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Índice
• Introducción
• Antonio Canova
• Auguste Rodin
• Thorvaldsen
• Vincent Van Gogh
• Claude Monet
• Camille Pissarro
• Francisco de Goya
• Edgar Degas
• Santiago de Calatrava
• Antonio Gaudi
• Mary Cassatt
• Berthe Morisot
• Henri de Toulousse
Lautrec
• George Seurat
• Paul Gauguin
• Paul Signac
• Le Courbusier
• Edouard Manet
• Francisco Toledo
• David Alfaros Siqueiros
• José Clemente Orozco
• Diego Rivera
• Rufino Tamayo
• Conclusiones
• Referencias
Introducción
• En la presentación se abordaran distintos
autores del arte de los siglos XIX y XX,
pertenecientes a distintos estilos y
vanguardias; desde el neoclasicismo hasta
el postimpresionismo, sin olvidar el arte
que se dio en México.
• Se revisaran obras de escultura,
arquitectura y pintura según el artista
abordado.
• Comenzaremos con algunos artistas cuyo
ramo es la escultura como son; Antonio
Canova, Auguste Rodin y Thorvaldsen.
• Continuaremos con algunos impresionistas
y postimpresionistas como; Van Gogh,
Monet, Pissarro, Degas, Seurat, Signac y
Manet.
• Después seguiremos con arquitectos como;
Calatrava, Gaudi y Le Courbusier.
• Finalizamos la presentación con los artistas
mexicanos; Toledo, Siqueiros, Orozco,
Rivera y Tamayo.
Antonio Canova
(1757-1822)
• Escultor italiano
• Junto con Bertel Thorvaldsen, fue uno de los exponentes máximos
de la escultura neoclásica.
• Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles.
• En Roma , 1781, fomentó la recuperación del gusto por los estilos
romano y griego antiguos.
• Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa
Paulina Bonaparte Borghese como Venus.
• Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a
París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio
italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia.
• También realizó encargos en Inglaterra.
• Murió en Venecia.
Apolo coronándose a sí mismo
Antonio Canova
(1781)
Mármol. 84.77 cm.
Paul Getty Museum. Los Angeles
Paulina Bonaparte
Antonio Canova
(1807)
Mármol. 185 cm.
Galería Borghese. Roma
Paulina Bonaparte Borghese como Venus,
reclinada en un diván con una serena
sensualidad.
Hércules y Lichas
Antonio Canova
(1815)
Mármol. 350 x 152 x 212 cm.
Galleria d'Arte Moderna. Roma
A causa de la poderosa
musculatura de
Hércules, produce una
impresión de fuerza.
Eros y Psique
Antonio Canova
(1793)
Mármol. 155 x 168 x 101 cm.
Museo del Louvre. París
Las tres gracias
Antonio Canova
(1815-1817)
Mármol
Magdalena
penitente
Antonio Canova
1796
Mármol, 94 cm
Teseo lucha con el
centauro
Antonio Canova
(1804-1819)
Mármol
Museo de Bellas Artes de Viena.
Hebe
Antonio Canova
(1816-1817)
Mármol
Auguste Rodin
(1840-1917)
• Escultor francés.
• Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del
modelado y la textura.
• Uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.
• Hijo de un oficial de policía.
• Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en
el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.
• Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest
Carrier-Belleuse.
• Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de
una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.
• Se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción
muscular en las obras del renacimiento; Donatello y Miguel Ángel.
• Para Rodin, la belleza consistía en una representación fidedigna del
estado interior por lo que distorsionaba sutilmente la anatomía.
Hombre dando un paso
Auguste Rodin
(1877)
Yeso. 34 pulgadas.
Museo Rodin. París
• Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos
estilos.
• El estilo más característico revela una dureza
deliberada en la forma y un laborioso modelado de
la textura.
• El otro estilo está marcado por una superficie pulida
y la delicadeza de la forma.
• Rodin produjo algunas esculturas importantes entre
1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente
Hombre con la nariz rota.
• Su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición
en el Salón de su desnudo masculino La era de
bronce, que levantó controversia dado su
extremado realismo y provocó la acusación de que
Rodin había hecho moldes de yeso a partir de
modelos vivos.
Puertas del infierno
Auguste Rodin
(1917)
Bronce
6 x 4m x 1 de profundidad
Museo Rodin. París
La puerta representaba
principalmente escenas del
Infierno, la primera parte de la
Divina Comedia de Dante.
Tratando de realizar una gran
alegoría del amor y la condena
Contiene 180 figuras
cuyas dimensiones
fluctúan entre los 15 cm
y más de un 1 m.
Romanticismo y simbolismo
• En 1880, su desnudo San Juan Bautista, que
resaltaba las cualidades humanas del sujeto,
acrecentó su reputación.
• En 1880 comenzó a trabajar en las Puertas
del infierno, una puerta de bronce esculpido
para el Museo de las Artes Decorativas de
París.
• No completó las Puertas del infierno, pero
creó modelos y estudios de muchos de sus
componentes escultóricos, siendo todos
ellos aclamados como obras
independientes.
• Entre estos trabajos se encuentran El beso,
Ugolino, El pensador, Adán y Eva.
El beso
Auguste Rodin
1886
Mármol. 1,90 x 1,20 x 1,15 m.
Museo Rodin. París
En principio fue llamada Francesca da Rimini,
nombre de uno de los personajes del Infierno
de Dante, que se enamoró del hermano de su
marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados
mientras leían juntos la historia de Lanzarote y
Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por
el marido de Francesca.
El pensador
Auguste Rodin
1900Bronce
1,98 x 1,29 x 1,34 m
Museo Rodin. París
El pensador, en su origen, buscaba
representar a Dante frente a Las Puertas del
Infierno, ponderando su gran poema.
La escultura es un desnudo, ya que Rodin
deseaba una figura heroica al estilo de
Miguel Ángel para representar tanto el
pensar como la poesía.
• En 1886 terminó Los burgueses de Calais.
• Produjo numerosos retratos en los que se
revelan los estados emocionales de los
sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo
entero de los escritores franceses Honoré
de Balzac y Victor Hugo, así como del
pintor Jules Bastien-Lepage.
• Hizo bustos de los artistas franceses Jules
Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de
Chavannes.
• Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de
noviembre de 1917.
• Una parte de su obra puede verse en el
Musée Rodin, de París.
Los burgueses de Calais
Auguste Rodin
(1895)
Bronce. 0,82 x 0,94 x 0,75 m.
Museo Rodin. París
Esta escultura es un
monumental grupo en
bronce en el que se
representa a los seis
burgueses que en 1347,
al inicio de la Guerra de
los Cien Años (1337-
1453), se ofrecieron a
dar sus vidas para
salvar a los habitantes
de la sitiada ciudad
francesa de Calais.
• Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares.
• No se presenta jerarquía alguna en el grupo.
• Los hombres dirigen sus miradas a puntos diversos.
• Cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos
permanecen tranquilos.
• Las figuras forman un grupo compacto sin embargo permanecen libres entre
ellos.
• Las figuras están a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendas y sus
desproporcionadamente grandes manos y pies.
• Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador.
• Cada rostro refleja rasgos individuales y da la impresión de sentimientos
variados —resolución, angustia, apatía—
• Rodin expresa con realismo a seis hombres que han sobrevivido un sitio de un
año y que ahora dan su primer paso hacia la muerte. Algunos se inclinan, otros
se toman la cabeza, todos dudan.
• Con su realismo épico la escultura se opone al rígido academicismo del siglo XIX
pero también se mantiene libre tanto de los rápidos momentos de los
impresionistas como de la verdad cruda de los realistas.
Los burgueses de Calais, la escultura
Honoré de Balzac
Auguste Rodin
(1897)
Bronce. 3,0 x 1,2 x 1,2 m.
Museo Rodin. París
Bertel Thorvaldsen
(1770-1844)
• Escultor danés que nació en Copenhague.
• Hijo de un tallador de madera islandés.
• Estudió en la Academia de Copenhague y en 1797 se trasladó a
Italia para estudiar la escultura clásica.
• Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes
del neoclasicismo.
• En Roma disfrutó de un considerable patronazgo, y su obra llegó a
alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40
personas para ayudarle a finalizar los encargos.
• En 1820 volvió temporalmente a Copenhague con el fin de
comenzar la planificación del conjunto decorativo a base de
estatuas de mármol y relieves para la nueva iglesia de Nuestra
Señora.
• Sólo las figuras de Cristo y San Pablo fueron esculpidas por
Thorvaldsen, el resto fueron realizadas por los miembros de su
taller sobre los modelos del maestro.
• Entre su producción sobresalen relieves
alegóricos y esculturas de temática
clásica, como Cupido y Psique.
• A él se debe la Tumba de Pío VII y la
célebre escultura al aire libre El león de
Lucerna.
• El Museo Thorvaldsen en Copenhague,
construido (1839-1848) en estilo
neoclásico, contiene su colección de
escultura antigua y numerosas obras de
su propia producción.
Cupido y Psique
Bertel Thorvaldsen
(1807)
Mármol. 247 cm.
Thorvaldsen Museum.
Copenhague
El león de Lucerna
Bertel Thorvaldsen
(1821)
Roca tallada. 6,80 m.
Urbana. Lucerna
Este monumento conmemora el
sacrificio de más de seiscientos
guardias suizos que murieron
defendiendo las Tullerías durante
la Revolución Francesa.
El monumento representa a un
león moribundo que yace sobre
símbolos rotos de la monarquía
francesa.
Zeus y Ganimedes
Bertel Thorvaldsen
(1817)
Mármol. 93,3 x 118,3 cm.
Thorvaldsen Museum.
Copenhague
Zeus y Ganimedes
• Tema: El tema clásico elegido es Ganimedes dando de beber a Zeus,
convertido en águila.
• Ganimedes: La mitología atribuye a Ganimedes el papel de dar de
beber a los dioses en el Olimpo. Resulta que fue el objeto de deseo
del dios Zeus y, como era habitual, éste se transformó en águila para
satisfacerlo y lo raptó.
• Joven: El joven es representado como casi un niño, por eso la
musculatura parece aún no formada y la cara es tan infantil. La
mitología habla de que Ganimedes era un niño cuando fue raptado y
así se quedó en el Olimpo.
• Frialdad: La forma de representar los protagonistas de la escena es
muy fría y sin emociones, aunque el tema sea dramático ya que es un
rapto.
• Clasicismo: La mirada hacia la Antigüedad se ve bien en Thorvaldsen,
que es uno de los protagonistas del neoclasicismo junto a Antonio
Canova. A diferencia de él, Thorvaldsen defendió un arte más frío, no
tan en contacto con el Barroco como el primero.
Jasón con el vellocino de oro
Bertel Thorvaldsen
1828
Mármol. 242 cm.
Thorvaldsen Museum. Copenhague
Vincent Van Gogh
(1853-1890)
• Pintor postimpresionista holandés.
• Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra
influyó de forma decisiva en el movimiento
expresionista.
• Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-
Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.
• Desde su juventud demostró tener un
temperamento fuerte y un carácter difícil que habría
de frustrar todo empeño que emprendía.
• A los 27 años ya había trabajado en una galería de
arte, había dado clases de francés, había sido
estudiante de teología y evangelizador entre los
mineros de Wasmes, en Bélgica.
• Si hay un personaje en la historia del arte que
responda al prototipo de genio loco, solitario, con
devoción absoluta hacia el arte, ese es Vincent van
Gogh.
• Fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin.
• No se decidió a dedicarse profesionalmente a la
pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad.
• Solamente tuvo 10 años de vida artística.
• Realizó más de 800 cuadros, y numerosos dibujos.
• Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias
de los impresionistas, del divisionismo y de los
simbolistas. No adoptó plenamente ninguna de
estas influencias, sino que las adaptó para conseguir
una personal forma de expresión.
• Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre
todo, para el movimiento expresionista.
Con mi trabajo he procurado dar a
conocer a estas pobres gentes, que, a la
luz de su lámpara, comiendo sus patatas,
tomando el plato con las manos, las
mismas que han cavado la tierra en la
que han crecido las patatas...
Vincent a Theo
Los comedores de patatas
Van Gogh (1885)
Los comedores de patatas
• En esta obra hay una clara intención de denuncia social, de
atribución al arte de una función moral.
• Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el
sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones.
• Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan
los personajes elige una paleta oscura, con tonos marrones y
pardos.
• El dibujo es enérgico, de gruesos trazos, resaltando los duros rasgos
de los rostros y las formas recias de las manos.
• La iluminación contribuye a remarcar el dramatismo de la escena, y
sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes.
• Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación
por lograr efectos de luz, que por conseguir efectos expresivos a
través del color.
Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero
reproducir exactamente lo que tengo delante
de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente
del color para expresarme con más fuerza.
Vincent a Theo
De París a Arles
• En marzo de 1886 Vincent llegará a París,
donde continuará su formación artística.
• En el taller del pintor Cormon conocerá a
Toulouse-Lautrec, Bernard, Seurat, Signac,
Pissarro, Gauguin.
• El conocimiento que adquiere de las nuevas
tendencias impresionistas, divisionistas y
simbolistas le sirven para aclarar su paleta, y
experimentar con el uso arbitrario del color
con fines expresionistas.
Retrato de Père Tanguy
Vincent Van Gogh
(1887-88)
•Père Tanguy, -comerciante de material para
pintores- muy conocido entre los impresionistas.
•El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo
vigoroso. En el fondo, repleto de estampas
japonesas, hay un fuerte colorido.
•Van Gogh emplea una pincelada suelta,
alargada y empastada, que será su marca
identificativa en adelante.
•La línea roja del contorno de Tanguy contrasta
con los verdes que predominan en el contorno.
•También en las manos y barba hay toques de
verde.
•Este uso arbitrario del color (la piel no es verde)
en beneficio de la expresión del artista también
será constante a lo largo de su obra.
Quería ver una luz diferente; creí que
observar la naturaleza bajo un sol más claro
podría dar una idea más cabal de la manera
en que sienten y dibujan los japoneses.
Vincent a Theo
El puente de Langlois
•La influencia de las estampas
japonesas es decisiva.
•Plasmación de la limpia atmósfera
provenzal.
•Las pinceladas alargadas y
empastadas se alternan
magistralmente en tonos fríos y
cálidos para configurar el reflejo del
puente sobre el agua.
•La sensación de profundidad se
consigue aclarando el azul cerca de
la línea del horizonte.
•La diagonal de la ribera en la
esquina inferior derecha aporta
dinamismo a la composición y
acerca al espectador a la
contemplación del paisaje.
Van Gogh
(1888)
• El puente, símbolo de paso, de transición entre la
juventud y la madurez, es un tema enormemente
sugestivo, que había apasionado a los
impresionistas de la vieja escuela.
• Van Gogh ha añadido dos cipreses, símbolo de la
muerte, hacia los que se dirige la carreta y la
mujer que está sobre el puente.
• ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la
izquierda (detrás) de los cipreses?
• Van Gogh, que era un maestro de la sugestión
simbólica, transforma una estampa
aparentemente anodina en una alegoría de la vida
como camino hacia la muerte.
El puente de Langlois
En mi cuadro Café de noche he intentado
expresar que el café es un lugar en el que uno
puede arruinarse, volverse loco, cometer un
crimen.
Vincent a Theo
Café de noche interior
El objetivo de Vincent
era transmitir, mediante
el color, una atmósfera
de soledad y
degradación.
El cuadro es una
auténtica sinfonía de
uso arbitrario del color a
base de pares de
complementarios.
Van Gogh
(1888)
Café de noche interior
• Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa
de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el
rojo de las paredes.
• Van Gogh se muestra más comedido en la
contraposición del azul de los veladores con el
naranja de las sillas.
• Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito
a su hermano Theo que buscaba «crear una
atmósfera de horno infernal, de azufre desvaído,
para expresar el poder de las tinieblas de un
tabernucho.»
• En esta escena de interior, la luz proviene
únicamente de las lámparas del techo, y de la
habitación que se abre en la pared del fondo.
• En esta atmósfera asfixiante aparecen varios
parroquianos juntos en el mismo local, pero en una
pesada soledad.
Café de noche exterior
Vincent se olvida de la sordidez y la
sordidez para centrarse en la
alegría de disfrutar de un rato
agradable en buena compañía.
Hay una especie de lucha entre la
iluminación natural de un
maravilloso cielo estrellado y la luz
artificial de la lámpara de gas que
ilumina la terraza.
Van Gogh
(1888)
• En este caso, la contraposición de
complementarios es entre el azul-violeta (del
cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de
la tarima, la pared y la parte inferior del toldo)
• La composición es más clásica, con una
perspectiva con el punto de fuga en el centro.
• El verde de un árbol recortado en la parte
superior derecha, así como el portal también
cortado en la parte izquierda facilitan la
sensación de inmersión del espectador en la
agradable plaza.
Café de noche exterior
Esta vez se trata simplemente de mi
dormitorio; por lo tanto, solamente el color
debe hacerlo todo.
Vincent a Theo
La habitación de Vincent en Arles
Vincent Van Gogh
1888
Óleo sobre lienzo.
72 x 90 cm.
Rijksmuseum Vincent
Van Gogh. Amsterdam
• Transmite un uso expresivo del color: la silla era más
oscura, pero la pinta amarilla.
• El suelo era de baldosas rojizas, que se transforman
en un color rosa terroso.
• Las paredes eran blancas, pero Vincent, para reforzar
la viveza del color elige para ellas un azul claro,
complementario de los naranjas y amarillos
predominantes en los objetos.
• Los toques de rojo en la manta de la cama y de
amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza
al conjunto.
• Al marcar el dibujo en negro, se consigue enfatizar
aún mas el uso de los colores llenado los objetos.
La habitación de Vincent en Arles
• La pincelada es tremendamente pastosa.
• Con frecuencia pintaba con los colores extraídos
directamente del tubo, sin mezclas.
• Al aplicar el color sigue la veta de la madera, reforzando su
presencia.
• En cuanto a la composición, la perspectiva y el tamaño
relativo de los objetos están deliberadamente
distorsionados.
• Las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de
120 grados, por lo que la mesa está paralela a la pared del
fondo.
• Esto explica que la cama parezca más cercana al fondo en
nuestra parte izquierda que en la derecha, dejando sitio
para la percha con las ropas.
• Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas
de objetos (dos almohadas, dos pares de cuadros, dos
sillas...) una plasmación simbólica de los deseos de afecto
del artista.
La habitación de Vincent en Arles
Noche estrellada sobre el Ródano
La convivencia de las estrellas en el cielo,
con los reflejos de las luces de lámparas de
gas de la ciudad de Arles sobre el agua del
río Ródano es sencillamente maravillosa.
En la parte inferior un detalle conmovedor;
en palabras del propio Vincent en una carta
a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de
enamorados en primer plano».
Pero no son dos enamorados cualquiera:
mirados con atención resultan ser una
pareja de ancianos que pasean a la luz de
las estrellas. Próximas a ellos, hay unas
barcas en el recodo del río. Esta obra
emana una poesía que cala hasta en los
espíritus menos sensibles. Van Gogh
(1888)
En el psiquiátrico
• Entre finales de octubre y finales de diciembre de
1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose
en la casa alquilada por Vincent.
• Tuvieron una turbulenta relación de colaboración
artística.
• Charlaban, con frecuencia acaloradamente,
intercambiando opiniones.
• A finales de diciembre Vincent, presa de un ataque
psicótico intentó agredir a Gauguin, que, asustado
se fue a pasar la noche a un hotel.
• Arrepentido, Vincent se cortó el lóbulo de su oreja
izquierda, y salió hacia un burdel en busca de su
amigo, para ofrecérselo como muestra de
arrepentimiento.
En el psiquiátrico
• Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles.
• Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital
psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy.
• Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos
(con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba.
• Está probado que estos ataques en nada influyeron
sobre Vincent para la creación directa de cuadros.
