ÍNDICE
05.
EDITORIAL
10.
50.
38.
42.
30.
15.
24.
DISEÑO
MODA
DISEÑO
MODA
LOS 5
ARQUITECTURA
ARTE
12.
20.
40.
46.
36.
28.
1...
La moda es un sistema de expresión del cual nos hemos
ido apropiando en el país de manera gradual. De no tener
propuestas ...
EXCLAMA|Número29
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HOTEL-HOTEL
Perteneciente al grupo Molonglo Group, este hotel artesano ocupa dos
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QUE TRAEMOS DE TODO EL MUNDO
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T: + 57 1 7596750
E: ESCRIBO@REVISTAEXCLAMA.COM
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DISEÑO
APNEA BY LE ZAPATIERE
La marca colombiana LZ (Le Zapatiere) FOOTWEAR presentó su más reciente colección, CVLTVM. Lo...
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ARTE
PLAYGROUND James Mollison nació en Kenia y creció en Inglaterra, donde estudió fotog...
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Noruega, y Sierra Leona; para capturar distintas escenas alrededor del juego....
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HENRIQUE OLIVEIRA,
UNA GRIETA EN LA REALIDAD
Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad
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Henrique Oliveira, artista brasileño polifacético, presenta a
través de una e...
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Aunque utilizo conceptos para hablar de mi
trabajo, creo que estas ideas, que vienen
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Museo de Arte Contemporáneo de Sao
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RUIDO VISUAL Y
PAISAJES PLÁSTICOS
Miguel Kuan habla acerca de su práctica artística en la...
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Sin duda, los materiales son los elemen-
tos más importantes de su obra, ¿cóm...
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DISEÑADORES
EN COLOMBIA
EXCLAMA DE LA MANO DE INEXMODA SE DIO A LA TAREA D...
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
CARLO CARRIZOSA
Este creativo diseñador revi...
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KIKA VARGAS
Cuando Italia y Japón se encontraron,
nació SAKURA, la nueva c...
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
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DARÍO CÁRDENAS
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
LAURA ACEVEDO (Papel de Punto)
Las prendas de vestir se ...
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
DAVID ALFONSO (Erikó)
Los colores vibrantes ...
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26 │ #ALAMEDIDA
DISEÑO
ARTESANOS DEL DISEÑO
Zim and Zou son dos artistas franceses geniales cuando de tra...
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de milímetros puedes destruir todo el objeto.
Además, el reto también está en...
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Diseño~Artesanosdeldiseño
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¿Cómo terminaron en EXPO MILANO 2015
y por qué con un proyecto tan puntual
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HOMBRE + MODA:
COLOMBIA PROPONE
El hombre y la moda son cada vez una conjugación más comú...
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Neo-tradicional y clásico son dos de los
adjetivos que más se usan para calif...
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hablar de una era post moderna en la moda
masculina, en la que el hombre adquiere una
may...
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intención de proponerle al hombre local un
vestuario con detalles que marcan ...
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M2MALLETIER:
ESTILO AL CUADRADO
Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
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M2MALLETIER nació en Barcelona en el
año 2012, como resultado de varias mez-
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Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
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EXCLAMA: ¿Por qué escoger corrientes
como el minimalismo y el surrealismo a
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38 │ #ALAMEDIDA
ESPACIOS DE
MODA MASCULINAFotos por Nicolás Mónico
En una ciudad como Bogotá donde existe...
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JUAN
Hace ocho años, la marca de ropa masculina JUAN abrió sus
puertas en la ...
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40 │ #ALAMEDIDA
USANDO LA CABEZAFotos Cortesía Jane Taylor y La Coquito Tocado
Moda~Usandolacabeza MODA
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Se conoce como tocado o headwear a aquel accesorio que decora
parte de, o com...
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42 │ #ALAMEDIDA
Links de interés: www.michaelhoppengallery.com
LAS RELIQUIAS DE FRIDA
Las apariencias eng...
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Vestido Crochet ◆ Christian Dior
Top de seda ◆ Philip Lim
Falda crochet ◆ Donna Karan
Vestido crochet ◆ Oscar de la Renta
Pañoleta vintage bordada ◆ Afraid of Mice
Vestido Crochet ◆ Christian Dior
Chaleco crochet ◆ Missoni
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82 │ #ALAMEDIDA
LA VISIÓN DE
ESTEBAN CORTÁZAR
Lavisión~LavisióndeEstebanCortázar
EXCLAMA|Número29
82 │ #A...
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 83
Cada año en el marco de las semanas de la moda en las grandes capitales apare...
EXCLAMA|Número29
84 │ #ALAMEDIDA
LOS ÁNGELES
AMOEBA MUSIC 356 MISSION LACMA
5905 WILSHIRE BOULEVARD (EN FAIR-
FAX AVE), LO...
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 85
MAMA GALLERY ELF CAFE ACE HOTEL
1242 PALMETTO STREET,
LOS ANGELES, CA, 90013
...
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86 │ #ALAMEDIDA
TIJUANA
CAESAR’S LAS PLAYAS DE
TIJUANA
EL SÓTANO SUIZO
WWW.SOTANOSUIZO.COM
FACEBOOK: /SOT...
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 87
LA MEZCALERA FINCA ALTOZANO EN EL
VALLE DE GUADALUPE
CANTINA HUSSONG’S,
ENSEN...
EXCLAMA|Número29
88 │ #ALAMEDIDA
NINA GARCÍA,
LA MODA COMO
EXPRESIÓN PERSONAL
EXCLAMA|Número29
88 │ #ALAMEDIDA
PERSONAJE
C...
EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 89
ORIGEN
OBRA
MANIFIESTO
PERSONAJE
REFERENTES
TERRITORIOS
Comenzó como practica...
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90 │ #ALAMEDIDA
COCINA
W DOES BRUNCH
W Bogota ahora también ofrece a sus huéspedes y a toda la
ciudad una...
EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 91
UN BRUNCH INTERACTIVO
La propuesta W Bogota difiere del resto de las ofrecida...
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  1. 1. ÍNDICE 05. EDITORIAL 10. 50. 38. 42. 30. 15. 24. DISEÑO MODA DISEÑO MODA LOS 5 ARQUITECTURA ARTE 12. 20. 40. 46. 36. 28. 16. 26. ARTE ARTE DISEÑO MODA DISEÑO NESPRESSO ARTE ARTE 14. DISEÑO
  2. 2. La moda es un sistema de expresión del cual nos hemos ido apropiando en el país de manera gradual. De no tener propuestas nacionales que estuviesen insertas en las tendencias globales, pasamos a tener diseñadores que ganan premios y proponen conceptos originales y que generan admiración en lugares mucho más avanzados en cuanto a moda se refiere. Por esta razón, dentro en el marco de una de las semanas más importantes para el fashion en Colombia, EXCLAMA decide hacer un recuento por lo más destacado de ese mundo a nivel nacional, con lagunas notas internacionales. Es por esto que #ALAMEDIDA, nuestro hastagh para esta edición, no solo hace referencia a la tradición y el arte de la sastrería y el diseño de prendas, a cerca de lo que profundizamos en varios de los artículos que usted encontrará en este número; también nos referimos a contenidos hechos a la medida. ¿De qué? Se preguntarán algunos, precisamente de esa naciente y creciente industria de la moda colombiana, en la cual creemos y a la cual apoyamos, y a la que pensamos hay que darle el cubrimiento periodístico que su creciente calidad se merece. Bienvenidos a la edición #29 de la revista EXCLAMA. #ALAMEDIDA
  3. 3. EXCLAMA|Número29 8 │ #ALAMEDIDA HOTEL-HOTEL Perteneciente al grupo Molonglo Group, este hotel artesano ocupa dos niveles del edificio Nishi en New Acton en Camberra, Australia. Un lugar creado con pensamientos donde el arte, el diseño y la fantasía se une para dar 68 espectaculares habitaciones en las que se pueden encontrar mobiliarios del siglo XX, piezas de arte exclusivas y muebles creados a mano con dedicación. Entre sus espacios destacados se encuentran el lounge house, la recepción, una librería con libros vintage, y la famosa cocina Monster, entre otros. Este imponente hotel es pensado para que las personas interactúen de forma orgánica con el espacio y así crear narrativas a cada momento. La historia del Hotel-Hotel y su diseño es más compleja de lo que parece; pues no es un proyecto típico con un brief de cliente tradicio- nal o con el output de un diseñador en especial; por el contrario, sus creadores, los hermanos Johnathan and Nectar Efkarpidis, diseñaron el espacio pensando netamente en su interacción con las personas, al mejor estilo australiano.! Fotos: Cortesía Hotel-Hotel Links de interés: www.hotel-hotel.com.au ARQUITECTURA Arquitectura~ElartedeDianaBeltrán
  4. 4. EXCLAMA EN LA WEBDESCUBRA CONTENIDOS EXCLUSIVOS DE TENDENCIAS QUE TRAEMOS DE TODO EL MUNDO HOUSE OF PHONIQUE Hace unos 20 años, en la ciudad de Berlín, la escena de la música house tomaba el rostro de varios talentosos productores, músicos y Dj’s con nuevas propuestas para las noches berlinesas. Michael Vater, más conocido como Phonique es precisamente uno los constructores de la fiesta alemana. Durante los más de 17 años como productor musical, Phonique le ha brindado al mundo grandes nombres de Dj’s emergentes y con- solidado, entre los cuales se encuentran Glen Gunner, Lil Tony, Alexkid e Ivan Smagghe. Su album debut, lanzado en el 2004, bau- tizado como Identification contiene grandes colaboraciones con artistas como Paris The Black Fu, Erlend Oye y Alexander East. Aunque la mayor parte de su trabajo en pro- ducción y remixes se ha construido al lado de Alex Krüger; también ha trabajado con otros artistas como Steve Bug, Martin Landsky y Meitz. Su recorrido en la música ha sido tan impresionante que actualmente es reconocido como uno de los artistas re- mixing de más alto perfil en el mundo, y como una de las fuerzas líderes detrás de la música electrónica. El pasado 19 de Junio el Dj hizo vibrar a Baum, Bogotá con una mezcla de sonidos penetrantes y energía revitalizadora. EXCLAMA habló con Pho- nique sobre su recorrido musical: EXCLAMA: ¿Qué hacia antes de llegar a ser conocido como “Phonique”? PHONIQUE: La música siempre ha sido parte de mi vida, antes de llegar a ser co- nocido como el Dj y productor que soy hoy en día, pasaba la mayor parte de mi tiempo coleccionando vinilos y cintas de mezcla. De hecho lo he hecho desde los 16 años. Aunque la música siempre fue mi pasión y parte importante de mi vida, antes de ser un DJ profesional yo estudiaba Química, supongo que algún punto de mi vida tomé el camino correcto. EXCLAMA: ¿Qué buenos recuerdos guarda de sus inicios en la industria?... MÚSICA Durante su paso por Colombia, Phonique, uno de los líderes del house alemán, habló con EXCLAMA LOST ANGELES MODA Bolsas de té, coloraciones, pigmentos y formas geométricas que se entrecruzan: un proyecto de Lisa Granada El fashion film de la editorial Lost Angeles presentada en nuestra edición impresa No. 28 FOTOMERAKI FOTOGRAFÍA BLACK CURRANT DRAWINS ARTE WWW.REVISTAEXCLAMA.COM SI QUIERE TERMINAR DE LEER ESTE ARTÍCULO VISITE revistaEXCLAMA EXCLAMArevista revistaEXCLAMA
  5. 5. EXCLAMAREVISTA EVENTOS DIGITAL MARKETING AGENCIA DIGITAL Y COMUNICACIONES T: + 57 1 7596750 E: ESCRIBO@REVISTAEXCLAMA.COM W: REVISTAEXCLAMA.COM WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Reciba su dosis diaria de contenido premium para un estilo de vida cargago de moda, arte, música, arquitectura, diseño, fotografía y cultura. PORTADA_EXCLAMA_ED29.pdf 1 17/07/15 8:01 p.m. NÚMERO 29 #ALAMEDIDA ESPECIAL MODA2015 COP $15.000 - USD $6 HECHAEN COLOMBIA ISSN 2027-8438 Foto por Basilio Silva Dirección de arte y estilismo: Hiromi Shimabukuro Asistente de estilismo: Ken Nobaru Maquillaje y pelo: Marysol Ortega Director y fundador Juan Pablo Valencia Editora Isabel Pradilla S. Diseño Michelle Exceus Dirección de Arte EXCLAMA Agencia Redactores Nicolás Mónico Maria Fernanda Mancera Angélica Hoyos Florez Diseño Web EXCLAMA Agencia Relaciones Públicas María Esperanza Corredor Publicidad y distribución Oficina Editorial EXCLAMA escribo@revistaexclama.com EXCLAMA Agencia Juan Pablo Valencia Alejandra Salcedo Casas Michelle Exceus Nicolás Mónico
