Hª ARTE 2º BACH
RENACIMIENTO
CINQUECENTO ITALIANO
SIGLO XVI
Cinquecento y manierismo en Italia.
2ª PARTE
Miguel Ángel, Bramante y Tiziano.
EVA
www.aulasabertas.blogspot.com

 El renacimiento alcanza su madurez en el CINQUECENTO (siglo XVI).
 La capitalidad del arte pasa, a principios del XVI, de Florencia a Roma,
donde los Papas se convierten en los grandes mecenas (Julio II, León X y
Sixto V).
 A comienzos del siglo XVI el pensamiento humanista y científico
(heliocentrismo, estudios de anatomía,..) se encontraba en pleno desarrollo,
la generalización del uso de la imprenta de Gutenberg contribuyó a su
difusión. El descubrimiento de América transformo radicalmente el
concepto que en Europa se tenía del mundo: las nuevas rutas ampliaron el
mundo conocido y fomentaron el desarrollo de la cartografía.
 Bramante y Miguel Angel realizan las obras más destacadas en
arquitectura; el primero dentro del clasicismo pleno y el segundo
introduciendo el manierismo. En la pintura, destacan Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel y Rafael.
 Los acontecimientos que se desarrollan a partir de los años 20: el inicio de
la reforma protestante por Lutero (95 Tesis de Wittemberg, 1517) y el Saco
de Roma (1527); ponen fin al optimismo imperante y precipitan en la crisis
del clasicismo, donde la armonía y el equilibrio se rompen, dando paso
al manierismo.
 Es en la figura de Miguel Ángel, arquitecto, escultor, pintor, poeta; donde se
aparece el cambio del clasicismo al manierismo, tanto en las obras

Capilla sixtina
 http://www.youtube.com/watch?feature=fvwp&NR=1
&v=munrh2PEujs (Doc. Bóveda)
 http://www.youtube.com/watch?v=d0UJzZRERMs&f
eature=relmfu (Temática bóveda)
 http://www.youtube.com/watch?v=naapZ1TwaVM
(Juicio Final)
 http://mv.vatican.va/4_ES/pages/CSN/CSN_Main.ht
ml (Museo Vaticano, página interactiva)
 http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2011/03/20/m
iguel-ngel-b-veda-la-capilla-sixtina-vista-al-detalle
(comentario)

EL TECHO DE LA CAPILLA
SIXINA. 1508-1512.
 Encargo del papa Julio II
 En la capilla ya había un conjunto pictórico desarrollado en vertical pintado
por artistas del Quattrocento como Botticelli, Perugino o Ghirlandaio.
 Programa iconográfico: En la parte baja del techo pintó a los
antepasados de Cristo. Sobre ellos, pintó alternados a los profetas y a las
sibilas, con Jonás sobre el altar y Zacarías en el otro extremo. En la parte
central, Miguel Ángel pintó nueve escenas del Génesis, desde la
creación a la caída del hombre en el pecado.
 Creó una quadratura o estructura arquitectónica fingida que le
permitiera enmarcar los espacios principales del centro y que, a su vez,
sirviera de elemento de apoyo para subdividir los espacios curvos
triangulares resultantes. Los elementos empleados (arcos fajones,
pilastras con esculturas de putti, cornisas en resalte, arquivoltas y
medallones) debían crear la ilusión óptica de ser reales para poder encajar
en ellos las figuras.
 Para romper con la monotonía creó una división rítmica en la bóveda
donde las grandes pinturas horizontales eran flanqueadas por pequeñas

En la franja externa, en
imponentes tronos,
rodeados por putti
(angelotes) desnudos,
sobre plintos, se encuentran
unas espléndidas figuras:
son los siete Profetas
bíblicos y las cinco Sibilas
paganas que
preanunciaron la llegada
de Cristo.
Los distintos personajes se
acompañan, en segundo
plano, con angelotes que
remarcan su función. Cada
uno de los personajes
centrales se muestra o
leyendo un libro o en la
actitud de desenrollar un
pergamino, realizando al
mismo tiempo un
extraordinario esfuerzo
espiritual y físico.
Entre las figuras más bellas

