1930 la dirección de la Bauhaus fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, quien después de haber
cerrado sus puertas en 1931, la trasladó a Berlín en 1932. Para ésta fecha el Partido Nacional Socialista dirigía el país y
estableció que la Bauhaus debía desarrollar el arte puramente alemán, sin permitir ni la participación ni el intercambio con
otros países. Por esta razón en 1933 la Bauhaus cerró sus puertas dejando un legado ideológico en el resto del mundo.
Actualmente en Berlín se encuentran los archivos de la Bauhaus (Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung), una estructura
construida por el mismo Walter Gropius que reúne una gran numero de proyectos, ideas y modelos propios de la Bauhaus,
donde además exponen claramente los principios académicos de la Bauhaus."
En su período de la Bauhaus, además de dedicarse a la enseñanza, Gropius realizó algunas obras de arquitectura. Una
de sus obras, el propio edificio de la Bauhaus (1925) construido en Dessau se considera una de las innovaciones de esta
escuela.
El edificio consta de tres bloques, que constituyen un grupo informal, aunque organizado. En el centro de gravedad se
encuentran la entrada y el importante bloque de los talleres, que se unen con la parte este a través de una sala de
reuniones por la cual se llega a una pequeña torre de apartamentos para los estudiantes, y hacia el norte, cruzando un
puente que pasa sobre la calle de acceso, al edificio de aulas. Los talleres, totalmente acristalados, contrastan con los

30. muros de las aulas y de la torre de apartamentos que tienen menos huecos.
Mantiene las características generales de la arquitectura funcionalista: formas puras, líneas rectas, ausencia de
decoración, amplios acristalamientos, adaptación a función, nuevos materiales (cemento armado, acero y vidrio), etc.
Gropius quería que el edificio fuese un manifiesto, una demostración de un método racional de diseño. Sin embargo, su
influencia fue tan grande que creó un “estilo Bauhaus”.
Básicamente fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar
(Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las
enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo
con la ideología socialista de su fundador.
La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la
tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau.
En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de
su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico;
puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron
concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales
se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna,
incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que
usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt).

31. Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la
Humanidad por la Unesco en el año 1996.
Ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de
escenografías y vestuario teatrales.
Pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los
principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía
que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas
artes y la artesanía utilitaria.
“El grito” Edvard Munch. Expresionismo Marcel Breuer
El expresionismo, heredero del Romanticismo era el movimiento artístico que poseía mayor fuerza en Alemania, la
recientemente terminada Primera Guerra Mundial y la polarización de diversos pensamientos políticos influían en esta
tendencia. Bauhaus en su primera etapa también estuvo muy influenciada por este estilo.
También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e
influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo
técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía
y diseño industrial y comercial.
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como
por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
Marcel Breuer, arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento moderno. Breuer se
hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que
combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala.

32. Marcel Breuer

33. En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal en Dessau,
especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor
hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros
arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul
Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño
de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán
Oskar Schlemmer.
En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932.
Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus
miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura
durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.
Ludwig Mies van der Rohe
Ludwig Mies van der Rohe

