TEMA 2. ARTE CLÁSICO

Clasificación general.
• Definir el objeto: escultura, pintura,
arquitectura…
• Estilo artístico.
• Cronología (Siglos)
• Nombre la obra y del autor (pequeña
biografía)
• Para qué y para quién fue realizado.
• Dónde se encuentra.

ARQUITECTURA: ALZADO (exterior)
• Descripción de lo que se ve, de abajo a arriba,
con un lenguaje arquitectónico.
• Elementos arquitectónicos y decorativos.
• Diferenciación de los caracteres del arte, del
periodo y del autor.
• Sistema de contrarrestos.
• Vanos y macizos.

Partenón.
-Arquitectos: Ictinos y Calícrates.
- Siglo V a. C.
- Estilo griego clásico.
- Materiales: Mármol de Pentélico y madera.
- Dimensiones 30,88 m (ancho), 69,50 m(largo)
y 13,70 m (altura hasta la cornisa)

• Pericles. Reconstruir Acrópolis Atenas.
Obra de Ictinos y Calícrates, bajo
supervisión de Fidias.
• Exterior:
 Fachada mira a Oriente (donde nace el sol) y
da la espalda a la entrada principal de la
Acrópolis.
Podio culminado por el estilóbato. Encima
columnas dóricas sin base. Fuste robusto.
Estrías de aristas vivas.

• Exterior :
 Collarino sutil.
Capitel: equino y ábaco.
Entablamento:
 Arquitrabe liso sin ornamentos
 Friso: triglifos y metopas.
 Cornisa: frontón y cubierta a
dos aguas.
Contraste blanco del mármol y policromía de las
partes altas.

• Interior:
Naos: estatua Atenea de Fidias de 12.8 m. Iluminada
al salir el sol.
Opistodomo: presidido por cuatro grandes columnas
jónicas. Tesoro del templo.
• Planta:
Edificio dórico, octósilo con dos pórticos interiores
hexásilos y períptero.
Planta rectangular, dividida en dos estancias
separadas por un muro. Puede considerarse un
templo doble con dos accesos para darle simetría.
Rodea el exterior de la cella
el Friso de las Panateneas.

• Contenido:
Ilustra la perfección a través de las matemáticas.
Griegos: proporción como elemento sagrado.
Se construyó siguiendo un canon derivado del
máximo común denominador de su anchura,
longitud y altura.
Objetivo: lograr la armonía visual a través de
correcciones ópticas:
 Éntasis del fuste para que parezca recto desde lejos.
 Columnas de los extremos más separadas , con más
diámetro y hacia dentro (resisten mejor y para
compensar la sensación visual)
 Entablamento y estilóbato curvados hacia arriba para
que sean percibidos como rectas perfectas.

Templo de Atenea Niké
• Calícrates.
• Siglo V a. C.
• Acrópolis de Atenas.
• Griego clásico.
• Mármol de Pentélico.
• 4,18m x 3,78 m.
VOSOTRAS

Erecteión
• Arquitecto: Mnesicles.
• Siglos V a. C.
• Griego Clásico.
• Acrópolis de Atenas.
• Mármol de Pentélico.
• 11,63 m (ancho) x
22,76 m (largo).

• Exterior:
 Desconcierta su distribución a diferentes
niveles.
Destacan las columnas jónicas (adosadas o no) y
las cariátides, que cuando fueron talladas lucían
joyas, sostenían sus vestidos con las manos.
Gran naturalismo (pliegues ropa, trenzas sobre
los hombros, detalles sensuales…)
Entablamento con:
 Arquitrabe (tres franjas superpuestas)
Friso (poco más de medio metro de altura)
Cornisa (similar a la dórica)
Originalmente con frontón y cubierta a dos aguas.

• Planta e interior.
Planta poco ortodoxa (desnivel,
existencia de otros templos=> unión de
dos templos:
 Santuario de Atenea (1): culto a la diosa,
pórtico hexáxilo.
Segundo templo (2):
Dedicado a Poseidón, Erecteo y Cécrope.
Abierto al norte, forma ángulo recto con la
cella por el olivo de Atenea, al que se accede
desde una escalinata.
Más bajo.
Segundo pórtico con 6 columnas jónica (4
frontales y una más a cada lado.)
Lado sur: tercer pórtico presidido por la
tribuna de las cariátides, que oculta las
escaleras que descienden hasta la tumba
de Cécrope.

