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Arte Pop
                                               Como su propio nombre indica, el
Expresionismo Abstracto                        expresionismo abstracto es un arte no
                                               figurativo y, por lo general, no se ajusta a
Movimiento pictórico de mediados del siglo     los     límites   de    la    representación
XX cuya principal característica consiste en   convencional.
la afirmación espontánea del individuo a
través de la acción de pintar. Existe una
gran variedad de estilos dentro de este
movimiento que se caracteriza más por los
conceptos que subyacen en él que por la
homogeneidad de estilos.
Jackson Pollock,.
Black and White (1948), del expresionista abstracto estadounidense Jackson Pollock, está
realizado con la técnica del Action Painting que le hizo famoso. La composición de estas
pinturas no guarda relación con el tamaño o las proporciones del lienzo, que el artista
recortaba después de su conclusión.
Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del
pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma
deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad
creativa.
La llegada a la ciudad de Nueva York durante
la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores
europeos de vanguardia como Max Ernst,
Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves
Tanguy difundió el espíritu del expresionismo
abstracto entre los pintores estadounidenses
de las décadas de 1940 y 1950, que también
recibieron la influencia de la abstracción
subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació
en Armenia y emigró a Estados Unidos en
1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor
alemán nacionalizado estadounidense, que
hacía hincapié en la interacción dinámica de
planos de color.




                                                Esta pintura sin título del pintor estadounidense Mark
                                                Rothko es una muestra de su interpretación colorista
                                                del expresionismo abstracto. Rothko empleaba las
                                                transparencias para crear efectos lumínicos.
Esta pintura titulada Marilyn Monroe (1954), de
Willem de Kooning, es una muestra del
expresionismo abstracto. Este artista holandés
nacionalizado estadounidense fue el único
miembro del grupo que incluyó en sus obras la
figura humana.
Luna creciente

El artista estadounidense de origen alemán Hans Hofmann anticipa, con su obra progresivamente abstracta, la
obra de pintores como Jackson Pollock o Clyfford Still.
"POP ART"

El movimiento que revolucionó el arte de
los sesenta y a todas las tendencias que le
seguirían.

El usadísimo término "pop art" hace referencia
a la expresión inglesa "popular art" propuesta
en 1955 por Leslie Fieldler y Reyner
Banham. El concepto se refería a un amplio
repertorio de imágenes de la cultura urbana de
masas, integrado por la publicidad, la televisión,
el cine, la fotonovela, los cómics, etc.

La célula del pop fue el Grupo Independiente
(IG) del Instituto de Arte Contemporáneo de
Londres, fundado en 1952 y en el que destacó
R Hamilton.
En 1956, la Whitechapel Gallery de Londres
expuso un collage que ha sido considerado
como la primera obra pop: "Just What is it
that makes Today's Homes so Different, so
Appealing?". Y,   aunque   las   primeras
formulaciones aparecen en Inglaterra, su
consolidación fue un fenómeno típico
estadounidense.




                                             Una de las características del Pop Art y que
                                             permite su mayor comprensión, es que
                                             recalcaba el carácter de rápido consumo, de
                                             sus obras. A medida que se introdujo la imagen
                                             popular, los artistas se fueron desplazando
                                             hacia la objetividad e impersonalización
                                             creativa. Por esta razón, su inspiración se
                                             dirigió hacia los distintos medios de masas
                                             desde un punto de vista formal, temático y
                                             creativo.
Con algunas modificaciones, el pop se apropió de
técnicas expresivas, inspiradas y probadas en los
distintos medios de comunicación. Todas ellas
contribuyeron, desde los niveles sintácticos y
formales, a la concreción de la lectura inequívoca
de           las           obras          creadas.

