1. Tema 15:
LA PINTURA BARROCA
ESPAÑOLA. PRINCIPALES
ESCUELAS. (Ribera,
Zurbarán y Murillo).
Velázquez.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.
2. introducción
Busca lo teatral, la ilusión, la fugacidad, lo
espontáneo, el instante.
Época de crisis política y económica, sin
embargo, es el SIGLO DE ORO del Arte en
España
El papel de España como defensora de la
Contrarreforma define las creaciones
artísticas del Barroco.
El arte es instrumento de poder religioso y
monárquico.
3. Características Generales
Soporte y Composición
Lienzo
Composiciones sencillas y naturlalistas.
Realismo
Emplean tipos humanos reales, directos (Los Borrachos de
Velázquez) y las escenas cotidianas para hacer más próximos y
comprensibles los temas religiosos (Cristo en casa de Marta y María
de Velázquez).
Temática
Religiosa: santos, inmaculadas, mártires, penitentes, Crucificados,
escenas de la vida de Cristo y de la Virgen…
Pintura mitológica reservada a círculos cortesanos
pintura de paisaje no muy abundante.
Naturalezas muertas o bodegones fueron muy apreciadas.
Retrato muy prolijo, sobre todo de la familia real y la nobleza, junto
a ellos retratos de los personajes más desfavorecidos, enanos,
bufones, mendigos… como vehículo para observar la naturaleza
en todos los aspectos.
Las pinturas de historia son más escasas, aunque encontramos
importantes ejemplos de temas de batallas como La Rendición de
Breda de Velázquez.
10. Mecenas
Rey y nobleza:
Coleccionismo
Galerías de Retratos
Patrocinarán fundaciones religiosas
Órdenes religiosas
lienzos para los retablos
series para los monasterios.
Focos o escuelas
MADRID: la Corte, Velázquez
VALENCIA: influencia del tenebrismo de Caravaggio: José
de Ribera y Francisco Ribalta
ANDALUCÍA: Velázquez, Zurbarán y Alonso Cano en la
primera mitad de siglo, y Murillo y Valdés Leal en la
segunda.
Esta clasificación de escuelas no obliga a los autores a
permanecer adscritos a una de ellas y por tanto
inamovibles, la mayoría llegará a realizar encargos para
la Corte.
11. VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA
Francisco Ribalta 1565 – 1628
Formado en El Escoria
Influjo de Caravaggio.
Individualización de los rostros, el color de
Caravaggio y el tenebrismo.
Temas místico religiosos, en obras como:
San Francisco confortado por un ángel
Cristo abrazando a San Bernardo
12. Francisco Ribalta 1565 – 1628
San Francisco
confortado por un ángel
Ángel músico que se
aparece a San
Francisco, quien
aparece con los
estigmas
Claroscurista
Calidades de los
objetos:
Contrastes entre la
pesada tela del hábito
del monje y las telas
ligeras del ángel
Contraste entre los
colores
Simbología del cordero
13. Francisco Ribalta 1565 – 1628
Cristo Abrazando a San
Bernardo
Composición diagonal
Místico pero tangible
Penumbra en los fondos (ángeles
casi inapreciables), estancia muy
oscura, de pardos negruzcos
Naturalismo tenebrista
Luz, de color artificial. Potente
foco de luz, algo lateral y cenital,
que incide directamente sobre el
cuerpo desnudo de Cristo y el
rostro arrobado del santo.
anatomías realistas
dimensión monumental
TEMA: milagro de la vida de San
Bernardo, una efigie de Cristo, a
la cual el santo rezaba
desconsolado, se desclava de la
cruz para abrazar y consolar al
santo varón.
14. VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA
José de Ribera 1591 – 1652
Toda su obra la produce en Italia, conocido como Il
Spagnoletto.
Naturalismo
Uso de personas comunes como modelos
Estudio lumínico y anatómico perfecto.
