2. PERSPECTIVA
Desarrollo Histórico.
La necesidad de representar el espacio en
toda su profundidad ha sido tema de
investigación por parte de los artistas en
la antigüedad .
En la época clásica griega artistas y
arquitectos, conocían la perspectiva,
sabían que los objetos distantes hay que
dibujarlos más pequeños que los que
están más cerca, VITRUVIOS lo
confirma en el único tratado latino sobre
arquitectura que existe (Año 46 A. C. ) al
mencionar que la perspectiva se conocía
bien desde tiempos antiguos .
Antecedentes

3. En Egipto el dibujo ayudó a los artesanos a
definir las relaciones entre las distintas
partes del cuerpo humano, de un modo que
se considera característico del arte Egipcio,
se toman las partes del cuerpo desde
distintos puntos de vista y después montar
las de modo que resalte al máximo el
aspecto más reconocido de cada parte. Así
la cabeza aparece de perfil, mientras que el
torso aparece de frente. En el perfil de la
cabeza se ve, sin embargo, un ojo de frente.
En varias culturas orientales, el dibujo era el
primer paso para luego elaborar la pintura .
Antecedentes

4. En el arte Islámico nunca se
utilizó la perspectiva
utilizada en el Renacimiento
y las relaciones espaciales
se indicaban por otros
medios. Las formas más
próximas se colocaban en la
parte inferior. La más
alejadas se dibujaban,
arriba. Este sistema se suele
complicar, además, por el
hecho de que las figuras
especialmente importante:
Dioses, santos, héroes, reyes
o reinas, se dibujaban más
grandes que las demás, es
decir se aplicaba la
perspectiva Jerárquica.
Antecedentes

5. Antecedentes
En la antigüedad y durante la Edad Media
no se sabía representar la distancia ni la
profundidad. Todo aparece en el mismo
plano, los colores no están gradados, los
contornos son claros y marcados y no hay
fondo, los fondos de las pinturas eran
planos y, muchas veces, dorados. Las
figuras se colocaban unas al lado de las
otras. Solo existía el largo y el ancho de
la superficie que se pintaba, por lo que la
perspectiva no se usaba, seguramente
porque los pintores no se interesaban por
ella.
Durante el gótico se elabora una
jerarquización perspectiva teológica, los
personajes son más grandes cuanta mayor
significación poseen, caso de Jesucristo,
la Virgen o algún santo.

6. Antecedentes
La pintura y la escultura medievales
servían para enseñar a los fieles las
historias bíblicas y las vidas de los santos
cristianos. Por eso, a los artistas no les
interesaban los fondos, y solo se
preocupaban de las figuras.
Es en el Renacimiento cuando los
pintores florentinos comienzan a
investigar en serio la perspectiva como
una ciencia, con sus leyes y sus principios
matemáticos. Genios como Mantegna,
Ghiberti, Massaccio y otros establecieron
ciertos principios necesariamente
observables para reproducir la distancia.

7. Fue FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-
1446),uno de los grandes arquitectos
florentinos del Renacimiento quien
descubrió el sistema matemático de calcular
la proporción en la que los objetos
disminuyen de tamaño al alejarse.

8. Las teorías de Brunelleshi influyeron
en Paolo Uccelo (1397-1476). En su
famosa escena de la Batalla de San
Romano, pintada hacia 1450 Ucello
aplicó la geometría en su
composición. En el primer plano
pintó un soldado muerto, el primer
cuerpo en escorzo que apareció en un
cuadro. Sin embargo la obra de
Ucello tiene algo de rígida; no
dominaba el empleo de luces y
sombras; tan importantes para
enfatizar las profundidad y el espacio.

9. La característica principal del
Renacimiento fue la de haberse apartado
del Concepto medieval de Dios (y la
iglesia) como centro omnipotente de la
vida, adquiriendo más interés el estudio
del hombre y el mundo natural.
LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
estudioso de la Botánica de la Anatomía la
Ingeniería y la Pintura, representa el
espíritu investigador del Renacimiento.

10. Los artistas renacentistas se interesaron
rápidamente en alcanzar las leyes y
principios de la perspectiva con el fin de
añadir esa actitud a sus obras.