  6. 6. DISEÑO APNEA BY LE ZAPATIERE La marca colombiana LZ (Le Zapatiere) FOOTWEAR presentó su más reciente colección, CVLTVM. Los hermanos Natalia y Nicolás Campuzano buscan con ésta una nueva forma de llegar a sus clientes, personas arriesgadas que no se conforman con la oferta que tiene el mercado zapate- ro en Colombia. Por medio de sus diseños y la mano artesanal, cada uno de estos zapatos adquiere personalidad para transmitir confianza, y seguridad en quién los usa. El cuerpo y su fragilidad, el misticismo del ser, los contrastes de los tonos de la piel arremetida se transforman en materiales como el cuero, el nobuk y lo charoles en esta nueva colección. Apnea, una de las referencias presentes en CVLTVM, nace del sueño más mórbido y audaz para materializarse en rigidez y fortaleza. Los detalles en la elaboración hacen que se convierta en una armadura liviana, un escarabajo protector al ritmo de las tendencias mundiales.! Fotos: Cristina Salgar Sígalos en: facebook.com/le.zapatiere Diseño~ApneabyLeZapatiere LILIANA OSPINA @lilondra lilondra.com Liliana Ospina (también conocida como Lilondra), es artista visual por profesión, dedicada al diseño gráfico y la ilustración por convicción. Trabaja como independiente desde el 2008, año en que saltó del mundo audiovisual al gráfico. Liliana es egresada de la Universidad Javeriana en Bogotá, ciudad en la que nació y vive actualmente. Par- tidaria de construir redes de colaboración entre profesionales independientes para crear una co- munidad competitiva en el mercado creativo. BASILIO SILVA www.basiliosilva.com Colombiano actualmente con sede en París. Empezó a disparar como reportero gráfico y en algún lugar en el camino se quedó con la fotografía de moda. Algunos de sus clientes son la revista Regia de Argentina, la revista Grey de UK, Bleed de Noruega y Ozine de China. Entre los músicos que han contratado sus servicios se encuentran MGMTyThe Kills. CAMILO RIOS camilorios.com Fotógrafo colombiano radicado en Estados Unidos, especializado en moda y retrato. Cuenta con estudio en NYC y Miami. EVA KRUIPER evakruiperphotography.com Fotógrafa holandesa radicada en Ámsterdam, Cape Town e Ibiza. Eva toma fotografías de moda para mujeres y hombres, moda para novias, editoriales de moda, hace imágenes para publicidad, close-ups de belleza, vestidos de baño y retratos. Luego de empezar como asistente de fotografía en Ibiza, Eva siguió su corazón hacía la fo- tografía de moda y viajó a Nueva York donde completó una pasantía en Dusan Reljin DRStu- dios. Durante el verano Eva se desempeña como freelance en España y los Países Bajos, mien- tras que en invierno se muda a Ciudad del Cabo, donde la representa One LeagueArtists Creative Management. VICTORIA HOLGUÍN @victoriaholguin Arquitecta y fotógrafa colombiana. Desde los 10 años, con cámara en mano, se dio cuenta que la fotografía era su pasión. Dedicada durante la semana al trabajo editorial, los fines de semana cuenta historias de amor en matrimonios, con fotografías no tradicionales y espontáneas. Su trabajo se caracteriza por un estilo propio, lleno de luz natural y un enfoque muy particular para el foto reportaje. Siempre buscando la magia en cada situación, convierte cada imagen en una excusa para el asombro del espectador. ALEJANDRAQUINTERO behance.net/alejandraquintero Nació en Bogotá en 1980. Comunicadora social y fotógrafa empírica. Intentó estudiar derecho, pero se retiró en primer semestre. Adquirió su primera cámara a los 24 años. Su lente ha dis- parado para diversas publicaciones y realizado trabajos para diversas fundaciones y diseñadores de moda. Actualmente se desempeña como editora de fotografía de revista SoHo. CAROLINAAGUDELO @caritoseria Nacida y criada en Bogotá (Colombia), Caroli- na Agudelo se desempeña como Diseñadora Textil y de Superficies. Reparte su tiempo como Directora de Diseño de su estudio Carolina Agudelo | Surface & Textile Design, como pro- fesora asociada del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá y coordina el Area de Textiles y Vestuario del mismo. Tiene un MA en Design for Textile Futures de Central Saint Martins College of Art and Design en Londres. LAURA ECHAVARRÍA fashionlessons.co Estudió Diseño de Modas en Barcelona y una Maestría en Comunicación de Moda en el IED de Milán, Italia. Creó Fashionlessons con la intención de combinar sus dos grandes pa- siones, la moda y la escritura, en una bitácora de experiencias donde la cultura, el estilo de vida y los personajes más interesantes de la industria se cuelan en cada artículo. En esta edición de EXCLAMA, Laura colaboró escrib- iendo un análisis de la industria de la moda masculina en Colombia. GABRIELA DEL VALLE @gavdelvalle Guatemalteca, licenciada en Relaciones Inter- nacionales de la Universidad Francisco Mar- roquín de Guatemala, con un posgrado en Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad Del Rosario de Bogotá, Colombia; donde vivió durante dos años, se enamoró de la locura artística y cultural, ejerció como gestora cultur- al independiente para muestras de cine, y trabajó gestionando fondos para el XII Interna- tional Conference on Arts & Cultural Manage- ment -AIMAC-. Actualmente vive en Guatemala, es gestora cultural independiente, promotora y coordina- dora de proyectos culturales para Guatemala, Colombia y el resto de Latinoamérica. Viajera y amante del arte, tiene experiencia en coop- eración internacional, género & cultura.Actual- mente se desempeña como colaboradora para la sección de Arte de EXCLAMA. MARÍA CAMILA PEÑA camilapenajournalist.com Periodista, viajera y amante del océano. Comenzó como reportera en el diario El Es- pectador en 2007, y desde entonces ha colab- orado para diferentes publicaciones. Le intere- san los temas que tienen que ver con el medio ambiente, la arquitectura, los viajes, la historia y las realidades humanas. En la actualidad es bloguera del Espectador.com con Ligera de Equipaje, un blog sobre viajes, y periodista in- dependiente. JUANITA GONZALES CARDONA cargocollective.com/JuanitaGonzalez Fotógrafa freelance, cuyo trabajo se centra en la reportaría grafica y fotografía documental. Ha colaborado con revistas como Yuxtapoz Latinoamérica. Actualmente reside en el Reino Unido y cursa un Master en Photojournalism and Documentary Photography en la London College of Communication - University Of The Arts de Londres. EXCLAMA COLABORADORES ED. 29 COMITÉ EXCLAMA EDICIÓN 29 CATALINA ZULUAGA - GUIOMAR JARAMILLO - CESAR LEÓN ALEJANDRA QUINTERO - JAIME ÁVILA - MARCO PASTRANA
  7. 7. EXCLAMA|Número29 12 │ #ALAMEDIDA ARTE PLAYGROUND James Mollison nació en Kenia y creció en Inglaterra, donde estudió fotografía y cine en el Newport School of Art and Design. Su último libro, Playground, publicado y expuesto por la Fundación Aperture está compuesto por fotografías tomadas en distintas escuelas alrededor del mundo; la serie aborda problemáticas sociales, culturales y ambientales a través de imágenes que parecen retratar el juego inocente de los niños en el recreo. A partir de la nostalgia producida por los recuerdos de su infancia, Mollison emprendió un viaje por Argentina, Bhután, Bolivia, Estados Unidos, India, Inglaterra, Israel, Italia, Kenya, Nepal, Links de interés: www.jamesmollison.com Arte~Playground
  8. 8. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 13 Noruega, y Sierra Leona; para capturar distintas escenas alrededor del juego. El proyecto pretende mostrar la inequidad de condiciones en las instituciones educativas a nivel mundial. Las imágenes evidencian la inocencia de los niños, que, sin importar la precariedad de las instalaciones, se divierten a la hora del descanso. Mollison se vale de una técnica que denomina play narrative, en la que toma distintos recuadros y construye una sola imagen, gracias a lo cual en cada una de las fotografías es posible ver más de una escena, lo cual permite una conjunción de detalles que le otorgan más individualidad. Playground nos hace testigos como espectadores de que las diferencias culturales y económicas no son un impedimento para el disfrute de la vida cuando se es un niño. Fotos: St. Mary of the Assumption Elementary School, Brookline, Massachusetts. © James Mollison Arte~Playground
  9. 9. EXCLAMA|Número29 14 │ #ALAMEDIDA HENRIQUE OLIVEIRA, UNA GRIETA EN LA REALIDAD Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad ARTE 14 │ #ALAMEDIDA 01 Escrito por Gabriela del Valle Link de interés: www.henriqueoliveira.com
  10. 10. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 15 Henrique Oliveira, artista brasileño polifacético, presenta a través de una entrevista exclusiva para EXCLAMA sus obras, a través de las cuales el espectador se transporta a mundos desconocidos de sensaciones inesperadas, texturas y olores particulares provinientes de los restos de un material urbano, que toma nueva vida gracias a su quehacer artistico. ¿Cómo se inició en el arte? Empecé como autodidacta debido a mi pasión particular por el dibujo, que pasó gradual- mente a la pintura en papel y luego al lienzo. Aunque mi relación con el lenguaje visual fue muy fuerte desde la infancia, me tomó un tiempo entender que lo que me gustaba hacer no tenía por qué encajar en cualquier área de producción; así que empecé a con- siderar trabajar como arquitecto, dibujante y publicista, hasta que un día fui por primera vez a una exposición de un amigo y vi que era posible hacer de la imagen bidimension- al una profesión. A mis 23 años decidí no sólo pintar sino, a demás, dejar a un lado la presión de la gen- te que decía que debía buscarme “un traba- jo de verdad”. Entonces, pasé dos años pintando todos los días; luego decidí estudi- ar arte en la Universidad de São Paulo, donde se llevó a cabo mi formación como artista. A partir de ahí fue un proceso natural de des- cubrir el conocimiento, de los nuevos medios y la inmersión en el mundo del arte contem- poráneo. ¿Cuéntenos un poco sobre el proceso de creación de sus impresionantes escultu- ras e instalaciones? ¿Cómo las con- struye? Actualmente utilizo diferentes materiales que van más allá de las hojas de madera contra- chapada que marcaron mi trabajo de insta- lación desde el inicio. Pero antes de descri- bir cómo construyo las piezas de hoy, creo que es importante contar un poco más sobre el inicio de este proceso. En el año 2002, después de pasar un año en Londres, hice algunos experimentos con tablas que recogí de la calle: diseñé una estructura geométrica irregular ascendente a través de la pared, del suelo al techo, que luego recibió una pintura orgánica con trans- parencias. Al año siguiente fui desarrollando la pintura centrándome en la superficie y empecé a pintar en las piezas de madera contrachapada que me provocaron un interés en la superficie rigurosa de estos materiales utilizados. Entonces empecé a unir dos o más placas para componer un soporte frag- mentado que recibió pintura hecha con cera de abeja y aceite. Mientras crecía mi interés en las diferentes superficies, empecé a notar una valla que se deterioraba en un edificio enfrente del depar- tamento de artes de la Universidad de Sao Paulo, donde estudiaba en ese momento. A finales de ese año, cuando se completó el edificio y las vallas fueron removidas de su lugar, tomé algunas de ellas e hice mi prim- er collage arquitectónico, el cual se expandió a través de la pared que llenaba un nicho entre dos pilares. A partir de ahí empecé a construir superficies de retazos de madera contrachapada, que llenaban los espacios que eran tensados contra la pared. Al prin- cipio el trabajo era plano, luego, en un pro- ceso gradual, experimenté con la tridimen- sionalidad en las diversas superficies. Inicié con la adición de material estructural, lo que me permitió subvertir los límites es- trictos de las antiguas placas de madera contrachapada sin renunciar a sus cualidades pictóricas que tanto me interesaban. En los siguientes tres o cuatro años, elementos como tubos de PVC, por ejemplo, hicieron posible la construcción de volúmenes redon- deados. Finalmente otras técnicas tales como el uso de cartón con adhesivo permiten un mayor control sobre la conformación y aca- bado esencial para la producción de objetos más pequeños. Hoy en día utilizo básica- mente la misma técnica de construcción y los volúmenes de las piezas pueden provenir de diferentes materiales como el caucho, metal, tela, etc. ¿Cuál es su método de trabajo? Realizo muchos dibujos, así cuando tengo que definir algún proyecto puedo contar con un buen repertorio de posibilidades. Algunos trabajos requieren un diseño estricto desde su inicio, mientras otros llevan un material improvisado o son más libres en la forma. Como ejemplo del primer caso son las obras: Coisa (Cosa) de 2008; Carcassa (Carcass) de 2014 y Abcesso de Beco (Acceso al Callejón) de 2011. El ejemplo más característico de la segunda posibilidad es la serie Xilempastos. En esta serie, busco una ampliación de la noción de la pintura a través de la técnica del collage de capas de madera policromada de mo- delado con volúmenes masivos de cartón y/o estructuras de madera contrachapada ator- nillando cintas flexibles. Es una serie que comenzó como una instalación temporal y se convirtió en parte de la pared como un objeto pictórico. En Xilempastos la forma de la escultura se guía por la idea de una sus- tancia viscosa (no líquido ni sólido), como un aceite pastoso que podría crecer y transfi- gurarse en otro dispositivo capaz de producir una experiencia sensorial –una sustancia dura y con la idea de un estado de goteo-. Si bien estas obras son parte de un grupo que viene de adentro hacia afuera, es decir, ideas que se materializarán a través del mundo, en otros, como el primer tipo que he citado, es una situación común donde voy a recoger los materiales, objetos encontrados que funcionan como un disparador para una nueva idea. ¿Por qué reinventar los materiales de las calles? Mi mirada sobre el material de la ciudad proviene de mi interés por la pintura, y parte de analogías del plano pictórico moderno y las superficies de la ciudad de Sao Paulo. Los temas de mi interés comenzaron a con- cretarse a través de objetos, de cubos y lotes vacíos. Los temas recurrentes en mi trabajo se refi- eren a la carne, lo orgánico, la muerte y la descomposición; los materiales recolectados del contexto urbano han demostrado una buena analogía con el cuerpo humano: asti- llas de madera se han transformado en músculos y piel muerta, espumas sintéticas se convierten en pus, tumores de hojalata oxidada proponen una correlación entre el desorden del cuerpo humano y la margin- ación de las poblaciones urbanas pobres. El aparato represivo del Estado trata de luchar sin éxito y las clases dominantes de Brasil siempre evitan mirar de frente. Pero también tengo un trabajo más optimista de la rege- neración de estos materiales donde, por ejemplo, la madera utilizada por el ser hu- mano, después de desecharse, toma de nuevo la forma de los árboles. Es evidente que tiene una fuerte relación con la naturaleza. ¿Cómo llegó a ser parte de su inspiración? Nací y crecí muy cerca de la naturaleza. En mi ciudad natal, había ríos y bosques a dónde solía ir los fines de semana. Cuando me mudé a Sao Paulo, a los 16 años, me sentí sofocado; cada vez que podía salía de la ciudad hacia la playa o al campo en las afueras de la urbe. Fue en la Universidad que empecé a aceptar la idea de vivir en una metrópoli. En ese momento, comencé mi trabajo de instalación y experimenté el perío- do más urbano de mi vida; sin embargo, creo que la experiencia con la naturaleza de al- guna manera se refleja en mi trabajo. ¿Qué ve a través de sus obras ya termi- nadas? Un aspecto importante de la obra es la irre- ductibilidad a una interpretación cerrada. Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad
  11. 11. EXCLAMA|Número29 16 │ #ALAMEDIDA Aunque utilizo conceptos para hablar de mi trabajo, creo que estas ideas, que vienen del autor, no representan más que interpreta- ciones entre otras interpretaciones. ¿Qué se puede probar más allá de una intención? Sería muy frustrante terminar un trabajo y que éste no revele algo más allá de lo que queremos expresar. Siempre hay un factor imponderable que aparece después de la conclusión de una obra; es una especie de coeficiente de error que corresponde a una diferencia entre el punto de partida y lo que alcanzó. Creo que es en este espacio vacío en donde se revela algo que no se puede decir. Es una mezcla de frustración por no hacer lo que se pretendía y una sorpresa cuando descubres las posibilidades que puede tener la obra ya terminada (o en pro- ceso de producción). ¿Qué significa para usted que el público pueda tocar, oler y sentir tus obras de arte? Algunos caminos han llevado mi producción a poder acercarse a las experiencias sen- soriales. Son piezas de inmersión, donde se invita al público a entrar en la obra; una mezcla entre experimento de arquitectura y escultura. Estas obras a menudo se presen- tan a sí mismas como experiencias más que como objetos visuales. Hice unas seis obras como esta; la última, Transarquitetônica (2014), creo que fue quizá la más cercana al éxito. El aspecto sensorial aparece como conse- cuencia de la forma en que el trabajo se realizó más que por su principal objetivo. Cuando el público entraba en la sala del Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad 02 03
  12. 12. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 17 Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo, la podía ver desde arriba, desde el mezzanine. A pesar de que la obra estaba hecha de partes distintas, todo el trabajo era parte de un mismo cuerpo. A diferencia de muchos de mis trabajos anteriores, éste no establecía una conexión física con la arqui- tectura, y aunque la obra fue concebida específicamente para este lugar, pues rode- aba y envolvía las columnas del edificio, era posible percibir que era un objeto “colocado” en el lugar. Al caminar dentro de la obra era posible ver las paredes, las formas, las tex- turas; cuando las personas entraban se perdía el tamaño total de la obra y se sentía una discontinuidad del espacio del edificio, en cuestión de segundos el espectador es- taba en un universo totalmente diferente. Cuando estamos en una isla, bosque o una cueva, tenemos la sensación de la ruptura del día a día. En un trabajo como este, la ruptura de la realidad era reforzada por la inmediatez del pasaje. Rosalind Krauss utiliza un término para describir una situación diferente, pero con consecuencias similares, en un capítulo sobre el surrealismo del libro Caminos de la escultura moderna: “Grieta en la realidad”. Creo que este es el tipo de sentimiento que el público puede tener cuan- do las personas atraviesan estos espacios de mis obras. Mientras el camino requiere una temporalidad que hay que recorrer, también llama a otros sentidos como el oído, el tacto y el conocimiento del cuerpo en las partes más inestables e irregulares. La obra también puede verse como un ob- jeto visual descansando en un determinado espacio; y éste no es un espacio cualquiera, no es cualquier museo, es uno de los lugares más emblemáticos del arte moderno en Brasil. La pieza se comporta como una ar- quitectura dentro de otra arquitectura, o más bien como una “desarquitectura” que sería el “Ideal de un Brasil moderno”; obviamente este ideal está lejos de la realidad y lo que el Transarquitetônica revelaba –de las pare- des blancas de la primera habitación hasta las formas más precarias de vivienda que van a las cuevas, las viviendas humanas tempranas después del hombre-mono bajo las ramas de los árboles-, que era una ruta espaciotemporal en conjunto. Una dimensión casi narrativa le dio menos carácter literario del que tenía, debido a su naturaleza de “espacio-en-transformación”. En un extremo había una geometría regular, clara, lógica, racional –pilar de la ciencia y la tecnología-. Por otro lado estaban los caminos tortuosos de la naturaleza, la im- previsibilidad de la vida. El público podía ir dentro de Transarquitetônica, si quería, a través de sus materiales con sus diferentes olores, estabilidad, texturas y sonidos. Todo era herencia de materiales usados: paredes blancas luminosas, bloques industriales, edificio de ladrillo rústico en barro y paja, estructuras de madera contrachapada que se convirtieron en caminos cavernosos y en la maraña de ramas de árboles al final de la ruta. ¿Qué artistas forman parte de su inspir- ación? Hay muchos artistas que me inspiran y que varían en el tiempo. Podría nombrar algunos: Van Gogh, Hieronymus Bosch, Franz Kafka, William Turner, Hélio Oiticica, Bob Dylan, Alfredo Volpi, Milton Nascimento, Gimarães Rosa, Frank Auerbach, Francis Bacon, Car- los Fajardo, Herbie Hancock, Caetano Ve- loso y muchos otros. ¿Cuáles son algunos de sus proyectos futuros? Actualmente me encuentro trabajando en una pintura grande para un aeropuerto en Estados Unidos, también en algunas obras que presentaré en octubre en una exposición individual en París y otra en Houston, en noviembre.! EXCLAMA|Número29 Baitogogo | 2013 | Palais de Tokyo, Paris - France | detail. Photo: André Morin. Carambóxido | 2012 | Museum of Contemporary Art, Cleveland-USA | burnt plywood, pigments, PVC, tin, rubber and found objects | 4,57 x 5,79 x 9,44m. Photo: Courtesy Galeria Millan Alley Abscess | 2011 | Favela da Maré (Projeto Travessias), Rio de Janeiro-Brazil | found materials (foam, fiber glass, metal, wood, plaster, cement) | 5 x 3,5 x 1,8m. Photo: Courtesy Galeria Millan Transarquitetonica | 2014 | Museu de Arte Contemporânea, São Paulo - Brazil wood, brics, mud, bamboo, PVC, plywood, tree brunches and other materials | 5 x 18 x 73 m photo: Everton Ballardin. 04 01. 02. 03. 04.
  13. 13. EXCLAMA|Número29 18 │ #ALAMEDIDA RUIDO VISUAL Y PAISAJES PLÁSTICOS Miguel Kuan habla acerca de su práctica artística en la que el material reciclado juega el rol principal, y la concepción de paisaje se re-significa desde lo que fue y ya no es. Fotos Cortesía de Valenzuela Klenner Galería La obra de Miguel Kuan es concebida a partir de materia no convencional, como lo es, en este caso, la basura. En su serie Culto Sanguíneo, realizada entre los años 2013 y 2015, el artista crea esculturas cinéti- cas de pequeños zancudos a través del ensamblaje de jeringas recicladas y piezas electrónicas, que, al entrar en contacto con la pared cobran vida, clavando las agujas sobre la superficie, como si la estuviese pi- cando. Es por medio de esta acción que Kuan consigue re-significar el material, que, bajo nuestra concepción contemporánea, ya ha perdido toda utilidad. Sin embargo, el ensamblaje le da una nueva vida, tanto en términos literales, al crear una pieza que se mueve como si fuese un zancudo que su- cciona sangre, como en cuanto al re-uso de la materia que desde el arte se enfrenta a un abanico de posibilidades plásticas. Los zancudos de Culto Sanguíneo, como bien lo expresa el artista, son paisajes de lo que fue y ya no es; jeringas que además cargan con una connotación de consumo, en un sentido, así como de cura y enferme- dad en otro. Del mismo modo, el ensambla- je de la materia reciclada y el hecho de que ésta cobre vida en una suerte de puesta en escena cinética, genera un ruido visual, que, sin duda es una de las características más fuertes de la obra de Kuan. Su producción no pasa desapercibida, no sólo porque hace alusión a la naturaleza de materiales que se transforman, sino porque éstos, al ser ma- nipulados, se deforman y crean una estética ruidosa que, por lo mismo, apela a la cultu- ra contemporánea y sus problemas arraiga- dos de consumismo, exceso, al mismo tiem- po que al deseo por lo artificial. ¿Qué lo mueve a hacer arte? Creo que para mi es un impulso vital, parte de mi esencia. Desde que recuerdo ensam- blo cosas, ya sea por entretenimiento o para conocer el mundo, supongo. La materia con la que trabajo me sugiere sensaciones e ideas que materializo a través de su ensam- blaje. En general me gustan las labores manuales y la verdad al hacerlas me siento bastante cómodo. ARTE
  14. 14. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 19 Sin duda, los materiales son los elemen- tos más importantes de su obra, ¿cómo los escoge? Porque son sensibles a la manipulación pues ya albergan un sentido y pueden acentuar mi interés en transmitir una idea o una sensación. Ahora estoy trabajando principal- mente con materiales inorgánicos que, en sí, ya hablan de una naturaleza que se transforma, lo que es consecuente con este momento histórico en donde la proliferación de objetos determina nuestro entorno y forma de vida. Darle una nueva significación a los materiales recuperados habla del con- sumismo, y reutilizarlos evidencia que pese a que son artificiales, su transformación aborda lo humano y nuestro lugar frente a la vida. Impulsados en este momento por el deseo de objetualizar y artificializar, sigue existiendo la ruina y el error, que, entre otras cosas, son manifestaciones contrarias a este deseo. ¿Cómo los asigna? Depende de su función, algunas veces es el material el que me interesa para mejorar el ensamblaje o dar una forma, color o tex- tura específica; otras veces, me interesa su uso anterior. Como ejemplo, he estado ha- ciendo en serie unos zancudos electrome- cánicos que se paran en la pared y clavan sobre el muro repetidamente agujas hipodér- micas que están hechas con jeringuillas de insulina, lo cual hace alusión a la medicina y al consumo de sustancias vía intravenosa, al mismo tiempo que el zancudo apela a la criatura que invade el cuerpo y que eviden- cia junto a las jeringas una tendencia vam- pira por succionar la vida. ¿Cómo definiría su estética? Me parece que hago paisaje y bodegón actual. Suena raro porque estos nombres llevan a pensar en las temáticas tradiciona- les, pero la connotación de actual le da un carácter oscuro y no limpio que se debe a la manipulación de la materia que utilizo. Pese a que hay un orden y un dibujo, pienso que hay una organización, pero no con fines de ser del todo agradable, en este efecto, podría decirse que mi estética es alterada o deformada. ¿De qué manera se puede crear un paisa- je con basura? La basura ya en sí es un paisaje del produc- to que fue y ya no es. Las características de esto sugieren una procedencia y un tiempo específico, así que al ensamblarlos en insta- laciones y esculturas como es mi caso, aparecen una serie de paisajes híbridos que relaciono con referentes naturales o urbanos y con el uso de tecnologías que también manifiestan un paisaje actual o que va quedando rezagado; un paisaje tecnológico en desuso. Veo que sus piezas tienen vida propia, ¿tiene esto que ver con el interés por las puestas en escena? Sí, hay algo escenográfico. Con la instalación me gusta pensar que suscita una experiencia, tal vez el lapso de imaginarse que (los zan- cudos) están vivos. Finalmente eso nos de- termina, nuestra capacidad de maravillarnos y la posibilidad de creernos por un instante una ficción que en este caso se construye a partir de objetos, materiales y espacios alte- rados. ! Fotos de © Miguel Kuan De la serie Culto Sanguíneo 2013 - 2015 Escultura cinética: ensamblaje con material reciclado y electrónico Medidas variables
  15. 15. EXCLAMA|Número29 20 │ #ALAMEDIDA20 │ #ALAMEDIDA DISEÑADORES EN COLOMBIA EXCLAMA DE LA MANO DE INEXMODA SE DIO A LA TAREA DE REUNIR, EN EL MARCO DE LA SEMANA MÁS IMPORTANTE PARA LA MODA COLOMBIANA, A CINCO DE LOS DISEÑADORES QUE PRESENTARÁN SUS COLECCIONES EN LAS PASARELAS DE PLAZA MAYOR EN MEDELLÍN. DARÍO CÁRDENAS, KIKA VARGAS, DAVID ALFONSO, CARLO CARRIZOSA Y LAURAACEVEDO DE PAPEL DE PUNTO FUERON LOS ESCOGIDOS PARA CONVERTIRSE EN ELABREBOCAS DE LO QUE EN MATERIADE PRENDAS E INNOVACIÓN SE VERÁ EN LACAPITALANTIOQUEÑA. DISEÑO YTALENTO 100% COLOMBIANOS. Fotos Retratos: Cámara Lucida 5
  16. 16. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 21 Los5~DiseñadoresparaColombiamoda CARLO CARRIZOSA Este creativo diseñador revitaliza el antiguo legado de los tejidos colombianos con un mensaje claro de valoración al lujo en esta ocasión. Prendas que nacen a partir de formas geométricas básicas llegan al punto de convertirse en una colección de líneas minimalistas y seductoras. El rectángulo reconstruido, moldeado y exaltado, fue el punto de partida para generar nuevas siluetas saliéndose un poco del formato de sastrería tradicional europea, conservando los detalles que ésta posee. El lujo es presentado en cada una de las piezas, las cuales conservan elementos visuales asociados a la identidad de Carrizosa dibujados en materiales como el telar hecho cien por ciento en algodón, el cuero, la seda, y otros más experimentales como el cordón de palma. Sin lugar a duda una colección con acabados exquisitos para mujeres fuertes seguras de sí mismas. EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las personas de esta colección? Carlo Carrizosa: Una nueva interpretación de la mujer sexy con poder. El ser sexy no necesariamente debe tener los mismos estándares por los cuales muchos de los diseñadores colombianos se guían, sino que se puede ser sexy de una manera diferente; eso tiene que ver con un estado mental, con seguridad, poder y fortaleza.