La fotografía fue una de las primeras técnicas
asumidas. Inicialmente, servía para clasificar las
imágenes representadas. Sin embargo, con
Hamilton, Blake, Paolozzi y los americanos
Rosenquist, Lichtenstein y Warhol, dejó de ser
un modelo a imitar con medios pictóricos para
convertirse en un proceso donde el artista
controlaba el desarrollo mecánico de la obra.
En Dick Tracy (1960), de Warhol, se formalizó
técnica e iconográficamente el cómic como
pertinente al pop. De 1961 a 1964 se convirtió
en el tema principal de Lichtenstein, quien
estaba interesado en la estructura formal de la
viñeta aislada.

La composición de varias fotografías derivó
hacia el espacio cinematográfico. En este
ámbito, la mayor influencia sobre el pop fue
ejercida por la escena, la secuencia o acción
compleja, aunque única.

El cartel publicitario fue el principal género
visual estático de la sociedad de consumo y, por
ello, el que influyó más en el pop. Reunía el
inventario más sistemático de las técnicas
visuales.
También fue frecuente la alteración de imágenes en relación a su contexto. Por ejemplo, la
transformación de obras de arte en imágenes populares, como las copias de Lichtenstein sobre
obras de Picasso, Cézanne o Monet. Este procedimiento dio origen a la parodia o figura que
retiene la forma o el carácter estilístico de la obra primaria, pero la altera con un contenido o
contexto      ajeno.   Esta     idea      abunda      en    Rauschenberg         y    Rosenquist.




  Roy Lichtenstein pintó en 1963 Whaam!, un acrílico sobre lienzo de 1,73 x 4,06 metros. Lichtenstein fue
  uno de los primeros artistas que utilizó las imágenes de los comics como tema de sus obras pictóricas.
  Este cuadro se conserva en la Tate Gallery de Londres.
Otra figura socorrida fue la supresión de
elementos representados, en el sentido que
el espectador percibía la ausencia y podía
reconstruir el objeto ausente. La supresión se
tradujo en la condensación de una escena
completa en alguno de sus elementos
característicos.

Sin embargo, la técnica más socorrida fue la
repetición y seriación en lo que destacó
Warhol a partir de sus serie "Marilyn
Monroe", "J. Kennedy", "Flores" y otras.
Nuevos                               íconos

Las unidades temáticas del arte de la imagen
popular se relacionaron directamente con la
masa y el consumo, agrupándose en unidades
simbólicas compactas, propias de cada
sociedad. Para ello, el pop elaboró una
técnica próxima a la publicidad. Así, las
temáticas no fueron arbitrarias; su elección
estaba condicionada por los símbolos
presentes en los medios de comunicación.
Uno de los símbolos más usuales fue el del
status de la personalidad y de la posición
social, autos, alimentos, viviendas y confort
doméstico      trabajado    por    Hamilton,
Rosenquist, Wesselmann, Oldenburg,
Lichtenstein, Segal, Rauchenberg y
                    Warhol.

 También fue frecuente la utilización de
comerciales. Estos se referían a todos los
medios de publicidad y propaganda de los
productos que podían elevar el status social.
Destacó en ello Warhol con la sopa Campbell
y   el   detergente    Brillo,  entre  otros.
                                                No quedaron afuera los símbolos técnicos de la
                                                era tecnológica (Paolozzi, Hamilton y
                                                Rauschenberg). Pero, sin duda, fueron los mitos
                                                de masas los que tuvieron un mayor apogeo,
                                                debido a que el individuo de la sociedad de
                                                consumo terminó por atribuir a un personaje
                                                determinado la calidad de un héroe mítico que
                                                dependía directamente del boom publicitario del
                                                momento.
El símbolo sexual fue introducido por el pop
con gran fuerza. Su temática respondía a la
imposibilidad propia de la sociedad burguesa
de vivir y ver auténticamente el sexo. El objeto
femenino se integraba como algo abstracto, y
la sexualidad se insertaba dentro de la
mecánica publicitaria.