• El artista con frecuencia establecía un plan previo que
ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis.
Los cipreses me preocupan siempre (...) me
sorprende que nadie los haya pintado todavía
como yo los veo. En cuanto a líneas y
proporciones un ciprés es bello como un
obelisco egipcio.
Vincent a Theo
La noche estrellada
La composición de este
cuadro está marcada por la
presencia de los cipreses, que
se alzan como dos llamas
negras sobre un cielo
estrellado con la luna en
cuarto menguante al fondo.
La línea del horizonte está
baja, dando el protagonismo
al cielo. La presencia
imponente de los cipreses a la
izquierda queda equilibrada
por la de la luna, a la derecha.
Van Gogh
(1889)
• La pincelada de Vincent en esta etapa
seguía siendo pastosa y alargada, pero ya
había evolucionado hacia grandes espirales
y remolinos, que intensificaban la sensación
de dramatismo en sus obras.
• Hay un contraste entre la verticalidad de los
cipreses y la horizontalidad predominante
en el cielo estrellado.
• Los cipreses cumplen la función de dotar al
cielo estrellado de su verdadera
profundidad y dimensión.
La noche estrellada
La ronda de los presos
Van Gogh
(1890)
Detalle
La ronda de los presos
• Este cuadro es un maravilloso ejemplo de la
extraordinaria capacidad de van Gogh para
transmitir a las imágenes una carga simbólica
estrechamente unida a sus estados de ánimo.
• En la obra aparecen un grupo de presos
caminando en círculo, bajo la vigilancia de unos
guardias, dentro de los altos muros de una
prisión.
• Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el
tema de la obra.
• Los únicos elementos de color son el rojizo de los
ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.
La ronda de los presos
• Según Crepaldi algunos críticos han creído
identificar al propio Vincent en el preso rubio
que mira al espectador.
• El mensaje de Van Gogh parece más nítido si a
ello unimos las dos mariposas blancas, símbolo
de la libertad, que parecen elevarse entre los
muros de la prisión.
• La capacidad expresiva de Van Gogh para
retratar su propio mundo interior alcanza una
cima en esta obra, que puede ayudar a entender
cómo se sentía en esa etapa de su vida.
Bueno, mi trabajo; arriesgo en él mi vida, y mi
razón se ha hundido en él hasta la mitad.
Vincent a Theo
en una carta que portaba el día que murió
El final de su vida
• Quizá impresionado por cuadros como La ronda de
los presos, Theo se decidió a seguir el consejo de
Pissarro y trasladar a Vincent al norte.
• Después de pasar un año en Saint-Rémy, Van Gogh
estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers-
sur-Oise, un pueblecito cerca de París.
• Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet,
médico homeópata aficionado a la pintura y
conocido de los impresionistas.
• Los cuidados del doctor parece que iban dando sus
frutos, pero Vincent seguía teniendo alucinaciones,
y un día decidió salir al campo y se disparó en el
pecho.
• Murió dos días después, que los pasó fumando en
pipa junto a Theo.
Campo de trigo con cuervos
Vincent Van Gogh
Museo Nacional Van Gogh, Amsterdam
Óleo sobre lienzo, 50.5 cm. x 103 cm.
• Sobre esta pintura hay algunos malos
entendidos.
• No es la última obra de Vincent .
• El carácter del cuadro y el hecho conocido
del suicido de Vincent días más tarde incitan
a pensar en ello.
• El cuadro está vigorosamente pintado con
espátula.
• Destaca la inquietante presencia del vuelo
de los cuervos sobre el agitado trigal, con
un turbulento y sombrío cielo como telón
de fondo.
Campo de trigo con cuervos
• En la interpretación del cuadro, otro malentendido: la
función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la
muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent.
• Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo
pictórico.
• Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar
una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los
cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo.
• En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales,
resulta atractivo especular sobre su significado. Hay
quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la
incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su
vida. Según este punto de vista los tres caminos
representarían el pasado, presente y futuro de la vida del
artista.
• Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh, y en las
grandes obras de arte, la interpretación es una tarea que el
artista deja al juicio del espectador.
La obra de Vincent
• Empaste: La obra pictórica de Vincent Van Gogh se
caracteriza siempre por un uso de la pincelada muy cargado
de pintura. Sus pinceladas son cortas pero cargadas de
material, por lo que da un aspecto tosco a sus cuadros pero
extremadamente cuidado en cuanto a iluminación y colores.
Aunque usa mucha pintura, sabe unir cada tramo para
generar luz nocturna, que tanto le apasionaba.
• Expresión: Van Gogh, precursor de los expresionistas
posteriores, es el artista que mejor ha expresado los
sentimientos en los lienzos. Su carga pictórica reside
fundamentalmente en los colores usados, en la composición
abrupta pero cuidado y, sobre todo, en la melancolía que
impregna su obra.
• Suicidio: Cuando murió, llevaba la carta de suicidio que
ponía: ...en mi trabajo arriesgo mi vida y mi razón, al borde
del naufragio...
Los girasoles
Vincent Van Gogh
1889
Óleo sobre lienzo. 93 x 73 cm.
National Gallery. Londres
Dr. Paul Gachet
Vincent Van Gogh
(1890)
Óleo sobre lienzo. 68 x 57 cm.
Museo de Orsay. París
Autorretrato con
oreja vendada
Vincent Van Gogh
(1889)
Óleo sobre lienzo. 60 x 49 cm.
Courtauld Instituto de Arte.
Londres
Puente de
Gleize
Vincent Van Gogh
(1888)
Óleo sobre lienzo. 46 x 49 cm.
Colección privada. Tokio
Autorretrato
Vincent Van Gogh
1887
Óleo sobre lienzo
42 x 37 cm.
The Art Institute. Chicago
Puente de la Grand Jatte
Vincent Van Gogh
(1887)
Óleo sobre lienzo
32 x 40.5 cm.
Rijksmuseum Vincent van Gogh.
Amsterdam
Vista de París frente a Meudon
Vincent Van Gogh,
(1886)
Óleo sobre lienzo.
54 x 72.5 cm.
Rijksmuseum
Vincent van Gogh
Amsterdam
Naturaleza muerta con Biblia
Vincent Van Gogh
(1885)
Óleo sobre lienzo
65 x 78 cm.
Rijksmuseum Vincent van
Gogh. Amsterdam
La lotería
Vincent Van Gogh. (1882)
Acuarela. 38 x 57 cm.
Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam
Claude Oscar Monet (1840-1926)
• A los 17 años entró en contacto con
Boudin, quien reconoció su talento y le
estimuló para pintar paisajes al aire libre.
• A los 18 años conoce a , Constant Troyon
de la Escuela de Barbizon.
• En la Academia Suisse, conoció a Camille
Pissarro.
• En 1862, Monet ingresa en el taller de
Gleyre. Aquí conoció a Renoir, Sisley, y
Bazille.
• Temas: escenas cotidianas,
la naturaleza cobraba
protagonismo por sí misma,
plasmándose tal y como se
percibía.
En el acantilado
Claude Monet (1873)
Color
• Colores luminosos,
vibrantes, que con
frecuencia yuxtaponían
o mezclaban
directamente sobre el
lienzo.
• Hay color incluso en las
zonas de sombra.
Composición
• Experimentaban con la
composición, haciendo
encuadres audaces de
las escenas que
pintaban.
• En este cuadro de
Monet el encuadre es
muy audaz, desde un
punto de vista
inusualmente bajo.
Pincelada
• Captar la fugacidad del
momento.
• Pincelada rápida y
espontánea.
• Sin preocuparse por un
acabado excesivamente
elaborado.
La merienda campestre
Claude Monet (1865-66) 4,20 m. de alto
La Grenouillère
Claude Monet (1869)
Composición y pinceladas
Pinceladas gruesas alternas
«pincelada descriptiva», con breves
trazos verticales
Pinceladas
redondeadas
• 1870 (Guerra Franco-Prusiana), Monet
se marcha a Londres con su mujer e
hijo.
• Conoce a Paul Durand-Ruel, el
marchante de arte.
• En 1871, Monet se traslada, con su
familia, a vivir a Argenteuil.
• Allí construyó, con ayuda de
Caillebotte, un bote que le servía de
estudio.
Regata en Argentuil
Monet (1872)
Pincelada y color
Los reflejos del agua se
convierten en el lienzo en
gruesas pinceladas
alargadas
El uso de los colores
aporta brillantez por el
uso del contraste de
colores
complementarios
La estación de Saint-Lazare
Claude Monet (1876-77)
Impresión. Sol naciente
Monet (1872)
«Me piden el título para el catálogo; la verdad es que aquello no podía pasar
por una vista de El Havre. Contesté: “¡Pon Impresión!” De ahí se pasó a
Impresionismo y se extendieron las bromas» -- Monet
Serie de Ruán
• Vistas de la catedral de
Ruán, entre 1892 y 1894,
de la que llegó a hacer
más de 40 versiones.
• Son una de las obras
cumbres del
expresionismo, pinceladas
gruesas, imágenes
borrosas, texturas
rugosas; una genialidad
sin duda.
• 1890 Monet compró la residencia de
Giverny.
• En el jardín de Monet en Giverny el
estanque tiene un puente de estilo
japonés y en el agua proliferan los
nenúfares, que serán el tema
predominante de su pintura
prácticamente hasta su muerte en
1926.
Nenúfares y reflejo de nubes
Claude Monet
El puente japonés
Claude Monet
La Japonesa
Madame Monet en kimono
Claude Monet
Camille Pissarro
(1830-1903)
• Pintor impresionista francés.
• Fue el único que participó en las ocho
exposiciones organizadas por los impresionistas al
margen del arte oficial.
• Cuando surgieron las discrepancias dentro del
grupo, Pissarro jugaba el papel de conciliador.
• Definido por Duret como el «pintor de la
naturaleza rústica», Pisarro mostró preferencia
por los temas relacionados con la vida natural y
rural, casi siempre con campesinos dando un
toque de humanidad a sus obras.
Autorretrato
Camille Pissarro
(1873)
Óleo sobre lienzo.
56 x 46,5 cm.
Museo de Orsay. París
• Asociado en un principio con la Escuela de
Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los
impresionistas y tuvo representación en
todas sus exposiciones.
• Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-
1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte
inglés, interesándose sobre todo por los
paisajes de Joseph Turner.
• En la década de 1880, desanimado con su
trabajo, experimentó con el Puntillismo, el
nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los
coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver
a un estilo impresionista más libre.
El camino de
Louveciennes
Camille Pissarro
(1872)
Óleo sobre lienzo.
60 x 73,5 cm.
Museo de Orsay. París
• Pintor del sol y de destellantes juegos de
luz, Pissarro produjo buen número de
tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes,
también pintó escenas callejeras en París
como La calle Saint-Honoré después del
mediodía, efecto de lluvia, Le Havre y
Londres.
• Era un excelente profesor, entre sus
alumnos y colegas se encontraban Paul
Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien
Pissarro y la pintora impresionista
estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue
un artista prolífico, muchas de sus pinturas,
acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de
Luxemburgo en París.
Lluvia en la calle
Saint-Honoré
Camille Pissarro
(1897)
Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza
Naturaleza rústica
• Su afán de independencia y de libertad
consigo mismo le llevó a rechazar los
dogmas académicos al uso. Esto explica que
en la etapa inicial de su carrera esté muy
influido por los paisajes de Corot y de los
maestros de la Escuela de Barbizon.
• Lo mismo que Monet, Pissarro estudió en la
Academia Suisse, donde también conoció a
Cézanne, y a finales de los 60 participaba
regularmente en las tertulias del café
Guerbois, con Manet, Degas, Renoir, etc.
Castaños en Osny
Camille Pissarro, c.1873
• Pissarro compone una cálida escenografía en el que
unas diminutas figuras humanas realizan tareas
agrícolas.
• Los dos pares castaños de ambos lados enmarcan el
paisaje.
• Se crea la sensación de profundidad mediante la
iluminación.
• Mientras en el primer plano dominan las sombras,
en la lejanía el campo está soleado, y los colores
son más claros.
• En la paleta predominan los tonos cálidos,
equilibrados por toque de verde.
• La ausencia de modulación tonal, es suplida por la
habilidad de Pissarro para aplicar los colores puros
en rápidas pinceladas.
Castaños en Osny
Helada
Camille Pissarro
1873
Helada
• Pissarro logra transmitir una sensación de gélida
placidez con el uso que hace del color para la
iluminar el paisaje.
• Se deduce que la escena se desarrolla a primeras
horas de la mañana, porque las sombras todavía son
largas, y cruzan el camino que ha de atravesar el
campesino.
• En el cuadro no aparecen los árboles cuya larga
sombra vemos, ya que la luz proviene de la esquina
inferior derecha del encuadre de sesgo y espaldas al
campesino.
• Es interesante observar el tratamiento de Pissarro de
la luz y la sombra sobre una misma superficie. El
artista, en cualquier caso, casi no usa el negro para
las sombras, que en la parte más alejada son de un
violeta pálido.
Técnica divisionista
• Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro,
siempre abierto nuevas experiencias estéticas
para dar cauce a su creatividad, conoció a Signac
y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que
llamaron puntillismo o divisionismo.
• Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en
pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores
puros (como un mosaico).
• Esta técnica requería de un detallado estudio
previo de las combinaciones de colores más
adecuadas para conseguir el efecto buscado.
Perales en flor en Eragny. Mañana
Camille Pissarro
1886
• En esta obra de estilo divisionista de 1886, es notable la
habilidad de Pissarro para combinar elementos naturales,
como los perales, la pradera y el cielo con elementos
creados por la mano del hombre, como la valla y las casas
del fondo.
• Es evidente que el dibujo no existe, al ser sustituido por el
color aplicado en pequeños toques de pincel de forma
redonda. Es fácil apreciar la pincelada de estilo
divisionista, y el efecto de extrema luminosidad así
conseguido.
• La elección de colores yuxtapuestos, sin duda contribuye
enormemente a dar luminosidad al conjunto. Así, el rojo
y el verde aparecen juntos en la zona del suelo, y el
amarillo y el violeta en el cielo.
• Incluso en la pequeña sombra del árbol de la izquierda
hay pinceladas de un rojo intenso; la sombra es pequeña
porque el paisaje se ha captado por la mañana.
Perales en flor en Eragny. Mañana
Paisajes urbanos
• Desde 1896 hasta su muerte siete años
después, Pissarro abandonó el
divisionismo y retornó a sus orígenes
Impresionistas, pero esta vez dedicado
principalmente a escenas de tipo urbano.
Así, pintó vistas de la ciudad de Ruán y su
puerto, y también de París y sus calles.
Bulevar de
Montmartre
Camille Pissarro
1897
• Pissarro alquiló una habitación del Grand
Hotel de Russie, desde donde dominaba una
magnífica vista sobre el bulevar de
Montmartre.
• Llegó a componer hasta 13 vistas del mismo
bulevar, representando distintas
condiciones atmosféricas, de luz y de estado
de ánimo del artista.
• Lo que tienen en común todas estas obras
es que no hay nada de solemne ni
ceremonial en las vistas: muestran una
ciudad animada, llena de vida, con
movimiento y actividad.
• Con las rápidas pinceladas descriptivas
Pissarro ha captado instantáneamente
esta actividad.
• La composición tiene una estructura
geométrica determinada por la
pronunciada perspectiva de la gran
avenida.
• La dominancia de las diagonales que
confluyen en un punto de fuga que no
está en el centro del cuadro contribuyen
a dar dinamismo a la composición.
El Louvre, mañana
brumosa
Camille Pissarro
(1901)
Óleo sobre lienzo
73 x 92 cm.
Colección Banco de la
República. Bogotá
Francisco de Goya
(1746-1828)
• Pintor y grabador español.
• Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez,
en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura
contemporánea.
• Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un
estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de
mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe
Pío, siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el
momento en que fueron realizadas.
• Goya nació en la pequeña localidad aragonesa el 30 de
marzo de 1746.
• Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre
descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón.
Los fusilamientos del 3 de mayo
Francisco de Goya
(1814)
Óleo sobre lienzo
268 x 347 cm.
Museo del Prado
Madrid
Francisco de Goya
(1746-1828)
• En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde
esperaba ganar un premio en la Academia de San
Fernando (fundada en 1752).
• Aunque no consiguió el premio deseado, hizo
amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu,
pintor de la corte que trabajaba en el estilo
académico introducido en España por el pintor
alemán Anton Raphael Mengs.
• Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse
Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la
formación temprana de Goya y a él se debe que
participara en un encargo importante, los frescos de
la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771,
1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte.
Francisco de Goya
(1746-1828)
• En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en
1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió
en el pintor oficial de Palacio.
• Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que
determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte
muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos
oficiales y los cuadros de historia.
• Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y
trascienden la representación patriótica y heroica para crear una
salvaje denuncia de la crueldad humana.
• Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de
1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la
visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española.
• Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese
momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del
pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.
La familia de Carlos IV
Francisco de Goya
(1801)
Óleo sobre lienzo.
280 x 336 cm.
Museo del Prado. Madrid
• Algunos de los retratos más hermosos
que realizó de sus amigos, de personajes
de la corte y de la nobleza datan de la
década de 1780.
• Obras como Carlos III de cazador, Los
duques de Osuna y sus hijos o el cuadro
la Marquesa de Pontejos , demuestran
que en esa época pintaba con un estilo
elegante, que en cierto modo recuerda
al de su contemporáneo inglés Thomas
Gainsborough.
Carlos III de cazador
Francisco de Goya
(1788)
Óleo sobre lienzo. 207 x 126 cm.
Museo del Prado. Madrid
Los duques de Osuna y sus hijos
Francisco de Goya
(1788)
Óleo sobre lienzo. 225 x 171 cm.
Museo del Prado. Madrid
• Dos de sus cuadros más famosos, obras
maestras del Prado, son, La maja desnuda y La
maja vestida.
• En el invierno de 1792, en una visita al sur de
España, Goya contrajo una grave enfermedad
que le dejó totalmente sordo y marcó un punto
de inflexión en su expresión artística.
• Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte
la primera de sus grandes series de grabados,
Los caprichos, en los que, con profunda ironía,
satiriza los defectos sociales y las supersticiones
de la época.
• Series posteriores, como los Desastres de la
guerra (1810) y los Disparates (1820-1823),
presentan comentarios aún más cáusticos sobre
los males y locuras de la humanidad.
La maja desnuda
Francisco de Goya. (1795)
Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm.
Museo del Prado. Madrid
La maja vestida
Francisco de Goya . (1805)
Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm.
Museo del Prado. Madrid
• Los horrores de la guerra dejaron una profunda
huella en Goya, que contempló personalmente
las batallas entre soldados franceses y
ciudadanos españoles durante los años de la
ocupación napoleónica.
• En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha
contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808,
los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío
• Pinturas que reflejan el horror y dramatismo de
las brutales masacres de grupos de españoles
desarmados que luchaban en las calles de
Madrid contra los soldados franceses.
• Ambas están pintadas, como muchas de las
últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso
empaste de tonalidades oscuras y con puntos de
amarillo y rojo brillante.
La gallina ciega
Francisco de Goya, (1789)
Óleo sobre lienzo. 269 x 350 cm.
Museo del Prado. Madrid
Ferdinand Guillemardet
Francisco de Goya
1800
Óleos obre lienzo
186 x 124 cm.
Museo del Louvre. París
• Sencillez y honestidad directas también se
aprecian en los retratos que pintó en la cúspide
de su carrera, como Carlos IV con su familia,
donde se muestra a la familia real sin la
idealización habitual.
• Las célebres Pinturas negras reciben su nombre
por su espantoso contenido y no tanto por su
colorido y son las obras más sobresalientes de
sus últimos años.
• Originalmente estaban pintadas al fresco en los
muros de la casa que Goya poseía en las afueras
de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873.
• Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un
hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática)
(1821-1823).