  17. 17. EXCLAMA|Número29 22 │ #ALAMEDIDA22 │ #ALAMEDIDA KIKA VARGAS Cuando Italia y Japón se encontraron, nació SAKURA, la nueva colección de la bogotana Kika Vargas. Siguiendo un poco con la línea floral y ultra femenina que caracteriza a la diseñadora, su más reciente colección retrata el balance entre el oriente y occidente, a partir de formas provenientes de la indumentaria geisha y samurái. Sakura, es la costumbre japonesa de ver los cherry blossoms florecidos; es precisamente esa transformación lo que la nueva colección trae preparado para Colombiamoda. La disciplina de la cultura asiática y la precisión de los detalles se mezclan con la fluidez de la seda y el trabajo a mano de la alta costura italiana para dar como resultado una mujer definida, segura de sí misma, única y exclusiva. Esta es la segunda vez que Kika participa en Colombiamoda, esta vez por medio de una historia que enfatiza muchos de los rasgos que han caracterizado sus diseños. Mezcla de colores, intervención manual de las bases textiles, y una silueta propositiva. EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las personas de esta colección? Kika Vargas: Una experiencia. Estamos trabajando en conjunto con Glade (marca de aromatizantes), para hacer todo realmente mágico. La colección será presentada en un desfile que apela a los sentidos, apoyándose en las flores y los aromas. Es una colección que no resulta obvia; lo último que quiero ser es obvia.
  18. 18. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 23 Los5~DiseñadoresparaColombiamoda WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 23 DARÍO CÁRDENAS Para esta ocasión, el talentoso diseñador bumangués presentará una colección especial en colaboración con la línea de calzado deportivoANew Balance, una unión dada gracias al interés en común de ambas marcas por preservar un mensaje al mismo tiempo que se conserva una estética. Bajo el hashtag #AndoConMisNewBalance, la colección se torna en una forma comercial de llevar un discurso capaz de traspasar fronteras: irreverencia, feminidad, futuro y por supuesto, buen gusto. La inspiración llegó en un momento revelador en la vida de Darío, pues fue en un momento oscuro, que cayó en cuenta del bombardeo de información por el que atraviesa la sociedad y su colección tomó el rumbo necesario. En una época donde la línea divisora entre lo que es real y lo que es mentira se ve desdibujada, nacen piezas a partir de una explosión de estampados, prendas que nos hablan de la importancia de volver a lo natural, y dejar de lado la confusión producida por tanta información. El mensaje se pone en evidencia en materiales muy sport chic; algunos como el skuba, el neopreno y el fabritech se ponen en contraste con materiales naturales como el algodón. Éste es un llamado a la consciencia para recobrar nuestra libertad. EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las personas de esta colección? Darío Cárdenas: Le apuesto a lo comercial, para mí lo importante es generar discurso y debate a través de una prenda, no puede ser sólo una prenda bonita sino que debe tener un mensaje.
  19. 19. EXCLAMA|Número29 24 │ #ALAMEDIDA Los5~DiseñadoresparaColombiamoda LAURA ACEVEDO (Papel de Punto) Las prendas de vestir se convierten en amuletos capaces de empoderar gracias al trabajo de Papel de Punto. Compuesta por una diseñadora y un arquitecto, esta marca mezcla lo mejor de ambos mundos para dar con siluetas limpias muy geométricas y de cierta forma, un tanto arquitectónicas. La marca colombiana compuesta por los bogotanos Laura Acevedo y Felipe Guerra, trae a las pasarelas “A m u l e t o”, una colección nacida a partir de un viaje a México que los creadores de la marca realizaron hace poco. El sentido de pertenencia de los mexicanos inspiró ese sentimiento de “grito latino”, con el cual buscan encontrar iconos latinoamericanos con voz internacional. Como un juego de contrastes llega esta colección a partir de hilos tejidos, calados, mayas y transparencias; una vibra muy minimal en contra posición con elementos recargados como los flecos. Estampados (característicos de la marca), como el fénix y el jaguar, narran en forma de metáfora la vida, la muerte y el renacer. EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las personas de esta colección? Laura Acevedo: Esperamos que con esta colección las personas puedan llegar a sentirse muy orgullosos de tenernos como diseñadores; y al mismo tiempo se den cuenta que vale la pena apoyar el talento local y la identidad latinoamericana.
  20. 20. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 25 Los5~DiseñadoresparaColombiamoda DAVID ALFONSO (Erikó) Los colores vibrantes y propuestas arriesgadas han sido parte de Erikó desde los inicios de su marca, esta vez, con el ánimo de dejar los clichés a un lado, David Alfonso ha decidido crear una nueva colección desde otro punto de vista. El color, inevitable componente de la marca, sigue estando presente, sin embargo, esta vez hay espacio para otros tonos con menos intensidad; por ejemplo, el negro, gris y blanco entran a jugar un nuevo papel. Esta colección, considerada por David como “atemporal” hará énfasis en prendas y trajes de cortes clásicos elegantes: gabardinas, abrigos, smokings y una versión desestructurada de la camisa, ideales para los hombres que quieren preservar su estilo arriesgado mientras demuestran toda su elegancia. Hombres viajeros, sociales, capaces de acomodarse a situaciones y climas diferentes. En cuanto a materiales, las personas podrán ver prendas en pieles sintéticas, paños usados en camisas, yacarés, y experimentación con telas de decoración y mobiliarios. EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las personas de esta colección? David Alfonso: Asombro. Espero que con mi nueva colección las personas se choquen para bien o para mal, la idea es dejar huella en Colombiamoda y jugar siempre con ese factor sorpresa
  21. 21. EXCLAMA|Número29 26 │ #ALAMEDIDA DISEÑO ARTESANOS DEL DISEÑO Zim and Zou son dos artistas franceses geniales cuando de trabajar con sus manos se trata. Su trabajo resulta algo poco convencional en una industria donde predomina lo digital sobre su fuerte, lo artesanal. Escrito por Susana Cheng Fotos Cortesía Zim and Zou Link de interés: www.zimandzou.fr ¿Cuál es el principal motivo por el que decidieron trabajar con materiales tradi- cionales como papel, tijeras y pegante? La razón es básicamente la diversión. Nos sentíamos más felices trabajando con ma- teriales tangibles, así que decidimos irnos por este camino. Nos encantaba ver cómo los objetos iban tomando forma lentamente después de muchos días de trabajo. Es un proceso supremamente largo pero es muy gratificante. Además, los dos fuimos niños muy creativos y tal vez por esto amamos este universo que algunos podrían consi- derar “infantil”. ¿Como artistas contemporáneos, cuales creen que son las ventajas o desventajas al dejar de lado el uso de la tecnología o las herramientas digitales en lo que con- cierne a su trabajo? En nuestro trabajo tratamos de utilizar herra- mientas sencillas para crear una instalación: cortadores, lápices, papel, un compás. Que- remos que todo sea claro simple y sencillo; pero, sin duda, hay un elemento tecnológico que hace parte de lo que hacemos porque programas como Illustrator ó Sketchup son las herramientas que nos permiten construir un objeto al delinear los patrones. Entonces, podríamos decir que es indispensable ser un diseñador polivalente. El problema principal cuando trabajas con materiales reales (como cuero o papel) es que cualquier error, por mínimo que sea, implica tener que reconstru- ir todo el objeto de cero, nuevamente. ¿Creen que en algún momento lo digital va a predominar el mundo del diseño? No lo creemos. Hay suficiente espacio para el trabajo digital y el manual o artesanal. Además, hay puentes que indudablemente unen ambos campos; se inspiran mutua- mente. Esto es muy evidente en las vitrinas del diseñador Tokujin Yoshioka. En la insta- lación realizada para la Maison Hermés, el artista logró que un respiro proveniente de la imagen en movimiento de una niña hiciera mover una bufanda. Hoy en día, cuando el efecto 3D puede llegar a parece más real que la realidad misma, creemos que puede ser súper refrescante disfrutar diseños hechos con materiales reales, con todas sus imperfecciones. ¿Cuales son los retos más grandes y las ventajas de trabajar con papel o cuero? El reto más grande, a pesar del tiempo, es lidiar con las “limitaciones” de la vida real. Cuando trabajamos en esculturas hechas en papel, especialmente en el tema del volumen, las medidas y los cortes deben ser absolutamente precisos. Si te pasas un par Diseño~Artesanosdeldiseño
  22. 22. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 27 de milímetros puedes destruir todo el objeto. Además, el reto también está en la escala. Tenien- do en cuenta el tamaño de una vitrina, que es supremamente grande, los objetos también deben tener un tamaño significativo. El papel es un ma- terial muy fragil y se puede volver una pesadilla cuando se trata de construir un monstruo de dos metros de altura. Más allá de esto, el tema del transporte puede ser un gran inconveniente. En este momento, la logística de enviar nuestras creaciones desde Francia para una vitrina en Hong Kong requiere ser súper cuidadosos, pues el daño de una sola pieza puede afectar todo nuestro trabajo. Por otro lado, el trabajo en cuero, que llevamos a cabo por primera vez para Hermès, fue más difícil pues hacer los cortes sobre cuero es mucho más complejo que hacerlos en papel. Sin embargo, nunca habíamos tenido resultados tan alucinantes al hacer esculturas de animales; la luz, las textu- ras y los colores le dieron vida a cada una de las creaciones. ¿Hay algún gran aprendizaje al trabajar con marcas de alta gama como Hermès? Es una gran oportunidad trabajar para Hermès pues la mayoría del tiempo nos dan libertad total para hacer lo que queramos; esto abre la posibi- lidad de proponer muchas ideas y de pensar en diferentes caminos respecto al diseño. Son muy respetuosos cuando se trata de nuestra creativi- dad; por encima de la necesidad de mostrar sus productos. También hacen todo a su alcance para que la creación sea posible y todo se haga de la mejor manera, con los más altos estándares de creatividad y de calidad. Esto, por otro lado, también genera una gran presión. Todos nuestros objetos están hechos a mano y deben ser perfec- tos y además visibles desde todos los ángulos. La calidad debe ser supremamente alta. Diseño~Artesanosdeldiseño NOS SENTÍAMOS FELICES TRABAJANDO CON MATERIALES TANGIBLES, ASÍ QUE NOS DECIDIMOS POR ELLOS
  23. 23. EXCLAMA|Número29 28 │ #ALAMEDIDA Diseño~Artesanosdeldiseño
  24. 24. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 29 ¿Cómo terminaron en EXPO MILANO 2015 y por qué con un proyecto tan puntual como EDIBLE MONSTERS? La Rinascente (exclusiva tienda por departa- mentos) nos contactó para crear unas vitrinas especiales para la inauguración oficial de Expo 2015 Milano. El proyecto se realizó alrededor del tema principal de la expo, que es “Alimentar el Planeta, Energía para la Vida”. Fue una gran oportunidad para que pudiéramos hablar de un tema muy importante para nosotros. El cliente nos pidió un concep- to que fuera nada menos que impresionante por lo que se nos ocurrió recrear, en cada una de las vitrinas, escenas que hicieran alusión a los excesos de la industria alimen- ticia. Así, las vitrinas son un recorrido por el tema de GMO’s, inecticidas, manipulación genética, etc. ¿Cómo creen que estar en EXPO MILANO 2015 con su exhibición genera conscien- cia sobre estos excesos en la industria alimenticia? Realmente este es solo un pequeño gesto de nuestra parte. Es una forma en la que podemos identificar algunos de los errores o peligros de una manera creativa; el solo hecho de hacer evidentes las elecciones que hacemos es una invitación para que pense- mos en las consecuencias que tiene el exceso sobre la salud y la naturaleza. ¿Alguna vez han pensado en trabajar en Sur América? Es posible que muy pronto tengamos un proyecto en suramérica, pero por el momento no podemos revelar muchos detalles. Esta- remos dando una conferencia y un taller en Perú dentro de unos pocos meses y realmente estamos muy felices de poder compartir nues- tras experiencias y nuestro trabajo en este maravilloso lugar. Ahora, si pudiéramos escoger, no dudaríamos en decir que una exhibición por toda latinoamérica sería genial. Teniendo en cuenta que las posibilidades de su trabajo son infinitas ¿cuál sería el proyecto de sus sueños? El proyecto de nuestros sueños sería hacer algo más grande que cualquier cosa que hemos hecho antes. Crear unos objetos dentro de un espacio que generen una expe- riencia realmente immersiva – Por ejemplo, cubrir todo un gran salón o edificio con objetos de papel y otros materiales para que la gente ingresara y se perdiera en ellos, sería lo máximo.! Diseño~Artesanosdeldiseño EL PROYECTO DE NUESTROS SUEÑOS ES CREAR OBJETOS QUE GENEREN UNA EXPERIENCIA IMMERSIVA