34. Mies van der Rohe, arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la
arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Su
arquitectura, se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales.
Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su posterior funcionalismo se han convertido
en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Según palabras de él "menos es más". Su obra se destaca por la
composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales. Mies dirigió la Escuela de Arte y
Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha
en que fue clausurada por el partido nazi.
Las ideas originales de la Bauhaus puede encontrarse en el hecho de que, debido al deseo de privacidad de la gente, el
concepto de transparencia se elimina con la gran cantidad de edificios que se construyen totalmente cubiertos por
espejos. No obstante, la arquitectura actual sigue utilizando muchas ideas originadas en la Bauhaus: existen diversas
estructuras de metal aparentes de manera expresiva. En ellas, la transparencia se logra no sólo por medio del cristal, sino
también a través de otros materiales como celosías de madera o de metal. Además, dicha transparencia está considerada
como hi-tech, ya que emplea la tecnología al máximo.
Todavía hoy la Bauhaus es sinónimo de una modernización radical del arte. No hubo ningún momento de la vida en que
no reformar y remodelar pues entre sus temas se incluyen no sólo la arquitectura y la pintura, sino también la danza, el
teatro, la fotografía y el diseño.
Por la amplitud de sus aspiraciones, la Bauhaus estaba estrechamente relacionada con el movimiento inglés Arts and
Crafts y con la Deutscher Werkbund. Todavía hoy muchos de sus productos forman parte de los clásicos del diseño y
resultan convincentes por su modernidad radical, como el sillón de tubo de acero de Marcel Breuer o la lámpara de mesa
de la Bauhaus.
Mientras desde el punto de vista de los contenidos la Bauhaus fue una fuerza artística de primer orden, no pudo escapar
de las fuerzas alemanas y europeas, y cada vez sufría mayores presiones políticas. Po r lo que La Bauhaus de Weimar
hubo de cerrar sus puertas en 1925 y se trasladó a Dessau y asi a muchos otros países buscando una relativa tranquilidad
o estabilidad de expresión tanto artística como política, pero llegaron en un momento en que no se debía ni hablar, ni
hacer nada en contra de la política, por lo que pudo haber afectado a la escuela y la pedagogía de la Bauhaus.
László Moholy-Nagy
En 1937 László Moholy-Nagy se convirtió en el director de la New Bauhaus de Chicago, de corta vida. Al cabo de un año,
se celebró una retrospectiva de diseño de la Bauhaus en el Museum of Modern Art de Nueva York, lo que aumentó su
reputación como la institución de diseño más importante del siglo XX.
International Style o Movimiento moderno
Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las
formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales
industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se
caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y
los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos
y diáfanos.
Aunque los orígenes de este movimiento pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se
construyeron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Le
Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el

35. funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales,
prácticos más que estéticos.
Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del
siglo XX han estado dominadas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.
gropius
Gropius y Le Corbusier
Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos empezaron a cuestionar los
estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos,
uno de los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas
simples, escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura.
Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, se manifestaron contra los progresos industriales
reivindicando los oficios artísticos propios de la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con
el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos
seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta.
Art Nouveau: Casa Tassel de Victor Horta

36. El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo
abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus experimentaciones con
hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago.
Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales
almacenes Carson, Pirie & Scott (1899-1904).
El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas vías de innovación formal con sus Prairie
Houses (casas de la pradera) levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts &
Crafts, las unifamiliares Prairie Houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente
moderna.
The Meyer May House, Grand Rapids, Michigan, 1908 The Arthur Heurtley House, Oak Park, Illinois, 1902
Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó Chicago a comienzos de la década de
1890. A su regreso a Austria realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los
excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la simétrica casa
Steiner en Viena (1910).
Casa Steiner 1910 Architect: Adolf Loos Sankt-Veit-Gasse 10 Vienna Austria
Adolf Loos
Arquitecto austriaco, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. Recibió la influencia racionalista de
la escuela de Chicago y reaccionó contra la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época. Su fuerte crítica
quedó plasmada en el conocido ensayo Ornamento y delito (1908) y en la Casa Steiner (Viena, 1910), un edificio cúbico