Su paleta evolucionará desde el tenebrismo de clara influencia
caravaggesca, hasta una paleta de tonalidades más claras
Su factura pasa de un dibujo apretado y pincelada más
minuciosa a una pincelada o factura más desecha y pastosa.
Algunas de sus obras más destacadas son:
La serie de los Cinco Sentidos
La serie de los Filósofos
La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en
Salamanca.
El sueño de Jacob
La mujer Barbuda
El Patizambo
15. José de Ribera 1591 – 1652
La serie de los Cinco Sentidos
Naturalismo inspirado en
Caravaggio
luz de tradición tenebrista
modelos personas cotidanas
Iconografía: se aleja de las visiones
realizadas en los Países Bajos -
Brueghel-, cargadas de elegancia y
complejidad compositiva.
Un personaje con una serie de
elementos relacionados con el
sentido que representan.
LA VISTA:
el hombre tiene entre sus manos un catalejo que
le permite contemplar el Universo a través de la
ventana. Unos anteojos y un espejo completan la
representación de la vista.
La figura se sitúa en un interior
Luz dirigida (cabeza y manos)
Detallismo
Tonalidades oscuras
Fondo neutro
19. José de Ribera 1591 – 1652
La Inmaculada del Convento
de las Agustinas de Monterrey
en Salamanca.
1635
Óleo sobre lienzo
TEMA: Inmaculada
Concepción. (dogma
proclamado en 1854, pero
tema muy común en la España
Barroca)
Tipología: según Pacheco,
virgen joven, vestida con una
túnica blanca y un manto azul,
símbolos respectivamente de
pureza y eternidad (según la
visión de Santa Brígida),
coronada con las doce estrellas
y con la media luna a los pies.
Influido por los Carracci
Espiritualidad propia del
barroco español.
En este momento Ribera ha
abandonado el tenebrismo y
hace un cuadro luminoso, de
rico colorido.
20. La Inmaculada del Convento
de las Agustinas de Monterrey
en Salamanca.
En la parte baja del cuadro
unos angelitos llevan diversos
atributos e invocaciones que
la piedad popular atribuye a
la Virgen según las Letanías de
Loreto: palmera, rama de
olivo, rosa, lirio, espejo sin
mancha, torre de David, etc.
En la parte baja del cuadro
dos ángeles mancebos miran
con arrobo a la Virgen.
En la parte superior aparece
la figura de Dios Padre, en
atrevido escorzo, amparando
con su mano a la Virgen.
Debajo, la figura de la
paloma, símbolo del Espíritu
Santo, protege a la madre de
Jesús, segunda persona de la
Santísima Trinidad.
22. José de Ribera 1591 – 1652
El Sueño de Jacob
óleo sobre lienzo
1639
TEMA: episodio que
aparece en el Antiguo
Testamento: Jacob se echa
a dormir y se le aparece
una escalera por la que
suben y bajan ángeles. Esa
escalera se suele entender
como un símbolo de la vida
contemplativa, según la
interpretación benedictina.
Naturaliismo: humanidad
del pastor.
Introduce un toque de
fantasía en la visión
esfumada de los ángeles
que suben y bajan.
gama de color dorada
23. José de Ribera 1591 – 1652
La Mujer Barbuda
1631
Oleo sobre lienzo
El Virrey de Nápoles, don
Fernando Afán de Ribera y
Enríquez, tercer duque de
Alcalá, encargó a Ribera uno
de los cuadros más extraños de
su producción.
Se trata del retrato de
Magdalena Ventura con su
marido y en una inscripción que
aparece en la zona derecha
del lienzo cuenta el extraño
caso. A Magdalena, mujer
procedente de los Abruzzos, le
empezó a crecer la barba a los
37 años y 15 después tuvo el
hijo con el que aquí aparece
representada.
El encargo responde al deseo
del Virrey de tener una
excepcional prueba de un
extraño caso que se produjo
durante su mandato.