  25. 25. EXCLAMA|Número29 30 │ #ALAMEDIDA HOMBRE + MODA: COLOMBIA PROPONE El hombre y la moda son cada vez una conjugación más común en Colombia , un nuevo horizonte que traerá grandes beneficios a ésta importante industria en expansión. Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone MODA Escrito por Laura Echavarría Fotos Cortesía MonyVelarde, Orozco, Tebanos, Atellier Crump
  26. 26. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 31 Neo-tradicional y clásico son dos de los adjetivos que más se usan para calificar el estilo masculino en Colombia, en una industria que comienza a tomar protago- nismo en el mundo entero aquí apenas estamos dando los primeros pasos, y aunque decir que los hombres colombianos tienen un estilo definido sería una mentira, sabemos que algo se está cocinando. Para poder comprender la evolución del vestir masculino a nivel local, primero debe- mos entrar en contexto y entender cómo ha sido la evolución de éste. El historiador William Cruz Bermeo (quien realizará una exposición en Medellín sobre la evidencia del estilo europeo en la capital antioqueña el próximo mes de agosto), analiza en el vestuario masculino una evolución lenta que se ha visto afectada, sobretodo, por la percepción de la masculinidad en la socie- dad Colombiana. Es por esto que durante muchos años la moda estuvo relegada sólo al género femenino y el hombre se veía obligado a vestir casi siempre igual o con opciones muy limitadas, debido a su posición de hombre de trabajo y nada más. La música también influye directamente sobre la manera de vestir. En Colombia, específicamente a finales de los años 70, vivimos la primera ruptura cuando el traje de tres piezas comenzó a convivir con prendas más relajadas y descomplicadas que venían gracias a la apertura musical de la época, desde subculturas como los mods, rockers y punks, corrientes creadas alrededor de la música en Inglaterra y Francia. Pero realmente todo cambia con la llegada del narcotráfico al país en los años ochenta y noventa, lo que trae grandes influencias de Miami e Italia, inundando de tintes coloridos y floreados a los hombres colombianos.Apartir de entonces es posible Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
  27. 27. EXCLAMA|Número29 32 │ #ALAMEDIDA hablar de una era post moderna en la moda masculina, en la que el hombre adquiere una mayor permisividad a nivel sartorial. El siglo XXI está marcado por un gran cam- bio en la percepción que el hombre tiene de su rol masculino y por ende de su ropaje, perdiendo el miedo a crear sus propias his- torias a través del vestir y reclamando su derecho a hacer uso de la moda, para así, como las mujeres lo han hecho durante dé- cadas, crear un lenguaje visual en su diario vivir. Esto lo percibe la industria, y no por nada hace dos años se instauró oficialmente el Mens Fashion Week en Londres y Milán, y Pitti Uomo, la feria más importante para éste género, ha crecido notablemente en los últimos años tanto a nivel mediático como económico. En Colombia y gracias a la apertura estilísti- ca que venimos viviendo en los últimos años, los hombres comienzan a tener más concien- cia sobre su imagen, y la percepción del buen vestir o de un estilo propositivo ha dejado de estar ligado con feminidad. Para el estilista Colombiano Felipe Espinosa, quien lleva 20 años en la industria, hoy en día cohabitan lo clásico y lo moderno, y las publicaciones y redes sociales han ayudado a que la mente de los hombres se expanda hacia nuevos horizontes en materia de esti- lo. Por otro lado las marcas comerciales se arriesgan cada vez más en cuanto a siluetas y combinaciones y el consumidor parece estar aceptando cada vez más nuevas pro- puestas. Así pues el comprador colombiano está cada vez más informado a través de medios digitales e impresos y por lo tanto la oferta tiene que responder a esto, pero la industria colombiana apenas comienza a dar sus primeros pasos, y aunque son cada vez más los nuevos creadores dedicándose al vestuario masculino, aún hace falta mucha tela por cortar. La diseñadora paisa Marta Gaviria, creó su marca Mon y Velarde hace seis años con la EN COLOMBIA Y GRACIAS A LA APERTURA ESTILÍSTICA, LOS HOMBRES COMIENZAN A TENER MÁS CONCIENCIA SOBRE SU IMAGEN Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
  28. 28. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 33 intención de proponerle al hombre local un vestuario con detalles que marcan la diferen- cia. Para ella, el hombre colombiano coexiste en una dualidad entre querer pertenecer pero a la vez diferenciarse, y aunque aún está un poco estigmatizado por las reglas del pasado, cada vez se arriesga más. Ésta misma per- cepción es compartida por Jorge Orozco, creador de Orozco Clothing, quien busca revivir la tradición del traje hecho a medida, pero con cambios sutiles desde la constru- cción de las prendas empapándolos de tintes de modernistas, y por Lukas Osorio y Alejan- dro Arias fundadores de Tébanos, la marca de zapatos y accesorios para hombre que nace en respuesta la falta de propuestas en el mercado. Diana Crump de Atelier Crump es una diseña- dora que después de trabajar para Hermés, una de las marcas de lujo francesas con mayor reconocimiento a nivel mundial, re- gresó a Bogotá con la intención de conquis- tar un cliente masculino que buscara lujo en su vestir, sin embargo entendió que aunque sí existe una porción creciente del género que busca invertir en su vestuario, aún es un mercado poco predecible y decidió expandir su marca hacia lo femenino, una buena idea para crecer como empresario en el sector, pues si algo está claro es que los creadores también deben pensar en su sostenibilidad y perdurabilidad en la industria. Los nuevos creadores buscan generar estéti- cas para proponer y a la vez suplir la necesi- dad de un mercado en crecimiento, el cual, aunque a pasos de tortuga, comienza a ex- perimentar con su apariencia y está, sin duda, dispuesto a adueñarse de su estética. Desde Bogotá, hasta Cali , pasando por Medellín y Barranquilla, los nuevos diseñadores pierden el miedo a afrontar el mercado y aprovechar la oportunidad del crecimiento, que aunque difícil e impredecible demuestra que el usuario masculino está cada vez más atento y dis- puesto a crear su propio imaginario visual, rompiendo esquemas y reglas que antes serían impensables.! Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
  29. 29. EXCLAMA|Número29 34 │ #ALAMEDIDA M2MALLETIER: ESTILO AL CUADRADO Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado EXCLAMA|Número29 34 │ #ALAMEDIDA MODA Link de interés www.m2malletier.com Síguelos en Instagram: @m2malletier
  30. 30. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 35 M2MALLETIER nació en Barcelona en el año 2012, como resultado de varias mez- clas; surrealismo y minimalismo, arquitec- tura y diseño, pasado y presente, Melissa y Marcela. Estas dos colombianas unieron su fuerza creativa cuando se conocieron hace unos años en Parsons, Nueva York, escuela donde realizaban sus estudios de diseño. Cada una tenía un gran recorrido en la industria, solo era cuestión de tiempo para que juntas dieran con una marca fuera de lo convencional, ideal para un mercado que no se conformaba con lo las propuestas habituales ofrecían. Son varias las mujeres que miran estos accesorios con deseo, así como son varias en las que la marca se inspira al momento de crear, como es el caso de la Vizcondesa Marie-Laurie de Noalilles, una mujer ele- gante que proyectaba confianza en cada uno de sus atuendos. Así mismo son varias las it-girls que han elegido sus carteras para llevarlas con clase, sosteniendo el asa metálica que las caracteriza. Con su nueva colección, el lado más salva- je de los accesorios toma vida dando un rugido capaz de traspasar fronteras. Las raíces colombianas de las dos diseñadoras, Melissa Lozada y Marcela Vélez, se trans- forman en extraordinarias piezas geométri- cas a partir de cuero. EXCLAMA habló con estas dos creativas e inteligentes mujeres sobre sus propuestas para la marroquinería y la moda: La unión de dos colombianas con una misma pasión trajo consigo la creación de una marca que hoy es favorita de celebridades y grandes personalidades en el mundo. Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
  31. 31. EXCLAMA|Número29 36 │ #ALAMEDIDA Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
  32. 32. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 37 EXCLAMA: ¿Por qué escoger corrientes como el minimalismo y el surrealismo a la hora de crear accesorios? M2MALLETIER: Estos dos movimientos nos han inspirado desde hace mucho tiempo; han sido un fuerte referente en nuestro recorrido. Encontramos en ellos un gran punto de inspiración al ser corrientes tan significativas, interesantes y estéticamente motivacionales. El mensaje que nos dejan, tanto minimalismo como surrealismo, es lo mucho que se puede encontrar a partir de algo muy pequeño. EXCLAMA:¿Qué representa en su traba- jo, el hecho de tener raíces colombianas? M2MALLETIER: Tenemos un gran aprecio y respeto por la artesanía gracias a nuestro país natal. Nos inspira de Colombia sus colores y su cultura, de hecho, dentro de nuestros planes está crear algo totalmente vinculado e inspirado en Colombia, esto resultará muy interesante e imperdible. EXCLAMA: Ustedes han hablando siem- pre de la Vizcondesa Marie-Laurie de Noailles como punto de partida para la identidad de la marca, ¿qué característi- cas atraparon su atención de este perso- naje? M2MALLETIER: Ella era extravagante y creativa tanto en su vestir como en su per- sonalidad, logrando siempre sobresalir de una forma elegante y sobria. Sólo ella logra- ba hacer de cualquier elemento algo con clase y hacerlo ver increíble. Definitivamente, ella era un icono y una visionaria. Cada uno de estos rasgos están presentes en nuestra marca, queremos transmitir esa elegancia y fuerza de la Vizcondesa. EXCLAMA: ¿Cuáles creen que han sido sus mayores logros desde que comenza- ron con M2Malletiere? M2MALLETIER: Por encima de todo, tene- mos dos logros de los cuales nos sentimos muy orgullosas: uno, la calidad en cuanto materiales y distribución que hemos podido conseguir, así como la calidad en cuanto clientes y socios. Dos, el selecto grupo de celebridades bellas con estilo que siguen nuestra marca; es un honor que este tipo de mujeres poderosas sean parte de este pro- ceso y nos apoyen mientras crecemos. EXCLAMA: ¿Qué otro tipo de expresiones culturales han llegado a influirlas o inspi- rado su trabajo? M2MALLETIER: No sólo la moda nos mueve; la arquitectura y el interiorismo son clave en el desarrollo de nuestra marca y en los diseños que creamos. Por ejemplo, M2Malletier está muy influenciado por el trabajo de Jean Michel Franck (diseñador de interiores) y Ricardo Bofill (arquitecto).! Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado MELISSA LOZADA Y MARCELA VÉLEZ TRANSFORMAN EL CUERO EN EXTRAORDINARIAS PIEZAS GEOMÉTRICAS