Saturno devorando un hijo
Francisco de Goya
(1823)
Pintura mural pasada a lienzo
146 x 83 cm.
Museo del Prado. Madrid
• Predominan los tonos negros, marrones
y grises y demuestran que su carácter era
cada vez más sombrío.
• Posiblemente se agravó por la opresiva
situación política de España por lo que
tras la primera etapa absolutista del rey
Fernando VII y el Trienio constitucional
(1821-1823), decidió exiliarse a Francia
en 1824.
• En Burdeos trabajó la técnica, entonces
nueva, de la litografía, con la que realizó
una serie de escenas taurinas, que se
consideran entre las mejores litografías que
se han hecho.
• Aunque hizo una breve visita a Madrid en
1826, murió dos años más tarde en el
exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828.
• Goya no dejó herederos artísticos
inmediatos, pero su influencia fue muy
fuerte en los grabados y en la pintura de
mediados del siglo XIX y en el arte del siglo
XX.
• Edgar Degas es un pintor particularmente difícil de
etiquetar.
• Su estilo pictórico más que Impresionista, parece
Realista.
• Fue uno de los principales promotores de las
exposiciones del grupo impresionista: sólo dejó de
exhibir sus obras en una de ellas.
• Por otra parte, no pintaba al aire libre, bajo la luz
natural, como sus compañeros impresionistas, sino que
prefería la luz artificial del interior de cafés, locales de
ensayo, teatros, etc.
• Sin embargo, mostraba un claro interés por captar
momentos instantáneos de las escenas que le rodeaban.
Y esto era característico de los impresionistas por
influencia de la fotografía y de las estampas japonesas.
Edgar Degas
(1834-1917)
Los inicios
• Con 17 años entra en el taller de un discípulo de Ingres,
Louis Lamothe, aficionado a los temas históricos.
• Fue una etapa en la que, según la costumbre de la época,
visitó muchas veces el museo del Louvre para hacer
copias de obras de los grandes maestros.
• Dos años después, en 1855, ingresaba en la escuela de
Bellas Artes, pero la abandona poco después para irse a
Italia, donde tuvo ocasión de admirar las obras de Rafael
y Miguel Ángel.
• En esta época tuvo particular devoción por los maestros
venecianos Tiziano, Tintoretto y Veronés, lo que le
llevará a interesarse por la concepción del color de
Delacroix.
• Por tanto, nos encontramos con que muy pronto une el
interés por el dibujo aprendido con Lamothe, con la
pasión por el color defendida por Delacroix.
Ejercicios de jóvenes espartanos
Degas
Retratos
• Durante los años 60, el género que
más cultivó Degas fue el del retrato.
Mostró una gran habilidad y
perspicacia para seguir una de las
reglas de oro de todo buen retratista:
captar la personalidad del retratado
para plasmarla en el lienzo.
Retrato de la familia Bellelli
Edgar Degas
1860
Óleo sobre lienzo.
200 x 250 cm.
Museo de Orsay.
París
Bailarinas
• Si hay un tema con el que se relacione a Degas,
son, sin duda, sus estudios de bailarinas.
• Degas estaba apasionado por el estudio del
cuerpo humano en movimiento. Las bailarinas
preparándose en el camerino para el trabajo,
ensayando o actuando en escena, ofrecían la
oportunidad perfecta para ello.
• Si pintores impresionistas «puros» como Monet
o Renoir conseguían el efecto de inmediatez a
través de la pincelada suelta y la mezcla óptica,
Degas lo alcanzaba mediante el tratamiento del
tema y una cuidadosa composición.
• Decía Degas, que «no hay arte menos
espontáneo que el mío. Lo que hago es
resultado de la reflexión y del estudio de
los grandes maestros; de inspiración,
espontaneidad, temperamento, no sé nada.
Hay que rehacer diez, cien veces, el mismo
tema. En el arte nada debe parecer un
accidente, ni siquiera el movimiento».
• Estudiaba la composición hasta el más
mínimo detalle, y con frecuencia realizaba
numerosos estudios preparatorios.
La clase de
danza
Degas
1874
Óleo sobre lienzo.
85 x 75 cm.
Museo de Orsay. París
Interiores
• Hacia 1868 se incorpora a las tertulias del café
Guerbois, lideradas por Manet. Allí conoce a
Monet, Sisley, Cézanne y Renoir.
• A diferencia de estos impresionistas, Degas no
se siente atraido por la pintura al aire libre,
prefiriendo la pintura de escenas de interior
iluminadas con luz artificial.
• Llegó a decir a sus compañeros impresionistas
«Vosotros necesitáis la vida natural; yo la
artificial».
• Y Degas llegó a desarrollar una habilidad
excepcional para la representación de
escenas de interior.
• Ese entorno más recogido parece que se
prestaba mejor para lo que
verdaderamente apasionaba a Degas: el
estudio del movimiento del cuerpo
humano, captado en momentos
inesperados, y bajo encuadres
tremendamente audaces e inusuales
influidos por la gran afición de Degas por
la fotografía y las estampas japonesas.
El ajenjo
Edgar Degas
1876
Óleo sobre lienzo.
92 x 68 cm.
Museo de Orsay. París
Caballos
• Durante el siglo XIX la burguesía parisina
adquirió la costumbre, de origen británico, de
acudir al hipódromo a las carreras de caballos.
Este es uno de los temas que más frecuentó
Degas. Estaba atraido, sobre todo, por la
oportunidad que ofrecía para estudiar el tema
del movimiento. El desafío consistía en extraer
de un amplio repertorio de gestos y
movimientos su esencia para congelarlos en
una instantánea.
En las carreras. Antes de la
salida
Degas
Santiago Calatrava
1951-
• Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet
(Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo
toda su actividad en sus estudios de Arquitectura
e Ingeniería de París y Zurich.
• Considerado un especialista en el diseño de
puentes -aunque ha realizado trabajos de
diverso tipo- es autor de obras tan conocidas
como el puente del Alamillo y el Pabellón de
Kuwait en la Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre
de comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y
fue uno de los nominados para realizar la
reforma del histórico edificio del parlamento
alemán (Reichstag).
L'Hemisferic
Santiago Calatrava
1999
Ciudad de las Artes y las Ciencias
Valencia (Com. Valenciana)
España, Europa
• En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de
Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición
monográfica a su obra, como también se ha hecho
en otras numerosas ciudades de varios países.
• Recientemente inauguró en Valencia un
espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer
edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y
trabaja también en la estación de Oriente, de
Lisboa, el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación
de Lieja, que será el enlace para las líneas de alta
velocidad del centro de Europa, entre otros.
• Miembro de la Europa Akademie y de la Fazlur
Rhaman Vihan International, ha recibido un gran
número de distinciones, como el premio Augusto
Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el
premio internacional Vereinigungg fur Brückenhan
und Hochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o
el premio FAD de 1988.
Puente Oudry Mesly
(1988)
Santiago Calatrava
Creteil (Ile de France)
Francia, Europa
Estilo
• Hoy se considera a Calatrava como uno de los
arquitectos especializados en grandes estructuras
que se caracterizan por una extraordinaria estética
y armonía.
• Contrariamente a lo que es habitual en muchos
arquitectos, que ocultan las estructuras de sus
edificios, Calatrava, como ingeniero que es, las
convierte en elementos esenciales y en obras de
arte.
• Calatrava ha recibido numerosos premios y
reconocimientos por su trabajo entre los que
destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes
en 1999.
• Ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce
ocasiones.
Estación de Lyon
(1994)
Santiago Calatrava
Lyon (Ródano)
Francia, Europa
• La obra de Clatrava supone una auténtica
revolución en la arquitectura, caracterizada por
la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que
vienen circulando separadas desde el siglo XVIII.
• Calatrava supone un reencuentro con la
tradición constructiva de la arquitectura, con
influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon,
Antonio Gaudí, y las arquitecturas gótica y
romana.
• En un momento en que muchas arquitecturas
hacen gala de una gran vanalidad, y muchas
obras de ingenieria hacen ostentación
involuntaria de una gran ordinariez, Calatrava ha
producido una gran influencia en la arquitectura
contemporánea.
Palau de les Arts
Santiago Calatrava
Ciudad de las Artes y las Ciencias
Valencia (Com. Valenciana)
España, Europa
2005
Antoni Gaudi
(1852-1926)
• Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo
y uno de los principales pioneros de las vanguardias
artísticas del siglo XX.
• Su figura es una de las más sorprendentes de la historia de
la arquitectura, tanto por sus innovaciones, en apariencia
intuitivas, como por su práctica aislada de las corrientes
internacionales e imbuida a menudo en el mero trabajo
artesanal.
• Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en la ciudad
tarraconense de Riudoms, a 5 km de Reus, hijo de un
calderero.
• Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona,
donde se graduó en 1878. Aunque ya colaboró en algunos
proyectos siendo estudiante, su primer encargo como
arquitecto fue la casa Vicens (1883-1888), un edificio
neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.
Sagrada Familia
Antoni Gaudí
1926
Mallorca, 401
Barcelona
(Barcelona - Catalunya)
España, Europa
• Poco después comenzó a trabajar para el
que sería su principal mecenas durante el
resto de su carrera, el empresario textil
Eusebio Güell: primero con las caballerizas
de su finca en Pedralbes, y más tarde con el
palacio Güell (1885-1889) en Barcelona, un
edificio pleno de espacios y formas
innovadoras.
• Durante esta primera etapa de carácter
historicista también construyó algunas
obras fuera de Catalunya, entre las que
cabe reseñar el palacio episcopal de Astorga
(comenzado en 1887) y la casa de los
Botines en León (1891-1892).
Xalet de Catllarás
(1902)
Antoni Gaudí
Pista forestal a la Serra del Catllaràs a
unos 12 Km. del pueblo
Catllarás (Barcelona Pr. - Catalunya)
España, Europa
• En 1883 se hizo cargo de la continuación en
Barcelona del templo expiatorio de la
Sagrada Familia, una catedral neogótica que
modificó totalmente el joven Gaudí.
• Así, en 1891 concluyó las trazas generales
de la iglesia, compuesta por cinco naves y
tres fachadas monumentales, en 1893
decidió concentrar sus esfuerzos en la
construcción de la fachada del Nacimiento,
que no pudo ver completamente concluida,
y en 1908 publicó la primera imagen
definitiva del templo, una especie de
bosque ascendente de elevadas torres.
Villa el Capricho
(1885)
Antoni Gaudí
Carretera de Comillas a San Vicente de
la Barquera, s/n
Comillas (Cantabria)
España, Europa
• A comienzos del siglo XX levantó otras tres obras no menos
sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900-
1914), una obra paisajística jalonada de elementos
arquitectónicos, como la gran sala hipóstila sobre la que se
asienta la plaza principal —conocida como el teatro griego
—, el banco ondulado que delimita esta explanada y los
soportales inclinados sobre los que discurre el viaducto; la
casa Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo
destacado por sus balconadas curvilíneas y por su expresiva
cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas
cerámicas que simulan escamas; y la casa Milá (1906-1912),
conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera
en castellano— por su carácter monolítico, que supone un
hito de la historia de la arquitectura no sólo por su
capacidad expresiva, sino también por las numerosas
innovaciones —como la planta libre o las grandes
proporciones de los vanos— que más tarde caracterizaron a
los maestros del movimiento moderno.
Casa de los botines
Antoni Gaudí
1892
Ancha, s/n
León (Castilla-León)
España, Europa
• Gaudí también fue un destacado diseñador, tanto por
las imaginativas forjas que caracterizan sus balcones
y cancelas, como por el excepcional mobiliario que
fabricó para distintos encargos privados.
• Al igual que sus coetáneos Victor Horta o Henry van
de Velde, practicó la arquitectura desde una
concepción globalizadora, esmerándose en la
concreción de cada detalle y proponiendo el
mobiliario completo de cada vivienda que
proyectaba.
• Entre sus piezas más relevantes se encuentran el
sillón Calvet, la bancada del Parque Güell así como la
silla y el banco Batlló, donde su exuberante genio se
alió a las exigencias ergonómicas en una armonía
insólita, que anticipó en más de medio siglo las
innovaciones del diseño moderno.
• Su obra ejerció innumerables influencias sobre las
vanguardias históricas, entre las que destacan los
paralelismos con el expresionismo alemán y la
herencia recogida por Salvador Dalí y otros artistas
del surrealismo.
• Su desconcertante personalidad destaca en la historia
de la arquitectura como la de un visionario, que
inspiró el camino estructuralista de Pier Luigi Nervi o
Félix Candela tanto como el brutalismo expresionista
de las últimas obras de Le Corbusier.
• Su obra fue menospreciada por sus compatriotas
noucentistas, defensores de un catalanismo basado
en la cordura —el seny— antes que en la aparente
locura del genio mediterráneo.
• Gaudí, que en sus últimos años se recluyó en la
construcción de la Sagrada Familia, murió en
Barcelona el 10 de junio de 1926, atropellado por un
tranvía frente a su inacabada obra maestra.
Finca Miralles
Antoni Gaudí
1902
Manuel Girona, 55
Barcelona (Barcelona - Catalunya)
España, Europa
Mary Cassatt
(1844-1926)
• Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia,
donde se adscribió al grupo de los impresionistas. Nació en
Allegheny City, Pennsylvania.
• En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de
Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia, pero en 1866 se
trasladó a Francia para pintar.
• Hacia 1872, después de estudiar las obras de los museos
más importantes de Europa, se instaló en París y su estilo
comenzó a madurar.
• Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas,
que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas.
• Una de las obras que expuso fue El palco del teatro (1879,
National Gallery, Washington). A partir de 1882 el estilo de
Cassatt dio un giro.
Lydia Cassatt
Mary Cassatt
(1878)
Óleo sobre lienzo.
78.7 x 59 cm.
Joslyn Art Museum. Omaha
Mary Cassatt
• Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron
una gran influencia en su obra, empezó a destacar los
trazos y a experimentar con composiciones asimétricas,
como en Paseo en barca (1893) y con gestos y posturas más
naturales e informales.
• La relación de las madres con sus hijos en escenarios
domésticos se convirtió en su tema característico.
• No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros
de su propia familia.
• En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque
fue una pieza decisiva para la difusión de la obra
impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el
reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en
Francia.
• Después de 1914 abandonó la pintura a causa de
problemas de visión.
Madre e hijo
Mary Cassatt
(1898)
Óleo sobre lienzo. 81.6 x 65.7 cm.
Havemeyer Collection
Dama en la mesa
del té
Mary Cassatt
(1884)
Óleo sobre lienzo
73,4 x 61 cm.
MOMA. Nueva York
Margot en azul
Mary Cassatt
(1902)
Pastel. 61 x 49,8 cm.
The Walters Art Gallery.
Baltimore
Berthe Morisot
(1841-1896)
• Pintora impresionista francesa. Influida por
los artistas Camille Corot y Édouard Manet,
abandonó su primera formación clasicista
en busca de un estilo impresionista muy
personal, caracterizado sobre todo por la
delicadeza y sutileza que supo imprimir a
sus cuadros. Su técnica, basada en grandes
pinceladas aplicadas libremente en todas
direcciones, dio a sus obras unas calidades
transparentes, iridiscentes, tornasoladas.
El Muelle de Lorient
Berthe Morisot, (1869)
Óleo sobre lienzo. 43,5 x 73 cm.
National Gallery of Art. Washington
• Trabajó tanto la pintura al óleo como la
acuarela, realizando principalmente paisajes
y escenas de mujeres con niños, como es el
caso de Madame Pontillon sentada en la
hierba y escenas de interior en las que
predominan los blancos, como en El espejo
de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza
de Madrid).
• Murió el 2 de marzo de 1896, dejando cerca
de setecientas pinturas.
París desde Trocadero
Berthe Morisot, (1872)
Óleo sobre lienzo. 46,1 x 81,5 cm.
Santa Barbara Museum of Art
Madame Pontillon
Berthe Morisot
(1871)
Pastel sobre papel.
81 x 65 cm.
Museo del Louvre. París
Tendiendo ropa a secar
(1875)
Óleo sobre lienzo.
33 x 40,6 cm.
National Gallery of Art.
Washington
Berthe Morisot
Un Día de Verano
Berthe Morisot. (1879)
Óleo sobre lienzo. 46 x 75 cm.
National Gallery. Londres
Henri Toulouse-Lautrec
( 1864-1901)
• Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas
que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales
del siglo XIX.
• Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864,
en el seno de una de las familias aristocráticas más
importantes de Francia.
• Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de
una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio,
durante el resto de su vida conservó un torso normal pero
las piernas no le crecieron.
• Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por
su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como
también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas
aficionados amigos de la familia.
Adele de Toulouse-Lautrec
• (1883)
Óleo sobre lienzo. 93.5 x 81 cm.
Museo de Toulouse-Lautrec. Albi
Henri Toulouse-Lautrec
Henri Toulouse-Lautrec
( 1864-1901)
• Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses
Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.
• Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados
cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el
Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un
nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se
encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor
holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette
Guilbert.
• Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los
burdeles.
• Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y
de sus personajes más destacados los plasmó con gran
maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y
originalidad.
Emile Bernard
(1886)
Óleo sobre lienzo.
54.5 x 44 cm.
Tate Gallery. Londres
Henri Toulouse-Lautrec
• Ejemplos característicos son La Goulue entrando en
el Moulin Rouge (1892), Jane Avril entrando en el
Moulin Rouge (1892) y En el salón de la calle des
Moulins (1894).
• Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de
parálisis le llevaron a abandonar su estudio para
refugiarse con su madre en el castillo de Malromé,
propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de
1901 falleció.
• Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó
gran número de óleos, dibujos, aguafuertes,
litografías y pósters o carteles, así como también
ilustraciones para varios periódicos de entonces.
• Muchas de sus obras se conservan en el Museo
Toulouse-Lautrec en Albi.
Crouching Woman Red Hair
(1897)
Oil on cardboard.
47 x 60 cm.
San Diego Museum of Art
Henri Toulouse-Lautrec
• A su peculiar y personal estilo incorporó
elementos de otros artistas de la época,
especialmente de los pintores franceses
Edgar Degas y Paul Gauguin.
• El arte japonés, de moda en París por
aquellos años, ejerció también su influencia
en Toulouse-Lautrec, con sus contornos
fuertemente marcados, su composición
asimétrica y la utilización de manchas de
colores planos.
• Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges
Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos
artistas interesados en el trabajo de
litografías y carteles.
Solo
(1896)
Oil on board. 31 x 40 cm.
Museo de Orsay. París
Henri Toulouse-Lautrec
Georges Seurat
(1859-1891)
• Pintor francés, uno de los máximos representantes del
neoimpresionismo.
• Seurat nació en París y recibió su formación en la Escuela de
Bellas Artes.
• Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas,
realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más
científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se
construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños
puntos de colores puros sobre un fondo blanco.
• Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy
fecunda.
• No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han
quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su
tremenda originalidad.
• Seurat nació en París una familia de clase
media acomodada, aunque no rica. Nunca pasó
los apuros económicos que otros artistas
contemporáneos, como Gauguin, Van Gogh, o
tantos otros. A los 18 años ingresa en la Escuela
de Bellas Artes de París, bajo el magisterio de
Henri Lehmann, un discípulo de Ingres.
• Pronto se mostró como un chico muy curioso y
poco dispuesto a dejar marchitar su creatividad
bajo la rigidez academicista a que estaba
expuesto.
Las modelos
• Georges Seurat
• (1888)
• Óleo sobre lienzo.
• 200 x 249.9 cm.
The Barnes Foundation,
Pensilvania
• No sólo estudió la teoría del color;
también leyó una obra de Humbert de
Superville en la que este autor alemán
proponía, en 1827, que las líneas del
dibujo tienen un significado psicológico
según cómo sea el trazo.
• El revolucionario puntillismo de Seurat
encontró muchos seguidores e imitadores.