• Contenido:
 Dedicado a los dioses (Atenea y Poseidón) y a
héroes (Erecteo, sexto rey de Atenas; Cécrope
primer rey de Ática y a su hija Pándrosos,
inventora del tejido).
Leyenda: disputa de Ática -> Poseidón: tridente y
fuente de agua salada, Atenea: el olivo.
Cariátides: mujeres de Caria, ciudad griega aliada
de persas -> simboliza su esclavización.

Teatro de Epidauro
• Polícleto el Joven.
• Siglo IV a. C.
• Griego helenístico.
• Piedra.
• 120 m. (diáetro).

• Planta:
Organizada en torno de la orchestra circular (lugar
para el coro) donde estaba el altar.
La cávea o graderíos lo rodea en semicírculo
(público, dividido en sectores por las escaleras
radiales)
Escena (función de vestuario y almacén)
Proscenio (plataforma elevada entre escena y
orchestra) donde actuaban. Es posterior.
Acceso del público: dos enormes accesos laterales
(parados) que daban a un pasillo situado entre la
escena y la cavea.

• Contenido: Teatro griego:
 Origen religioso (fiestas de Dioniso), por eso circular para
ofrendas al Dios.
 Al principio la acción se desarrollaba e la orchestra, después
en el proscenio.
 Con el tiempo la orchestra tiende a desaparecer.
• Interior:
 Integrado en el paisaje (aprovecha inclinación de una colina)
 Enorme semicírculo de 120 m de diámetro y 24 de desnivel.
 Dos zonas (alta y baja) separada por galería central.
 Parece simétrico pero utilizaron variaciones geométricas y
numéricas.
 Acústica y vistas inmejorables.
 Había dos tipos de asientos: los del pueblo (con reborde en
ángulo en los límites, eran la mayoría) y los de los dignatarios
(respaldo y brazos)

Kuros de Anavyssos
• Autor desconocido.
• Siglo VI a. C.
• Griego arcaico.
• Escultura de bulto
redondo.
• Técnica: talla.
• Material: mármol.
• Localización:
Anavyssos (Ática) ,
ahora en el Museo
Nacional de Atenas.

Con el kuros y la kore la estatuaria
griega empieza a diferenciarse de la
egipcia.También intentan dar vida a
las esculturas, por eso estaban
policromadas y se les añadían
accesorios de otros materiales (ojos
de vidrio).
• Composición:
 Desnudez, postura hierática y frontal,
pies firmemente asentados en el
suelo, pierna izquierda más avanzada
que la derecha, brazos caídos y
pegados al cuerpo, puños cerrados,
ojos almendrados, pómulos salientes,
sonrisa forzada característica, cabeza
adornada por una larga melena y
musculatura representada de forma
esquemática.
 Tiene la mirada fija en un punto.

• En su anatomía se observa un juego de
simetrías: la w de los pectorales se
equilibra con la w invertida de la
clavícula.
• Contenido: los Kuroi, hallados
principalmente en lugares de culto y
tumbas, podían ser representaciones de
Apolo, un atleta vencedor o el
recordatorio de un hombre en su tumba.
• Este tenía una inscripción: “Párate ante
esta tumba y apiádate de Kroisos,
muerto en primera línea de combate por
el impetuoso Ares”

Auriga de Delfos

• Entre el 500 – 460 a. C.
• Primer periodo clásico severo, llamado así
porque las imágenes pierden la característica
sonrisa arcaica y adoptan una expresión de
reflexiva serenidad.
• Bronce, técnica de la cera perdida.
• Autor desconocida.
• Encontrado en Delfos. Es una ofrenda de
Polyzalos, tiran de Gela al santuario.
• Parte del conjunto con caballos y carro de los
que se conservan restos.

• La figura aparece vestida, con la ropa recogida
bajo el pecho (para correr mejor)
• Formas geométricas: esfera en la cabeza y
cilindro en el cuerpo.
• Geometría rota por la ligera torsión del cuerpo y
los pliegues irregulares del vestido. Esto rompe
con el esquematismo arcaico.
• Durante el periodo severo los escultores utilizan
el bronce, más manejable por lo que las formas
son más precisas.
• Se aprecia la actitud sosegada y atenta del auriga.
El sentimiento de expectación de la carrera que
va a empezar y la serenidad.
• Esta obra supone la transición entre la rigidez del
Kuroi (época arcaica) y el clasicismo pleno.