 Concepción escultórica de sus figuras.
 Referencias escultóricas al mundo
clásico
 Estilo puro y sin adornos (= Masaccio)
 Figuras de tamaño monumental y de un
canon que sobrepasa el ideal clásico.
 Gusto por el desnudo y las formas
humanas excesivas que tienden a exagerar
la musculatura y a alargarse, lo que ya
anticipa los modelos manieristas.
 El movimiento es otro elemento que
acompaña toda su obra, sobre todo los
frescos realizados a partir de 1511.
 En sus cuerpos observamos retorcimientos
que conocemos
como línea serpentinata: una parte del
cuerpo se dirige en una dirección,
mientras que otra lo hace hacia otra creando
una torsión o contraposto que puede ser
muy extrema. (Los ignudi son los mejores
ejemplos de estas formas inestables).
 Otro recurso para conseguir sensación
dinámica es a través de escorzos
muy violentos, por los que las figuras
parecen avanzar en nuestra dirección

1510

 Es una pintura al fresco.
 La obra ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán,
el primer hombre.
 Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del
Génesis en el techo de la Capilla, fue de los últimos en ser completados y es una
de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
 En esta escena Dios le da la vida con solo rozar a Adán con sus dedos, Adán
presenta una imagen relajada y tranquila, se encuentra en el Paraíso, un lugar
idílico mientras que el Dios “Todopoderoso” está acompañado por la Corte
Celestial que lo sostiene, está suspendido en el espacio. Su rostro presenta
dureza, una fuerte mirada que se traduce en la “terribilita miguelangelesca”. Uno
de los componentes de la Corte Celestial sostiene a Dios, y en él se puede
apreciar un escorzo violento, el resto de los ángeles también se aprecia unas
caras de esfuerzo.
 La grandiosa representación la realiza con un dibujo firme logrado a partir de
aplicaciones de tonos claros y oscuros que crean un gran efecto plástico.
 El dibujo diseña además los volúmenes perfectamente delimitados.
 Las líneas compositivas son diagonales dando a la escena un gran dinamismo.
 Gama de colores fríos, vivos y luminosos, predominando el verde y el azul.
 Hay una perfecta captación tridimensional que logra con complicados puntos
de fuga y con unos perfectísimos escorzos nunca antes realizados en la historia
de la pintura.

Juicio Final
 http://historiadelarteyotros.blogspot.com.es/2011/
02/juicio-final-miguel-angel.html

http://arte.observatorio.info/2008/06/san
-pietro-in-montorio-bramante-1502-
1510
San Pietro in Montorio
Bramante
1502-1510'
Renacimiento, Cinquecento
Mármol

http://www.slideshare.net/bandetorre/
cpula-de-san-pedro-del-vaticano
Cúpula de San Pedro del
Vaticano (Roma)
Autor: Michelangelo Buonarroti -
Miguel Ángel (1475-1564)
Fecha: 1558-1561; terminada, al
morir Miguel Ángel, por Giacomo
della Porta
Estilo: Renacimiento italiano,
cinquecento y manierismo
Material: Mármol