Pese a las críticas que ha recibido el pop como
movimiento, es claro que ha sido la tendencia
más decisiva en el desarrollo de
representación de los años 60. Sus lecciones a
nivel de lenguaje, así como el replanteamiento
de la problemática artística siguen operando
en la actualidad.
El arte pop británico

En el Reino Unido el arte pop empieza a
gestarse en las discusiones que mantenían
Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, y los
críticos Lawrence Alloway, y Reyner Banham,
desde 1952, en el Instituto de Arte
Contemporáneo de Londres (ICA). Estas
discusiones se centraban en torno al impacto
que la tecnología moderna y los medios de
comunicación de masas estaban teniendo en la
sociedad. Entre otras cosas, en estas
discusiones se desmontó la pirámide de
categorizaciones en la que las Bellas Artes eran
la cima equiparadas al cine, a las artes
populares y las artes graficas.
El arte pop británico

Richard Hamilton es considerado el artista que
creó la primera obra del Arte Pop, el collage
titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de
hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que
fue expuesto en la exposición titulada Esto es
el mañana en la Whitechapel Gallery de
Londres en 1956.
El arte pop británico

En 1961 se presentaba el arte pop británico al
publico en una exposición que reunía obras de
David Hocney, Derek Boshier, Allan Jones, R.B.
Kitaj y Peter Phillips.

El arte de Hamilton toma sus fuentes de las
industrias del consumo y del ocio, de la
publicidad y también de la historia del arte.
Puede decirse que el Pop de Kitaj y Hamilton es
un pop culto y altamente intelectualizado, casi
hermético en un sentido que no es el del pop
habitual. El otro gran artista Pop de la escena
inglesa es David Hockney, para quien la herencia
del movimiento moderno es fundamental y
combina fotografías, cuadros abstractos y
diversos tipos de material gráfico. Junto con
Allen Jones forma la segunda generación del Pop
británico.
El Pop Art se divide en cuatro fases
La primera fase o pre-pop: En la cual
Rauchemberg     y    Johns   (principales
exponentes) se separan del Expresionismo
Abstracto.
La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra
se basa en los años 50's y parte de las
experiencias del dibujo publicitario, el diseño
y la pintura de los carteles.
Principales exponentes: Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Claes  Oldenburg,   James
Rosenquist, Tom Wesselman y Robert
Indiana.
El Pop Art se divide en cuatro fases


La tercera fase: A mediados de los 60´s el
pop americano sufre una extensión desde
New York, hasta la costa Oeste y Canadá.
Más tarde también llegaría hasta Europa.
El Pop Art se divide en cuatro fases


Última fase: Se podría decir que la última
fase está determinada por el realismo radical y
mordaz desarrollado sobre todo en Estados
Unidos, cuya mirada se dirige a las
condiciones socialistas de las ciudades.
Nacen los Hipies: La juventud que se oponía
a la sociedad de consumo; consumidores de
estupefacientes, proclaman el pacifismo, su
lema: "haz el amor, no la guerra“.
Escultura

La escultura Pop esta representada en
George Segal escultor estadounidense,
famoso por sus obras figurativas, realizadas
a tamaño natural en yeso blanco. Nació en
Nueva York, y en la década de 1950 trabajó
primero como pintor, iniciándose como
escultor después de 1960. Sus moldes en
yeso, creados directamente a partir de
vaciados de personas, están instalados en
entornos cotidianos, como ascensores,
oficinas de venta de billetes, cafés o
autobuses.
Sus figuras blancas con un acabado tosco o
incompleto, de formas vagas e imprecisas,
crean un ambiente de desolación o misterio.
Su afición a incluir objetos de uso cotidiano
en sus escenas triviales, como accesorios de
baño y una navaja de rasurado en Mujer
afeitándose una pierna (1963, Colección
Mayer, Winnetka, Illinois), han hecho que
algunos críticos lo clasifiquen como un
artista pop, pero su trabajo, por la
comunicación       de     los    sentimientos
melancólicos que transmite, va más allá de
la impersonalidad del Pop Art.
FIN