Discóbolo de Mirón
• Siglo V.
• Técnica: Bronce, cera perdida
(copia romana de mármol, talla).
• Autor: Mirón. Broncista. Realizó
grandes progresos en el naturalismo
y en el estudio del movimiento. Su máxima
preocupación es plasmar a la figura humana
en movimiento, por eso busca figuras
inestables.

• Composición:
Gran dinamismo (antes de lanzar el disco)
Objetivo: no es fiel a la realidad, la postura
responde más a la impresión de
movimiento que a la posición real
(=>ROMPE con el hieratismo arcaico).
Especial atención al estudio de la tensión
en distintas formas geométricas (triángulos
y curvas):
o una media circunferencia(desde el disco hasta el
pie levantado) que se opone a otra (desde la
cabeza hasta el otro pie), lo que da la sensación de
movimiento.
o Una línea dinámica en zig-zag (desde el disco al
hombro, de este a la cadera, de aquí a la rodilla
hasta el pie levantado).
El cuerpo sigue el modelo de las antiguas
pinturas egipcias (torso visto frontalmente,
piernas y brazos de perfil).

• Contenido:
 Jóven en máxima plenitud física (ideal atlético de la
época) a punto de lanzar el disco.
 Mérito: haber elegido un modelo humano en una actitud
que hiciera creíble y natural la postura forzada). La idea es
crear la ilusión del movimiento.
 Supone un avance decisivo en el estudio del movimiento,
de la tensión muscular y de la integración de la figura en el
espacio. Pero todos estos logros estuvieron regidos por el
principio de la plástica clásica: la frontalidad del punto de
vista.
 Obra del clasicismo inicial, por lo que muestra
características del periodo arcaico:
o Cabeza (reminiscencia de la inmovilidad del periodo anterior)
o Sonrisa arcaica.
o Cabellos con rizos uniformes.
o Original en bronce, perdido, por lo que Mirón podía
hacer posiciones de difícil equilibrio, por lo que a la
copia romana había que añadirles soporte.

Doríforo de Polícleto
• Polícleto: único escultor no
ateniense muy reconocido.
• Estilo griego clásico.
• Original: Bronce, técnica de la
cera perdida.
• Copia romana: talla, mármol.
• Museo Nacional de Nápoles
(Italia).

• Composición:
 Representa a un joven desnudo, de
pie, con la lanza en el hombro
izquierdo y en actitud de marcha.
Cabeza levemente ladeada hacia la
derecha, muestra un rostro sereno,
cuidadosamente trabajado.
Torso: se inscribe en un gran
rectángulo. Pectorales e ingles
exagerados con rígidas líneas curvas.
Los muslos, cilíndricos, se acoplan
perfectamente a las ingles.
Brazos: despegados del cuerpo. Mano
derecha abierta, brazo izquierdo
doblado la mano cerrada para coger la
lanza.

• El Doríforo camina, acaba de
apoyar un pie y se dispone a
levantar el otro.
• Se produce un equilibrio entre
elementos tensos y miembros
distendidos.
• Contrapposto: contraposición
entre una parte tensa y otra
relajada que otorga un equilibrio
dinámico a la figura.

Metopas del Partenón
• Fifias.
• Arte griego Clásico (siglo V a. C.)
• Museo Británico. Antes en el Partenón, por lo
que están desligadas de su contexto histórico.
• En mal estado de conservación

DESCRIPCIÓN:
• Formaban parte de un conjunto de 92
metopas que rodeaban el Partenón.
• Piezas cuadradas de mármol de Pentélico de
1,35m de lado.
• Son altos relieves figurativos, de carácter
naturalista idealizados.
• Representan en cada lado una de las cuatro
grandes luchas mitológicas: Centauromaquia,
Gigantomaquia, Amazonomaquia y Guerra de
Troya.
• Eran policromadas.