• Muchas de las teorías de Seurat referidas a la
pintura derivan del estudio de los tratados
contemporáneos de óptica.
• Su tendencia científica se refleja también en sus
hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y
una meticulosa sistematización de su técnica.
• En 1884 Seurat acabó Los bañistas, una escena
donde unos jóvenes se bañan en el río Sena,
éste fue el primero de seis grandes lienzos que
conformaron la mayor parte de su trabajo
artístico.
• En ése y otros trabajos posteriores, continuó la
tradición impresionista de mostrar las
excursiones y distracciones de los días festivos.
• Su obra maestra, Un domingo de verano en la
Grand Jatte, representa a los paseantes del
domingo de una isla del Sena.
• La pintura muestra una atmósfera de dignidad
monumental a través de un orden equilibrado
de sus elementos y los contornos de sus figuras.
• Las modelos , La parada, El chahut y El circo
son otras de las grandes obras de Seurat.
Los bañistas en Asnières
• Óleo sobre lienzo. 201 x 300 cm.
National Gallery. Londres
Georges Seurat, 1884
Los bañistas en Asnières
• En esta obra es claro que hay grandes diferencias
de enfoque con respecto a los pintores
academicistas.
• Aunque mantiene algunas concomitancias con los
impresionistas en lo que se refiere a la técnica
que aplica, también hay diferencias.
• Mientras Renoir, pintaría, poco después, mujeres
bañándose en un entorno idílico, Seurat nos
muestra en esta tela a un grupo de varones de
clase media en la ribera del Sena cerca de una
ciudad industrial, como denuncian las chimeneas
y la humareda del fondo.
Una tarde en la Gran Jatte
• Óleo sobre lienzo. 202 x 300 cm.
Instituto de Arte de Chicago
Georges Seurat, 1886
• Con ella asistimos al manifiesto del divisionismo.
• En toda esta obra se aplica de manera escrupulosa el
método puntillista desarrollado por Seurat.
• Se ha querido ver en esta obra una crítica velada a la
hipocresía de la Francia de fines del s.XIX.
• Así, las mujeres que pescan con cañas en la orilla del río
serían en realidad prostitutas que así disimulan su verdadera
actividad.
• Los militares que se acercan un poco más lejos podrían ser
sus verdaderas pesas.
• Por otra parte, la mujer acompañada por un hombre en el
primer plano sería otra prostituta que consigue un aire de
respetabilidad del brazo de un elegante caballero.
• Va paseando un mono capuchino (de moda entre la
burguesía), que según algunos críticos representa el
libertinaje.
Una tarde en la Gran Jatte
El circo
• Óleo sobre lienzo.
• 185,5 x 152,5 cm.
Museo de Orsay. París
Georges Seurat
• 1891
El circo
• Fénéon sugiere que esto se puede apreciar
en que hay amplias zonas del lienzo en las
que los contornos apenas se han esbozado
con pequeñas pinceladas de azul.
• En esta obra es llamativo el uso que hace
Seurat de las líneas curvas, con un claro
predominio de las horizontales (a excepción
de la gran puerta que aparece arriba a la
derecha).
Paul Gauguin
(1848-1903)
• Pintor postimpresionista francés, cuyos
colores exuberantes, formas
bidimensionales planas y temática
contribuyeron a dar forma al arte
moderno.
• Nació en París el 7 de junio de 1848, en
una familia liberal de clase media, su
madre era hija de la célebre socialista y
feminista Flora Tristán.
• Paul Gauguin fue un pintor con
importantes influencias sobre la pintura
posterior. De vocación tardía sus
primeras obras eran de un
impresionismo «atenuado», que pronto
sintió la necesidad de superar.
• Las influencia sobre corrientes artísticas
posteriores es evidente en grupos como
los simbolistas, o Los Nabis.
El personal camino que siguió para dar cauce
a su necesidad de expresión le llevó a
elaborar lo que el llamaba «simbolismo
sintético», caracterizado, desde el punto de
vista formal, por:
• La simplificación de formas, combinada con
grandes superficies de color plano.
• Un uso no convencional y simbólico del
color, que utilizaba en sus tonos más
brillantes y puros
• Uso de la composición influido por un fuerte
sentido ornamental.
• En un principio su pintura estaba muy
cercana a los presupuestos
impresionistas. Incluso expuso con ellos
en todas sus muestras posteriores a 1880.
• Sin embargo no tarda en distanciarse del
impresionismo que había aprendido con
Pissarro, comenzando a experimentar
nuevos cauces de expresión.
Bodegón con retrato de Charles Laval
• Paul Gauguin (1886)
Bodegón con retrato de Charles Laval
• Se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne.
Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar
la escena mostrando en un primer plano el perfil de
su amigo Laval (desbordamiento del primer plano).
• La influencia de Cézanne se manifiesta en la
simplificación de formas enérgicamente modeladas.
• La pincelada está ejecutada a base de pequeñas
pinceladas de raíz impresionista, lo mismo que el uso
del color (contraste de complementarios).
• Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por
el efecto ornamental que Gauguin imprime a la
pintura.
El Cristo amarillo
• Paul Gauguin 1889
Óleo sobre lienzo.
92 x 73 cm.
General Purchase Funds
• Esta obra es otro ejemplo de «cloisonnisme»: grandes
zonas de color plano contorneadas en azul o negro.
• El dibujo y las formas están muy simplificadas.
• El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo
observado en la naturaleza, sino más bien con las
necesidades expresivas del artista.
• El amarillo del Cristo indica el sufrimiento y la humanidad
de la figura, transmitiendo al espectador una
sobrecogedora sensación de dramatismo.
• La composición, de forma análoga a la Visión se basa en el
«corte fotográfico» de las mujeres arrodilladas formando
un arco abierto alrededor del Cristo.
• Al fondo los árboles rojos contrastan con las colinas y los
prados de un amarillo verdoso (un nuevo uso arbitrario del
color con fines expresivos).
El Cristo amarillo
Tahitianas en la playa
• (1891)
Óleo sobre lienzo.
• 69 x 91,5 cm.
Museo de Orsay. París
Paul Gauguin
Susana cosiendo
• (1880)
Óleo sobre lienzo.
• 115 x 80 cm.
Ny Carlsberg Glypotek.
Copenhage
Paul Gauguin
Paul Signac
(1863-1935)
• Paul Signac nació, como Seurat, en una familia
acomodada y próspera (su padre tenía una
guarnicionería). Igual que en el caso de Seurat,
estuvo libre de preocupaciones y estrecheces
económicas, por lo que pudo desarrollar más
libremente su creatividad, sin la obligación de
tener que vender sus obras para sobrevivir.
• No tuvo una formación académica como la de
Seurat, sino que tuvo una vocación autodidacta
que le llevó a visitar la cuarta exposición
impresionista con sólo 15 años. Rewald cuenta
que, al verle tomar bocetos de una obra de Degas,
Gauguin le expulsó de la muestra gritándole
«¡Aquí no se copia!»
• Esta muestra le causó un gran impacto
que le espoleó para seguir estudiando la
obra de Monet y su grupo.
• Esta necesidad de mantener a toda costa
su libertad creativa, le llevó a ser uno de
los promotores de la Sociedad de Artistas
Independientes, en 1884, cuando conoció
a Seurat que sería a partir de entonces su
amigo.
El comedor
• Paul Signac (1886-87)
El comedor
• La pintura que aquí presentamos se titula El
comedor (Desayuno), y es una obra de juventud;
está fechada en 1886-87.
• Signac emplea breves pinceladas al estilo
divisionista.
• Fiel a la definición que los neoimpresionistas
daban de su estilo como «cromo-luminismo», es
llamativo el tratamiento de la luz y del color en
esta obra.
• Para empezar, la iluminación es a contraluz, es
decir, con el foco de luz detrás de las figuras, lo
que crea un interesante juego de sombras.
El comedor
• Signac elige tonos cálidos (amarillo y
naranja) para las zonas iluminadas por el
sol que entra, y tonos fríos (como el azul y
el violeta) para las sombras. Para delimitar
las zonas de luz y de sombra, Signac sigue la
«ley del contraste simultáneo»
yuxtaponiendo colores complementarios.
• Por ejemplo:
• 1. El macetero azul reposa sobre una
superficie en la que Signac ha pintado una
zona anaranjada.
• 2. El borde azulado del azucarero de porcelana
está perfilado por uno de sus lados con el color
naranja reflejado por la botella roja.
• 3. En la sombra de la botella roja aparecen
pinceladas del complementario del rojo: el verde.
• 4. En el pecho de la señora que está de pie de
perfil, se crea la sensación de volumen mediante
pinceladas que varían desde el amarillo y naranja
hasta el azul y violeta, con toques de verde. Aquí
no hay modulación tonal, puesto que se aplican
tonos de color puro yuxtapuestos como en
mosaico, pero se crea la ilusión de volumen
gracias a la mezcla óptica.
Una vista de Marsella
• Paul Signac (1905)
Una vista de Marsella
• La vista del puerto de Marsella fue un tema que
pintó en varias ocasiones. La tela que tenemos
delante es un estupendo ejemplo de la típica
pincelada casi rectangular de Signac. Cada pincelada
venía a ser como una tesela de un mosaico
pictórico.
• Las pinceladas de colores puros aparecen
complementadas por colores secundarios, para
crear un vibrante efecto de luminosidad a través del
color:
• 1. La luz del sol se simula con pinceladas de amarillo,
en contraste con el violeta del perfil de la ciudad en
el horizonte. Signac también esparce pinceladas de
amarillo complementadas con violeta en los reflejos
de la luz sobre el agua.
• 2. En los cascos rojizos de los barcos de la izquierda
abundan los toques de verde. Signac incluso pone un
casco verdoso al lado de otro con una franja rojiza.
• Signac logra el efecto de profundidad al emplear
colores más tenues en los elementos más alejados, y
más vivos en los cercanos (que están a ambos lados
del lienzo). La barquita con figuras humanas cumple
una función de enlace entre el resto de los
elementos compositivos de la imagen.
• Por último, es destacable el logrado efecto de
contraste entre las líneas de color horizontales del
agua del mar, y las verticales de los mástiles de los
barcos, lo que aporta equilibrio al conjunto.
• En la última etapa de su vida Signac (de
ideas anarquistas, como Fénéon y
Pissarro) presidió el Salón de los
Independientes (de 1908 a 1934).
• Su labor supuso un estímulo para los
fauvistas y cubistas, a quienes animaba
sin descanso a exponer sus obras.
Le Corbusier
(1887-1965)
• Sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret,
pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera
la figura más importante de la arquitectura moderna.
• Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza),
y en esta misma ciudad estudió artes y oficios.
• Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y
más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente
con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y
el Deutscher Werkbund.
• En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre
Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le
Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su
bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus
escritos.
• Aunque su principal carrera fue la de arquitecto, también
practicó con acierto la pintura y la teoría artística.
Unidad de Habitación
• (1952) Le Corbusier
Marsella (Provenza)
Francia, Europa
• Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para
fundar el movimiento purista, una corriente
derivada del cubismo.
• En 1920 fundó con él la revista L Esprit Nouveau
(El espíritu nuevo), para la que publicó numerosos
artículos sobre sus teorías arquitectónicas.
• Una de sus principales aportaciones, aparte del
rechazo a los estilos historicistas compartido con
otros arquitectos y teóricos del movimiento
moderno, es el entendimiento de la casa como
una máquina de habitar (machine à habiter), en
consonancia con los avances industriales que
incorporaban los automóviles, los grandes
transatlánticos y los nuevos aeroplanos.
• Definió la arquitectura como el juego correcto y
magnífico de los volúmenes bajo la luz,
fundamentada en la utilización lógica de los
nuevos materiales: hormigón armado, vidrio
plano en grandes dimensiones y otros
productos artificiales.
• Una de sus preocupaciones constantes fue la
necesidad de una nueva planificación urbana,
adecuada a las necesidades de la vida moderna
(Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan
Obus para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas
han tenido una enorme repercusión en el
urbanismo de este siglo.
Palacio de Justicia
• (1956)
Le Corbusier
Chandigarh (Punjab)
India, Asia
• Durante la década de 1920 propuso
numerosos proyectos urbanísticos y
residenciales, pero sólo pudo construir una
serie de villas unifamiliares cercanas a París
que le sirvieron para concretar sus cinco
postulados sobre la nueva arquitectura:
bloques elevados sobre pilotis (pilares),
planta libre, fachada libre independiente
de la estructura, ventanales longitudinales
(fenêtre en longueur) y cubiertas planas
ajardinadas.
Asamblea de Chandigarh
• Le Corbusier 1961
Chandigarh (Punjab) India, Asia
• Entre los edificios de esta época destacan el
Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la
villa de Monzie en Garches (1927) y la villa
Savoye en Poissy (1929-1931), aparte de los
proyectos no construidos para la Sociedad de
Naciones en Ginebra (1927-1928) y el palacio de
los Soviets en Moscú (1928). Sus obras
posteriores más representativas son la Casa de
Suiza de la ciudad universitaria de París (1931-
1932), la Unidad de Habitación de Marsella
(1947-1952), donde puso en práctica su
elaborado sistema de proporciones publicado
con el nombre de modulor, la iglesia de
peregrinación de Notre Dame du Haut en
Ronchamp (Francia, 1950-1954),
• El monasterio de los dominicos de La Tourette
(1957-1960) y el planeamiento urbano de
Chandigarh, la ciudad construida en la India
como nueva capital del Punjab, para cuyo
capitolio proyectó los edificios de la Asamblea
(1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y
el Secretariado (1958). Sus escritos más
importantes se recogen en varios libros, entre
los que destacan Vers une architecture (Hacia
una arquitectura, 1927), La maison des hommes
(La casa de los hombres, 1942) y Quand les
cathédrales étaient blanches (Cuando las
catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier
murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin
(Francia).
Secretariado
• Le Corbusier, (1958)
Chandigarh (Punjab)
India, Asia
Edouard Manet (1832-1883)
• Precursor del Impresionismo.
• Nunca participó en las exposiciones
organizadas por los impresionistas.
• Considerado por la revista Les
Contemporains como «el Rey de los
Impresionistas»
• Mantuvo el afán a lo largo de su vida
de conseguir reconocimiento en “el
Salon”.
La merienda campestre
Edouard Manet (1863)
Composición e influencias
El concierto campestre
Tiziano
El juicio de Paris
Raimondi
Olimpia
Edouard Manet (1863)
La reacción de la crítica
• «¿Qué significa esa odalisca de barriga
amarilla, innoble modelo recogido de no
sé dónde y que representa a Olimplia?»
Moniteur des Arts
• «Una epidemia de locas carcajadas se
desata ante el cuadro de Manet»
Moniteur des Arts
«Grupo de Batignolles»
• Reuniones en las que participaban habitualmente
admiradores de Manet como Astruc, Zola, Duranty,
Duret y pintores como Bazille, Degas, Fantin-Latour, y,
siempre que visitaban París, Cézanne, Monet, Pisarro y
Sisley.
• Lo que unía a estos pintores era su menosprecio por el
arte tradicional, buscando nuevos cauces de expresión
que cada uno perseguía siguiendo su propio camino.
Monet pintando en su estudio flotante
Edouard Manet (1874)
Bar en el Folies-Bergère
Edouard Manet (1881) 95,2 x 129,5 cm
Ilusión y realidad
Francisco Toledo
1940-
• Pintor, grabador y ceramista mexicano. Su obra nos adentra
en un mundo mágico, onírico, plagado de mitos, de
recuerdos de su tierra y de su pueblo, de fantasía poética y
símbolos eróticos, que ha creado escuela en la joven pintura
mexicana.
• Nació en Juchitán de Zaragoza (Oaxaca). Descendiente de
indios zapotecas, comenzó su formación artística en el Taller
Libre de Grabado de la ciudad de México.
• Vinculado desde un primer momento al surrealismo, en
1959 celebró dos exposiciones individuales en Texas y
ciudad de México que le supusieron el éxito y el
reconocimiento de la crítica de ambos países.
• Al año siguiente viajó a Europa, donde permaneció hasta
1965.
Muerte
Óleo sobre lienzo.
Colección particular
Francisco Toledo
1960
• Compaginó su formación artística en París
en el taller del grabador británico Stanley
William Hayter con diversas exposiciones
individuales en Londres, Ginebra,
Hannover, Toulouse, París y Nueva York.
• A su regreso a México en 1965, y
definitivamente en 1968, se retiró en
Ixtepec (Oaxaca), dedicándose al grabado,
la acuarela y la pintura al gouache.
El profesor de lenguas
Óleo sobre lienzo.
Colección particular
Francisco Toledo
1987
• Los temas animalísticos y mitológicos, muy
frecuentes en su obra, proceden de sus
raíces indígenas, ya que en la mitología
zapoteca las alegorías protagonizadas por
animales son constantes.
• También trabaja la cerámica, el tapiz y la
litografía.
• Tiene obra representada en el Museo de
Arte Moderno de México, en la Tate
Gallery de Londres y en el Museo de Arte
Moderno de París, entre otros.
Tamazul (Sapo)
Óleo sobre lienzo.
Colección particular
Francisco Toledo
1977
La máquina de
coser
Óleo sobre lienzo.
Colección particular
Francisco Toledo
1988
David Alfaro Siqueiros
(México, 1896-1974)
• Pintor mexicano, uno de los más famosos
muralistas de su país junto a Diego Rivera y
José Clemente Orozco. Siqueiros nació en
Chihuahua y se formó en la Escuela de
Bellas Artes de México y en la escuela de
Santa Anita de esta ciudad.
• Participó en el renacimiento de la pintura al
fresco efectuada bajo el patrocinio
gubernamental de las decoraciones murales
en edificios públicos. Vivió en París,
Barcelona y Estados Unidos.
Niño sentado
(1931)
Óleo sobre lienzo. 218.2 x 162.8 cm.
Colección particular
David Alfaro Siqueiros
• Regresó a México y organizó el sindicato de
pintores, escultores y grabadores
revolucionarios.
• Miembro del Partido Comunista Mexicano,
fundó su periódico El Machete y se dedicó al
activismo político, representando en sus
frescos temas de dinámica revolucionaria
para alentar a las clases sociales más
desfavorecidas.
• Sus pinturas representan una síntesis muy
particular de los estilos futurista,
expresionista y abstracto, con colores
fuertes e intensos.
Autorretrato
Pyroxylin.
100.3 x 121.9 cm.
Instituto Nacional
Bellas Artes.
México
David Alfaro
Siqueiros, 1943
• En 1962, el gobierno mexicano sentenció a
Siqueiros a ocho años de prisión por organizar
disturbios estudiantiles de extrema izquierda
dos años antes, el artista fue indultado en 1964.
• Sus obras más monumentales son, Marcha de la
Humanidad (1971), realizada después de su
salida de la cárcel, que decora las paredes del
Hotel de México, y que ocupa una superficie de
4.600 m2 de paneles articulados, y Del
porfirismo a la revolución, de 4.500 m2, en el
Museo de Historia Nacional de la ciudad de
México. Recibió el Premio Nacional de Arte de
México y el Premio Lenin de la Paz.
Suicidio colectivo
Esmalte sobre madera. 124.5 x 182.9 cm.
MOMA. Nueva York
Autor: David Alfaro Siqueiros, 1936
Eco por un grito
Lienzo sobre madera. 91.44 x 121.91 cm.
MOMA. Nueva York
David Alfaro Siqueiros, 1937
José Clemente Orozco
(México, 1883-1949)
• Pintor muralista mexicano, contribuyó a
recuperar la técnica, el diseño y los temas de la
pintura al fresco. Está considerado como uno
de los más destacados muralistas desde los
tiempos del renacimiento.
• Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de
noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a
la ciudad de México, donde realizó sus estudios
superiores en la Escuela Nacional Preparatoria
y en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Cortes y la
Malinche
Fresco.
