HISTORIA DEL
ARTE
ÁLVARO RUIZ
SERRANO

PINTURA RENACENTISTA.
CARACTERISTICAS
EL RENACIMIENTO
Se entiende por Renacimiento el fenómeno cultural, surgido
en Italia en el siglo XV, que retoma los principios de la cultura
de la antigüedad clásica, actualizándola a través del
Humanismo, y que sin renunciar a la tradición cristiana
sustituirá la omnipresencia de lo religioso del mundo
medieval por una afirmación de los valores del mundo
terrenal y del hombre. a partir de aquí, y fundamentalmente a
partir del siglo XVI, dicho movimiento se extendería por toda
Europa. Su final, difícil de precisar, se produciría a mediados
del siglo XVI siendo sustituido por el Manierismo, y mas
tarde, por el Barroco.

CARACTERISTICASCARACTERISTICAS:
El objetivo
fundamental será la
representación del
hombre y de la
naturaleza. Imitar las
cosas como son, es
decir, seleccionar lo
más hermoso de la
naturaleza y
representarlo de modo
científico (canon,
perspectiva) para
lograr alcanzar la
belleza.

Aspecto importante de este
realismo del renacimiento será la
aplicación del descubrimiento de
la perspectiva como medio de
representar fielmente en dos
dimensiones la
tridimensionalidad de la realidad.

En lo que se refiere al uso del color
y del dibujo, en el Quattrocento el
dibujo es más marcado, intenso,
más nítido, mas firme, mientras
que en el Cinquecento pierde parte
de su vigor en favor del color, que
siempre busca la armonoía
cromática sin fuertes contrastes.
QUATTOCENTO

En lo que se refiere al uso del color
y del dibujo, en el Quattrocento el
dibujo es más marcado, intenso,
más nítido, mas firme, mientras
que en el Cinquecento pierde parte
de su vigor en favor del color, que
siempre busca la armonoía
cromática sin fuertes contrastes.
CINQUECENTO

Con respecto a la luz, en un
primer momento, durante el
Quattrocento, es conceptual, es
decir, no podemos adivinar la
procedencia ni el foco que la
genera e ilumina todo el espacio
por igual.

En cambio, en el siglo
XVI, surge la idea de la
luz dirigida que ilumina
selectivamente
apareciendo el
claroscuro.

PERSPECTIVA
LINEAL
La perspectiva es la gran
conquista del pintor
renacentista. En un primer
momento, la profundidad se
consigue a través de la
perspectiva lineal; luego
llegará la perspectiva aérea.

PERSPECTIVA
AEREA
La perspectiva es la gran
conquista del pintor
renacentista. En un primer
momento, la profundidad se
consigue a través de la
perspectiva lineal; luego
llegará la perspectiva aérea.

PINTURA BARROCA.
CARACTERISTICAS
EL BARROCO:
El barroco es un estilo dominante en el arte y la
arquitectura occidentales aproximadamente desde
el año 1600 hasta el 1750. las raíces del barroco
se localizan en el arte italiano, especialmente en la
Roma de finales del siglo XVI y principios XVII, si
bien dicho periodo se denomina en ocasiones
estilo rococó. Manifestaciones barrocas aparecen
en el arte de prácticamente todos los países
europeos, así como en las colonias españolas y
portuguesas de América. El término barroco se
aplica también a la literatura y a la música de aquel
período, al igual que a otras artes.

Naturalismo: se buscan los modelos
de la naturaleza, sin proceder a su
idealización, con preocupación por
la representación del estado
psicológico, de los sentimientos e
incluso lo deforme y feo. Es la forma
mas sencilla de conmover e
impresionar al espectador.
CARACTERISTICAS:CARACTERISTICAS:

Composición: el movimiento
barroco va a romper el equilibrio y
la composición dentro de un
polígono de las pinturas
renacentistas, sustituyéndolos
por masas que siguen trayectos
oblicuos. Se prefiere el
desequilibrio y se consigue con
diagonales o con formas partidas.

Movimiento: preocupación por
plasmar el movimiento. La
pintura barroca es la pintura de
la vida y ésta no puede
representarse bajo formas
estáticas.

Luz: El barroco es por tanto
también el arte de plasmar
pictóricamente la luz y por
esto la sombra juega un
papel hasta entonces
inédito, especialmente en el
tenebrismo. En el Barroco
la forma se subordina a la
luz y así pueden
desvanecerse las formas
por debilidad o intensidad
del centelleo luminoso.

El color: el triunfo del color sobre la línea hace que
éste tenga más importancia que aquélla. Las
manchas con las definidoras de las formas. Los
contrastes se hacen mas fuertes y no es rara la
aparición de fuertes rojos en cortinajes o telas.

ADORACION DE LOS MAGOS: SANDRO BOTTICELLIADORACION DE LOS MAGOS: SANDRO BOTTICELLI

La Adoración de los Magos (en
italiano, Adorazione dei Magi)
es un cuadro pintado al temple
sobre tabla que mide 111 cm.
de alto y 134 cm. de ancho,
realizado en el año 1475 por el
pintor italiano Sandro
Botticelli. Se conserva en la
Galería de los Uffizi de
Florencia.
Fue un encargo para la
capilla funeraria de
Guasparre di Zanobi del
Lama, la Capilla Lami,
ubicada en la pared de la
entrada de la iglesia de Santa
Maria Novella. Por su
comitente y el propósito
original la pintura es
conocida también como "altar
Zanobi". Posteriormente pasó
a formas parte de las
colecciones mediceas.
Es una obra famosa por su altísima calidad y,
además, por la identificación de los
personajes representados, personalidades de
los Médici:
• Cosme de Médici.
• Pedro de Médici.
• Juan de Médici.
• El joven Lorenzo de Médici .
• Juliano de Médicis.
• Guasparre Del Lama.