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Expresionismo abstracto: orígenes y características del movimiento pictórico

  • 1.
  • 2.
  • 3. Arte Pop Como su propio nombre indica, el Expresionismo Abstracto expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a Movimiento pictórico de mediados del siglo los límites de la representación XX cuya principal característica consiste en convencional. la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos.
  • 5. Black and White (1948), del expresionista abstracto estadounidense Jackson Pollock, está realizado con la técnica del Action Painting que le hizo famoso. La composición de estas pinturas no guarda relación con el tamaño o las proporciones del lienzo, que el artista recortaba después de su conclusión.
  • 6.
  • 7. Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa.
  • 8. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color. Esta pintura sin título del pintor estadounidense Mark Rothko es una muestra de su interpretación colorista del expresionismo abstracto. Rothko empleaba las transparencias para crear efectos lumínicos.
  • 9. Esta pintura titulada Marilyn Monroe (1954), de Willem de Kooning, es una muestra del expresionismo abstracto. Este artista holandés nacionalizado estadounidense fue el único miembro del grupo que incluyó en sus obras la figura humana.
  • 10. Luna creciente El artista estadounidense de origen alemán Hans Hofmann anticipa, con su obra progresivamente abstracta, la obra de pintores como Jackson Pollock o Clyfford Still.
  • 11. "POP ART" El movimiento que revolucionó el arte de los sesenta y a todas las tendencias que le seguirían. El usadísimo término "pop art" hace referencia a la expresión inglesa "popular art" propuesta en 1955 por Leslie Fieldler y Reyner Banham. El concepto se refería a un amplio repertorio de imágenes de la cultura urbana de masas, integrado por la publicidad, la televisión, el cine, la fotonovela, los cómics, etc. La célula del pop fue el Grupo Independiente (IG) del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, fundado en 1952 y en el que destacó R Hamilton.
  • 12. En 1956, la Whitechapel Gallery de Londres expuso un collage que ha sido considerado como la primera obra pop: "Just What is it that makes Today's Homes so Different, so Appealing?". Y, aunque las primeras formulaciones aparecen en Inglaterra, su consolidación fue un fenómeno típico estadounidense. Una de las características del Pop Art y que permite su mayor comprensión, es que recalcaba el carácter de rápido consumo, de sus obras. A medida que se introdujo la imagen popular, los artistas se fueron desplazando hacia la objetividad e impersonalización creativa. Por esta razón, su inspiración se dirigió hacia los distintos medios de masas desde un punto de vista formal, temático y creativo.
  • 13. Con algunas modificaciones, el pop se apropió de técnicas expresivas, inspiradas y probadas en los distintos medios de comunicación. Todas ellas contribuyeron, desde los niveles sintácticos y formales, a la concreción de la lectura inequívoca de las obras creadas. La fotografía fue una de las primeras técnicas asumidas. Inicialmente, servía para clasificar las imágenes representadas. Sin embargo, con Hamilton, Blake, Paolozzi y los americanos Rosenquist, Lichtenstein y Warhol, dejó de ser un modelo a imitar con medios pictóricos para convertirse en un proceso donde el artista controlaba el desarrollo mecánico de la obra.
  • 14. En Dick Tracy (1960), de Warhol, se formalizó técnica e iconográficamente el cómic como pertinente al pop. De 1961 a 1964 se convirtió en el tema principal de Lichtenstein, quien estaba interesado en la estructura formal de la viñeta aislada. La composición de varias fotografías derivó hacia el espacio cinematográfico. En este ámbito, la mayor influencia sobre el pop fue ejercida por la escena, la secuencia o acción compleja, aunque única. El cartel publicitario fue el principal género visual estático de la sociedad de consumo y, por ello, el que influyó más en el pop. Reunía el inventario más sistemático de las técnicas visuales.