Colegio San Ildefonso. México
José Clemente Orozco
1926
• Conoció el taller del grabador José Guadalupe
Posada, que lo impresionó y cuya influencia
marcaría toda su obra.
• En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro
Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores,
que buscaba recuperar el arte de la pintura mural
bajo el patrocinio del gobierno mexicano.
• Una de sus primeras y más destacadas obras fue
la serie de murales que hizo para la Escuela
Nacional Preparatoria sobre la conquista, la
colonización y la Revolución Mexicana. Entre
1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos.
Combate
Óleo sobre tela. 66,7 x
85,7 cm.
Museo Carrillo Gil.
México
José Clemente Orozco
1927
• Allí realizó un grupo de murales para la
New School for Social Research de Nueva
York y en el Pomona College de California
pintó un mural con el tema del héroe
griego Prometeo.
• Sus murales para la Biblioteca Baker en el
Dartmouth College (1932-1934) escenifican
la historia de América con la serie La
llegada de Quetzalcóatl, El retorno de
Quetzalcóatl y Modern industrial man.
Prometheus
Fresco.
Pomona
College.
Claremont
José Clemente
Orozco
1930
• De regreso a su país realizó grandes
murales en el Palacio de Bellas Artes (1934)
o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la
ciudad de México, además de diversas
series en importantes instituciones de la
ciudad de Guadalajara, como el Palacio de
Gobierno, la Universidad o el Hospicio
Cabañas.
• En la década de 1940 pintó algunos lienzos
caracterizados por las líneas diagonales y el
color gris que ya venía utilizando para sus
murales.
Zapata
Óleo sobre lienzo. 178,4 x 122,6 cm.
Instituto de Arte de Chicago
José Clemente Orozco
1930
• En los últimos años su estilo se fue
simplificando, buscando sobre todo un
carácter más dramático y violento que le
aproximara más al expresionismo.
• Orozco murió en México D.F. el 7 de
septiembre de 1949. Fue enterrado en la
Rotonda de los Hombres Ilustres, honor
que por primera vez se dio en México a
un pintor.
Zapatistas
Óleo sobre lienzo.
114.3 x 139.7 cm.
MOMA. Nueva York
José Clemente Orozco
1931
Civilización Americana
Fresco.
Dartmouth College. New Hampshire
José Clemente Orozco, 1932
Diego Rivera
(México, 1886-1957)
• Pintor mexicano que realizó murales con temas
sociales, considerado como uno de los grandes
artistas de este siglo.
• Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia
de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de
México.
• Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa,
principalmente en España y Francia, familiarizándose
con las innovadoras formas cubistas de Pablo
Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición
de Cézanne y otros artistas de la época.
• En 1921, Rivera regresó a México, donde representó
un papel determinante en el renacimiento de la
pintura mural iniciado por otros artistas y
patrocinado por el gobierno.
El vendedor de alcatraces
• Diego Rivera
• Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y
los problemas sociales de su país, en los techos y
paredes de edificios públicos, ya que consideraba que
el arte debía servir a la clase trabajadora y estar
fácilmente disponible o a su alcance.
• Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la
Secretaría de Educación en la ciudad de México, pero
su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la
Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde
representa el desarrollo biológico del hombre y su
conquista de la naturaleza.
• Diego Rivera pintó murales en el Palacio de Cortés, en
Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.
• En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una
representante insigne de la pintura introspectiva
mexicana del siglo XX.
Vista de Toledo
Óleo sobre lienzo.
112 x 91 cm.
Fundación Amparo de
Espinosa. Puebla
Diego Rivera
1912
• Fue uno de los fundadores del Partido Comunista
Mexicano.
• Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados
Unidos, su obra allí incluye un mural (1932-1933)
para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un
fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado
para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller
Center de Nueva York, y destruido poco después de
su realización porque contenía, al parecer, un retrato
del líder soviético Lenin.
• Un año después, Rivera lo reprodujo para el Palacio
de Bellas Artes de México.
• En 1935 concluyó uno de sus proyectos más
ambiciosos, los frescos para la escalera monumental
del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su
propia interpretación de la historia de su país, desde
los tiempos precolombinos hasta la actualidad.
Festival de las flores
(1925)
Óleo sobre lienzo. 147.3 x 120.7 cm.
County Museum of Art. Los Angeles
Diego Rivera
• En la década de 1940 pintó dos grandes
murales en el Instituto Nacional de
Cardiología (1944), y otro gran mural para el
Hotel del Prado, Sueño de la Alameda
(1947), de tema histórico-crítico.
• Sus últimas obras las realizó en mosaico de
piedras naturales, como las del Estadio de la
ciudad universitaria de México o el del
Teatro Insurgentes, ambas en el exterior.
• Diego Rivera fue también prolífico en su
obra de caballete, con una visión muy
alegre y también sensual del folclore de su
país.
• Dibujante magistral y estupendo colorista,
demostró un gran talento para estructurar
sus obras.
• Legó a México una importante colección de
estatuillas de diversas culturas indígenas,
que instaló en su casa museo, el
Anahuacalli, en la ciudad de México.
• Como él mismo dijo, condensando el
sentido de su obra, su propósito era ligar un
gran pasado con lo que queremos que sea
un gran futuro de México.
• Murió el 24 de noviembre de 1957 en la
ciudad de México.
América Prehispánica
• Óleo sobre lienzo.
70 x 92 cm.
Colección Licio
Lagos. México
Diego Rivera, 1950
Rufino Tamayo
(México, 1899-1991)
• Nacido en Oaxaca, pintor mexicano cuyo estilo combina
temas populares autóctonos con las formas artísticas de la
vanguardia europea como el cubismo.
• Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas
dimensiones (con un color insensible a las influencias
posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante
al servicio de la temática social.
• Tamayo también recuperó la pintura de caballete, que
combinó con la pintura mural de carácter social, como La
revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo
cual marchó a vivir a Nueva York.
• En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería
Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las
figuras fuertes y monumentales del arte tradicional
mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en
el cubismo francés.
Mujer alcanzando la luna
• (1946)
Óleo sobre tela. 92 x 66 cm.
Cleveland Mueum of Art. Cleveland
Rufino Tamayo
• Sus obras gozaron de un reconocimiento
internacional, que derivó en encargos para
amplias decoraciones murales como Homenaje a
la raza (1952), en París, o México hoy (1953,
Palacio de Bellas Artes, México).
• Le siguieron otros murales como América (1956,
Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor
envergadura que ejecutó, y para el nuevo edificio
de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y,
posteriormente, Eclipse total (1977). En 1943
Tamayo realizó su primera obra completamente
abstracta, La naturaleza y el artista (Smith College
Collection, Northampton, Massachusetts).
El hombre del bastón
• Óleo sobre tela. 100 x 80 cm.
Colección Roberto García Mora.
México
Rufino Tamayo, 1966
• Muchas de sus obras siguientes en la década
de 1950 desarrollaron esta tendencia hacia
la abstracción unida a un estilo sumamente
emocional y violento.
• Tamayo fue un gran conocedor del arte
prehispánico y en 1974 donó su espléndida
colección de piezas de ese periodo a su
ciudad natal.
• En la capital mexicana se encuentra el
museo que lleva su nombre y que fue
inaugurado en 1981.
El hombre ante el infinito
• Óleo sobre tela. 95 x 135 cm.
Musées Royaux des Beaux-Arts. Bruselas
Rufino Tamayo, 1950
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Arte del siglo XIX y XX

  • 1.
  • 2.
  • 4.
  • 5.
  • 6. Índice • Introducción • Antonio Canova • Auguste Rodin • Thorvaldsen • Vincent Van Gogh • Claude Monet • Camille Pissarro • Francisco de Goya • Edgar Degas • Santiago de Calatrava • Antonio Gaudi • Mary Cassatt • Berthe Morisot • Henri de Toulousse Lautrec • George Seurat • Paul Gauguin • Paul Signac • Le Courbusier • Edouard Manet • Francisco Toledo • David Alfaros Siqueiros • José Clemente Orozco • Diego Rivera • Rufino Tamayo • Conclusiones • Referencias
  • 7.
  • 8. Introducción • En la presentación se abordaran distintos autores del arte de los siglos XIX y XX, pertenecientes a distintos estilos y vanguardias; desde el neoclasicismo hasta el postimpresionismo, sin olvidar el arte que se dio en México. • Se revisaran obras de escultura, arquitectura y pintura según el artista abordado.
  • 9. • Comenzaremos con algunos artistas cuyo ramo es la escultura como son; Antonio Canova, Auguste Rodin y Thorvaldsen. • Continuaremos con algunos impresionistas y postimpresionistas como; Van Gogh, Monet, Pissarro, Degas, Seurat, Signac y Manet. • Después seguiremos con arquitectos como; Calatrava, Gaudi y Le Courbusier. • Finalizamos la presentación con los artistas mexicanos; Toledo, Siqueiros, Orozco, Rivera y Tamayo.
  • 10.
  • 11.
  • 12. Antonio Canova (1757-1822) • Escultor italiano • Junto con Bertel Thorvaldsen, fue uno de los exponentes máximos de la escultura neoclásica. • Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles. • En Roma , 1781, fomentó la recuperación del gusto por los estilos romano y griego antiguos. • Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa Paulina Bonaparte Borghese como Venus. • Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia. • También realizó encargos en Inglaterra. • Murió en Venecia.
  • 13. Apolo coronándose a sí mismo Antonio Canova (1781) Mármol. 84.77 cm. Paul Getty Museum. Los Angeles
  • 14. Paulina Bonaparte Antonio Canova (1807) Mármol. 185 cm. Galería Borghese. Roma Paulina Bonaparte Borghese como Venus, reclinada en un diván con una serena sensualidad.
  • 15. Hércules y Lichas Antonio Canova (1815) Mármol. 350 x 152 x 212 cm. Galleria d'Arte Moderna. Roma A causa de la poderosa musculatura de Hércules, produce una impresión de fuerza.
  • 16. Eros y Psique Antonio Canova (1793) Mármol. 155 x 168 x 101 cm. Museo del Louvre. París
  • 17. Las tres gracias Antonio Canova (1815-1817) Mármol
  • 19. Teseo lucha con el centauro Antonio Canova (1804-1819) Mármol Museo de Bellas Artes de Viena.
  • 21.
  • 22. Auguste Rodin (1840-1917) • Escultor francés. • Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. • Uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. • Hijo de un oficial de policía. • Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts. • Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse. • Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. • Se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras del renacimiento; Donatello y Miguel Ángel. • Para Rodin, la belleza consistía en una representación fidedigna del estado interior por lo que distorsionaba sutilmente la anatomía.
  • 23. Hombre dando un paso Auguste Rodin (1877) Yeso. 34 pulgadas. Museo Rodin. París
  • 24. • Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. • El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura. • El otro estilo está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. • Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. • Su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce, que levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos.
  • 25. Puertas del infierno Auguste Rodin (1917) Bronce 6 x 4m x 1 de profundidad Museo Rodin. París La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y más de un 1 m. Romanticismo y simbolismo
  • 26. • En 1880, su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó su reputación. • En 1880 comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París. • No completó las Puertas del infierno, pero creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. • Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva.
  • 27. El beso Auguste Rodin 1886 Mármol. 1,90 x 1,20 x 1,15 m. Museo Rodin. París En principio fue llamada Francesca da Rimini, nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, que se enamoró del hermano de su marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados mientras leían juntos la historia de Lanzarote y Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por el marido de Francesca.
  • 28. El pensador Auguste Rodin 1900Bronce 1,98 x 1,29 x 1,34 m Museo Rodin. París El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno, ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
  • 29. • En 1886 terminó Los burgueses de Calais. • Produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage. • Hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. • Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917. • Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París.
  • 30. Los burgueses de Calais Auguste Rodin (1895) Bronce. 0,82 x 0,94 x 0,75 m. Museo Rodin. París Esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337- 1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais.
  • 31. • Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares. • No se presenta jerarquía alguna en el grupo. • Los hombres dirigen sus miradas a puntos diversos. • Cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos permanecen tranquilos. • Las figuras forman un grupo compacto sin embargo permanecen libres entre ellos. • Las figuras están a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendas y sus desproporcionadamente grandes manos y pies. • Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador. • Cada rostro refleja rasgos individuales y da la impresión de sentimientos variados —resolución, angustia, apatía— • Rodin expresa con realismo a seis hombres que han sobrevivido un sitio de un año y que ahora dan su primer paso hacia la muerte. Algunos se inclinan, otros se toman la cabeza, todos dudan. • Con su realismo épico la escultura se opone al rígido academicismo del siglo XIX pero también se mantiene libre tanto de los rápidos momentos de los impresionistas como de la verdad cruda de los realistas. Los burgueses de Calais, la escultura
  • 32. Honoré de Balzac Auguste Rodin (1897) Bronce. 3,0 x 1,2 x 1,2 m. Museo Rodin. París
  • 33.
  • 34. Bertel Thorvaldsen (1770-1844) • Escultor danés que nació en Copenhague. • Hijo de un tallador de madera islandés. • Estudió en la Academia de Copenhague y en 1797 se trasladó a Italia para estudiar la escultura clásica. • Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo. • En Roma disfrutó de un considerable patronazgo, y su obra llegó a alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40 personas para ayudarle a finalizar los encargos. • En 1820 volvió temporalmente a Copenhague con el fin de comenzar la planificación del conjunto decorativo a base de estatuas de mármol y relieves para la nueva iglesia de Nuestra Señora. • Sólo las figuras de Cristo y San Pablo fueron esculpidas por Thorvaldsen, el resto fueron realizadas por los miembros de su taller sobre los modelos del maestro.
  • 35. • Entre su producción sobresalen relieves alegóricos y esculturas de temática clásica, como Cupido y Psique. • A él se debe la Tumba de Pío VII y la célebre escultura al aire libre El león de Lucerna. • El Museo Thorvaldsen en Copenhague, construido (1839-1848) en estilo neoclásico, contiene su colección de escultura antigua y numerosas obras de su propia producción.
  • 36. Cupido y Psique Bertel Thorvaldsen (1807) Mármol. 247 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague
  • 37. El león de Lucerna Bertel Thorvaldsen (1821) Roca tallada. 6,80 m. Urbana. Lucerna Este monumento conmemora el sacrificio de más de seiscientos guardias suizos que murieron defendiendo las Tullerías durante la Revolución Francesa. El monumento representa a un león moribundo que yace sobre símbolos rotos de la monarquía francesa.
  • 38. Zeus y Ganimedes Bertel Thorvaldsen (1817) Mármol. 93,3 x 118,3 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague
  • 39. Zeus y Ganimedes • Tema: El tema clásico elegido es Ganimedes dando de beber a Zeus, convertido en águila. • Ganimedes: La mitología atribuye a Ganimedes el papel de dar de beber a los dioses en el Olimpo. Resulta que fue el objeto de deseo del dios Zeus y, como era habitual, éste se transformó en águila para satisfacerlo y lo raptó. • Joven: El joven es representado como casi un niño, por eso la musculatura parece aún no formada y la cara es tan infantil. La mitología habla de que Ganimedes era un niño cuando fue raptado y así se quedó en el Olimpo. • Frialdad: La forma de representar los protagonistas de la escena es muy fría y sin emociones, aunque el tema sea dramático ya que es un rapto. • Clasicismo: La mirada hacia la Antigüedad se ve bien en Thorvaldsen, que es uno de los protagonistas del neoclasicismo junto a Antonio Canova. A diferencia de él, Thorvaldsen defendió un arte más frío, no tan en contacto con el Barroco como el primero.
  • 40. Jasón con el vellocino de oro Bertel Thorvaldsen 1828 Mármol. 242 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague
  • 41.
  • 42. Vincent Van Gogh (1853-1890) • Pintor postimpresionista holandés. • Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista. • Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot- Zunder, hijo de un pastor protestante holandés. • Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. • A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica.
  • 43. • Si hay un personaje en la historia del arte que responda al prototipo de genio loco, solitario, con devoción absoluta hacia el arte, ese es Vincent van Gogh. • Fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin. • No se decidió a dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad. • Solamente tuvo 10 años de vida artística. • Realizó más de 800 cuadros, y numerosos dibujos. • Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los simbolistas. No adoptó plenamente ninguna de estas influencias, sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. • Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el movimiento expresionista.
  • 44. Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes, que, a la luz de su lámpara, comiendo sus patatas, tomando el plato con las manos, las mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas... Vincent a Theo
  • 45. Los comedores de patatas Van Gogh (1885)
  • 46. Los comedores de patatas • En esta obra hay una clara intención de denuncia social, de atribución al arte de una función moral. • Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones. • Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan los personajes elige una paleta oscura, con tonos marrones y pardos. • El dibujo es enérgico, de gruesos trazos, resaltando los duros rasgos de los rostros y las formas recias de las manos. • La iluminación contribuye a remarcar el dramatismo de la escena, y sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes. • Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación por lograr efectos de luz, que por conseguir efectos expresivos a través del color.
  • 47. Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza. Vincent a Theo
  • 48. De París a Arles • En marzo de 1886 Vincent llegará a París, donde continuará su formación artística. • En el taller del pintor Cormon conocerá a Toulouse-Lautrec, Bernard, Seurat, Signac, Pissarro, Gauguin. • El conocimiento que adquiere de las nuevas tendencias impresionistas, divisionistas y simbolistas le sirven para aclarar su paleta, y experimentar con el uso arbitrario del color con fines expresionistas.
  • 49. Retrato de Père Tanguy Vincent Van Gogh (1887-88) •Père Tanguy, -comerciante de material para pintores- muy conocido entre los impresionistas. •El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo vigoroso. En el fondo, repleto de estampas japonesas, hay un fuerte colorido. •Van Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y empastada, que será su marca identificativa en adelante. •La línea roja del contorno de Tanguy contrasta con los verdes que predominan en el contorno. •También en las manos y barba hay toques de verde. •Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en beneficio de la expresión del artista también será constante a lo largo de su obra.
  • 50. Quería ver una luz diferente; creí que observar la naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses. Vincent a Theo
  • 51. El puente de Langlois •La influencia de las estampas japonesas es decisiva. •Plasmación de la limpia atmósfera provenzal. •Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan magistralmente en tonos fríos y cálidos para configurar el reflejo del puente sobre el agua. •La sensación de profundidad se consigue aclarando el azul cerca de la línea del horizonte. •La diagonal de la ribera en la esquina inferior derecha aporta dinamismo a la composición y acerca al espectador a la contemplación del paisaje. Van Gogh (1888)
  • 52. • El puente, símbolo de paso, de transición entre la juventud y la madurez, es un tema enormemente sugestivo, que había apasionado a los impresionistas de la vieja escuela. • Van Gogh ha añadido dos cipreses, símbolo de la muerte, hacia los que se dirige la carreta y la mujer que está sobre el puente. • ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la izquierda (detrás) de los cipreses? • Van Gogh, que era un maestro de la sugestión simbólica, transforma una estampa aparentemente anodina en una alegoría de la vida como camino hacia la muerte. El puente de Langlois
  • 53. En mi cuadro Café de noche he intentado expresar que el café es un lugar en el que uno puede arruinarse, volverse loco, cometer un crimen. Vincent a Theo
  • 54. Café de noche interior El objetivo de Vincent era transmitir, mediante el color, una atmósfera de soledad y degradación. El cuadro es una auténtica sinfonía de uso arbitrario del color a base de pares de complementarios. Van Gogh (1888)
  • 55. Café de noche interior • Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes. • Van Gogh se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas. • Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito a su hermano Theo que buscaba «crear una atmósfera de horno infernal, de azufre desvaído, para expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho.» • En esta escena de interior, la luz proviene únicamente de las lámparas del techo, y de la habitación que se abre en la pared del fondo. • En esta atmósfera asfixiante aparecen varios parroquianos juntos en el mismo local, pero en una pesada soledad.