 La cúpula de san Pedro fue diseñada por Miguel Ángel a mediados del siglo XVI.
La arquitectura renacentista del cinquecento alcanza con esta obra uno de sus
momentos culminantes.
 Pablo III había mandado a Miguel Ángel la terminación de la basílica
encomendada por Julio II a Bramante a comienzos del XVI.
 Proyecta una doble cúpula (una interior y otra exterior) según el modelo que ya
había realizado Brunelleschi en Santa María de las Flores en Florencia en el
XV.
 Los sucesores de Bramante, tanto Rafael como Antonio Sangallo el joven,
habían vuelto a la tradicional planta basilical de cruz latina. Pero lo primero
que hace Miguel Ángel cuando el papa Julio II le encarga continuar las obras de
la basílica de San Pedro es volver a la planta de cruz griega original, ya
planteada por Bramante, con una gran cúpula en el centro. Pero para ello tiene
que reforzar los cuatro pilares que había previsto Bramante y que servirían para
sostener la enorme cúpula de 42,5 metros de diámetro.
 Sitúa la cúpula sobre el altar mayor y sobre la tumba del apóstol Pedro,
enterrado, según la tradición, en este lugar.
 El tambor sobre el que se levanta la cúpula está decorado con columnas
pareadas entre las ventanas. La alternancia de frontones triangulares y
semicirculares sobre las ventanas y las gruesas guirnaldas decoran este
exterior.
 La cúpula, apuntada para darla mayor prestancia, está atada por unos nervios
que, además de la función técnica, sirven para embellecer, con la articulación del
espacio, una superficie que de otra forma sería demasiado monótona.
 La obra esta rematada con una linterna.
 Miguel Ángel no puede ver la obra terminada pues muere antes. Giacomo

La Escuela Veneciana
 La influencia de Venecia en la pintura es capital.
 En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen las bases de la
escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre
prevalece sobre el dibujo.
 En el siglo XVI los grandes maestros,Giorgione, Tiziano,
Veronés y Tintoretto, descubren en la pintura posibilidades
que se explotarán en el Barroco.
 Prestan más atención al color (sobre todo colores cálidos) que
al dibujo
 Gusto por los colores vivos propios del mundo oriental, con el
que tenían frecuentes contactos comerciales
 Prefieren la forma a los contornos (influencia de la neblina de
la ciudad)
 Dan gran importancia a los temas secundarios y a los paisajes
poéticos llenos de luces
 Influyen en sus composiciones el hecho de que Venecia sea
una república comercial, a la que llegan gentes de lejanos
países, la alegría de vivir de su sociedad, su gusto por las

Tiziano
 Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI.
 Fue discípulo de Giovanni Bellini, al igual que Giorgione, con el que
coincidió en su taller a raíz de lo cual posteriormente se asociaron.
 Importancia del color y del movimiento, lo que tendrá mucha
repercusión en el arte de la Contrarreforma.
 Sus características más destacadas van a ser, la plena libertad en el uso
del color, la importancia del paisaje con una luz envolvente, la evolución
de su pintura desde un primer acabado cuidado hasta al final de su
trayectoria por una factura muy suelta, con colores sin fundir, casi siempre
cálidos y por ser el “pintor de los temas profanos”, sobre todo de las Venus
desnudas, con lo que denota una profunda influencia de la mitología.
 Sus diosas son mujeres reales, salidas del natural, con lo que acaba
estableciendo un nuevo canon de belleza femenina.
 Maestro en las texturas de los objetos, la representación de la morbidez
de los cuerpos y del tratamiento evanescente de la luz de los cielos
venecianos, siempre con neblina, brumosos, difuminando los contornos

 Fue el pintor más estimado por Carlos V.
 Gran colorista. Para él, es el color el elemento esencial del
cuadro, por ello, utiliza muchos tonos del mismo color
 Su dilatada y larga vida hizo que evolucionase mucho en su
pintura: al principio su centro de interés lo constituyó el color y
los contrastes lumínicos; posteriormente, pasó a interesarse
por el movimiento, la perspectiva y los contrastes de luces y
sombras.
 También evolucionó en el modo de aplicar la pincelada. Pasó
de la pincelada uniforme a la pincelada pastosa y gruesa, con
lo que las manchas parecen deshacer las formas. Al final de su
vida la aplica de forma casi “impresionista”, muy suelta. El
color y la luz eliminan el dibujo (esto se aprecia sobre todo en
sus Danaes.)
 Idealiza las figuras. Gusta de los cuerpos de formas blandas y
redondas, sobre todo en los desnudos femeninos
 Reproduce un mundo de esplendor y opulencia.
 Composiciones: Utiliza un ritmo de líneas ondulantes,
también usa las diagonales en profundidad y la figura
“serpentinata” (giro helicoidal de los cuerpos)
 Temas: religiosos, retratos (Carlos V, Felipe II etc), mitológicos
(El amor sacro y el amor profano, La Dannae, La bacanal....)