  • 15. También fue frecuente la alteración de imágenes en relación a su contexto. Por ejemplo, la transformación de obras de arte en imágenes populares, como las copias de Lichtenstein sobre obras de Picasso, Cézanne o Monet. Este procedimiento dio origen a la parodia o figura que retiene la forma o el carácter estilístico de la obra primaria, pero la altera con un contenido o contexto ajeno. Esta idea abunda en Rauschenberg y Rosenquist. Roy Lichtenstein pintó en 1963 Whaam!, un acrílico sobre lienzo de 1,73 x 4,06 metros. Lichtenstein fue uno de los primeros artistas que utilizó las imágenes de los comics como tema de sus obras pictóricas. Este cuadro se conserva en la Tate Gallery de Londres.
  • 16. Otra figura socorrida fue la supresión de elementos representados, en el sentido que el espectador percibía la ausencia y podía reconstruir el objeto ausente. La supresión se tradujo en la condensación de una escena completa en alguno de sus elementos característicos. Sin embargo, la técnica más socorrida fue la repetición y seriación en lo que destacó Warhol a partir de sus serie "Marilyn Monroe", "J. Kennedy", "Flores" y otras.
  • 17. Nuevos íconos Las unidades temáticas del arte de la imagen popular se relacionaron directamente con la masa y el consumo, agrupándose en unidades simbólicas compactas, propias de cada sociedad. Para ello, el pop elaboró una técnica próxima a la publicidad. Así, las temáticas no fueron arbitrarias; su elección estaba condicionada por los símbolos presentes en los medios de comunicación.
  • 18. Uno de los símbolos más usuales fue el del status de la personalidad y de la posición social, autos, alimentos, viviendas y confort doméstico trabajado por Hamilton, Rosenquist, Wesselmann, Oldenburg, Lichtenstein, Segal, Rauchenberg y Warhol. También fue frecuente la utilización de comerciales. Estos se referían a todos los medios de publicidad y propaganda de los productos que podían elevar el status social. Destacó en ello Warhol con la sopa Campbell y el detergente Brillo, entre otros. No quedaron afuera los símbolos técnicos de la era tecnológica (Paolozzi, Hamilton y Rauschenberg). Pero, sin duda, fueron los mitos de masas los que tuvieron un mayor apogeo, debido a que el individuo de la sociedad de consumo terminó por atribuir a un personaje determinado la calidad de un héroe mítico que dependía directamente del boom publicitario del momento.
  • 19. El símbolo sexual fue introducido por el pop con gran fuerza. Su temática respondía a la imposibilidad propia de la sociedad burguesa de vivir y ver auténticamente el sexo. El objeto femenino se integraba como algo abstracto, y la sexualidad se insertaba dentro de la mecánica publicitaria. Pese a las críticas que ha recibido el pop como movimiento, es claro que ha sido la tendencia más decisiva en el desarrollo de representación de los años 60. Sus lecciones a nivel de lenguaje, así como el replanteamiento de la problemática artística siguen operando en la actualidad.
  • 20. El arte pop británico En el Reino Unido el arte pop empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, y los críticos Lawrence Alloway, y Reyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparadas al cine, a las artes populares y las artes graficas.
  • 21. El arte pop británico Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.
  • 22. El arte pop británico En 1961 se presentaba el arte pop británico al publico en una exposición que reunía obras de David Hocney, Derek Boshier, Allan Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips. El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista Pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
  • 23. El Pop Art se divide en cuatro fases La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto. La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles. Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.
  • 24. El Pop Art se divide en cuatro fases La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
  • 25. El Pop Art se divide en cuatro fases Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades. Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra“.
  • 26. Escultura La escultura Pop esta representada en George Segal escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses.
  • 27. Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una navaja de rasurado en Mujer afeitándose una pierna (1963, Colección Mayer, Winnetka, Illinois), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.
  • 28.
  • 29.
  • 30. FIN