  • 56. Café de noche exterior Vincent se olvida de la sordidez y la sordidez para centrarse en la alegría de disfrutar de un rato agradable en buena compañía. Hay una especie de lucha entre la iluminación natural de un maravilloso cielo estrellado y la luz artificial de la lámpara de gas que ilumina la terraza. Van Gogh (1888)
  • 57. • En este caso, la contraposición de complementarios es entre el azul-violeta (del cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de la tarima, la pared y la parte inferior del toldo) • La composición es más clásica, con una perspectiva con el punto de fuga en el centro. • El verde de un árbol recortado en la parte superior derecha, así como el portal también cortado en la parte izquierda facilitan la sensación de inmersión del espectador en la agradable plaza. Café de noche exterior
  • 58. Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio; por lo tanto, solamente el color debe hacerlo todo. Vincent a Theo
  • 59. La habitación de Vincent en Arles Vincent Van Gogh 1888 Óleo sobre lienzo. 72 x 90 cm. Rijksmuseum Vincent Van Gogh. Amsterdam
  • 60. • Transmite un uso expresivo del color: la silla era más oscura, pero la pinta amarilla. • El suelo era de baldosas rojizas, que se transforman en un color rosa terroso. • Las paredes eran blancas, pero Vincent, para reforzar la viveza del color elige para ellas un azul claro, complementario de los naranjas y amarillos predominantes en los objetos. • Los toques de rojo en la manta de la cama y de amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza al conjunto. • Al marcar el dibujo en negro, se consigue enfatizar aún mas el uso de los colores llenado los objetos. La habitación de Vincent en Arles
  • 61. • La pincelada es tremendamente pastosa. • Con frecuencia pintaba con los colores extraídos directamente del tubo, sin mezclas. • Al aplicar el color sigue la veta de la madera, reforzando su presencia. • En cuanto a la composición, la perspectiva y el tamaño relativo de los objetos están deliberadamente distorsionados. • Las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de 120 grados, por lo que la mesa está paralela a la pared del fondo. • Esto explica que la cama parezca más cercana al fondo en nuestra parte izquierda que en la derecha, dejando sitio para la percha con las ropas. • Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas de objetos (dos almohadas, dos pares de cuadros, dos sillas...) una plasmación simbólica de los deseos de afecto del artista. La habitación de Vincent en Arles
  • 62. Noche estrellada sobre el Ródano La convivencia de las estrellas en el cielo, con los reflejos de las luces de lámparas de gas de la ciudad de Arles sobre el agua del río Ródano es sencillamente maravillosa. En la parte inferior un detalle conmovedor; en palabras del propio Vincent en una carta a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de enamorados en primer plano». Pero no son dos enamorados cualquiera: mirados con atención resultan ser una pareja de ancianos que pasean a la luz de las estrellas. Próximas a ellos, hay unas barcas en el recodo del río. Esta obra emana una poesía que cala hasta en los espíritus menos sensibles. Van Gogh (1888)
  • 63. En el psiquiátrico • Entre finales de octubre y finales de diciembre de 1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose en la casa alquilada por Vincent. • Tuvieron una turbulenta relación de colaboración artística. • Charlaban, con frecuencia acaloradamente, intercambiando opiniones. • A finales de diciembre Vincent, presa de un ataque psicótico intentó agredir a Gauguin, que, asustado se fue a pasar la noche a un hotel. • Arrepentido, Vincent se cortó el lóbulo de su oreja izquierda, y salió hacia un burdel en busca de su amigo, para ofrecérselo como muestra de arrepentimiento.
  • 64. En el psiquiátrico • Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles. • Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy. • Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos (con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba. • Está probado que estos ataques en nada influyeron sobre Vincent para la creación directa de cuadros. • El artista con frecuencia establecía un plan previo que ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis.
  • 65. Los cipreses me preocupan siempre (...) me sorprende que nadie los haya pintado todavía como yo los veo. En cuanto a líneas y proporciones un ciprés es bello como un obelisco egipcio. Vincent a Theo
  • 66. La noche estrellada La composición de este cuadro está marcada por la presencia de los cipreses, que se alzan como dos llamas negras sobre un cielo estrellado con la luna en cuarto menguante al fondo. La línea del horizonte está baja, dando el protagonismo al cielo. La presencia imponente de los cipreses a la izquierda queda equilibrada por la de la luna, a la derecha. Van Gogh (1889)
  • 67. • La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada, pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos, que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. • Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado. • Los cipreses cumplen la función de dotar al cielo estrellado de su verdadera profundidad y dimensión. La noche estrellada
  • 68. La ronda de los presos Van Gogh (1890) Detalle
  • 69. La ronda de los presos • Este cuadro es un maravilloso ejemplo de la extraordinaria capacidad de van Gogh para transmitir a las imágenes una carga simbólica estrechamente unida a sus estados de ánimo. • En la obra aparecen un grupo de presos caminando en círculo, bajo la vigilancia de unos guardias, dentro de los altos muros de una prisión. • Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el tema de la obra. • Los únicos elementos de color son el rojizo de los ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.
  • 70. La ronda de los presos • Según Crepaldi algunos críticos han creído identificar al propio Vincent en el preso rubio que mira al espectador. • El mensaje de Van Gogh parece más nítido si a ello unimos las dos mariposas blancas, símbolo de la libertad, que parecen elevarse entre los muros de la prisión. • La capacidad expresiva de Van Gogh para retratar su propio mundo interior alcanza una cima en esta obra, que puede ayudar a entender cómo se sentía en esa etapa de su vida.
  • 71. Bueno, mi trabajo; arriesgo en él mi vida, y mi razón se ha hundido en él hasta la mitad. Vincent a Theo en una carta que portaba el día que murió
  • 72. El final de su vida • Quizá impresionado por cuadros como La ronda de los presos, Theo se decidió a seguir el consejo de Pissarro y trasladar a Vincent al norte. • Después de pasar un año en Saint-Rémy, Van Gogh estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers- sur-Oise, un pueblecito cerca de París. • Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet, médico homeópata aficionado a la pintura y conocido de los impresionistas. • Los cuidados del doctor parece que iban dando sus frutos, pero Vincent seguía teniendo alucinaciones, y un día decidió salir al campo y se disparó en el pecho. • Murió dos días después, que los pasó fumando en pipa junto a Theo.
  • 73. Campo de trigo con cuervos Vincent Van Gogh Museo Nacional Van Gogh, Amsterdam Óleo sobre lienzo, 50.5 cm. x 103 cm.
  • 74. • Sobre esta pintura hay algunos malos entendidos. • No es la última obra de Vincent . • El carácter del cuadro y el hecho conocido del suicido de Vincent días más tarde incitan a pensar en ello. • El cuadro está vigorosamente pintado con espátula. • Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos sobre el agitado trigal, con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo. Campo de trigo con cuervos
  • 75. • En la interpretación del cuadro, otro malentendido: la función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent. • Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo pictórico. • Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo. • En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, resulta atractivo especular sobre su significado. Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado, presente y futuro de la vida del artista. • Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh, y en las grandes obras de arte, la interpretación es una tarea que el artista deja al juicio del espectador.
  • 76. La obra de Vincent • Empaste: La obra pictórica de Vincent Van Gogh se caracteriza siempre por un uso de la pincelada muy cargado de pintura. Sus pinceladas son cortas pero cargadas de material, por lo que da un aspecto tosco a sus cuadros pero extremadamente cuidado en cuanto a iluminación y colores. Aunque usa mucha pintura, sabe unir cada tramo para generar luz nocturna, que tanto le apasionaba. • Expresión: Van Gogh, precursor de los expresionistas posteriores, es el artista que mejor ha expresado los sentimientos en los lienzos. Su carga pictórica reside fundamentalmente en los colores usados, en la composición abrupta pero cuidado y, sobre todo, en la melancolía que impregna su obra. • Suicidio: Cuando murió, llevaba la carta de suicidio que ponía: ...en mi trabajo arriesgo mi vida y mi razón, al borde del naufragio...
  • 77. Los girasoles Vincent Van Gogh 1889 Óleo sobre lienzo. 93 x 73 cm. National Gallery. Londres
  • 78. Dr. Paul Gachet Vincent Van Gogh (1890) Óleo sobre lienzo. 68 x 57 cm. Museo de Orsay. París
  • 79. Autorretrato con oreja vendada Vincent Van Gogh (1889) Óleo sobre lienzo. 60 x 49 cm. Courtauld Instituto de Arte. Londres
  • 80. Puente de Gleize Vincent Van Gogh (1888) Óleo sobre lienzo. 46 x 49 cm. Colección privada. Tokio
  • 81. Autorretrato Vincent Van Gogh 1887 Óleo sobre lienzo 42 x 37 cm. The Art Institute. Chicago
  • 82. Puente de la Grand Jatte Vincent Van Gogh (1887) Óleo sobre lienzo 32 x 40.5 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam
  • 83. Vista de París frente a Meudon Vincent Van Gogh, (1886) Óleo sobre lienzo. 54 x 72.5 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh Amsterdam
  • 84. Naturaleza muerta con Biblia Vincent Van Gogh (1885) Óleo sobre lienzo 65 x 78 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam
  • 85. La lotería Vincent Van Gogh. (1882) Acuarela. 38 x 57 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam
  • 86.
  • 87. Claude Oscar Monet (1840-1926) • A los 17 años entró en contacto con Boudin, quien reconoció su talento y le estimuló para pintar paisajes al aire libre. • A los 18 años conoce a , Constant Troyon de la Escuela de Barbizon. • En la Academia Suisse, conoció a Camille Pissarro. • En 1862, Monet ingresa en el taller de Gleyre. Aquí conoció a Renoir, Sisley, y Bazille.
  • 88. • Temas: escenas cotidianas, la naturaleza cobraba protagonismo por sí misma, plasmándose tal y como se percibía. En el acantilado Claude Monet (1873)
  • 89. Color • Colores luminosos, vibrantes, que con frecuencia yuxtaponían o mezclaban directamente sobre el lienzo. • Hay color incluso en las zonas de sombra.
  • 90. Composición • Experimentaban con la composición, haciendo encuadres audaces de las escenas que pintaban. • En este cuadro de Monet el encuadre es muy audaz, desde un punto de vista inusualmente bajo.
  • 91. Pincelada • Captar la fugacidad del momento. • Pincelada rápida y espontánea. • Sin preocuparse por un acabado excesivamente elaborado.
  • 92. La merienda campestre Claude Monet (1865-66) 4,20 m. de alto
  • 94. Composición y pinceladas Pinceladas gruesas alternas «pincelada descriptiva», con breves trazos verticales Pinceladas redondeadas
  • 95. • 1870 (Guerra Franco-Prusiana), Monet se marcha a Londres con su mujer e hijo. • Conoce a Paul Durand-Ruel, el marchante de arte. • En 1871, Monet se traslada, con su familia, a vivir a Argenteuil. • Allí construyó, con ayuda de Caillebotte, un bote que le servía de estudio.
  • 97. Pincelada y color Los reflejos del agua se convierten en el lienzo en gruesas pinceladas alargadas El uso de los colores aporta brillantez por el uso del contraste de colores complementarios
  • 98. La estación de Saint-Lazare Claude Monet (1876-77)
  • 99. Impresión. Sol naciente Monet (1872) «Me piden el título para el catálogo; la verdad es que aquello no podía pasar por una vista de El Havre. Contesté: “¡Pon Impresión!” De ahí se pasó a Impresionismo y se extendieron las bromas» -- Monet
  • 100. Serie de Ruán • Vistas de la catedral de Ruán, entre 1892 y 1894, de la que llegó a hacer más de 40 versiones. • Son una de las obras cumbres del expresionismo, pinceladas gruesas, imágenes borrosas, texturas rugosas; una genialidad sin duda.
  • 101. • 1890 Monet compró la residencia de Giverny. • En el jardín de Monet en Giverny el estanque tiene un puente de estilo japonés y en el agua proliferan los nenúfares, que serán el tema predominante de su pintura prácticamente hasta su muerte en 1926.
  • 102. Nenúfares y reflejo de nubes Claude Monet
  • 104. La Japonesa Madame Monet en kimono Claude Monet
  • 105.
  • 106. Camille Pissarro (1830-1903) • Pintor impresionista francés. • Fue el único que participó en las ocho exposiciones organizadas por los impresionistas al margen del arte oficial. • Cuando surgieron las discrepancias dentro del grupo, Pissarro jugaba el papel de conciliador. • Definido por Duret como el «pintor de la naturaleza rústica», Pisarro mostró preferencia por los temas relacionados con la vida natural y rural, casi siempre con campesinos dando un toque de humanidad a sus obras.
  • 107. Autorretrato Camille Pissarro (1873) Óleo sobre lienzo. 56 x 46,5 cm. Museo de Orsay. París
  • 108. • Asociado en un principio con la Escuela de Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. • Durante la Guerra Franco-prusiana (1870- 1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte inglés, interesándose sobre todo por los paisajes de Joseph Turner. • En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el Puntillismo, el nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre.
  • 109. El camino de Louveciennes Camille Pissarro (1872) Óleo sobre lienzo. 60 x 73,5 cm. Museo de Orsay. París
  • 110. • Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes, también pintó escenas callejeras en París como La calle Saint-Honoré después del mediodía, efecto de lluvia, Le Havre y Londres. • Era un excelente profesor, entre sus alumnos y colegas se encontraban Paul Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue un artista prolífico, muchas de sus pinturas, acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de Luxemburgo en París.
  • 111. Lluvia en la calle Saint-Honoré Camille Pissarro (1897) Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm. Museo Thyssen-Bornemisza
  • 112. Naturaleza rústica • Su afán de independencia y de libertad consigo mismo le llevó a rechazar los dogmas académicos al uso. Esto explica que en la etapa inicial de su carrera esté muy influido por los paisajes de Corot y de los maestros de la Escuela de Barbizon. • Lo mismo que Monet, Pissarro estudió en la Academia Suisse, donde también conoció a Cézanne, y a finales de los 60 participaba regularmente en las tertulias del café Guerbois, con Manet, Degas, Renoir, etc.
  • 113. Castaños en Osny Camille Pissarro, c.1873
  • 114. • Pissarro compone una cálida escenografía en el que unas diminutas figuras humanas realizan tareas agrícolas. • Los dos pares castaños de ambos lados enmarcan el paisaje. • Se crea la sensación de profundidad mediante la iluminación. • Mientras en el primer plano dominan las sombras, en la lejanía el campo está soleado, y los colores son más claros. • En la paleta predominan los tonos cálidos, equilibrados por toque de verde. • La ausencia de modulación tonal, es suplida por la habilidad de Pissarro para aplicar los colores puros en rápidas pinceladas. Castaños en Osny
  • 116. Helada • Pissarro logra transmitir una sensación de gélida placidez con el uso que hace del color para la iluminar el paisaje. • Se deduce que la escena se desarrolla a primeras horas de la mañana, porque las sombras todavía son largas, y cruzan el camino que ha de atravesar el campesino. • En el cuadro no aparecen los árboles cuya larga sombra vemos, ya que la luz proviene de la esquina inferior derecha del encuadre de sesgo y espaldas al campesino. • Es interesante observar el tratamiento de Pissarro de la luz y la sombra sobre una misma superficie. El artista, en cualquier caso, casi no usa el negro para las sombras, que en la parte más alejada son de un violeta pálido.
  • 117. Técnica divisionista • Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a Signac y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo. • Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un mosaico). • Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el efecto buscado.
  • 118. Perales en flor en Eragny. Mañana Camille Pissarro 1886
  • 119. • En esta obra de estilo divisionista de 1886, es notable la habilidad de Pissarro para combinar elementos naturales, como los perales, la pradera y el cielo con elementos creados por la mano del hombre, como la valla y las casas del fondo. • Es evidente que el dibujo no existe, al ser sustituido por el color aplicado en pequeños toques de pincel de forma redonda. Es fácil apreciar la pincelada de estilo divisionista, y el efecto de extrema luminosidad así conseguido. • La elección de colores yuxtapuestos, sin duda contribuye enormemente a dar luminosidad al conjunto. Así, el rojo y el verde aparecen juntos en la zona del suelo, y el amarillo y el violeta en el cielo. • Incluso en la pequeña sombra del árbol de la izquierda hay pinceladas de un rojo intenso; la sombra es pequeña porque el paisaje se ha captado por la mañana. Perales en flor en Eragny. Mañana
  • 120. Paisajes urbanos • Desde 1896 hasta su muerte siete años después, Pissarro abandonó el divisionismo y retornó a sus orígenes Impresionistas, pero esta vez dedicado principalmente a escenas de tipo urbano. Así, pintó vistas de la ciudad de Ruán y su puerto, y también de París y sus calles.
  • 122. • Pissarro alquiló una habitación del Grand Hotel de Russie, desde donde dominaba una magnífica vista sobre el bulevar de Montmartre. • Llegó a componer hasta 13 vistas del mismo bulevar, representando distintas condiciones atmosféricas, de luz y de estado de ánimo del artista. • Lo que tienen en común todas estas obras es que no hay nada de solemne ni ceremonial en las vistas: muestran una ciudad animada, llena de vida, con movimiento y actividad.
  • 123. • Con las rápidas pinceladas descriptivas Pissarro ha captado instantáneamente esta actividad. • La composición tiene una estructura geométrica determinada por la pronunciada perspectiva de la gran avenida. • La dominancia de las diagonales que confluyen en un punto de fuga que no está en el centro del cuadro contribuyen a dar dinamismo a la composición.
  • 124. El Louvre, mañana brumosa Camille Pissarro (1901) Óleo sobre lienzo 73 x 92 cm. Colección Banco de la República. Bogotá
  • 125.
  • 126. Francisco de Goya (1746-1828) • Pintor y grabador español. • Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura contemporánea. • Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el momento en que fueron realizadas. • Goya nació en la pequeña localidad aragonesa el 30 de marzo de 1746. • Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón.
  • 127. Los fusilamientos del 3 de mayo Francisco de Goya (1814) Óleo sobre lienzo 268 x 347 cm. Museo del Prado Madrid
  • 128. Francisco de Goya (1746-1828) • En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde esperaba ganar un premio en la Academia de San Fernando (fundada en 1752). • Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs. • Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771, 1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte.
  • 129. Francisco de Goya (1746-1828) • En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio. • Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de historia. • Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana. • Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española. • Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.
  • 130. La familia de Carlos IV Francisco de Goya (1801) Óleo sobre lienzo. 280 x 336 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 131. • Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. • Obras como Carlos III de cazador, Los duques de Osuna y sus hijos o el cuadro la Marquesa de Pontejos , demuestran que en esa época pintaba con un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su contemporáneo inglés Thomas Gainsborough.
  • 132. Carlos III de cazador Francisco de Goya (1788) Óleo sobre lienzo. 207 x 126 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 133. Los duques de Osuna y sus hijos Francisco de Goya (1788) Óleo sobre lienzo. 225 x 171 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 134. • Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son, La maja desnuda y La maja vestida. • En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. • Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. • Series posteriores, como los Desastres de la guerra (1810) y los Disparates (1820-1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.
  • 135. La maja desnuda Francisco de Goya. (1795) Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 136. La maja vestida Francisco de Goya . (1805) Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 137. • Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica. • En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío • Pinturas que reflejan el horror y dramatismo de las brutales masacres de grupos de españoles desarmados que luchaban en las calles de Madrid contra los soldados franceses. • Ambas están pintadas, como muchas de las últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso empaste de tonalidades oscuras y con puntos de amarillo y rojo brillante.
  • 138. La gallina ciega Francisco de Goya, (1789) Óleo sobre lienzo. 269 x 350 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 139. Ferdinand Guillemardet Francisco de Goya 1800 Óleos obre lienzo 186 x 124 cm. Museo del Louvre. París
  • 140. • Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como Carlos IV con su familia, donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual. • Las célebres Pinturas negras reciben su nombre por su espantoso contenido y no tanto por su colorido y son las obras más sobresalientes de sus últimos años. • Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873. • Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática) (1821-1823).