  33. 33. EXCLAMA|Número29 38 │ #ALAMEDIDA ESPACIOS DE MODA MASCULINAFotos por Nicolás Mónico En una ciudad como Bogotá donde existen cientos de propuestas para la moda femenina, es justo y necesario dar con espacios que pongan en evidencia el estilo y la elegancia masculina. Varias marcas locales e internacionales le apuestan a este tipo de público: los hombres que, cada vez más, disfrutan de planear su apariencia mediante un lenguaje especial: la moda. Lejos de los estigmas y los tapujos, los hombres contemporáneos han decido verse bien para sentirse bien; llegar pisando fuerte a un lugar gracias a confianza que sus prendas le dan. La apariencia es totalmente importante, ésta refleja gran parte de lo que son las per- sonas en el interior, pues, querámoslo o no, el armario es la tarjeta de presentación por excelencia, por eso, un hombre que se siente cómodo expresándose a través de su ropa, es un ganador. El mercado masculino en la capital colombiana le apuesta a propuestas que van desde lo tradicional y atemporal, hasta lo más juvenil y arriesgado. Estos son cinco de estos espacios, en donde se habla un lenguaje netamente masculino, lugares apacibles en los que cada visita se convierte en una experiencia; una opción diferente a la hora de comprar. WHITMAN Fotos por Juan Camilo Estévez Hace casi dos años que los hermanos Felipe y Sebastián Falla se encuentran dedicados a una marca con la que ellos, y a la vez, muchos hombres, se sienten identificados: Whitman. El proyecto nació bajo el concepto de unión de lo natural con lo industrial. En Whitman, movimientos orgánicos crean los blazers, abrigos, gabanes y camisetas masculinas expuestas en el showroom ubicado en el Edificio 1204, a partir de materiales como driles y tejidos de lana. Felipe viene del mundo del cine y Sebastián del mundo gastronómi- co; esta parte sensorial de los hermanos hace que cada textura, color y forma se convierta en una transmisión constante de sensa- ciones y emociones. Es precisamente ese ambiente creativo y re- lajado el que se vive en su showroom; un espacio de amigos donde se puede tomar un trago mientras se disfruta de una buena charla y unas buenas prendas. Guiados por el cine expresionista y el juego de los claroscuros, los colores otoñales nacen en un espacio acogedor. La atmosfera in- tima y masculina que genera el contraste de la madera, los pinos y elementos rústicos con los grifos y piezas industriales son la ex- cusa perfecta para quedarse a disfrutar de las prendas artesanales que Whitman ofrece. SARTORIAL CARLOS NIETO La marca colombiana de ropa masculina Carlos Nieto se ha convertido en una muestra de tradición y elegancia entre los ex- ponentes de la moda para hombres. Sartorial es el nombre de la tienda que cuenta con una propuesta diferente para aquellos que buscan un traje exclusivo, hecho a la medida, con materiales de la más alta calidad y la más detallada asesoría al cliente. En este lugar, cada detalle crea una verdadera experiencia. El interesado debe hace cita previa (puesto que solo se reciben 4 citas diarias) para llevar a cabo la asesoría de imagen que conl- leva al desarrollo del vestido. El espacio es idóneo para sentirse en una visita única, pues acompañados de una bebida, los clien- tes tienen la opción de ser asesorados en imagen, indagar en gustos y preferencias, y así dar con el vestido perfecto. “Hay una química especial en el momento que el cliente llega y se empieza la asesoría”, dice Carlos Eduardo Martínez asesor de imagen de Sartorial. “Yo le vendo un intangible, una ilusión. Después de desarrollar toda la asesoría el cliente sale de la tienda con un sobre, no con paquetes de compras como lo haría en una tienda normal.” Un jardín, una sala de asesoría, una de trabajo y otra de prueba, son los espacios que dispuestos para que el cliente recorra, ambientes en los cuales relajarse y llenarse de confianza al mo- mento de dar con las prendas indicadas. Dónde: Avenida 19 # 108 – 30 Link de interés: www.carlosnieto.com.co Dónde: Avenida Calle 82 # 12A – 04 Estudio 402 Link de interés: www.whitmanstore.com MODA Moda~Espaciodemodamasculina
  34. 34. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 39 JUAN Hace ocho años, la marca de ropa masculina JUAN abrió sus puertas en la calle 85 en un pequeño local de la mano de sus creadores, los hermanos Gustavo y Viviana Lozano. Tiempo después, y tras darse cuenta de la necesidad de un espacio más grande, decidieron habitar una casa en Chapinero, que llenaron con su particular estilo rocanrolero. Evitando lo esperado y buscando dif- erenciarse, cada detalle fue pensado para ofrecer a sus clientes la experiencia indicada. Más allá de ser una marca de ropa, JUAN es un estilo de vida que involucra arte, diseño, música. Ese mismo estilo está presente en cada prenda, por eso cada visita a la tienda es una visita a un amigo; éste es un lugar donde las personas se sienten cómodas sin perder un solo detalle de la ropa. Tanto a Gustavo, como a Viviana, y en general a todo el equipo de JUAN, el contacto con las personas es lo que los motiva y los llena de creatividad al momen- to de plantearse nuevos proyectos. En medio de la carrera 7 con calle 54, tanto tienda como calle ad- quieren un aire neoyorquino, con sabor a Brooklyn. Este encanto de Chapinero hace que nuevas marcas como JUAN y otras alred- edor se conviertan en espacios alternativos para personas que buscan opciones diferentes, frescas y fuera de lo común. ! KOLT Tras haber estudiado diseño en Francia y haber trabajado un ti- empo en Alemania, Pascal Decaillet decidió volver a su país natal para emprender su propia marca; el resultado fue un showroom multimarca ubicado en la calle 78 en el 2009. Tiempo después, Pascal se dio cuenta que se estaba alejando del diseño para dedicarse más a asuntos administrativos, fue ahí cuando decidió empezar con lo que hoy se conoce como KOLT, una marca de sastrería masculina personalizada y un lugar donde los hombres van a relajarse y tener una experiencia de compra mucho más cercana con el diseñador y el proceso de confección. En Colombia, Pascal encontró un mercado de hombres dispues- tos a atreverse, más preocupados por su imagen y por siempre estar presentables. La columna vertebral de KOLT es la sastrería, y de ahí parte todo el experimento con nuevas propuestas. Con pedidos mucho más personalizados, este diseñador asegura en su espacio la intimidad necesaria para conocer más de cerca a su próximo cliente, a través de la mezcla entre la personalidad de estos sus conocimientos. Ahora en su estudio ubicado en plena calle 85, ha encontrado un lugar cómodo, central y de fácil acceso. En cuanto a la decoración del lugar, ésta se ha ido construyendo a la par de la marca, cre- ciendo mediante remodelaciones y detalles decorativos. TOO COOL FOR SCHOOL Para muchos el proceso de la sastrería puede ser tan solo un paso más en la confección de prendas; pero para Simón Martelo se trata de dedicación y maestría. Too Cool For School arrancó hace más de tres años gracias a la profunda pasión que sentía Simón por esta disciplina, pues él mismo se denomina un “nerdo de la sastrería”. Cada uno de los detalles en las prendas se convierten en una muestra de la profunda pasión que sienten los involucrados en la creación; los procesos artesanales toman un carácter artístico para abrirle las puertas a la satisfacción del cliente y a su deseo de tener una pieza única. Y es que acá el cliente y su cuerpo son los protagonistas, pues éste es un proceso que tiene como fin dar con la chaqueta, la camisa o el vestido idóneo para cada quién. “La idea es destapar toda la gama de opciones y tratar de que no pierdan la cabeza (los clientes) en ese universo” afirma Simón, sobre el acompañamiento que reciben sus clientes. No se trata de seguir las tendencias de la moda, ni de buscar inspiración artística para las prendas; mucho menos de hacer una gran producción al estilo de las tiendas fast-fashion. No. Too Cool For School es todo lo contrario, es una expresión de técnica ar- tesanal, de maestría, la perfecta construcción de la prenda. Aquí se construyen piezas atemporales que perduran en la memoria. Esa misma atemporalidad está presente en el espacio. La oficina de Simón, bajo un estilo ecléctico, se convierte en una maquina del tiempo cargada de estética y buen gusto. Un sofá, un gran espejo, buena iluminación, un sinnúmero de botones, paños y muestras de telas hacen de éste un lugar perfecto para sentarse, tomar un café y darle vida a esa próxima gran prenda de su ar- mario. Calidad por encima de cantidad, eso es Too Cool For School. Dónde: Calle 75 # 11 – 77 Link de interés: www.toocoolforschooltailors.com Dónde: Carrera 7 No. 54A – 36 L 102 Links de interés: www.juan.com.co Dónde: Calle 85 # 11 – 18 Link de interés: www.kolt.com.co Moda~Espaciodemodamasculina
  35. 35. EXCLAMA|Número29 40 │ #ALAMEDIDA USANDO LA CABEZAFotos Cortesía Jane Taylor y La Coquito Tocado Moda~Usandolacabeza MODA
  36. 36. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 41 Se conoce como tocado o headwear a aquel accesorio que decora parte de, o completamente, la cabeza. Esta prenda ha permaneci- do en la historia durante siglos, cambiando de forma, colores y materiales de acuerdo a cada época. La cereza en el pastel, en eso se convierte un detalle sutil para complementar perfectamente un outfit elegante y contemporáneo. Cabe recordar la época de los grandes faraones en Egipto, para darse cuenta de la importancia que los accesorios en la cabeza guardan desde hace siglos. Estos, al ser una extensión de la cabeza, terminan por ejemplificar grandeza e imponencia. Con siglos de historia, los tocados han estado presentes en cabezas majes- tuosas que buscaban con el accesorio dar un toque de elegancia y glamour. Pese a que han habido sobresaltos históricos, como la Primera Guerra Mundial, que limitó el uso de accesorios, estos han logrado sobrevivir y ser parte de la historia de la moda. Grandes diseñadores en los años treinta como Gabrielle Chanel, dedicaron su ingenio a la elaboración de estas piezas. Así, poco a poco, diseñadores más actuales acogieron este estilo ofreciendo nuevas propuestas. Fue así como genios de la talla de McQueen le inyectaron un poco de dramatismo a los catwalks valiéndose de gigantescos tocados. Pese a que el uso cotidiano de los tocados (como era costumbre en los años cincuenta), se ha dejado un poco de lado, es cada vez más común ver fotos de Street Style a personas arriesgadas que han adoptado los looks de pasarela de Lagerfeld, convirtiéndolos en un objeto de uso cotidiano. La realeza inglesa y sus Phillip Tracey son muestra de la forma elegante en los que estos acceso- rios son usados para diferentes ocasiones en todo el mundo. La diseñadora inglesa Jane Taylor es un ejemplo de este tipo de elegancia británica. Su marca, establecida en el 2008, causa sensación tanto entre los habitantes del palacio de Buckingham, como entre reconocidas celebridades y grandes publicaciones de moda. Por medio de sus tres colecciones a lo largo del año (Novi- as, Ready-To-Wear y Bespoke) los accesorios de esta talentosa británica toman vida para otorgar clase a quién los use. En Colombia, talentosos diseñadores han dado con propuestas creativas cargadas de tendencia. La marca LaCoquito Tocado, por ejemplo, ofrece desde 2009 un repertorio de ornamentos de vestu- ario y artículos de colección headwear con alto contenido teatral, sin perder su carácter de boutique especializada. Tomás Montoya Upegui, diseñador de la marca, ha puesto su sello de identidad en cada creación, para dar con turbantes, coronas, tocados, y otras piezas coleccionables a partir de diferentes códigos, símbolos, olores, colores, ritos y mitos. Más allá de un accesorio, el tocado se convierte, como su nombre lo indica, en ese toque final que transforma un look en un poderoso lenguaje capaz de llevar un mensaje.! Moda~Usandolacabeza
  37. 37. EXCLAMA|Número29 42 │ #ALAMEDIDA Links de interés: www.michaelhoppengallery.com LAS RELIQUIAS DE FRIDA Las apariencias engañan, y esto es, sin duda, lo que nos muestra la fotógrafa japonesa Ishiuchi Miyako, quien gracias a su interés por la carga emocional de los objetos, concibió su proyecto Frida; un recorrido visual a través del vestuario de uno de los iconos del arte mexicano más importantes del siglo XX: Frida Kahlo. Frida Kahlo es una artista reconocida mundialmente por sus pinturas autobiográficas y revolucionarias. Durante su corta vida, se enfrentó a la enfermedad del polio y a un accidente que la dejó inválida por largos periodos de tiempo, razón por la cual tomó la determinación de diseñar prendas de vestir que camuflaran sus dolencias. Fue así como su ropa y accesorios se convirtieron en piezas de arte por sí mismas, que, más allá de cumplir la función de un corsé o una prótesis de pierna, reflejaban diseños intrincados y delicados detalles de ornamentación, al mismo tiempo que daban cuenta del quehacer de la artista. Las prendas de Frida estuvieron guardadas por más de 15 años en el baño de su residencia en México, hoy Museo de Frida Kahlo, debido a una petición de su esposo Diego Rivera. En este efecto, fue solo hasta el 2004 que el museo decidió organizar y catalogar más de 300 reliquias de Kahlo nunca antes vistas por el público. Impulsada por su obsesión con el poder que los objetos tienen para reflejar la esencia de los individuos y de la sociedad, Ishiuchi Miyako se dedicó a retratar el vestuario de la artista con el objetivo de capturar lo que queda de su vida en éste. Desde el 2007 Miyako ha venido trabajando con todos los rastros materiales que quedaron en Hiroshima después de que la bomba atómica acabó con la vida de millones de personas, buscando así evocar su memoria. Sin embargo, Frida se presentó como un alto en el camino, un proyecto que le permitió dar un salto de Japón a México y trascender de las temáticas que apelan al desarrollo político de su país, para enfocarse en una vida atravesada por la revolución, la polémica, el sufrimiento y el arte. Las imágenes de Miyako cuentan una historia que habla de dolor, de superación, de amor por lo autóctono y sobretodo, de intimidad. En las prendas se puede ver la paciencia de Frida por bordar diseños que reafirman su interés por la cultura indígena; manchas de pintura que reflejan su pasión por el arte y su dedicación a pesar de sus limitaciones físicas; al mismo tiempo que el paso del tiempo evidente en su ropa roída y sus zapatos desgastados; la necesidad por ocultarse debajo de vestidos largos que no dejaban ver la prótesis de su pierna, y el deseo por esconder el cansancio de sus ojos detrás de unos lentes. Con esta serie de fotografías, Miyako revive una parte de Frida, pues aunque el cuerpo perece, la esencia de lo que se fue queda presente en los rastros materiales que permanecen en el tiempo. Por primera vez, el público tiene la posibilidad de acercarse a la vida de la artista desde sus prendas, y, de entender cómo era realmente vivir con una incapacidad, ya que, en ocasiones lo que se ve en la superficie es sólo un ornamento de la esencia y el sentir interior.! Fotos de © Ishiuchi Miyako De la serie Frida, 2007 Cortesía Michael Hoppen Gallery, Londres FOTOGRAFÍA Fotografía~LasreliquiasdeFrida