Análisis formal.
• Composiciones: adaptadas al espacio cuadrado
de la metopa.
• Representan escenas de combates, tienen un
gran movimiento.
• Las figuras están individualizadas, hay un gran
repertorio de posturas y escorzos, lo que da
dinamismo a la obra.
• Son de gran riqueza plástica en texturas (cabellos,
capas y pieles de los guerreros). Los pliegues dan
movimiento y ritmo a la composición:

• Los pliegues y la musculatura están marcados,
utilizando el principio de "diartrosis" que
consiste en acentuar con líneas profundas las
líneas divisorias de brazos y piernas, así como
los pectorales y el pliegue inguinal dando
lugar a juegos de claroscuro que realzan el
volumen de las figuras.

• Función: Metopas: función decorativa dentro del templo
dórico.
• Significado: están dentro del programa iconográfico del
Partenón:
 Metopas: guerras mitológicas.
 Muro exterior cella: friso de las Panateneas.
 Dos frontones: nacimiento de Atenea y disputa Atenea y
Poseidón.
 TODO ES PARA EXALTAR A LA DIOSA DE ATENEA
• Comentario: Fidias es el escultor más importante del
periodo clásico. Con él la escultura alcanza unas cotas
altísimas (movimiento, ritmo, riqueza plástica y expresiva,
innovaciones compositivas y de representación cómo la
técnica de paños mojados). Es el que abre el camino a
autores posteriores (Praxiteles, Lisipo, Scopas) que
buscarán la belleza por un lados y por otro la expresión del
sufrimiento humano (“pathos”)

Hermes con Dionisos niños (Praxiteles)
• Praxiteles.
• Siglo IV a. C.
• Estilo griego clásico.
• Talla en mármol.
• 2,13 m. de altura.
• Templo de Hera en
Olimpia (hoy en el Museo
Arqueológico de Olimpia)

• Composición:
 La obra destaca por la calidad del modelado, la flexibilidad
de las figuras y la delicadeza de las superficies (típico del
autor)
 La curva praxiteliana de Hermes (como una s invertida)
huye de la verticalidad y da ligereza a la figura. La cadera
está elevada y los músculos está definidos por lo que la
escultura pierde tensión y gana sensualidad.
 Como contraste, vemos la línea vertical que marca el
pequeño Dioniso y la túnica, cuyos pliegues caen de
manera natural (ya no son paralelos como el friso de las
Panateneas)
 En referencia al futuro del pequeño, su hermano, que le
sostiene con el brazo izquierdo, le da una uva con el
derecho. (esto no se conserva).
• Contenido: Sémele y Zeus-> Rayo-> lo esconde en su
muslo. Hermes lo disfraza de cabrito para que no lo
encuentre Hera -> Lo lleva a las Ninfas del Monte Nisa.
Encuentra la vid.

• Comentario:
 Obra del periodo de máximo esplendor del arte
clásico. Es el paso entre la severidad anterior. Este
cambio lo inician el propio Praxiteles, Escopas y Lisipo.
Praxiteles apuesta por la suavidad, la armonía, la
representación de los sentimientos y el aumento de la
expresividad.
Las obras de Praxiteles representan adolescentes
graciosos y bellos, dioses de aspecto humanizado. A
pesar de estar muy alejado del estilo helenístico
posterior, ha sido considerado como el precursor de
estos cambios que dieron lugar a esculturas que
muestran emociones y sentimientos.
El canon de Policleto influyó en las estatuas de
Praxiteles.

Apoxiómeno
• Lisipo
• Siglo IV a. C.
• Griego clásico.
• Fundición (Copia: Talla)
• Bronce (Copia: mármol).
• 2.05 m.

Composición
• La escultura inclina y gira ligeramente la cabeza
para mirar a lo lejos. Eleva los brazos a la altura
de los hombros y con la mano izquierda desliza el
strigilis para limpiarse. Ambos brazos están
tensos pero uno se dobla mientras otro está
estirado.
• La figura se apoya, en primer término, sobre la
pierna izquierda, pero la otra no está relajada y
situada hacia atrás como era habitual, sino que se
desplaza hacia la derecha y contribuye a
sustentar la estatua.
• El cuerpo está aún sometido al principio de la
frontalidad, pero el brazo extendido invita a girar
en torno a él y ofrece, múltiples visones.