  • 141. Saturno devorando un hijo Francisco de Goya (1823) Pintura mural pasada a lienzo 146 x 83 cm. Museo del Prado. Madrid
  • 142. • Predominan los tonos negros, marrones y grises y demuestran que su carácter era cada vez más sombrío. • Posiblemente se agravó por la opresiva situación política de España por lo que tras la primera etapa absolutista del rey Fernando VII y el Trienio constitucional (1821-1823), decidió exiliarse a Francia en 1824.
  • 143. • En Burdeos trabajó la técnica, entonces nueva, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas, que se consideran entre las mejores litografías que se han hecho. • Aunque hizo una breve visita a Madrid en 1826, murió dos años más tarde en el exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828. • Goya no dejó herederos artísticos inmediatos, pero su influencia fue muy fuerte en los grabados y en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte del siglo XX.
  • 144.
  • 145. • Edgar Degas es un pintor particularmente difícil de etiquetar. • Su estilo pictórico más que Impresionista, parece Realista. • Fue uno de los principales promotores de las exposiciones del grupo impresionista: sólo dejó de exhibir sus obras en una de ellas. • Por otra parte, no pintaba al aire libre, bajo la luz natural, como sus compañeros impresionistas, sino que prefería la luz artificial del interior de cafés, locales de ensayo, teatros, etc. • Sin embargo, mostraba un claro interés por captar momentos instantáneos de las escenas que le rodeaban. Y esto era característico de los impresionistas por influencia de la fotografía y de las estampas japonesas. Edgar Degas (1834-1917)
  • 146. Los inicios • Con 17 años entra en el taller de un discípulo de Ingres, Louis Lamothe, aficionado a los temas históricos. • Fue una etapa en la que, según la costumbre de la época, visitó muchas veces el museo del Louvre para hacer copias de obras de los grandes maestros. • Dos años después, en 1855, ingresaba en la escuela de Bellas Artes, pero la abandona poco después para irse a Italia, donde tuvo ocasión de admirar las obras de Rafael y Miguel Ángel. • En esta época tuvo particular devoción por los maestros venecianos Tiziano, Tintoretto y Veronés, lo que le llevará a interesarse por la concepción del color de Delacroix. • Por tanto, nos encontramos con que muy pronto une el interés por el dibujo aprendido con Lamothe, con la pasión por el color defendida por Delacroix.
  • 147. Ejercicios de jóvenes espartanos Degas
  • 148. Retratos • Durante los años 60, el género que más cultivó Degas fue el del retrato. Mostró una gran habilidad y perspicacia para seguir una de las reglas de oro de todo buen retratista: captar la personalidad del retratado para plasmarla en el lienzo.
  • 149. Retrato de la familia Bellelli Edgar Degas 1860 Óleo sobre lienzo. 200 x 250 cm. Museo de Orsay. París
  • 150. Bailarinas • Si hay un tema con el que se relacione a Degas, son, sin duda, sus estudios de bailarinas. • Degas estaba apasionado por el estudio del cuerpo humano en movimiento. Las bailarinas preparándose en el camerino para el trabajo, ensayando o actuando en escena, ofrecían la oportunidad perfecta para ello. • Si pintores impresionistas «puros» como Monet o Renoir conseguían el efecto de inmediatez a través de la pincelada suelta y la mezcla óptica, Degas lo alcanzaba mediante el tratamiento del tema y una cuidadosa composición.
  • 151. • Decía Degas, que «no hay arte menos espontáneo que el mío. Lo que hago es resultado de la reflexión y del estudio de los grandes maestros; de inspiración, espontaneidad, temperamento, no sé nada. Hay que rehacer diez, cien veces, el mismo tema. En el arte nada debe parecer un accidente, ni siquiera el movimiento». • Estudiaba la composición hasta el más mínimo detalle, y con frecuencia realizaba numerosos estudios preparatorios.
  • 152. La clase de danza Degas 1874 Óleo sobre lienzo. 85 x 75 cm. Museo de Orsay. París
  • 153. Interiores • Hacia 1868 se incorpora a las tertulias del café Guerbois, lideradas por Manet. Allí conoce a Monet, Sisley, Cézanne y Renoir. • A diferencia de estos impresionistas, Degas no se siente atraido por la pintura al aire libre, prefiriendo la pintura de escenas de interior iluminadas con luz artificial. • Llegó a decir a sus compañeros impresionistas «Vosotros necesitáis la vida natural; yo la artificial». • Y Degas llegó a desarrollar una habilidad excepcional para la representación de escenas de interior.
  • 154. • Ese entorno más recogido parece que se prestaba mejor para lo que verdaderamente apasionaba a Degas: el estudio del movimiento del cuerpo humano, captado en momentos inesperados, y bajo encuadres tremendamente audaces e inusuales influidos por la gran afición de Degas por la fotografía y las estampas japonesas.
  • 155. El ajenjo Edgar Degas 1876 Óleo sobre lienzo. 92 x 68 cm. Museo de Orsay. París
  • 156. Caballos • Durante el siglo XIX la burguesía parisina adquirió la costumbre, de origen británico, de acudir al hipódromo a las carreras de caballos. Este es uno de los temas que más frecuentó Degas. Estaba atraido, sobre todo, por la oportunidad que ofrecía para estudiar el tema del movimiento. El desafío consistía en extraer de un amplio repertorio de gestos y movimientos su esencia para congelarlos en una instantánea.
  • 157. En las carreras. Antes de la salida Degas
  • 158.
  • 159. Santiago Calatrava 1951- • Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet (Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo toda su actividad en sus estudios de Arquitectura e Ingeniería de París y Zurich. • Considerado un especialista en el diseño de puentes -aunque ha realizado trabajos de diverso tipo- es autor de obras tan conocidas como el puente del Alamillo y el Pabellón de Kuwait en la Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre de comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y fue uno de los nominados para realizar la reforma del histórico edificio del parlamento alemán (Reichstag).
  • 160. L'Hemisferic Santiago Calatrava 1999 Ciudad de las Artes y las Ciencias Valencia (Com. Valenciana) España, Europa
  • 161. • En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición monográfica a su obra, como también se ha hecho en otras numerosas ciudades de varios países. • Recientemente inauguró en Valencia un espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y trabaja también en la estación de Oriente, de Lisboa, el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación de Lieja, que será el enlace para las líneas de alta velocidad del centro de Europa, entre otros. • Miembro de la Europa Akademie y de la Fazlur Rhaman Vihan International, ha recibido un gran número de distinciones, como el premio Augusto Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el premio internacional Vereinigungg fur Brückenhan und Hochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o el premio FAD de 1988.
  • 162. Puente Oudry Mesly (1988) Santiago Calatrava Creteil (Ile de France) Francia, Europa
  • 163. Estilo • Hoy se considera a Calatrava como uno de los arquitectos especializados en grandes estructuras que se caracterizan por una extraordinaria estética y armonía. • Contrariamente a lo que es habitual en muchos arquitectos, que ocultan las estructuras de sus edificios, Calatrava, como ingeniero que es, las convierte en elementos esenciales y en obras de arte. • Calatrava ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo entre los que destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1999. • Ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce ocasiones.
  • 164. Estación de Lyon (1994) Santiago Calatrava Lyon (Ródano) Francia, Europa
  • 165. • La obra de Clatrava supone una auténtica revolución en la arquitectura, caracterizada por la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que vienen circulando separadas desde el siglo XVIII. • Calatrava supone un reencuentro con la tradición constructiva de la arquitectura, con influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas gótica y romana. • En un momento en que muchas arquitecturas hacen gala de una gran vanalidad, y muchas obras de ingenieria hacen ostentación involuntaria de una gran ordinariez, Calatrava ha producido una gran influencia en la arquitectura contemporánea.
  • 166. Palau de les Arts Santiago Calatrava Ciudad de las Artes y las Ciencias Valencia (Com. Valenciana) España, Europa 2005
  • 167.
  • 168. Antoni Gaudi (1852-1926) • Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX. • Su figura es una de las más sorprendentes de la historia de la arquitectura, tanto por sus innovaciones, en apariencia intuitivas, como por su práctica aislada de las corrientes internacionales e imbuida a menudo en el mero trabajo artesanal. • Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en la ciudad tarraconense de Riudoms, a 5 km de Reus, hijo de un calderero. • Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona, donde se graduó en 1878. Aunque ya colaboró en algunos proyectos siendo estudiante, su primer encargo como arquitecto fue la casa Vicens (1883-1888), un edificio neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.
  • 169. Sagrada Familia Antoni Gaudí 1926 Mallorca, 401 Barcelona (Barcelona - Catalunya) España, Europa
  • 170. • Poco después comenzó a trabajar para el que sería su principal mecenas durante el resto de su carrera, el empresario textil Eusebio Güell: primero con las caballerizas de su finca en Pedralbes, y más tarde con el palacio Güell (1885-1889) en Barcelona, un edificio pleno de espacios y formas innovadoras. • Durante esta primera etapa de carácter historicista también construyó algunas obras fuera de Catalunya, entre las que cabe reseñar el palacio episcopal de Astorga (comenzado en 1887) y la casa de los Botines en León (1891-1892).
  • 171. Xalet de Catllarás (1902) Antoni Gaudí Pista forestal a la Serra del Catllaràs a unos 12 Km. del pueblo Catllarás (Barcelona Pr. - Catalunya) España, Europa
  • 172. • En 1883 se hizo cargo de la continuación en Barcelona del templo expiatorio de la Sagrada Familia, una catedral neogótica que modificó totalmente el joven Gaudí. • Así, en 1891 concluyó las trazas generales de la iglesia, compuesta por cinco naves y tres fachadas monumentales, en 1893 decidió concentrar sus esfuerzos en la construcción de la fachada del Nacimiento, que no pudo ver completamente concluida, y en 1908 publicó la primera imagen definitiva del templo, una especie de bosque ascendente de elevadas torres.
  • 173. Villa el Capricho (1885) Antoni Gaudí Carretera de Comillas a San Vicente de la Barquera, s/n Comillas (Cantabria) España, Europa
  • 174. • A comienzos del siglo XX levantó otras tres obras no menos sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900- 1914), una obra paisajística jalonada de elementos arquitectónicos, como la gran sala hipóstila sobre la que se asienta la plaza principal —conocida como el teatro griego —, el banco ondulado que delimita esta explanada y los soportales inclinados sobre los que discurre el viaducto; la casa Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo destacado por sus balconadas curvilíneas y por su expresiva cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas cerámicas que simulan escamas; y la casa Milá (1906-1912), conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera en castellano— por su carácter monolítico, que supone un hito de la historia de la arquitectura no sólo por su capacidad expresiva, sino también por las numerosas innovaciones —como la planta libre o las grandes proporciones de los vanos— que más tarde caracterizaron a los maestros del movimiento moderno.
  • 175. Casa de los botines Antoni Gaudí 1892 Ancha, s/n León (Castilla-León) España, Europa
  • 176. • Gaudí también fue un destacado diseñador, tanto por las imaginativas forjas que caracterizan sus balcones y cancelas, como por el excepcional mobiliario que fabricó para distintos encargos privados. • Al igual que sus coetáneos Victor Horta o Henry van de Velde, practicó la arquitectura desde una concepción globalizadora, esmerándose en la concreción de cada detalle y proponiendo el mobiliario completo de cada vivienda que proyectaba. • Entre sus piezas más relevantes se encuentran el sillón Calvet, la bancada del Parque Güell así como la silla y el banco Batlló, donde su exuberante genio se alió a las exigencias ergonómicas en una armonía insólita, que anticipó en más de medio siglo las innovaciones del diseño moderno.
  • 177. • Su obra ejerció innumerables influencias sobre las vanguardias históricas, entre las que destacan los paralelismos con el expresionismo alemán y la herencia recogida por Salvador Dalí y otros artistas del surrealismo. • Su desconcertante personalidad destaca en la historia de la arquitectura como la de un visionario, que inspiró el camino estructuralista de Pier Luigi Nervi o Félix Candela tanto como el brutalismo expresionista de las últimas obras de Le Corbusier. • Su obra fue menospreciada por sus compatriotas noucentistas, defensores de un catalanismo basado en la cordura —el seny— antes que en la aparente locura del genio mediterráneo. • Gaudí, que en sus últimos años se recluyó en la construcción de la Sagrada Familia, murió en Barcelona el 10 de junio de 1926, atropellado por un tranvía frente a su inacabada obra maestra.
  • 178. Finca Miralles Antoni Gaudí 1902 Manuel Girona, 55 Barcelona (Barcelona - Catalunya) España, Europa
  • 179.
  • 180. Mary Cassatt (1844-1926) • Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de los impresionistas. Nació en Allegheny City, Pennsylvania. • En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia, pero en 1866 se trasladó a Francia para pintar. • Hacia 1872, después de estudiar las obras de los museos más importantes de Europa, se instaló en París y su estilo comenzó a madurar. • Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas, que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas. • Una de las obras que expuso fue El palco del teatro (1879, National Gallery, Washington). A partir de 1882 el estilo de Cassatt dio un giro.
  • 181. Lydia Cassatt Mary Cassatt (1878) Óleo sobre lienzo. 78.7 x 59 cm. Joslyn Art Museum. Omaha
  • 182. Mary Cassatt • Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas, como en Paseo en barca (1893) y con gestos y posturas más naturales e informales. • La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico. • No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de su propia familia. • En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque fue una pieza decisiva para la difusión de la obra impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en Francia. • Después de 1914 abandonó la pintura a causa de problemas de visión.
  • 183. Madre e hijo Mary Cassatt (1898) Óleo sobre lienzo. 81.6 x 65.7 cm. Havemeyer Collection
  • 184. Dama en la mesa del té Mary Cassatt (1884) Óleo sobre lienzo 73,4 x 61 cm. MOMA. Nueva York
  • 185. Margot en azul Mary Cassatt (1902) Pastel. 61 x 49,8 cm. The Walters Art Gallery. Baltimore
  • 186.
  • 187. Berthe Morisot (1841-1896) • Pintora impresionista francesa. Influida por los artistas Camille Corot y Édouard Manet, abandonó su primera formación clasicista en busca de un estilo impresionista muy personal, caracterizado sobre todo por la delicadeza y sutileza que supo imprimir a sus cuadros. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes, tornasoladas.
  • 188. El Muelle de Lorient Berthe Morisot, (1869) Óleo sobre lienzo. 43,5 x 73 cm. National Gallery of Art. Washington
  • 189. • Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando principalmente paisajes y escenas de mujeres con niños, como es el caso de Madame Pontillon sentada en la hierba y escenas de interior en las que predominan los blancos, como en El espejo de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). • Murió el 2 de marzo de 1896, dejando cerca de setecientas pinturas.
  • 190. París desde Trocadero Berthe Morisot, (1872) Óleo sobre lienzo. 46,1 x 81,5 cm. Santa Barbara Museum of Art
  • 191. Madame Pontillon Berthe Morisot (1871) Pastel sobre papel. 81 x 65 cm. Museo del Louvre. París
  • 192. Tendiendo ropa a secar (1875) Óleo sobre lienzo. 33 x 40,6 cm. National Gallery of Art. Washington Berthe Morisot
  • 193. Un Día de Verano Berthe Morisot. (1879) Óleo sobre lienzo. 46 x 75 cm. National Gallery. Londres
  • 194.
  • 195. Henri Toulouse-Lautrec ( 1864-1901) • Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. • Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. • Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. • Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia.
  • 196. Adele de Toulouse-Lautrec • (1883) Óleo sobre lienzo. 93.5 x 81 cm. Museo de Toulouse-Lautrec. Albi Henri Toulouse-Lautrec
  • 197. Henri Toulouse-Lautrec ( 1864-1901) • Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon. • Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. • Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. • Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad.
  • 198. Emile Bernard (1886) Óleo sobre lienzo. 54.5 x 44 cm. Tate Gallery. Londres Henri Toulouse-Lautrec
  • 199. • Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892) y En el salón de la calle des Moulins (1894). • Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de 1901 falleció. • Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. • Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi.
  • 200. Crouching Woman Red Hair (1897) Oil on cardboard. 47 x 60 cm. San Diego Museum of Art Henri Toulouse-Lautrec
  • 201. • A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. • El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. • Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles.
  • 202. Solo (1896) Oil on board. 31 x 40 cm. Museo de Orsay. París Henri Toulouse-Lautrec
  • 203.
  • 204. Georges Seurat (1859-1891) • Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo. • Seurat nació en París y recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. • Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. • Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy fecunda. • No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su tremenda originalidad.
  • 205. • Seurat nació en París una familia de clase media acomodada, aunque no rica. Nunca pasó los apuros económicos que otros artistas contemporáneos, como Gauguin, Van Gogh, o tantos otros. A los 18 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, bajo el magisterio de Henri Lehmann, un discípulo de Ingres. • Pronto se mostró como un chico muy curioso y poco dispuesto a dejar marchitar su creatividad bajo la rigidez academicista a que estaba expuesto.
  • 206. Las modelos • Georges Seurat • (1888) • Óleo sobre lienzo. • 200 x 249.9 cm. The Barnes Foundation, Pensilvania
  • 207. • No sólo estudió la teoría del color; también leyó una obra de Humbert de Superville en la que este autor alemán proponía, en 1827, que las líneas del dibujo tienen un significado psicológico según cómo sea el trazo.
  • 208. • El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. • Muchas de las teorías de Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica. • Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica. • En 1884 Seurat acabó Los bañistas, una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico.
  • 209. • En ése y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos. • Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte, representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. • La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras. • Las modelos , La parada, El chahut y El circo son otras de las grandes obras de Seurat.
  • 210. Los bañistas en Asnières • Óleo sobre lienzo. 201 x 300 cm. National Gallery. Londres Georges Seurat, 1884
  • 211. Los bañistas en Asnières • En esta obra es claro que hay grandes diferencias de enfoque con respecto a los pintores academicistas. • Aunque mantiene algunas concomitancias con los impresionistas en lo que se refiere a la técnica que aplica, también hay diferencias. • Mientras Renoir, pintaría, poco después, mujeres bañándose en un entorno idílico, Seurat nos muestra en esta tela a un grupo de varones de clase media en la ribera del Sena cerca de una ciudad industrial, como denuncian las chimeneas y la humareda del fondo.
  • 212. Una tarde en la Gran Jatte • Óleo sobre lienzo. 202 x 300 cm. Instituto de Arte de Chicago Georges Seurat, 1886
  • 213. • Con ella asistimos al manifiesto del divisionismo. • En toda esta obra se aplica de manera escrupulosa el método puntillista desarrollado por Seurat. • Se ha querido ver en esta obra una crítica velada a la hipocresía de la Francia de fines del s.XIX. • Así, las mujeres que pescan con cañas en la orilla del río serían en realidad prostitutas que así disimulan su verdadera actividad. • Los militares que se acercan un poco más lejos podrían ser sus verdaderas pesas. • Por otra parte, la mujer acompañada por un hombre en el primer plano sería otra prostituta que consigue un aire de respetabilidad del brazo de un elegante caballero. • Va paseando un mono capuchino (de moda entre la burguesía), que según algunos críticos representa el libertinaje. Una tarde en la Gran Jatte
  • 214. El circo • Óleo sobre lienzo. • 185,5 x 152,5 cm. Museo de Orsay. París Georges Seurat • 1891
  • 215. El circo • Fénéon sugiere que esto se puede apreciar en que hay amplias zonas del lienzo en las que los contornos apenas se han esbozado con pequeñas pinceladas de azul. • En esta obra es llamativo el uso que hace Seurat de las líneas curvas, con un claro predominio de las horizontales (a excepción de la gran puerta que aparece arriba a la derecha).
  • 216.