  38. 38. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 43
  39. 39. Vestido Crochet ◆ Christian Dior
  40. 40. Top de seda ◆ Philip Lim Falda crochet ◆ Donna Karan
  41. 41. Vestido crochet ◆ Oscar de la Renta Pañoleta vintage bordada ◆ Afraid of Mice
  42. 42. Vestido Crochet ◆ Christian Dior
  43. 43. Chaleco crochet ◆ Missoni
  44. 44. EXCLAMA|Número29 82 │ #ALAMEDIDA LA VISIÓN DE ESTEBAN CORTÁZAR Lavisión~LavisióndeEstebanCortázar EXCLAMA|Número29 82 │ #ALAMEDIDA LA VISIÓN
  45. 45. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 83 Cada año en el marco de las semanas de la moda en las grandes capitales aparecen diseñadores jóvenes dispuestos a innovar mediante su creatividad. Fue en el 2002, en el marco del New York Fashion Week que el mundo tuvo la oportunidad de oír por primera vez el nombre de Esteban Cortázar, a quien por ese entonces expertos de la industria lo perfilaban como uno de los “niños genios de la moda”. Y es que cuando esto pasó, Esteban tan sólo tenía 18 años de edad, siendo así uno de los diseñadores más jóvenes en presentar una colección en esta feria de moda, abriéndose paso para emprender un camino lleno de éxito. Fue a temprana edad, viviendo en Miami en los noventas, cuando Cortázar se dio cuenta de cuál debía ser su rumbo. Rodeado por una cultura latina, alegre en contraste con el mundo posado y excéntrico de la moda (ya en ese entonces se codeaba con grandes de la industria como el gran diseñador Gianni Versace y el fotógrafo Patrick Demarchellier), el bogotano se llenaba de inspiración mientras su creatividad crecía con un único fin: llegar a convertirse en un gran diseñador. Hoy, tras un largo recorrido que incluye la dirección creativa de Emanuel Ungaro durante dos años, colecciones exclusivas para portales y grandes tiendas de moda como Net-A-Porter, y un puesto en el Council of Fashion Designers of America, el colombiano Esteban Cortázar, ha construido una visión única para su casa de moda, fusionando así su herencia latina con un estilo elegante y femenino. Paris lo inspira, Nueva York lo acoge, Miami lo recuerda y Colombia lo aplaude. Nunca duerme antes de las 2 de la mañana, le gusta la comisa japonesa, la de mar y el vino, a la hora de vestirse prefiere la comodidad. Este trotador de mundo se ha convertido en uno de los talentos nacionales más exitosos en el mundo de la moda gracias a sus lujosos diseños, que, como él, tienen mucho que contar: ¿Qué es lo primero que hace al iniciar su día de trabajo? Me tomo mi protein shake, y respondo mis e-mails. Descríbanos un día de trabajo en su taller Cada día es distinto. Trato de organizar mi semana con días que tengan mucha creatividad con mi equipo al igual que días donde me dedico a mi negocio. ¿Cuál es el mejor lugar para aprender de moda, en la universidad o trabajando con un diseñador? Ambas son importantes. Pero siento que la mejor forma de aprender es viviendo el día a día de lo que quieres hacer; es por eso que trabajar con un diseñador te da enseñanzas que no vas a aprender en la universidad. ¿Consume revistas de moda? Si. Me gustan WSJ, Industrie, System y 032C ¿Cuál es su red social favorita? Instagram ¿Cómo han influido sus raíces colombianas en su trabajo? Mucho. Me siento lo más creativo e inspirado cuando estoy en la naturaleza de Colombia ¿Hay alguna mujer que ha servido de musa en su vida? ¡Muchas! Si pudiera devolver el tiempo y vivir en otra época, ¿cuál sería? Y ¿por qué? Los setenta, porque amo la libertad de expresión de ese tiempo Si tuviera que describir a una persona creati- va, ¿qué características diría que debe tener esa persona? Imaginación y curiosidad Si sólo pudiera salvar una prenda de su clóset, ¿cuál sería? Mis sandalias rojas de cuero ¿Una tienda para comprar ropa para hombre? Mr. Porter Si tuviera que elegir una ciudad para vivir el resto de su vida, ¿cuál sería? Paris, y tendría una segunda casa en Ibiza. Lavisión~LavisióndeEstebanCortázar
  46. 46. EXCLAMA|Número29 84 │ #ALAMEDIDA LOS ÁNGELES AMOEBA MUSIC 356 MISSION LACMA 5905 WILSHIRE BOULEVARD (EN FAIR- FAX AVE), LOS ANGELES, CA, 90036 | 323 857-6000 FACEBOOK: LACMA WWW.LACMA .ORG 6400 SUNSET BLVD. LOS ANGELES, CA CA 90028 FACEBOOK: AMOEBA WWW.AMOEBA.COM 356 MISSION RD, LOS ANGELES, CA 9003 FACEBOOK: 356SMISSIONRD WWW.356MISSION.COM Amoeba Music es una tienda de discos in- dependiente ubicada en Sunset Bulevard en la cual es posible encontrar desde lo más popular hasta lo más recóndito de todos los géneros. Aunque su especialidad es la música, también es posible encontrar libros, películas, posters, camisetas y tocadiscos. Para Amoeba los formatos tampoco son problema, pues hay desde CD’s y Blu-rays hasta vinilos, VHS y Laserdiscs tanto nuevos como usados. Además, los miembros de su staff no solo saben de música, la viven. Muchos de ellos, incluso, son músicos, lo que les otorga la ventaja del conocimiento. Amoeba cuenta, además de su tienda de Los Angeles, con dos locales más, ubicados en San Francisco y Berkley; también es posible encontrarlos en la Internet. 356 Mission Road es una galería de arte ubicada en una bodega de casi 1115 metros cuadrados. Este espacio, abierto en 2013, es operado en conjunto por los galeristas neoyorkinos Laura Owens, Wendy Yao y Gavin Brown y funciona como club informal para la comunidad, espacio para eventos, y exposiciones dinámicas de artistas jóvenes y consolidados. 356 Mission, al contrario del común de las galerías, frías y demasiado rígidas, es cálida, relajada e informal. El edificio donde se ubica data de 1926 y ha cumplido las funciones de imprenta, almacén de pianos, administrado por el manager de Liberace, estudio y finalmente galería. Además de la cordialidad de su staff, siempre está atento a las inquietudes de los visitantes, lo que realmente diferencia a 356 Mission de otras galerías es su programación extra- curricular que incluye conciertos de famosos interpretes, lecturas, proyección de películas y talleres. Desde su concepción en 1965, el Los Angeles County Museum of Art (LACMA) se ha dedicado a coleccionar las obras de arte que abarcan tanto la historia como la geografía, y que representan la población única y diversa de Los Ángeles. LACMA es el museo de arte más grande del oeste de los Estados Unidos, con una colección que incluye 120.000 objetos. Entre sus fortalezas se encuentran sus tenencias de arte asiáti- co, arte latinoamericano, que va desde obras precolombinas a obras de destacados ar- tistas modernos y contemporáneos; y de arte islámico, de los cuales alberga una de las colecciones más importantes del mundo. Situado en Hancock Park, en el corazón de la ciudad, se encuentra ubicado justo entre el mar y el centro. Ciudades~LosÁngeles
  47. 47. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 85 MAMA GALLERY ELF CAFE ACE HOTEL 1242 PALMETTO STREET, LOS ANGELES, CA, 90013 WWW.MAMA.GALLERY 2135 WEST SUNSET BLVD, LOS ANGELES, CA, 90026 FACEBOOK: PAGES/ELF 929 S BROADWAY, LOS ANGELES, CA, 90015 WWW.ACEHOTEL.COM/LOS ANGELES Si Le gusta el arte contemporáneo, debe vivir la experiencia MAMA Gallery. Localizada en un antiguo viñedo esta galería es toda una pieza de historia. Bajo su filosofía “Cero compromisos” ofrece a todos los amantes del arte la oportunidad de conocer los mejores artistas contemporáneos a través de su listado de representados en continua renovación, dejando espacio para la impro- visación organizando shows grupales o en solitario de los mismos. MAMA Gallery, a través de su selecto y dedicado grupo de galeristas, está comprometida con la tarea de apoyar artistas y diseñadores emergentes, llevando su trabajo a más público y promo- cionando sus obras. Fundado en 2006 Elf Café es un restauran- te especializado en comida vegetariana mediterránea y oriental, cuyos platos son preparados con productos orgánicos de granja. La locación, ubicada en el corazón de Echo Park, en West Sunset Blvd, ostenta una iluminación cálida y un ambiente tran- quilo. Su cocina abierta, ubicada detrás del bar, permite observar el proceso de prepa- ración de los platos mientras se toma un trago o se espera por una mesa, y su atención hace gala de la tradicional amabi- lidad californiana. Con una atmosfera súper cool y una deliciosa carta que cambia según la temporada, diseñada por su chef Dave Martinez, Elf Cafe es uno de los secretos mejor guardados de L.A, y una vez allí hay que hacer lo posible por visitarlo. El Ace Hotel Downtown Los Angeles abrió sus puertas a principios de 2014 en el edifi- cio histórico de la United Artists en el centro de Los Angeles. Construido en 1927 para el estudio de cine Maverick, este decorado, vibrante y lleno de historias, este edificio es una verdadera joya de Los Angeles que se erige como el monumento a un grupo de artistas americanos que en su momento y por su cuenta empujaron la arquitectura, el arte y el cine hacia orillas más avanzadas. Además es punto de referencia del re- nacimiento moderno del distrito de los teatros de Broadway. El amor de sus arquitectos por el detalle visto en los castillos y catedrales españolas construidas en piedra se manifi- esta en su teatro, un verdadero templo de las artes. Una mezcla de irreverencia e in- dependencia es lo que se experimenta en cada rincón de este hotel, desde sus habita- ciones, su piscina y sus restaurantes. Justo lo que una mente creativa necesita mientras pasa una temporada en la gran naranja.! Ciudades~LosÁngeles
  48. 48. EXCLAMA|Número29 86 │ #ALAMEDIDA TIJUANA CAESAR’S LAS PLAYAS DE TIJUANA EL SÓTANO SUIZO WWW.SOTANOSUIZO.COM FACEBOOK: /SOTANOSUIZO1989 CENTRO PLAZA FIESTA, ISLA G LOCAL 1 y 8-12 P PASEO DE LOS HÉROES 9415, ZONA RÍO WWWW.CAESARSTIJUANA.COM FACEBOOK: /CAESARSTJ AV. REVOLUCIÓN ENTRE CALLES 4TA Y 5TA ¿Sabía usted que la popular ensalada César nació en Tijuana? Pues bueno ¿cómo ir y no probar esta ensalada en su lugar de origen? Tijuana es una ciudad con una oferta gas- tronómica impresionante; reúne la autentici- dad de la comida mexicana que al sumarse con el influjo de comidas de oriente, Estados Unidos, Italia y otras partes del mundo, crea una fusión de sabores única. En el corazón de la ciudad se eleva el Caesar’s, un restau- rante bar legendario que ha visto crecer a esta ciudad por más de ocho décadas. Como uno de los establecimientos insignes del Grupo Plascencia, el Caesar’s ofrece un ambiente agradable, cálido y formal, perfec- to para una cena en pareja, brindar con amigos o familia. Recomendamos hacer gala de su mejor estilo y probar allí el pato a la naranja, acompañado de una entrada de tuétanos para compartir y una buena copa de vino. A 30 minutos del centro se encuentran Las Playas de Tijuana, un sector de la ciudad que a pesar de estar conectado directamente con la actividad tijuanense, tiene su dinámi- ca y ritmo independiente. Una experiencia importante cuando visite la ciudad es salir a caminar por el paseo de la playa bordeando el mar hasta llegar a la frontera, encontrar el obelisco que indica el punto noroeste máximo de México y leer las historias escri- tas en las bardas que en cuestión de centímetros, marcan la línea divisoria entre México y Estados Unidos. En verano, la actividad en la playa es agitada y se encuen- tran familias compartiendo al lado del mar. Puede incluso toparse con leones marinos o ballenas migrando. En invierno, la imponen- cia del mar y un café (o infusión) en Latitud 32, es un plan perfecto para pasar una tarde tranquila. Imagine un sótano, bar de licores, en donde es posible degustar unos deliciosos hot dogs, sopa de goulasch, scargots y snacks, jugar futbolín, encontrarse una chimenea en forma de dedo y deleitarse con los videos de The Cure reproducidos en los televisores. Sí señor, está en Tijuana y se llama el Sótano Suizo. Este bar legendario con más de 20 años de historia está ubicado en la Zona Río, más específicamente en Plaza Fiesta, una esquina de la ciudad que condensa múltiples establecimientos con estilos que varían desde la salsa hasta el rock alterna- tivo. El Sótano Suizo ofrece un ambiente grato tanto para comer como para tomar, ver un partido de fútbol o una pelea de boxeo, es perfecto para disfrutar de una buena cerveza, vino o whisky. Un lugar para per- sonas con onda, sin importar la edad. Ciudades~Tijuana Fotos: Flickr/mellydoll y Flickr/ visualities Fotos: Flickr/momed y Flickr/ brookebinkowski