37. liso, despojado de todo adorno, que fue una de las primeras viviendas construidas en hormigón armado. Las ideas
radicales de Loos tuvieron una importante influencia entre los arquitectos vanguardistas de la siguiente generación, sobre
todo en Austria y Alemania.
Ornamento y delito (1908)
La consideración de ornamento, por parte de Adolf Loos, se
asocia, desde el primer momento, con el estilo histórico de cada
época. Un nuevo estilo es sinónimo de un nuevo ornamento, Loos
caracteriza su tiempo por ser incapaz de realizar un ornamento
nuevo y esa incapacidad debe originar y desarrollar el nuevo
hombre moderno. Si no existe un ornamento nuevo, no debe
utilizarse ninguno, “dentro de poco las calles de las ciudades
brillarán como muros blancos.
El arte dominante es la decoración auspiciada por el Estado que
se plasma en los ropajes de la sociedad y en el mobiliario, lo que
supone, para Loos, un gran retroceso debido a que no aumenta la
alegría de vivir del hombre culto. Considera la eliminación del
ornamento algo propio y consecuencia de la evolución de la
Humanidad, por lo que, su aplicación es un paso atrás evolutivo.
El “ornamento contemporáneo” –es decir, aquel ornamento
realizado por arquitectos y artistas contemporáneos- se debe a su
utilización por los “rezagados”, aquellos hombres que no son
modernos y viven y tienen los gustos del pasado, éstos retrasan la
evolución cultural de los pueblos y de la humanidad. El ornamento
no es, por tanto, un producto natural de nuestra civilización, algo
con futuro o pasado, con relación con la actual ordenación del
mundo, es algo pasajero, de moda, algo que pierde su valor al
cabo de los años.
1914-1932
La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la necesidad de reemplazar los
edificios destruidos por otros alojamientos de bajo coste. Esta circunstancia propició la invención del sistema „dominó‟,
diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el
arquitecto más famoso del siglo XX.
Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso crear edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos
horizontales, apoyando los dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían las vigas en
voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares. Dada la resistencia de este
sistema constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la función de soporte, permitiendo por tanto aligerar su carga y
abrir los vanos que se consideraran necesarios.
Charles Édouard Jeanneret - Le Corbusier Sistema Domino
Aunque el sistema “Dominó” anticipara posteriores logros, nunca se llevó a la práctica. Además, durante cierto tiempo los
intereses de Le Corbusier oscilaron entre la arquitectura y la pintura, tras su traslado a París en 1917. Fundó el

38. movimiento denominado purismo, creando bodegones en los que combinaba el carácter científico del cubismo con un
sentido clásico de la armonía.
El desafío para los arquitectos modernos radicaba, según él, en construir edificios de acuerdo con los nuevos
modelos tecnológicos.
En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante acontecimiento: la construcción de la casa Schröder en
Utrecht, obra del arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que Le Corbusier, Rietveld se asoció a los movimientos artísticos de
vanguardia. Fue miembro del neoplasticismo difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el
arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg.
La independencia de las formas, rectangulares y de colores primarios, es evidente en la casa Schröder. El edificio se
caracteriza además por la perfecta integración entre arquitectura y detalles ornamentales, incluyendo el mobiliario.
Casa Rietveld Schröder
La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a comienzos de la década de
1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania.

39. Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades alemanas un estilo clásico y monumental, el
movimiento moderno se inclinó hacia una forma diferente de planificación urbanística. Durante el periodo de entreguerras,
Le Corbusier llevó a cabo una serie de anteproyectos para la ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas
a diferentes actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en rascacielos residenciales separados
entre sí por extensas zonas verdes. Aunque Le Corbusier nunca pudo ver realizadas por completo sus ideas urbanísticas,
su influencia fue enorme tanto en proyectos de posguerra, como la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en
1960), como en los años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de Highpoint I en Highgate
(Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold Lubetkin.
La construcción de la ciudad comenzó en 1956, siendo
Lúcio Costa el principal urbanista y Oscar Niemeyer el
principal arquitecto. En 1960, se convirtió oficialmente en la
capital de Brasil.
Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva denominada brutalismo, que significa
hormigón visto, con la que se incluye en la corriente crítica del movimiento moderno y se aleja definitivamente del
International Style popularizado en Estados Unidos.
Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret), 1887-1965.
Arquitecto y diseñador nacido en La Chaux-de-Fonds, Suiza. Le Corbusier se estableció en Francia y alrededor del 1920,
junto a su hermano y a la diseñadora Charlotte Perriand, ponen en práctica sus conceptos modernistas y rediseñan
muebles estilo antiguo utilizando métodos y materiales industriales que influyeron de forma importante en el futuro de esta
especialidad, cosa que aun se manifiesta en el siglo XXI.
La creación que simbólicamente dio a Le Corbusier una gran popularidad entre los jóvenes vanguardistas, fue el
diván/butaca Chaise Longe, fabricado de bastidor metálico, basado en modelos austríacos anteriores.
Chaise Longe

40. HENRY FORD EL FORDISMO
En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único
por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la
eficiencia del producto.