11. ALBERTO DURERO (1471-1528)
Empleó meticulosamente la nueva
técnica de la perspectiva para añadir
detalle y precisión de a sus obras. Su
famosa LIEBRE pintada en 1502 es
toda una lección de dibujo ilustrativo.

12. El Renacimiento que se extendió en
Europa durante el Siglo XV desplazó el
foco de atención hacia el hombre y
apoyado por los adelantos de la filosofía y
la ciencia, aportó una nueva disciplina
analítica y perspectiva para representar la
forma y el espacio, las figuras adquieren
mayor volumen y flexibilidad cuyos
escenarios mostraban con mayor claridad
el espacio tridimensional.
Trabajando con modelos humanos y
copiando el ambiente en el que vivían , los
artistas comenzaron a dibujar lo que veían
en lugar de basarse en convencionalismos
adquiridos el estudio de la Anatomía y la
perspectiva paso a formar parte del trabajo
del artista, permitiéndose representar
adecuadamente lo que veían.

13. El uso del dibujo como medio de
investigar la naturaleza, la
experimentación con la geometría, la
perspectiva, la proporción, la
composición y la libre expresión
producto del Renacimiento dominó el
arte y la formación artística en occidente,
hasta la irrupción del Modernismo a
finales del siglo XIX, relacionado
especialmente con los Impresionistas y
Postimpresionistas .

14. Los impresionistas, aunque seguían
representando el mundo real, aceptaron la
cualidad bidimensional del plano, el arte
ya no era solamente figurativo sino
también abstracto. Con estas nuevas
actitudes, los artistas se animaron a
estudiar otras tradiciones artísticas no
occidentales, cada vez adquieren mayor
importancia para los estudiosos del
dibujo ya que muchas de estas tradiciones
se han incorporado en la obra de muchos
artistas de los siglos XIX y XX.

15. El término ARTE MODERNO, se aplica
a cualquier tipo de arte no tradicional
practicado a partir del siglo XIX. Los
artistas se dieron cuenta que los
convencionalismos europeos no eran sino
una pequeñísima parte de lo que podía
expresar el artista. Comenzaron entonces
a explorar nuevos medios de expresión y
desarrollaron nuevas filosofías.
Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX
el plano pictórico se consideraba como
una ventana, a través de la cual se veía el
mundo.

16. El holandés Maurits Cornelis Escher
(1898-1972) fue un dibujante y grabador
que revolucionó la perspectiva del plano
y es considerado el intérprete de los
conceptos matemáticos, por definición
abstractos, que dan sustento a la
relatividad del espacio-tiempo planteada
por Einstein en 1905 y 1915, idea
continuada por sus seguidores,
ampliándola, profundizándola e incluso
modificándola.
Se dice que las coincidencias no existen y
mucho menos en los ámbitos de la
ciencia y el arte que, salvo excepciones,
van de la mano. Escher, al igual que
Leonardo da Vinci en su época, lograron
captar el momento crucial de la
civilización en la que se desarrollaron.

17. Escher en un periodo que se conoce
como “periodo italiano” (1922-1935)
experimenta con la perspectiva en
paisajes, dibujos de ciudades y
edificios.
El periodo italiano es principalmente
relevante en Escher por su
fecundidad, el desarrollo de la
perspectiva y los trazos continuados,
profundamente motivado por el
estudio de la división del plano a
partir del arte morisco en los
mosaicos de la Alhambra, que lo dejó
vivamente impresionado durante su
visita a Granada, en 1922.

18. Arriba y Abajo (litografía, 1947). En esta
obra Escher utiliza haces de líneas curvas
para demostrar la relatividad de los puntos
de fuga de la perspectiva, otro de sus
clásicos. Si se divide la imagen en dos,
horizontalmente, se descubre al cabo de un
rato que se trata de la misma escena
dibujada desde dos puntos de vista,
perfectamente normales. Pero al hacer que
el suelo de la primera escena sea a la vez el
techo de la segunda, la contradicción visual
surge como de la nada. El dibujo está tan
bien realizado que puede dejar al espectador
absorto durante un buen rato buscando
dónde está el «error», o preguntándose qué
sucedería si alguien más se asomara por
alguna de las ventanas… ¿estaría arriba o
abajo? Como en tantas otras de sus obras,
las transformaciones son tan sutiles y están
matemáticamente tan bien realizadas que el
cerebro finalmente aceptar la escena
simplemente como lo que se ve.