  • 217. Paul Gauguin (1848-1903) • Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno. • Nació en París el 7 de junio de 1848, en una familia liberal de clase media, su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán.
  • 218. • Paul Gauguin fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. De vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado», que pronto sintió la necesidad de superar. • Las influencia sobre corrientes artísticas posteriores es evidente en grupos como los simbolistas, o Los Nabis.
  • 219. El personal camino que siguió para dar cauce a su necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que el llamaba «simbolismo sintético», caracterizado, desde el punto de vista formal, por: • La simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano. • Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros • Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental.
  • 220. • En un principio su pintura estaba muy cercana a los presupuestos impresionistas. Incluso expuso con ellos en todas sus muestras posteriores a 1880. • Sin embargo no tarda en distanciarse del impresionismo que había aprendido con Pissarro, comenzando a experimentar nuevos cauces de expresión.
  • 221. Bodegón con retrato de Charles Laval • Paul Gauguin (1886)
  • 222. Bodegón con retrato de Charles Laval • Se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne. Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar la escena mostrando en un primer plano el perfil de su amigo Laval (desbordamiento del primer plano). • La influencia de Cézanne se manifiesta en la simplificación de formas enérgicamente modeladas. • La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista, lo mismo que el uso del color (contraste de complementarios). • Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la pintura.
  • 223. El Cristo amarillo • Paul Gauguin 1889 Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. General Purchase Funds
  • 224. • Esta obra es otro ejemplo de «cloisonnisme»: grandes zonas de color plano contorneadas en azul o negro. • El dibujo y las formas están muy simplificadas. • El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo observado en la naturaleza, sino más bien con las necesidades expresivas del artista. • El amarillo del Cristo indica el sufrimiento y la humanidad de la figura, transmitiendo al espectador una sobrecogedora sensación de dramatismo. • La composición, de forma análoga a la Visión se basa en el «corte fotográfico» de las mujeres arrodilladas formando un arco abierto alrededor del Cristo. • Al fondo los árboles rojos contrastan con las colinas y los prados de un amarillo verdoso (un nuevo uso arbitrario del color con fines expresivos). El Cristo amarillo
  • 225. Tahitianas en la playa • (1891) Óleo sobre lienzo. • 69 x 91,5 cm. Museo de Orsay. París Paul Gauguin
  • 226. Susana cosiendo • (1880) Óleo sobre lienzo. • 115 x 80 cm. Ny Carlsberg Glypotek. Copenhage Paul Gauguin
  • 227.
  • 228. Paul Signac (1863-1935) • Paul Signac nació, como Seurat, en una familia acomodada y próspera (su padre tenía una guarnicionería). Igual que en el caso de Seurat, estuvo libre de preocupaciones y estrecheces económicas, por lo que pudo desarrollar más libremente su creatividad, sin la obligación de tener que vender sus obras para sobrevivir. • No tuvo una formación académica como la de Seurat, sino que tuvo una vocación autodidacta que le llevó a visitar la cuarta exposición impresionista con sólo 15 años. Rewald cuenta que, al verle tomar bocetos de una obra de Degas, Gauguin le expulsó de la muestra gritándole «¡Aquí no se copia!»
  • 229. • Esta muestra le causó un gran impacto que le espoleó para seguir estudiando la obra de Monet y su grupo. • Esta necesidad de mantener a toda costa su libertad creativa, le llevó a ser uno de los promotores de la Sociedad de Artistas Independientes, en 1884, cuando conoció a Seurat que sería a partir de entonces su amigo.
  • 230. El comedor • Paul Signac (1886-87)
  • 231. El comedor • La pintura que aquí presentamos se titula El comedor (Desayuno), y es una obra de juventud; está fechada en 1886-87. • Signac emplea breves pinceladas al estilo divisionista. • Fiel a la definición que los neoimpresionistas daban de su estilo como «cromo-luminismo», es llamativo el tratamiento de la luz y del color en esta obra. • Para empezar, la iluminación es a contraluz, es decir, con el foco de luz detrás de las figuras, lo que crea un interesante juego de sombras.
  • 232. El comedor • Signac elige tonos cálidos (amarillo y naranja) para las zonas iluminadas por el sol que entra, y tonos fríos (como el azul y el violeta) para las sombras. Para delimitar las zonas de luz y de sombra, Signac sigue la «ley del contraste simultáneo» yuxtaponiendo colores complementarios. • Por ejemplo: • 1. El macetero azul reposa sobre una superficie en la que Signac ha pintado una zona anaranjada.
  • 233. • 2. El borde azulado del azucarero de porcelana está perfilado por uno de sus lados con el color naranja reflejado por la botella roja. • 3. En la sombra de la botella roja aparecen pinceladas del complementario del rojo: el verde. • 4. En el pecho de la señora que está de pie de perfil, se crea la sensación de volumen mediante pinceladas que varían desde el amarillo y naranja hasta el azul y violeta, con toques de verde. Aquí no hay modulación tonal, puesto que se aplican tonos de color puro yuxtapuestos como en mosaico, pero se crea la ilusión de volumen gracias a la mezcla óptica.
  • 234. Una vista de Marsella • Paul Signac (1905)
  • 235. Una vista de Marsella • La vista del puerto de Marsella fue un tema que pintó en varias ocasiones. La tela que tenemos delante es un estupendo ejemplo de la típica pincelada casi rectangular de Signac. Cada pincelada venía a ser como una tesela de un mosaico pictórico. • Las pinceladas de colores puros aparecen complementadas por colores secundarios, para crear un vibrante efecto de luminosidad a través del color: • 1. La luz del sol se simula con pinceladas de amarillo, en contraste con el violeta del perfil de la ciudad en el horizonte. Signac también esparce pinceladas de amarillo complementadas con violeta en los reflejos de la luz sobre el agua.
  • 236. • 2. En los cascos rojizos de los barcos de la izquierda abundan los toques de verde. Signac incluso pone un casco verdoso al lado de otro con una franja rojiza. • Signac logra el efecto de profundidad al emplear colores más tenues en los elementos más alejados, y más vivos en los cercanos (que están a ambos lados del lienzo). La barquita con figuras humanas cumple una función de enlace entre el resto de los elementos compositivos de la imagen. • Por último, es destacable el logrado efecto de contraste entre las líneas de color horizontales del agua del mar, y las verticales de los mástiles de los barcos, lo que aporta equilibrio al conjunto.
  • 237. • En la última etapa de su vida Signac (de ideas anarquistas, como Fénéon y Pissarro) presidió el Salón de los Independientes (de 1908 a 1934). • Su labor supuso un estímulo para los fauvistas y cubistas, a quienes animaba sin descanso a exponer sus obras.
  • 238.
  • 239. Le Corbusier (1887-1965) • Sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera la figura más importante de la arquitectura moderna. • Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), y en esta misma ciudad estudió artes y oficios. • Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y el Deutscher Werkbund. • En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus escritos. • Aunque su principal carrera fue la de arquitecto, también practicó con acierto la pintura y la teoría artística.
  • 240. Unidad de Habitación • (1952) Le Corbusier Marsella (Provenza) Francia, Europa
  • 241. • Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para fundar el movimiento purista, una corriente derivada del cubismo. • En 1920 fundó con él la revista L Esprit Nouveau (El espíritu nuevo), para la que publicó numerosos artículos sobre sus teorías arquitectónicas. • Una de sus principales aportaciones, aparte del rechazo a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos del movimiento moderno, es el entendimiento de la casa como una máquina de habitar (machine à habiter), en consonancia con los avances industriales que incorporaban los automóviles, los grandes transatlánticos y los nuevos aeroplanos.
  • 242. • Definió la arquitectura como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz, fundamentada en la utilización lógica de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos artificiales. • Una de sus preocupaciones constantes fue la necesidad de una nueva planificación urbana, adecuada a las necesidades de la vida moderna (Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan Obus para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas han tenido una enorme repercusión en el urbanismo de este siglo.
  • 243. Palacio de Justicia • (1956) Le Corbusier Chandigarh (Punjab) India, Asia
  • 244. • Durante la década de 1920 propuso numerosos proyectos urbanísticos y residenciales, pero sólo pudo construir una serie de villas unifamiliares cercanas a París que le sirvieron para concretar sus cinco postulados sobre la nueva arquitectura: bloques elevados sobre pilotis (pilares), planta libre, fachada libre independiente de la estructura, ventanales longitudinales (fenêtre en longueur) y cubiertas planas ajardinadas.
  • 245. Asamblea de Chandigarh • Le Corbusier 1961 Chandigarh (Punjab) India, Asia
  • 246. • Entre los edificios de esta época destacan el Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la villa de Monzie en Garches (1927) y la villa Savoye en Poissy (1929-1931), aparte de los proyectos no construidos para la Sociedad de Naciones en Ginebra (1927-1928) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Sus obras posteriores más representativas son la Casa de Suiza de la ciudad universitaria de París (1931- 1932), la Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952), donde puso en práctica su elaborado sistema de proporciones publicado con el nombre de modulor, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp (Francia, 1950-1954),
  • 247. • El monasterio de los dominicos de La Tourette (1957-1960) y el planeamiento urbano de Chandigarh, la ciudad construida en la India como nueva capital del Punjab, para cuyo capitolio proyectó los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958). Sus escritos más importantes se recogen en varios libros, entre los que destacan Vers une architecture (Hacia una arquitectura, 1927), La maison des hommes (La casa de los hombres, 1942) y Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin (Francia).
  • 248. Secretariado • Le Corbusier, (1958) Chandigarh (Punjab) India, Asia
  • 249.
  • 250. Edouard Manet (1832-1883) • Precursor del Impresionismo. • Nunca participó en las exposiciones organizadas por los impresionistas. • Considerado por la revista Les Contemporains como «el Rey de los Impresionistas» • Mantuvo el afán a lo largo de su vida de conseguir reconocimiento en “el Salon”.
  • 252. Composición e influencias El concierto campestre Tiziano El juicio de Paris Raimondi
  • 254. La reacción de la crítica • «¿Qué significa esa odalisca de barriga amarilla, innoble modelo recogido de no sé dónde y que representa a Olimplia?» Moniteur des Arts • «Una epidemia de locas carcajadas se desata ante el cuadro de Manet» Moniteur des Arts
  • 255. «Grupo de Batignolles» • Reuniones en las que participaban habitualmente admiradores de Manet como Astruc, Zola, Duranty, Duret y pintores como Bazille, Degas, Fantin-Latour, y, siempre que visitaban París, Cézanne, Monet, Pisarro y Sisley. • Lo que unía a estos pintores era su menosprecio por el arte tradicional, buscando nuevos cauces de expresión que cada uno perseguía siguiendo su propio camino.
  • 256. Monet pintando en su estudio flotante Edouard Manet (1874)
  • 257. Bar en el Folies-Bergère Edouard Manet (1881) 95,2 x 129,5 cm
  • 259.
  • 260. Francisco Toledo 1940- • Pintor, grabador y ceramista mexicano. Su obra nos adentra en un mundo mágico, onírico, plagado de mitos, de recuerdos de su tierra y de su pueblo, de fantasía poética y símbolos eróticos, que ha creado escuela en la joven pintura mexicana. • Nació en Juchitán de Zaragoza (Oaxaca). Descendiente de indios zapotecas, comenzó su formación artística en el Taller Libre de Grabado de la ciudad de México. • Vinculado desde un primer momento al surrealismo, en 1959 celebró dos exposiciones individuales en Texas y ciudad de México que le supusieron el éxito y el reconocimiento de la crítica de ambos países. • Al año siguiente viajó a Europa, donde permaneció hasta 1965.
  • 261. Muerte Óleo sobre lienzo. Colección particular Francisco Toledo 1960
  • 262. • Compaginó su formación artística en París en el taller del grabador británico Stanley William Hayter con diversas exposiciones individuales en Londres, Ginebra, Hannover, Toulouse, París y Nueva York. • A su regreso a México en 1965, y definitivamente en 1968, se retiró en Ixtepec (Oaxaca), dedicándose al grabado, la acuarela y la pintura al gouache.
  • 263. El profesor de lenguas Óleo sobre lienzo. Colección particular Francisco Toledo 1987
  • 264. • Los temas animalísticos y mitológicos, muy frecuentes en su obra, proceden de sus raíces indígenas, ya que en la mitología zapoteca las alegorías protagonizadas por animales son constantes. • También trabaja la cerámica, el tapiz y la litografía. • Tiene obra representada en el Museo de Arte Moderno de México, en la Tate Gallery de Londres y en el Museo de Arte Moderno de París, entre otros.
  • 265. Tamazul (Sapo) Óleo sobre lienzo. Colección particular Francisco Toledo 1977
  • 266. La máquina de coser Óleo sobre lienzo. Colección particular Francisco Toledo 1988
  • 267.
  • 268. David Alfaro Siqueiros (México, 1896-1974) • Pintor mexicano, uno de los más famosos muralistas de su país junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco. Siqueiros nació en Chihuahua y se formó en la Escuela de Bellas Artes de México y en la escuela de Santa Anita de esta ciudad. • Participó en el renacimiento de la pintura al fresco efectuada bajo el patrocinio gubernamental de las decoraciones murales en edificios públicos. Vivió en París, Barcelona y Estados Unidos.
  • 269. Niño sentado (1931) Óleo sobre lienzo. 218.2 x 162.8 cm. Colección particular David Alfaro Siqueiros
  • 270. • Regresó a México y organizó el sindicato de pintores, escultores y grabadores revolucionarios. • Miembro del Partido Comunista Mexicano, fundó su periódico El Machete y se dedicó al activismo político, representando en sus frescos temas de dinámica revolucionaria para alentar a las clases sociales más desfavorecidas. • Sus pinturas representan una síntesis muy particular de los estilos futurista, expresionista y abstracto, con colores fuertes e intensos.
  • 271. Autorretrato Pyroxylin. 100.3 x 121.9 cm. Instituto Nacional Bellas Artes. México David Alfaro Siqueiros, 1943
  • 272. • En 1962, el gobierno mexicano sentenció a Siqueiros a ocho años de prisión por organizar disturbios estudiantiles de extrema izquierda dos años antes, el artista fue indultado en 1964. • Sus obras más monumentales son, Marcha de la Humanidad (1971), realizada después de su salida de la cárcel, que decora las paredes del Hotel de México, y que ocupa una superficie de 4.600 m2 de paneles articulados, y Del porfirismo a la revolución, de 4.500 m2, en el Museo de Historia Nacional de la ciudad de México. Recibió el Premio Nacional de Arte de México y el Premio Lenin de la Paz.
  • 273. Suicidio colectivo Esmalte sobre madera. 124.5 x 182.9 cm. MOMA. Nueva York Autor: David Alfaro Siqueiros, 1936
  • 274. Eco por un grito Lienzo sobre madera. 91.44 x 121.91 cm. MOMA. Nueva York David Alfaro Siqueiros, 1937
  • 275.
  • 276. José Clemente Orozco (México, 1883-1949) • Pintor muralista mexicano, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento. • Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
  • 277. Cortes y la Malinche Fresco. Colegio San Ildefonso. México José Clemente Orozco 1926
  • 278. • Conoció el taller del grabador José Guadalupe Posada, que lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra. • En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano. • Una de sus primeras y más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos.
  • 279. Combate Óleo sobre tela. 66,7 x 85,7 cm. Museo Carrillo Gil. México José Clemente Orozco 1927
  • 280. • Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego Prometeo. • Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College (1932-1934) escenifican la historia de América con la serie La llegada de Quetzalcóatl, El retorno de Quetzalcóatl y Modern industrial man.
  • 282. • De regreso a su país realizó grandes murales en el Palacio de Bellas Artes (1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio Cabañas. • En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus murales.
  • 283. Zapata Óleo sobre lienzo. 178,4 x 122,6 cm. Instituto de Arte de Chicago José Clemente Orozco 1930
  • 284. • En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo. • Orozco murió en México D.F. el 7 de septiembre de 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un pintor.
  • 285. Zapatistas Óleo sobre lienzo. 114.3 x 139.7 cm. MOMA. Nueva York José Clemente Orozco 1931
  • 286. Civilización Americana Fresco. Dartmouth College. New Hampshire José Clemente Orozco, 1932
  • 287.
  • 288. Diego Rivera (México, 1886-1957) • Pintor mexicano que realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo. • Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de México. • Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. • En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno.
  • 289. El vendedor de alcatraces • Diego Rivera
  • 290. • Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance. • Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de Educación en la ciudad de México, pero su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza. • Diego Rivera pintó murales en el Palacio de Cortés, en Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad. • En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una representante insigne de la pintura introspectiva mexicana del siglo XX.
  • 291. Vista de Toledo Óleo sobre lienzo. 112 x 91 cm. Fundación Amparo de Espinosa. Puebla Diego Rivera 1912
  • 292. • Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. • Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados Unidos, su obra allí incluye un mural (1932-1933) para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, y destruido poco después de su realización porque contenía, al parecer, un retrato del líder soviético Lenin. • Un año después, Rivera lo reprodujo para el Palacio de Bellas Artes de México. • En 1935 concluyó uno de sus proyectos más ambiciosos, los frescos para la escalera monumental del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su propia interpretación de la historia de su país, desde los tiempos precolombinos hasta la actualidad.
  • 293. Festival de las flores (1925) Óleo sobre lienzo. 147.3 x 120.7 cm. County Museum of Art. Los Angeles Diego Rivera
  • 294. • En la década de 1940 pintó dos grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología (1944), y otro gran mural para el Hotel del Prado, Sueño de la Alameda (1947), de tema histórico-crítico. • Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales, como las del Estadio de la ciudad universitaria de México o el del Teatro Insurgentes, ambas en el exterior. • Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y también sensual del folclore de su país.
  • 295. • Dibujante magistral y estupendo colorista, demostró un gran talento para estructurar sus obras. • Legó a México una importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México. • Como él mismo dijo, condensando el sentido de su obra, su propósito era ligar un gran pasado con lo que queremos que sea un gran futuro de México. • Murió el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de México.
  • 296. América Prehispánica • Óleo sobre lienzo. 70 x 92 cm. Colección Licio Lagos. México Diego Rivera, 1950
  • 297.
  • 298. Rufino Tamayo (México, 1899-1991) • Nacido en Oaxaca, pintor mexicano cuyo estilo combina temas populares autóctonos con las formas artísticas de la vanguardia europea como el cubismo. • Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la temática social. • Tamayo también recuperó la pintura de caballete, que combinó con la pintura mural de carácter social, como La revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo cual marchó a vivir a Nueva York. • En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las figuras fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en el cubismo francés.
  • 299. Mujer alcanzando la luna • (1946) Óleo sobre tela. 92 x 66 cm. Cleveland Mueum of Art. Cleveland Rufino Tamayo
  • 300. • Sus obras gozaron de un reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias decoraciones murales como Homenaje a la raza (1952), en París, o México hoy (1953, Palacio de Bellas Artes, México). • Le siguieron otros murales como América (1956, Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor envergadura que ejecutó, y para el nuevo edificio de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y, posteriormente, Eclipse total (1977). En 1943 Tamayo realizó su primera obra completamente abstracta, La naturaleza y el artista (Smith College Collection, Northampton, Massachusetts).
  • 301. El hombre del bastón • Óleo sobre tela. 100 x 80 cm. Colección Roberto García Mora. México Rufino Tamayo, 1966
  • 302. • Muchas de sus obras siguientes en la década de 1950 desarrollaron esta tendencia hacia la abstracción unida a un estilo sumamente emocional y violento. • Tamayo fue un gran conocedor del arte prehispánico y en 1974 donó su espléndida colección de piezas de ese periodo a su ciudad natal. • En la capital mexicana se encuentra el museo que lleva su nombre y que fue inaugurado en 1981.
  • 303. El hombre ante el infinito • Óleo sobre tela. 95 x 135 cm. Musées Royaux des Beaux-Arts. Bruselas Rufino Tamayo, 1950