41. Ford tuvo mucho éxito debido a la producción en serie de sus vehículos cuya forma no variaba, su política empresarial era
la normalización y racionalización.
Para competir con Ford, General Motors adopto una nueva estrategia, aumentar el precio de sus vehículos y diferenciar
las características formales de los nuevos modelos dando origen al styling.
Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del
sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente.
El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la
filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida
que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la
imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la
actualidad en el sector automotriz.

42. El éxito de General Motors fue que trabajó en la forma exterior del producto logrando atraer al comprador gracias al
atractivo de la apariencia formal, dando como resultado que a mediados de los años treinta gran parte del mercado
estadounidense ahora le perteneciera a General Motors.
Primeros años de la escuela BAUHAUS
En la primera etapa predomino la vertiente de la vanguardia alemana expresionista
El primer maestro fue J. Itten que impulso una enseñanza basada en el expresionismo pictórico, y en la pedagogía del
“aprender haciendo”
El plan de estudios originales proponía una serie de talleres, semejantes al de una escuela de oficios; incluidos talleres de
tipografía, fotografía y murales
Entre la artesanía y la industria
Las tendencias del expresionismo fueron sustituidas a partir de 1923 por la imposición de otras ideas internacionales
como: el neoplasticismo holandés y el constructivismo ruso.
En este cambio es clave la sustitución de Itten por Lazlo Moholy Nagi. El cual busco superar lo pictórico del enfoque
expresionista por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriado de posible uso
industrial.
Johannes Itten
El personaje más importante de la primera fase de la Bauhaus fue el pintor-docente Johannes Itten, a quien Gropius había
conocido en Viena a través de su primera mujer.
Itten tenia en Viena una escuela privada. Antes había sido maestro de escuela y había estudiado pintura. Su profesor
Adolf Hoelzel, de Stuttgart, había influido en Itten con su didáctica del arte y sus clases de composición.
Itten debió impresionar profundamente a Gropius desde el primer momento pues éste le invito a dar una conferencia
sobre: “La Enseñanza de los Viejos Maestros” en la inauguración de la Bauhaus, el 21 de Marzo de 1919, en el Teatro
Nacional de Weimar.
El primero de junio de ese año Itten tomaba parte en la primera reunión del Consejo de Maestros, en la que se fijo el
comienzo de las clases para el 1 de octubre. A continuación trataremos el tema de sus clases, que pronto se convirtieron
en la espina dorsal de la educación y repercutieron en el trabajo de los talleres, en los que, paulatinamente se retomaba la
actividad.
El principio pedagógico de Itten puede describirse con parejas de opuestos:
“Intuición y Método”, o también “Capacidad de vivencia subjetiva y capacidad de reconocimiento Objetivo”.
Ejercicios de movimiento y respiración iniciaban con frecuencia la clase. Los alumnos tenían que relajarse; sólo entonces
podía Itten conseguir “Dirección y Orden en el Flujo”.
El encontrar el ritmo y a continuación la creación armónica de ritmos diferentes ocupaba, como un leitmotiv, las horas de
clase estructuradas en torno a tres puntos centrales:
- Los bocetos de la naturaleza y la materia;
- El análisis de viejos maestros y
- La clase de desnudo.
Escribir sobre Johannes Itten supone necesariamente abordar también el reprimido irracionalismo de la modernidad, dado
que su arte fue sobre todo una forma de propaganda esotérica. Beat Wyss detecto las causas de la posterior supresión de
esta página oscura durante la posguerra: “Es fácil comprender por qué, tras la catástrofe de la II Guerra Mundial, la
vanguardia se encumbro con luz “reveladora”. No se podía rehabilitar a las víctimas de la política cultural
nacionalsocialista y estalinistamientrasse sospechara de su oscurantismo.
La historia del arte posguerra reprimió la vertiente esotérica de la vanguardia, y en aquellos casos en que no se la podía
negar paso a considerarse una enfermedad infantil propia de genios”. Ahora parece haber llegado el momento de
acercarse a la otra cara de este movimiento desde una nueva perspectiva.