Tiziano: Amor sacro 1. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_
y amor profano
1515-1516.
u07/percepcions/perc61.html
118 x 279. Oleo 2. http://www.artehistoria.jcyl.es/g
sobre lienzo.
Galleria Borghese, enios/cuadros/12522.htm
Roma. 3. Vídeo:http://www.youtube.com/
watch?v=Q9gHrUj1ef8

 La obra “Amor Sacro y Amor Profano” toca un tema mitológico hermético y ambiguo, en el
que el Amor Divino se representa mediante la pureza del desnudo femenino y el Amor
Profano, a través de la mujer vestida.
 El cuadro representa una alegoria infuenciada por la filosofia "Neoplatónica" del
Renacimiento, puesta en boga por la teoria del amor y la belleza de Marsilio Ficino:
reflexión sobre la doble naturaleza de Venus: la celeste y la vulgar.
 Aparecen una serie de contradicciones, entre la vitalidad de la mujer desnuda y la reserva
de la vestida, que afectan al paisaje del fondo: la mujer desnuda tiene una iglesia al fondo
y la vestida una fortaleza; y a la fuente símbolo de vida, y el sarcófago simboliza la muerte.
 Mediante el recurso al "paisage moralisé", que consiste en dividir el paisaje del fondo en
dos mitades, de carácter simbólicamente contrastado, Tiziano divide el fondo en una
escena sombría con una ciudad fortificada y dos liebres o conejos (símbolos del amor
animal y la fertilidad), y otra escena más rústica y menos lujosa pero más luminosa, con un
rebaño de ovejas y una iglesia.
 Una de las figuras es una mujer joven y rubia, de belleza resplandeciente, cuya desnudez
expresa el desprecio por las cosas terrenales y perecederas; una llama en su mano
derecha simboliza el amor a Dios. La otra lleva un vestido blanco y amarillo que significa
satisfacción y está adornada con piedras preciosas, y aguanta un vaso lleno de oro y
gemas, símbolo de la felicidad vana y pasajera.
 Contrastes compositivos: las figuras verticales para las mujeres y las horizontales para los
paisajes y fondos.
 contraposición de colores fríos (sarcófago, vestido, cielo) y cálidos (manga de la mujer
vestida,manto de la desnuda...)
 Planos de iluminación distinta  primer plano iluminado, segundo plano en penumbra y de
nuevo luz en el fondo

ICONOGRAFÍA
 Es una obra de su primera etapa en la que el dibujo es todavía muy importante y la
pincelada pequeña y minuciosa. El tema tiene un sentido profundo de tipo neoplatónico, dos
mujeres (en realidad es la misma, vestida y desnuda), aparecen recostadas sobre un
sarcófago clásico en el que juega con el agua un Cupido o Amorcillo.
 En el cuadro se advierte un escudo de armas de Nícolo Aurelio por lo que para algunos
estudiosos se podría tratar de un “cuadro de bodas”. Para otros sin embargo sería sólo la
representación del amor y la retratada sería Violante, amante de Tiziano representando a
Venus.
 Ambas simbolizan las dos caras del Amor. El Amor celestial, platónico, lo representa la mujer
desnuda (la desnudez es sinónimo de pureza), en tanto que el Amor terrenal aparece
representado por la mujer vestida, engalanada con ricas vestiduras (el atusamiento es signo
de coquetería).
 El tema de las dos Venus no es nuevo (las dos figuras femeninas del Nacimiento de Venus
de Botticelli han sido interpretadas como una alusión al Amor sagrado y al profano) y gozará
de gran éxito posterior llegando hasta el período neoclásico (Majas de Goya).
ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO
 En el cuadro aparecen claramente la mayoría de las características de la "escuela
veneciana":
 la contraposición de colores fríos (sarcófago, vestido, cielo) y cálidos (manga de la mujer
vestida,manto de la desnuda...)
 la importancia del paisaje y el gusto por los temas mitológicos con contenido simbólico.
 En los mitológicos trata el tema con sensualidad.
 La figura principal es el desnudo femenino de formas llenas y colorido cálido.