24. José de Ribera 1591 – 1652
La Mujer Barbuda
Doña Magdalena aparece en el
centro de la composición, vestida
como una mujer y dando de
amamantar a su pequeño pero su
rostro es absolutamente viril,
mostrando en su gesto cierto dolor
y abatimiento.
A su lado podemos ver a su
marido cuyo retrato también es
soberbio, captando la amarga
resignación con la que vive el
caso.
Sobre las piedras que contienen la
inscripción podemos apreciar un
huso y una devanadera de hilo,
símbolos de la feminidad que se
supone a la mujer, a pesar de su
aspecto.
tenebrismo de origen
caravaggista
iluminación que crea intensos
contrastes
Rostros, manos, paños y objetos
están tomados con absoluto
naturalismo
25. José de Ribera 1591 – 1652
El Patizambo
1642
Óleo sobre lienzo
Representa a un joven con el pie
deforme; no puede pisar con el
talón. Muestra su sonrisa al
espectador que puede apreciar
la falta de dientes. En la mano
tiene un cartel en el que pide, en
latín, limosna por el amor de Dios.
Con el mismo brazo sujeta la
muleta en la que se apoyaría al
andar, y que lleva apoyada en el
hombro para divertirse.
Fondos influencia escuela
veneciana y los Carracci.
Contrasta el azul del cielo con la
figura del patizambo que está
pintado con colores ocres casi
monocromos, apagados y
oscuros.
La línea del horizonte muy baja, lo
que hace que tenga un aspecto
monumental.
Posiblemente inspirado en
modelos.
26. ANDALUCIA:
ZURBARÁN1598 –1664
Formado en en Sevilla con Pedro Díaz De Villanueva, conocido de
Pacheco y Velázquez.
ESTILO:
Sencillez
reproducción fiel de la naturaleza
Llamado el pintor de los frailes y de los “blancos”
Composiciones y personajes con simplicidad, volúmenes de
carácter casi geométrico, visible en sus bodegones por medio de
fuerte contrastes lumínicos.
TEMAS:
series para órdenes religiosas
retratos monásticos
Mitologías: Los Trabajos de Hércules, para decorar el Salón de reinos
del Palacio del Buen Retiro de Madrid.
Bodegones
Pintor realista, escueto y místico
Fondos neutros, con luces contrastadas, tenebristas.
27. ZURBARÁN1598 –1664
San Hugo en el refectorio de los Cartujos.
1655
Composición: escena en el refectorio, comedor, de un monasterio cartujo.
TEMA:La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los
seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo,
obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban
acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la
abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la
Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los
sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido.
Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como
aprobación divina de la abstinencia.
Hábitos blancos, color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes.
Cerámicas blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la Orden.
Cuencos de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un
tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados, ayudan a romper una disposición que
podría resultar monótona si no estuviera suavizada por el hecho de que los objetos
presentan diversas distancias en relación al borde de la mesa.
Geometrización de las telas
Interés por las calidades
29. ZURBARÁN1598 –1664
La Aparición de San Pedro a san Pedro Nolasco
Parte de una serie encargada por el Convento de la Merced calzada de Sevilla, en
el año 1628, y está pintada al óleo.
San Pedro Nolasco (1189 – 1256), fundador de la orden, acaba de ser canonizado,
para conmemorar dicho evento, Zurbarán recibe el encargo de pintar un serie de
22 cuadros para el claustro del convento.
Renuncia a la composición tradicional que separaba la esfera terrenal de la
celestial.
Los dos santos se encuentran en el mismo plano
Ausencia de fondo
Luz rojiza que parte de la figura de San Pedro crucificado, de modo que el manto blanco del
mercedario hace de pantalla.
Efecto de juegos contrarios: postura de los personajes, desnudez de San Pedro y en las
pesadas ropas de Nolasco.
TEMA: la aparición de san Pedro al monje. Pedro Nolasco deseaba ir en
peregrinación a Roma para visitar la tumba de San Pedro. Antes de partir se le
aparece el propio apóstol para decirle cual es su misión y disuadirle de que vaya a
Roma. La orden de los Mercedarios tenía como principal fin recoger limosnas para
liberar a los cristianos que estaba cautivos en poder de los musulmanes.