43. El Itten excéntrico-vestido de profeta del mazdeísmo con un habito de monje cosido por él mismo-y el autor de la
significativa aportación a la Bauhaus que fue su dirección del curso preliminar deberán analizarse en otros ensayos. En
estas páginas trataremos su extraordinaria fusión de pedagogía, estética y esoterismo como esencia de su actividad
artística, lo que le convirtió en una de las personalidades más enigmáticas y controvertidas de la Bauhaus. Itten consiguió
aunar en su persona como prácticamente ningún otro artista de su generación la concepción vanguardista de la forma, el
impulso pedagógico universal y la creencia inquebrantable en un desideratúm místico nacido de la teosofía y el
espiritismo.
Cuando Gropius, siguiendo el consejo de su esposa, Alma Mahler, lo reclutó para el Bauhaus en 1919, el artista nacido en
1888 en Suderen-Linden (provincia de Berna, Suiza) y por aquel entonces residente en Viena, ya tenia una amplia
experiencia en el campo de la pedagogía. Tras licenciarse en la facultad de magisterio de Berna y en la Ëcole des Meaux-
Arts de Ginebra-donde fue alumno del reformista Eugéne Gilliard-, recibió la influencia de Adolf Holzet, de la Akademie de
Stuttgart, cuyos método pedagógico y estética, modernos y orientadores, le impresionaron notablemente.
De importancia similar para el joven Johannes Itten fue la lectura apasionada de los escritos de los vanguardistas, desde
Worringer a Kandiasky, así como de muchos textos, entre religiosos y esotéricos, que gozaron de gran popularidad en
aquella época y que hoy a menudo se olvidan. En 1916, cuando abrió su escuela privada en Viena, ya se había formado
una compleja imagen del mundo desde el punto de vista artístico y filosófico.
Además del curso preliminar de Bauhaus, Itten dirigió un buen número de talleres, aunque a partir de 1921 restringió su
actividad a los de la metalurgia, pintura mural y pintura de vitrales. La creciente rivalidad con Gropius y su desacuerdo con
la cada vez más evidente orientación que este pretendía dar a la Bauhaus, es decir, las necesidades de la industria,
provocaron su espectacular abandono de la institución en 1923.

44. Lazlo Moholy Nagy
Nace en Bárcbasód, Hungria. Posteriormente se nacionaliza estadounidense.
En 1913, estudia derecho, para después estudiar arte en Berlín
De 1923 a 1928, enseña en Bauhaus convirtiéndose en uno de los miembros más importantes del arte
abstracto.
Progresista y partidario de la unión entre arte y técnicas. Su objetivo era educar la sensibilidad del hombre con
la finalidad de permitirle disfrutar activamente del mundo moderno.
Incluyo la “técnica” como medio que garantiza una fabricación optima.
Encamino la mayor parte de sus ejercicios hacia la educación de los sentidos.
Obra y estilos
Moholy propuso el concepto de síntesis entre las exigencias del mundo industrial dominado por las maquinas
y las de la naturaleza humana.
László Moholy Nagy fue profesor de la Bauhaus solamente cinco años, sin embargo quizás fue el que conecto
mejor con la filosofía de ésta gracias a sus amplios intereses, a sus convicciones teóricas y su práctica
artística.
Para el la realidad de nuestro siglo es la tecnología: la invención, construcción y mantenimiento de maquinas.
Sus temas principales eran la luz, el movimiento su interrelación y las tensiones derivadas de la misma.
Para el ser humano había pasado hacer el elemento central de la creación no como un ser genérico sino
como componente esencial de un organismo colectivo