  49. 49. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 87 LA MEZCALERA FINCA ALTOZANO EN EL VALLE DE GUADALUPE CANTINA HUSSONG’S, ENSENADA FACEBOOK: /LAMEZCALERA CALLE 6TA ENTRE REVOLUCIÓN Y MADERO, 22000 WWW.FINCALTOZANO.COM KM 83 CARRETERA FEDERAL 3, TECATE- ENSENADA EJIDO FRANCISCO ZARCO, VALLE DE GUADALUPE 22750 AVENIDA RUIZ 113 ZONA CENTRO, ENSENADA, BAJA. CALIFORNIA. WWW.CANTINAHUSSONGS.COM En el pleno centro de Tijuana, la calle sexta, se encuentra la zona de fiesta más recono- cida de la ciudad. Un sector lleno de bares y lugares tradicionales para recorrer en una noche de diversión cualquier día de la semana. Allí se encuentra La Mezcalera, el lugar perfecto para tomarse unos buenos mezcales, bailar al ritmo de la rockola y conocer gente nueva. La Mezcalera es un sitio de encuentro obligado para personas jóvenes que buscan buena fiesta con buena onda. Cuenta con dos espacios diferentes en donde varía la música y el ambiente. El primero es una barra tradicional tijuanense, un lugar para cantar y brindar con unos mezcales al son de la música de rockola programada por los mismos visitantes. El segundo, también conocido como La Mija, consiste en una pista de baile con pisos lu- minosos de colores, que a su vez se conecta con un gran patio en donde se presentan reconocidos Dj’s de la ciudad. Tras un recorrido de cerca de dos horas saliendo de Tijuana se llega al Valle de Gua- dalupe, un lugar mágico con las condiciones geográficas perfectas para producir los reconocidos vinos de Baja California. Por el Valle de Guadalupe se puede programar una ruta por variados viñedos que van desde grandes productores como El Cielo, a pequeños e innovadores como TorresAlegre. En este recorrido es posible catar diversos vinos en las mismas casas en las que son producidos, a la vista de los viñedos en los que son cultivados. En medio de la ruta, La Finca Altozano es el lugar perfecto para de- tenerse y compartir un buen banquete. Ir- rumpiendo el escenario desértico de los cultivos de uva se encuentra este restauran- te rústico al aire libre que cuenta con unos particulares miradores en forma de barril. A un par de horas del centro de Tijuana se encuentra el puerto de Ensenada, lugar de encuentro de embarcaciones que navegan por el pacífico. Desde el siglo XIX, Ensena- da se convirtió en punto de encuentro de comerciantes foráneos que iban en busca de fortuna, dando origen a una cuidad en la que se conjugan elementos culturales tan diversos como curiosos. Éste fue el caso de John Hussong, inmigrante alemán que llegó a Ensenada a finales del siglo XIX, atraído por la fiebre del oro. Allí fundó la Cantina Hussong’s, uno de los puntos culturales e históricos más importantes del país, que se ha conservado intacto desde hace más de un siglo. Hoy se le reconoce como la cantina que construyó la ciudad, pues se convirtió en lugar de encuentro obligado de extranje- ros y locales. Ir al Hussong’s es viajar en el tiempo a épocas de caballos y pistoleros, en donde es posible encontrarse con un show de lazo al mejor estilo vaquero. Ciudades~Tijuana Fotos: Cortesía La Mezcalera Fotos: Flickr/riverac y Cortesía Adriana Hernández Fotos: Flickr/wisley y Flickr/kc7cbf
  50. 50. EXCLAMA|Número29 88 │ #ALAMEDIDA NINA GARCÍA, LA MODA COMO EXPRESIÓN PERSONAL EXCLAMA|Número29 88 │ #ALAMEDIDA PERSONAJE Cuando se le pregunta a Nina García sobre quién es su referente en el mundo de la moda, ella responde sin titubeos: “Mi madre. Ella ha sido mi brújula estilística”. Asegura que su fascinación por la estética nació en el armario del cuarto de sus padres, en su natal Barranquilla; y que de niña ya dibujaba sus propias colecciones. Luego descubriría su pasión por el periodismo, por las revistas, los libros y la televisión. Directora creativa de la revista Marie Claire, jurado del programa Project Runway y autora de cuatro best sellers, considerados como verdaderas guías de estilo para la mujer moderna; García es hoy una de las voces mas influyentes en las pasarelas de todo el mundo. De su trabajo lo que mas le gusta es la posibilidad de reinventarse constantemente. Su principal consejo para los nuevos diseñadores colombianos: “Tengan una pasión clara, no tengan miedo y luchen mucho. ¡Y no pierdan el enfoque!”. Escrito por Camila Peña Bernal Fotos Cortesía Marie Claire Link de interés: www.ninagarcia.com Persoonaje~NinaGarcía,lamodacomoexpresiónpersonal
  51. 51. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 89 ORIGEN OBRA MANIFIESTO PERSONAJE REFERENTES TERRITORIOS Comenzó como practicante, en el armario de Perry Ellis en la época en que Marc Jacobs era el diseñador. ¿Su rol? empacar las maletas que llevaban a Marie Claire y Vogue. Ese fue su primer acercamiento al mundo de la moda, las pasarelas y las revistas. Allí comenzó a interesarse por el trabajo de las editoras de moda. “Si bien es cierto que me encantaba leer revistas de moda internacionales ya en Barranquilla, mi real pasión era dibujar. Yo pensaba en ser diseñadora algún día. Fue más adelante cuando descubrí que el mundo de las revistas era mi mundo”. De Perry Ellis pasó a Maribella como asistente, hasta cuando la revista salió de circulación; y luego a Elle, donde llegó a ocupar el puesto de Directora de Moda. Ser editor de moda para Nina García consiste en “Estar siempre con los ojos bien abiertos a estilos y diseñadores, saber seleccionar qué es relevante, identificar qué tendencias son importantes y cuáles no, qué diseñadores presentan propuestas interesantes o no. ¡Es un trabajo que me fascina porque hace que me reinvente constantemente!”. Dice que la experiencia en el mundo de las revistas la ayudó a la hora de escribir sus cuatro libros: The Little Black Book of Style, The One Hundred, The Style Strategy and Nina Garcia’s Look Book. Lo que mas disfruta de hacer parte de Project Runway es ver como los diseñadores se esfuerzan por ser originales. “Este show me demuestra día a día que la creatividad humana no tiene limites”. “La moda es un lenguaje, una expresión personal. Las prendas de ropa que tú te pones transmiten muchísimo”. Asegura que para sobrevivir en el mundo de la moda hay que ser único y permanecer fiel a si mismo. “Los editores de moda siempre estamos buscando piezas y diseñadores que hagan declaraciones, no nos interesan tanto los diseños que ya hemos visto una y otra vez”. Además de su madre, a quien declara como su gran referente en el mundo de la moda; Nina García aseguró una vez en una entrevista que el fotógrafo de moda francés Gilles Bensimon había tenido un gran impacto en su carrera. “Gilles era extremadamente talentoso, y si no hubiera sido por el nunca habría llegado donde estoy ahora. Los mentores son cruciales. Ellos son los primeros que creen en ti y te dan la oportunidad”. De Barranquilla recuerda su familia, su casa, sus mascotas, el armario de su madre, los buñuelos y los atardeceres en el Atlántico. Pese a vivir desde los 15 años en Estados Unidos conserva su alma latina. Dice que la estética del caribe colombiano sigue influenciándola: “Me ha dado mucha confianza a no tener miedo a usar el color. Además siento que me da un punto de vista estilístico distinto al predominante aquí en Estados Unidos”. La dinámica ciudad de Nueva York es desde hace ya varios años el hogar de Nina García. Su lugar preferido en la Gran Manzana, su casa; donde comparte tiempo con su familia.! Personaje~NinaGarcía,lamodacomoexpresiónpersonal
  52. 52. EXCLAMA|Número29 90 │ #ALAMEDIDA COCINA W DOES BRUNCH W Bogota ahora también ofrece a sus huéspedes y a toda la ciudad una alternativa para los domingos: W Brunch. Un plan familiar que se extiende de 11 am a 4 pm, ofreciendo lo mejor de la gastronomía local e internacional. Fotos por Victoria Holguín #LAZYSUNDAY ¿Alguna vez le ha sucedido que el plan de irse con su familia o amigos de Brunch en Bogotá se ve cortado por los horarios tem- praneros de los restaurantes capitalinos? W Bogota entendió esa necesidad de ampliar la oferta de la ciudad y se embarcó en la tarea de ponerse a tono con los W del mundo para ofrecer a los bogotanos lo que esta prestigiosa cadena tiene preparado en este sentido. Con un horario realmente cómodo, que le permite descansar y activarse con tranqui- lidad y sin afanes, el W Does Brunch se presenta entonces como una alternativa para el día familiar y de descanso con la calidad que el sello W presupone. La oferta gastronómica es variada. Desde frutas exóticas, hasta huevos y waffles, pasando por postres, brochetas y comida local, las estaciones de comida del W Does Brunch tienen preparados toda una variedad de sabores, que estarán acompañados por una buena selección de música, un merca- dillo de diseño con marcas seleccionadas, opción de platos de almuerzo y actividades a la mesa para los niños harán que usted desee hacer parte de esta nueva alternativa para el fin de semana. Las creaciones del Chef Emiliano Rabía se juntarán entonces cada tres o cuatro meses con las sugerencias al menú de un anfitrión, quien aportará su propio toque a algunos de los platos servidos. Para inaugurar este primer Brunch del año, el W ha contactado a Cristina Botero, esposa del reconocido Chef Harry Sasson y directora de la Fun- dación Corazón Verde, encargada del evento anual Alimentarte. El anfitrión estará presente solamente para el happening de apertura, día en el cual los invitados del mismo tendrán la oportunidad de deleitarse con la experiencia que los involucra con el W el buen comer. Cocina~WDoesBrunch
  53. 53. EXCLAMA|Número29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 91 UN BRUNCH INTERACTIVO La propuesta W Bogota difiere del resto de las ofrecidas en la capital colombiana, no solamente por sus sabores, horario y presencia de una personalidad como host. La idea de este delicioso Brunch es, precisamente y al igual que lo hacen todas las dependencias del hotel, involucrar a las personas (sean huéspedes o invitados) hasta el punto máximo en vivir la experiencia W. Por esta razón han diseñado estaciones interactivas que exhor- tan a la gente a armar sus propios sabores, a experimentar con los ingredientes, sin miedo y sin pena alguna, para obtener los resultados que ellos desean, y comer a la medida. BLOODY MARY (RED SNAPPER) INGREDIENTES - 1 oz / 30 ml premium vodka - 11 oz / 325 ml Bloody Mary mix - 1 rodaja de limón, para decorar BLOODY MARY MIX - Jugo de 3 limones - 2 1/2 #10 latas / 2.5 l de jugo de tomate - 5 oz / 150 ml salsa Worcestershire - 10 gotas / 3 ml de Tabasco - 2 cucharadas / 30 g pimienta negra molida - 2 cucharadas / 30 g pimienta cayena molida - 1 cucharadas / 15 g sal de apio - 2 cucharadas / 30 g granos de pimienta negra PREPARACIÓN - Llene un vaso para Bloody Mary de 12 oz 3L con hielo - Añada vodka - Llene el vaso con la mezcla de Bloody Mary y decore con una tajada de limón PREPARACIÓN Agregue los ingredientes en un contenedor y mezcle bien. Retire los granos de pimienta antes de añadir el alcohol. Use la mezcla inmediata- mente o sellela y conservela en la nevera. W Bogota Avenida Carrera 9 # 115 - 30 Bogotá, Colombia www.whotels.com/bogota @wbogotahotel - Instagram y Facebook Chef Emiliano Rabía y la anfitriona del brunch Cristina Botero Otra de las novedades que W Bogota ofrece en este Brunch tiene que ver con el coctel de elección para el evento. En cualquier otro lugar lo común es encontrar mimosas, el coctel por excelencia de los Brunch internacionalmente. Sin embargo, el W Bogota en sus impulso por innovar, propone el Bloody Mary como coctel W Does Brunch; y no cualquier Bloody Mary, sino la receta de su marca hermana: El restaurante Saint Regis. Lo colombiano también tendrá lugar en este Brunch, es así como platos tan nacionales como las empanadas, las arepas de huevo, las carimañolas y el calentado harán acto de presencia en el menú, uno que propone un mix de culturas, rico y provechoso, que tan solo puede tener lugar en un W. El lanzamiento de este delicioso plan será el próximo 26 de julio, con la presencia de la anfitriona Cristina Botero. Sin duda este será el plan ideal para todos los domingos.! Cocina~WDoesBrunch

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