32. ZURBARÁN1598 –1664
La defensa de Cádiz contra los ingleses
También conocido como Desembarco hostil de los ingleses
cerca de Cádiz en 1625, al mando del Conde de Lest o
simplemente Defensa de Cádiz,
La escena representa la defensa que las fuerzas españolas
hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la
flota conjunta anglo-holandesa bajo el mando de Edward
Cecil.
En primer término aparece el gobernador de Cádiz Fernando
Girón (sentado) impartiendo órdenes a sus subordinados
(frente a él, el teniente de maestre de campo Diego Ruiz),
mientras al fondo se contempla el desembarco de las tropas
atacantes frente al fuerte de El Puntal, en la bahía gaditana.
Encargo decorativo para el Salón de Reinos del Palacio del
Buen Retiro de Madrid.
También pintó diez cuadros sobre Los Trabajos de Hércules.
36. ZURBARÁN1598 –1664
Bodegones
Naturalezas muertas: sin personajes:
animales, flores, frutos, y todo tipo de objetos
inanimados.
Formas, tamaños, materiales diversos.
Detenimiento
Detalles de las calidades de los objetos
Reducción al mínimo del lenguaje pictórico.
Fondos neutros, oscuros
Idea ascética y mística.
38. ZURBARÁN1598 –1664
SANTA ÁGUEDA: Fue una joven romana que sufrió el martirio durante las
persecuciones de la época de Decio (siglo III). El senador Quintiano se
enamoró de ella y al no ser correspondido le infringió numerosos
castigos, el más cruel de todos arrancarle los pechos. La visión
milagrosa de San Pedro le curó sus heridas. Zurbarán la representa
sosteniendo una bandeja con los pechos cortados, como era habitual
en la iconografía cristiana.
SANTA CASILDA: vivió en el siglo XI. Era la hija del rey musulmán de
Toledo, pero apiadada de los cristianos que su padre tenía como
prisioneros, les llevaba alimentos a la prisión escondidos entre sus
vestidos. En una ocasión sorprendida por los soldados, cuando le
pidieron que enseñara lo que llevaba respondió que flores, y cuando la
obligaron a mostrarlas, los alimentos milagrosamente se convirtieron en
flores. Zurbarán nos la muestra levantado ligeramente su vestido para
sostener las flores.
Sencillez, naturalidad, el valor de las pequeñas cosas, misticismo
Las Santas de Zurbarán aparecen como damas, atavidas con ropajes
exquisitos y joyas.
Elegancia y serenidad.
Luminosidad de las telas, la majestuosidad de algunos trajes, y el
virtuosismo técnico
pintor de calidades.
41. ZURBARÁN1598 –1664
SANTA MARGARITA: Probablemente la más famosa de todas las santas de
Zurbarán, no existió nunca. Su historia fue difundida en Occidente por la
Leyenda Dorada, de Jacopo de la Vorágine, según la cual vivió en tiempos de
Diocleciano. Hija de un sacerdote pagano de Antioquía de Pisidia, habría sido
convertida por su nodriza, quien la había puesto a cuidar a sus ovejas. El
gobernador Olibrio, cuando paseaba a caballo, vio a la joven pastora y fue
seducido por su belleza. Pero como ella se le negó la hizo encarcelar. Allí
Margarita fue asaltada por Satán en forma de enorme dragón, pero Margarita
lo atacó con un crucifijo y lo derrotó. Posteriormente sufrió numerosos castigos y
murió decapitada
SANTA DOROTEA. Cuando el prefecto Sapricio le pidió que ofreciera un
sacrificio a los dioses, se negó y fue torturada. El prefecto la confió a Crista y
Calixta, dos hermanas apóstatas, para que la convencieran de que
abandonase la religión cristiana, pero ocurrió al contrario: ambas volvieron al
cristianismo y fueron por ello quemadas vivas, mientras Dorotea fue condenada
a la decapitación. Por el camino al martirio, encontró a Teófilo, quien le dijo
irónicamente: «Esposa de Cristo, mándame manzanas y rosas del jardín de tu
esposo». Dorotea aceptó y, antes de la decapitación, mientras rezaba,
apareció un niño que le trajo tres rosas y tres manzanas, a pesar de que
estaban en el crudo invierno. Ella le pidió que se las llevara a Teófilo, quien, visto
el prodigio, se convirtió al cristianismo.