45. László quiso volver al punto de partida la Bauhaus. La intención de éste era distanciarse de las ansías de
renovación: “no necesitamos una obra de arte global, junto a la que la vida siga su curso de forma
independiente, sino una síntesis espontánea de todos los momentos vitales que origine una obra total, que lo
abarque todo”.
Moholy insistió en su intento de encontrar un equilibrio cada vez con menos contenidos ideológicos entre la
técnica y el ser humano, esfuerzo que se plasmo en las obras de este humanista del diseño
“Estoy convencido de que las formas matemáticas armónicas, si se ejecutan con exactitud, pueden alcanzar
una gran calidad emocional y de que representan el equilibrio perfecto entre el intelecto y sentimiento”
Busca en sus orígenes en la geometría mecánica abstracta y en su uso apenas se tiene en cuenta las
condiciones efectivas de una legibilidad optima.
La tipología de Moholy acabaría por reconocer los puntos débiles de su obra, responde a una voluntad
estilística simbólica funcionalista más que una verdadera funcionalidad, por lo que este diseño individual y
relativamente arbitrario debe considerarse, arte en el sentido tradicional del término.
En este campo encontró soluciones configurativas que, en el marco de la vertiginosa transformación de la
prensa moderna, se convirtieron en impactantes formulas visuales.
El empleo de un diseño corporativista, como estrategia publicitaria en una escuela de configuración como la
Bauhaus no es algo contradictorio, puesto que la aplicación pragmática de un ideal formal de este nivel no
tienen en cuenta las exigencias estéticas del artista.
. El pigmento se convirtió en un simple “deposito de luz”, si bien en este caso todavía hablamos de una
representación simbólica y no de una configuración completa de la luz real: “hasta hace poco la pintura era la
culminación de la configuración óptica y tenia sentido en tanto que trabajaba con las diferentes propiedades
de reflexión de los distintos colores.
Después del traslado de la Bauhaus a Dessau, en 1926, Moholy-Nagy todavía enseño allí durante dos años,
antes de instalarse en Berlín en 1928. Al año siguiente tomó parte en el montaje de la célebre exposición del
Deutsche Werkbund “Film y fotografía” (FIFO) en Stuttgart, donde estaba representado personalmente por 97
fotografías, fotoplásticas y fotogramas. Emigra a Amsterdam en 1934, y de allí pasó a establecerse en
Londres. En 1937 partió hacia Chicago, donde ejerció el cargo de director de una joven escuela de diseño de
la Asociación de Artes y de la Industria, que él rebautizó como Nueva Bauhaus. La institución cerró sus
puertas un año mas tarde. En 1939 fundó su propia escuela de diseño, en colaboración con otros artistas
Además de su obra artística, Moholy-Nagy dejó una obra teórica considerable, en el cual se confronta con
cuestiones relativas tanto a la pintura como a la fotografía, y en la que refleja su constante preocupación para
lograr que se reconozca a ésta ultima la condición de autentico medio de expresión artística. Muere en
Chicago en 1946
Alvar Aalto
Nació en Kuortane, Finlandia. Arquitecto y diseñador, pionero del movimiento modernista en los países del
norte europeo. Su trabajo impulsa la evolución de formas y materiales utilizados en la creación de muebles
desde un estilo clásico de los países bajos hasta un post modernismo puro e inédito. Para ello investiga y
desarrolla por si mismo el uso de madera de abedul contrachapada en la fabricación de mobiliario y, para
1932, ya domina la técnica para curvar este material.
La filosofía de Aalto lo mantiene apegado a los materiales naturales y alejados de la producción en masa.
Inventa la forma para unir los componentes del bastidor sin utilizar elementos metálicos, como pernos y
tuercas.
A mediados del siglo 20, ingleses y americanos acogen de buena forma las ideas del maestro finlandés, que a
diferencia de otros modernistas de su época, no agrega decoración excesiva a sus muebles, sino más bien,
tiende a ser minimalista.