• Contenido :El que se quita el aceite”-> Atleta
joven, de pie y desnudo que, tras competir, se
quita el polvo con el strigilis.
• Comentario: la esbeltez de la figura es fruto de
la aplicación del nuevo canon de Lisipo, según
el cual la cabeza debía ser 1/8 del cuerpo. Así
estiliza el canon de Policleto (cabeza, 1/7 del
cuerpo). Lisipo fue el escultor de las cortes de
Filipo II y de Alejandro Magno. El orinar en
bronce se conservó mucho tiempo en las
termas de Agripa de Roma.

Victoria de Samotracia
• Autor desconocido
(Escuela de Rodas)
• Siglo III – II a. C.
• Griego helenístico.
• Talla.
• Mámol de Paros.
• 2,45 m.
• Museo del Louvre.

Composición.
• Es una obra original, en bulto redondo, tallada en mármol,
procedente del Santuario de Cabiros, en Samotracia.
• Observamos movimiento, conseguido al descansar el peso
de la figura sobre la pierna derecha mientras la izquierda va
hacia atrás, moviéndola en una suave y larga ondulación.
También en los infinitos pliegues del ligero vestido que
fluyen y se pegan alrededor del cuerpo, que no solo
insinúan y realzan las bellas formas redondeadas , sino que
aumentan la sensación de paños que vuelan.
• La composición es abierta, las líneas eje de la obra son las
diagonales y curvas, que producen desequilibrio.
• De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas
curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran
línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la
perdida cabeza.

• El modelado de las formas está conseguido con gran
expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los
efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con
un estudio anatómico de gran habilidad técnica dándonos un
preciso análisis de la anatomía femenina, que deja ver el
ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo.
• El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando
violentos contrastes de luz y sombra y dándonos las diferentes
texturas (telas, plumaje de las alas, etc)
• Contenido: Se trata de una Niké o Victoria, y nos la
representan como una mujer con alas que acaba de posarse
sobre la proa de un navío, mantiene las alas desplegadas y sus
ropas se pegan al cuerpo por el viento marino. Se esculpió
para conmemorar una batalla naval en que los rodenses
vencieron a Antíoco III de Siria. Simboliza el triunfo.

• Comentario: En resumen la obra presenta las características del
arte helenístico, último periodo de la escultura griega y que
podemos resumir en:
Complicación compositiva
Ilusionismo escenográfico, grandiosidad y ruptura de la
proporción clásica, realismo, ruptura del equilibrio
Gusto por el movimiento, la tensión dramática, sensualidad
y belleza
Habilidad técnica.
• El autor se basa en modelos clásicos anteriores, percibiéndose la
influencia de Fidias en la técnica de paños mojados, pero con más
realismo.
• La obra, una de las más bellas del mundo antiguo, se atribuye a
Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas, una
de las principales de la etapa helenística (siglos III-II-I a.C). De la
Escuela de Rodas podemos destacar obras como el Coloso de
Rodas, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y Laocoonte y
sus hijos y El toro Farnesio.

Venus de Milo
• Autor desconido.
(Escuela neoática)
• Finales del siglo II a. C.
• Griego helenístico.
• Talla.
• Mármol.
• 2,02 m.

• Escultura figurativa de carácter naturalista, de bulto redondo, en pie y
tallada en mármol de Paros, en su origen estuvo policromada. El tema
tratado es mitológico representando a través de un semidesnudo
femenino a la diosa Afrodita.
• Se observa una búsqueda de movimiento y dinamismo que se contrapone
con el equilibrio de la etapa clásica. Así, la Venus de Milo se muestra con
un marcado contrapposto que le confiere una forma sinuosa a la
escultura.
• La composición es claramente abierta, a pesar de la ausencia de los
brazos, el autor utiliza una composición helicoidal o con forma
serpentinata, realizada con un suave y equilibrado giro del cuerpo hacia su
izquierda, que invitan al espectador a buscar múltiples puntos de vista.
• El estudio anatómico femenino es detallado y elegante y de proporciones
armoniosas, con volúmenes naturales que se alejan del geometrismo del
primer clasicismo como en el Doríforo de Policleto.
• La técnica es refinada dando lugar a numerosas texturas, en particular
destacan la suavidad y blandura de la piel de Venus, que se contrapone
con los abigarrados pliegues de la túnica que cubren sus piernas, creando
violentos contraste de luces y sombras que ayudan a reforzar el
dinamismo de la imagen. El rostro se muestra sereno, siguiendo la
tradición clásica, huyendo de la expresión de las emociones.