42. ALONSO CANO 1601-1667
Arquitecto, escultor y pintor.
Pintura que huye del naturalismo
Belleza idealizada.
La pintura veneciana (conocida a través de las obras de la
Colección Real en Madrid) le ejercieron gran influencia.
Composiciones clásicas
Gran delicadeza
Colores suaves
Pincelada suelta
Obras:
La visión de San Juan Evangelista en Patmos
Noli Me Tangere
Retratos de los reyes Godos, para decorarla sala Dorada del
43. ALONSO CANO 1601-1667
La visión de San Juan Evangelista en
Patmos
Formaba parte del retablo de San Juan
Evangelista del convento de Santa Paula
en Sevilla, con escenas de la vida del
santo.
Expresividad y gracia de las manos de
Cano
El ángel, de gran belleza y elegancia.
Aquí aparece agachado sobre San Juan,
en fuerte escorzo muy bien conseguido.
Sus alas desplegadas y los extremos de su
fina capa al viento crean un efecto
especialmente barroco. La figura del
evangelista, que porta una gruesa túnica
blanca y una capa rosada, equilibra la
composición, con una postura
contrapuesta a la del ángel.
Colorido armónico y muy vivo.
El ángel es sutilmente ambiguo.
Luz natural
Colores empleados, los malvas, azules,
rosas, amarillos y verdes se armonizan
delicadamente, una pincelada más
fluida.
44. ALONSO CANO 1601-1667
Noli me tangere (1652)
Últimos años de su estancia
en Madrid
Inspirado en Correggio.
Tema: humanizado a través
del gesto de la mano en la
cabeza de la Magdalena,
gesto con un sentido
iconográfico al hacer alusión
a la leyenda según la cual
los dedos del Salvador
quedaron marcados en su
frente.
Composición, repitiendo y
oponiendo diagonales en la
disposición de brazos y
piernas
Ternura del trágico
momento.
Solemne paisaje del fondo
46. ALONSO CANO 1601-1667
Retratos de los
Reyes Godos
El motivo de la obra
es desconocido e
interesante ya que
Alonso Cano
apenas trató temas
profanos.
Las figuras resultan
de tamaño mayor
que el natural,
captadas desde un
punto de vista bajo.
Realismo
dominio del color
influencia de los
pintores venecianos
y Velázquez.
delicadeza y
armonia
47. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
1617-1682
Sensibilidad que a veces anticipa el Rococó
Elevado número de discípulos y seguidores
Condicionado por la clientela: eclesiásticos, el grueso de su
producción está formado por obras de carácter religioso, pero a
diferencia de los restantes grandes maestros españoles cultivó
también la pintura de género de forma continuada e
independiente.
Muy popular.
ESTILO:
imágenes religiosas, dulces y amables nueva sensibilidad que
rompe con las imágenes trágicas del barroco español anterior.
Crea un tipo iconográfico de enorme éxito: la Inmaculada, una
virgen niña, vestida con un manto azul y una túnica blanca, con el
rostro inclinado hacia el cielo, las manos en actitud de orar y bajo
sus pies la serpiente del mal y la media luna, en ambientes cálidos,
de colores intensos y rompimientos de gloria.
Es el pintor de los niños: niños mendigos, escenas callejeras, llenas de
ternura en los que huye del dolor y la miseria, representando el lado
más amable.
48. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
1617-1682
Obras:
Niños comiendo melón y uvas
El sueño del patricio
Los niños de la concha
Niño mendigo
La Sagrada Familia del pajarito
Inmaculada
49. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
La Sagrada Familia del pajarito
1650.
Escena de interior: sencillez y realismo, entorno humilde.
Composición:
centro la escena del Niño hacia el que confluyen las miradas de la Virgen y de
San José.
Penumbra
acentúan los efectos de luz en la figura central
contrastes que permitan modelar los volúmenes de las figuras y de los objetos.
escena cotidiana
Los personajes sagrados adquieren un carácter plenamente humano: San
José tiene a su lado el banco de carpintero en el que trabaja habitualmente,
la Virgen está ocupada con sus ovillos de lana, y el Niño se entretiene
divertido con un pajarito y un perro, alejado de cualquier tema cruel.
La cotidianeidad, la anécdota y la sensibilidad son los rasgos más evidentes
de esta obra.
Murillo pretende acercar la escena a los fieles, anulando cualquier referencia
celestial o sobrehumana,
belleza dulce del Niño y su alegría en el juego transmiten un sentimiento de
serenidad
El papel de San José, manifestando su orgullo paternal, cobra especial
relevancia a partir de la Contrarreforma.
51. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
Uno de los principales pintores
infantiles del Barroco
Personajes absolutamente
reales.
Realizada entre 1645-50
Naturalista
Niños presentados como
auténticos pícaros
Destacando sus ropas raídas y
sus gestos de glotonería.
Detalles están captados a la
perfección -especialmente las
frutas- , apreciable sensación de
realidad.
La pincelada comienza a
adquirir una mayor soltura y los
efectos de vaporosidad y
transparencia
Niños comiendo melón y uvas
52. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
También conocido como Niño
espulgándose
óleo sobre lienzo
1650
pintura realista y de carácter social
amabilidad y ternura, sin expresar dolor o
miseria.
niño vestido con harapos, que se
concentra en su ropa apretada entre las
manos, por lo que se cree que está
despiojándose y aparece con los pies
sucios en primer plano.
Como si se tratara de un bodegón o
naturaleza muerta, Murillo pinta, con
absoluta maestría, un cántaro de barro y
un cesto con manzanas, y en el suelo,
restos de camarones u otros crustáceos.
Influencia de Caravaggio: fuerte
claroscuro mediante el fuerte foco de luz
que entra por la ventana lateral.
Composición diagonal
colores amarillentos y castaños, ocres y
terrosos, desde los más claros hasta los
oscuros, casi negros.
Niño mendigo
53. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
Numerosas obras con el mismo tema, la
que aquí tenemos es la Inmaculada de
Soult, pintado hacia 1678.
Repite la misma fórmula: una Virgen niña,
vestida de blanco y manto azul, con las
manos cruzadas sobre el pecho o bien en
actitud de rezar, pisando la Luna y la
mirada dirigida al cielo
Composición en claro impulso
ascensional, muy barroco
luz, nubes y ángeles
desaparición de los tradicionales símbolos
de las Letanías lauretanas
pincelada muy deshecha en los ángeles,
que logra fundir las figuras con la
atmósfera celestial.
Para el Hospital de los Venerables de
Sevilla. Durante la Guerra de la
Independencia fue expoliada y llevada a
Francia por el mariscal Soult en 1813; de
este hecho proviene su otro sobrenombre.
Inmaculada de Soult
55. VALDÉS LEAL 1622- 1690
Pintura de significado profundo
Pincelada vibrante, contrastes lumínicos.
Pinturas del Hospital de la Caridad de Sevilla:
dramatismo profundo
Religiosidad
Vánitas: lienzos, 1672.
Reflexión sobre la brevedad de la vida y sobre
lo innecesario de las glorias terrenas y de las
riquezas.