TÍTULO: Retrato de Carlos V
en la batalla de Mülberg
AUTOR: Tiziano, Vecellio
CRONOLOGÍA: 1548
LOCALIZACIÓN: Museo de
Prado,Madrid
ESTILO: Renacimiento
“Cinqueccento”
TÉCNICA: Óleo
SOPORTE: Lienzo
MEDIDAS: 7,72 m de base

ICONOGRAFÍA
 Pintado en Augsburgo, poco de la batalla en la que Carlos V derrotó a las tropas
protestantes, representa al emperador a caballo como paladín del catolicismo.
Inspirado en los retratos ecuestres romanos como el de Marco Aurelio (Carlos V, en
tanto que emperador de Alemania, era el teórico sucesor de los emperadores
romanos), se convirtió en un modelo de retrato ecuestre para todas las monarquías.
 Rubens se inspiró en él para sus retratos de Felipe IV, y más tarde lo harán
Velázquez e incluso Goya.
ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTCO
 El emperador Carlos aparece con coraza (un típico recurso veneciano para
desarrollar los juegos lumínicos) y banda de capitán general. Lleva una pica (como
un San Jorge al enfrentarse con el dragón del paganismo) y monta un caballo en
corveta (las manos levantadas) en una pose marcial luego muy imitada.
 El caballo, situado en una diagonal fondo-primer plano, y la lanza contribuyen a la
profundidad de la obra.
 La luz dorada y el contraste entre la frialdad de la coraza y la calidez del manto que
cubre el caballo son típicos de esta escuela, lo mismo que la "paleta veneciana" y
los juegos de luces en el cielo lívido, o la importancia que se otorga al paisaje.
 Magistral es el retrato del emperador en cuyo rostro asoma una expresión de
cansancio como si fuera consciente de la inutilidad de la victoria que, lejos de
acabar con el problema protestante, inaugura un siglo de guerras de religión en
Europa.
Historia del Arte – Sofía Lanchas

EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
El Escorial
Pintura de El Greco:
- El Martirio de san Mauricio (1580)
- El entierro del Conde Orgaz. (1586)
- La Adoración de los pastores (1600)
 http://www.edu.xunta.es/centros/iessanpai
o/system/files/TEMAXIVRENACIMIENTO
ESPA%C3%91OL.pdf

 http://arte.observatorio.info/2008/06/david-miguel-angel-
1501-1504
 http://es.scribd.com/doc/54838230/42/EL-TRIBUTO-DE-LA-
MONEDA-CAPILLA-BRANCACCI
 http://sdelbiombo.blogia.com/temas/renacimiento-en-
italia.php
 http://algargosarte.lacoctelera.net/categoria/renacimiento-
escultura-italiana
 http://tom-
historiadelarte.blogspot.com.es/search/label/ARTE%20DEL
%20RENACIMIENTO
 http://www.edu.xunta.es/centros/iessanpaio/system/files/TE
MAXIIPINTURARENACENTISTA.pdf
http://www.edu.xunta.es/centros/iessanpaio/system/files/TE
MAXIIPINTURARENACENTISTA.pdf
http://fresno.pntic.mec.es/~sfem0000/recursosarte.htm
 http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/videos/galeria.ht