Contenido.
• No conocemos muy bien la función de la
imagen ni el lugar al que estuvo destinada
originalmente. No obstante, Afrodita o Venus,
fue siempre una de las diosas que recibieron
mayor veneración en la Antigüedad Clásica, ya
que representaba el amor. Seguramente tuvo
alguna función votiva o de ofrenda.

Comentario.
• El periodo helenístico introduce numerosas novedades en la representación
escultórica de la Antigüedad, las conquistas de Alejandro llevaron nuevas
influencias a la Hélade y se formaron diferentes escuelas que exploraron en mayor
o menor medida todas estas innovaciones. Entre las principales características del
helenismo podemos citar un mayor interés en la expresión del movimiento, así
como una búsqueda de la representación de las emociones, como el dolor, el
sufrimiento o el patetismo. Los temas son más variados, ya que a los mitológicos
se añaden otros, a veces anecdóticos o cotidianos, otras veces se busca la fealdad
como en la vieja ebria, también comienza a cultivarse el retrato, y cuando se
representan dioses tienden a ser reflejados de forma más humana. La Escuela
Neoática, es la que sigue más fiel a los principios del arte clásico, y normalmente
quedan reflejadas aquellas características de los artistas postclásicos como
Praxíteles, Lisipo y Scopas, así la Venus de Milo, con un mayor movimiento que en
momentos anteriores, sigue representando el dominio de las emociones a través
de un rostro sereno, y representa una mirada hacia el ideal clásico de belleza. Se
humaniza a la diosa mostrándola en un momento cotidiano, seguramente saliendo
o entrando al baño, lo que justifica su desnudez. La Venus de Milo, descubierta a
mediados del siglo XIX tuvo una gran influencia en el Neoclasicismo donde fue
considerada un paradigma de la belleza femenina clásica.

friso del altar de Zeus en Pérgamo
(detalle de Atenea y Gea)
• Desconocido.
• Siglo II a. C.
• Pergamonmuseum,
Berlín.
• Griego helenístico.
• Mármol.
• 69 m. x 77 m. (se
conserva 36,44 m.
x 34,29 m)

Composición:
• Es el mayor altar de la antigüedad, consagado
a Zeus, atribuido a la escuela de Pérgamo.
• Destaco por su monumentalidad y por dotar a
la arquitectura de un sentido teatral.
• Fue erigido por el rey Eumenes II para
conmemorar las victorias contra los celtas.
• El friso decoraba las paredes exteriores del del
podio. A lo largo de 120 m se relata la
Gigantomaquia (lucha entre dioses y gigantes)

• Es un altorelieve de 2,28 m. de altura. Las figuras
muestran un gran patetismo. Es un conglomerado de
figuras que se retuercen dramáticamente y muestra
escorzos que rompen la linealidad del friso.
• Los rostros torturados de los vencidos rompen con la
serenidad clásica de los dioses.
• En el friso trabajaron más de 40 escultores que
unificaron su trabajo de tal manera que es imposible
distinguir individualidades.

Contenido:
• La Gigantomaquia, en el friso exterior, narra la
lucha ente dioses y gigantes.
• En el lado este, Atenea alza, cogida por el cabello,
al gigante Alcioneo; la diosa sabe que este
perderá la fuerza cuando sus pies dejen de tocar
el suelo. Alcioneo lucha por escapar pero atenea
le tiene bien atrapado. Gea, madre del gigante,
implora piedad a la diosa guerra, brotando
dramáticamente de la tierra y extendiendo el
brazo hacia ella. Es un gesto inútil porque la
Victoria alada ya se acerca para coronarla.

Comentario:
• El tema elegido da a entender que, igual que los
dioses vencieron a los gigantes, el rey Eumenes II
venció a los invasores celtas.
• El friso recuerda al frontón occidental del
Partenón. La pretensión del soberano de
Pérgamo era, pues, proclamarse heredero
cultural de los atenienses clásicos.
• Esta obra rompe con el clasicismo griego y
plasman la expresión del sufrimiento, tanto físico
como espiritual.
• Esta escuela fue imitada en todo el mundo
helenístico.

Laocoonte y sus hijos.
• Agesandro, Polidoro y
Atenodoro.
• Griego helenístico.
• Escuela de Rodas.
• Copia romana.
• Siglo III – II a. C.