In icti oculi (triunfo de la muerte sobre la
vanidad)
Finis Gloriae Mundi
58. DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ
VELÁZQUEZ 1599-1660
Nació en Sevilla, la ciudad más cosmopolita
del XVII en España. En ella se encontraba la
Casa de la Contratación (comercio con
América, gente de todas partes)
1609: entra en el taller de:
Herrera el Viejo
FRANCISCO PACHECO: este taller es importante
porque era como una Academia con una
grana actividad: se hacían tertulias artísticas,
llegaban estampas y grabados de todo el
mundo…
Se caracteriza por la sobriedad y el clasicismo
59. VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:
SEVILLA
ESTILO:
Luz con matices claroscuristas
Naturalismo: calidad de los objetos
Paleta de ocres y terrosos
Influencia de Caravaggio y Ribera
Temas costumbristas o tratados como tales
aunque encierren contenidos mitológicos o
simbólicos
Pincelada firme, de contornos perfectos.
60. VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:
SEVILLA
OBRAS:
Vieja friendo huevos
El aguador de Sevilla
Cristo en casa de Marta y Maria
Inmaculada Concepción
Adoración de los Magos
Madre Jerónima de la Fuente
67. VELÁZQUEZ: 2ª etapa:
MADRID 1623-1629
ESTILO:
Pintor de cámara del rey Felipe IV
Influencia delos venecianos Tiziano y Veronés, a
partir de las colecciones reales.
Influencia de Rubens
Color más claro, cromatismo más vivo y
luminoso
Técnica más suelta y pincelada vaporosa,
sobre todo en los fondos.
Introducción de las perspectiva aérea
Temas mitológicos y detalles de naturaleza
muerta
68. VELÁZQUEZ: 2ª etapa:
MADRID 1623-1629
OBRAS:
Los Borrachos o El triunfo de Baco
Retratos de Felipe Iv y personajes de la
corte
71. 1er Viaje a ITALIA 1629-1631
ESTILO
Conoce la obra de Rafael, Guercino,
Miguel Ángel clasicismo
Abandono total del tenebrismo
Profundidad espacial
Estudio del desnudo, de la anatomía
Composiciones más complejas
Fluidez en la pintura
OBRAS: (1630 las dos)
La Fragua de Vulcano
La Túnica de José
74. 3ª ETAPA: MADRID 1631-
1649
ESTILO
Se aclara la paleta
Gusto por el academicismo
Emplea ya los plateados (grises brillantes)
Perspectiva aérea
Importancia del retrato
Arrepentimientos y correcciones:
demuestran la constante reflexión sobre la
obra
75. 3ª ETAPA: MADRID 1631-
1649
OBRAS
La rendición de Breda (las Lanzas)
Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo
Conde Duque de Olivares
Felipe IV de caza
Príncipe Baltasar Carlos de caza
Retratos de bufones y personajes de Corte:
El niño de Vallecas
Juan Calabazas
Sebastián Mora
Pablillos de Valladolid
Marte
Esopo
Cristo Crucificado
87. 2º viaje a ITALIA: 1649- 1651
ESTILO:
Pincelada suelta
Impresión
Es un viaje oficial para adquirir obras de
arte
OBRAS
Retrato de Inocencio X
Paisajes de la Villa Médici
Retrato de Juan Pareja
Venus del Espejo
92. 4ª ETAPA: 1651-1660
ESPLENDOR Y APOGEO
ESTILO:
Sensación de profundidad
Color supeditado a la luz
Pincelada suelta
Dominio de la composición
OBRAS:
Las Meninas
Las Hilanderas
Retratos de la infanta Margarita
95. Influencia de Velázquez
La pincelada influirá no solo en sus
contemporáneos, también en maestros
posteriores como Goya o los impresionistas.
Sus obras dejaron una marcada huella, hasta
el punto de que pintores como Picasso le
rinden con una serie de lienzos de Las
Meninas (1957) reinterpretadas en estilo
cubista, también Francis Bacon esta vez con
una serie basada en el retrato del papa
Inocencio X, Salvador Dalí hará lo propio al
igual que Monet en sus vinculaciones a
ciertas obras del maestro español.