46. Eero Aarnio (1932)
Nació en Helsinki, Finlandia. Diseñador, posterior a la influencia y originalidad de Alvar Aalto. En sus
comienzos utiliza madera y luego desarrolla un nuevo concepto estético en la creación de muebles. Para
1960 se ubica a la vanguardia de un movimiento artístico que emplea fibras sintéticas de plástico y vidrio
como componentes estructurales y de acabado exterior.
Aarnio diseña un tipo de mueble compacto concebido para ser de larga duración, sin embargo, en algún
momento de su trabajo, incorpora formas del arte pop caracterizado por ser desechable.
La filsofía de Aarnio se resume en lo que él mismo expresa: "el diseño evoluciona sólo si existe apertura
al cambio para alcanzar una renovación constante".
Como muestra de esto, alrededor de 1970, continúa su desarrollo y diseña muebles empleando espuma
de poliuretano.
En el siglo 21 el maestro escandinavo sigue innovando en la mueblería.

47. Bruno Mathsson (1907-1988)Nacido en Värnamo, Suecia. Arquitecto y maestro del
diseño innovador en su país. Adquiere de su padre, fabricante de muebles, conocimientos de ebanistería
sueca. A partir de ello y basado en las formas del mueble tradicional, Mathsson desarrolla un estilo con
formas y curvas que derivan de bastidores de madera de una sola pieza, inéditos en el diseño de
mobiliario.
Al mismo tiempo Bruno Mathsson es científico en la creación de sillas ya que sus modelos se basan en el
estudio acabado de los diferentes ámbitos en que se emplea. Así se transforma, en las primeras cuatro
décadas del siglo XX, en modernizador de la estética sueca.
Después de 1945, Mathsson se dedica a proyectos de arquitectura y a la creación de muebles de
estructura metálica tubular, empleando nuevas técnicas de producción. Expone sus muebles en diversas
ferias internacionales de Europa, donde alcanza reconocimiento mundial.

49. Eero Saarinen (1910-1961)
Nació en Kirkkonummi, Finlandia. Su madre Loja era escultora y su padre el destacado arquitecto Eliel
Saarinen. Emigró a los Estados Unidos en 1923. Trabajó con su colega y amigo, el famoso diseñador Charles
Eames. Juntos desarrollaron un estilo de muebles que fue galardonado, en 1940, por el Museo de Arte
Moderno. Posteriormente y en forma independiente plasmó su estilo en muchas piezas de mueblería, por
encargo de grandes fabricantes. También dedicó parte de su obra al diseño arquitectónico.

50. En 2008 se cumplieron los primeros 50 años de uno de los diseños más reconocidos del siglo XX: la silla
Tulip. La propuesta fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés y con una
fuerte impronta europea, que adquirió en uno de sus largas estadías en el viejo continente.

51. De vuelta en EEUU cultivó una fuerte amistad con los hermanos Eames y Florence Knoll (creadora de la
marca de diseño homónima). Luego de varios trabajos destacados como arquitecto, en 1957 Saarinen le
presentó, a través de la firma de su amiga Florence, la línea Tulip.
Desarrollada con una economía de espacio, la línea se destaca por desprenderse de la ideas de patas (tanto
las diversas sillas como las mesas tienen un sólo pedestal). El color y los materiales también marcan un
ascetismo y una economía de diseño, que logra una unidad de estilo entre todas sus piezas. El detalle de
personalización de cada pieza lo aporta el tapizado, que tiene todas las variantes que las telas y el cuero le
pueden aportar.
La línea Tulip (compuesta por sillas con apoyabrazos, sillas sin apoyabrazos, banquetas y mesas de diversos
tamaños) está realizada en aluminio, fibra de vidrio y plástico (dependiendo del modelo).
Verner Panton (1926-1998)
Nació en la isla de Fÿnen, Dinamarca. Estudió en la Academia de Arquitectura Real en Copenhagen. En 1955
abrió su propia empresa de arquitectura y diseño.
Fabricó la primera silla de una sola pieza, por medio de la inyección de plástico. La decoración de interiores y
la iluminación, también fueron géneros artísticos que alcanzaron gran altura con este artista pop.