Entre los asistentes, al
extremo de la derecha se ve
al propio Sandro Botticelli,
vestido con un manto
amarillo.
La composición de todos los
personajes de los Médici en
este cuadro es un
anacronismo porque en el año
1475 estaban ya muertos las
tres personas representadas
como Magos; gobernaba
Lorenzo de Médicis. El artista
recibió encargos regulares de
los Médicis en el decenio
entre 1470 y 1481.
La representación de los
Médicis en un cuadro bíblico
con destino a una iglesia
sería una declaración pública
de adhesión y lealtad a dicha
familia.

Esta Adoración de los Reyes
de 1475 es ejemplo de
anamorfismo, pues para verlo
precisa ponerse en posición
horizontal. Esta es una de sus
primeras experimentaciones
para distorsionar la
perspectiva tal como venía
siendo configurada en el
Quattrocento.
En esta Adoración renueva la tradición iconográfica del tema en
Florencia, formada por tres reyes que representan a los poderosos
de la Tierra, asociados por costumbre con los Médicis, a los que
seguiría un cortejo principesco, que recordaba a la cabalgata
anual de los Magos, representación sagrada que tenía lugar por
las calles florentinas.
La composición del cuadro es
armoniosa, con María y el
Niño en el medio, grupos
equivalentes de personas a la
izquierda y a la derecha,
todos ellos en medio de un
paisaje imaginario con la
ruina de un templo antiguo.

Botticelli no reniega de
esta tradición realmente,
pero elimina el cortejo
principesco y coloca sobre
un rellano de la tierra a la
Virgen con el Niño y san
José, dentro de un edificio
en ruinas; los
espectadores se disponen
a los lados formando dos
alas laterales, curvándose
en torno a las dos figuras
de Magos en el primer
plano en el centro.
El amontonamiento y la
agitación de los
personajes hacen del
cuadro una especie de
testamento espiritual,
una voluntaria captación
por el autor de la misma
parábola de su vida y su
carrera.
Al fondo, el paisaje
esencial, de inspiración
nórdica.

Utiliza un colorido
intenso. Presta gran
atención al detalle,
como puede verse en
las vestimentas.

EL DESCENDIMIENTO: PETEREL DESCENDIMIENTO: PETER
PAUL RUBENSPAUL RUBENS

Óleo sobre tabla. 420 x
310 cm. 1612, catedral de
Amberes
La Cofradía de Arcabuceros
decidió encargar para su
capilla en la catedral de
Amberes un tríptico con el
tema del Descendimiento de
la Cruz en su panel central.
Nicolas Rockox será uno de
los principales promotores
del encargo por lo que
aparece representado entre
los asistentes a la
Presentación en el templo.
La razón de esta temática
vendría impuesta por el
patrono del gremio de
arcabuceros, San Cristóbal.

El Descendimiento de la Cruz
está construido alrededor de
la figura diagonal de Cristo,
arropada con la blanca tela
de lino. Cristo está muerto y
la calma del cuerpo resuena
a través de todo el cuadro.
El cuerpo de Cristo formando
una marcada y lívida diagonal
cuando desciende de la cruz en
brazos de los apóstoles es, con
toda claridad, el foco de la
escena.
Aparte de la figura de
Cristo, aparecen otra
serie de personajes que
lo rodean, creando como
una especie de cierre al
cuadro, y arropando de
alguna manera a Cristo

El tratamiento de la luz es
totalmente barroco; y lo
más importante de todo
en el terreno artístico es la
utilización que hace
Rubens de la pintura para
intensificar la profundidad
de los sentimientos.
Hay una clara
contraposición entre la
disposición de las figuras
vivas alrededor del
cadáver.
Las líneas curvas y los
escorzos acentúan el
movimiento y la profundidad
en el cuadro

La pintura se extiende por
todo el cuadro, perfilando
con más fuerza la figura de
Cristo, introduciendo en las
pinceladas algo del
movimiento descendente.
La luz y el color refuerzan la
composición: la luz sigue el
brazo de Cristo, la sábana y el
cuerpo de la Magdalena,
afianzando la diagonal; el color,
intensifica el movimiento: una
amplia zona al fondo oscura de
colores fríos sólo parcialmente
iluminados por la luz, y otra zona
iluminada con contrastes
cromáticos de colores cálidos.
El movimiento de los vestidos y
las posturas rebuscadas,
contribuyen a la teatralidad.

Este rico y suelto manejo de
la pintura, llamada empasto,
es característico de cierto
tipo de pintura barroca. La
emoción está implícita tanto
en la pintura como en el
tema.

COMPARACION ENTRE LAS DOS OBRASCOMPARACION ENTRE LAS DOS OBRAS

En el cuadro de
Botticelli, las figuras se
representan
idealizadas, no existe
naturalismo, sino que
hay idealización.

Mientras que en el de
Rubens, se representan a
las figuras con realismo, tal
y como serían en la
realidad, mostrando sus
imperfecciones, o la vejez,
como se ve en alguno de los
personajes.

Botticelli se caracteriza
por ser un gran
dibujante, y eso se
aprecia en este cuadro,
ya que la línea es la
que domina,
haciéndolo sobre el
color, que es nítido,
con pocas tonalidades.

Sin embargo, en este cuadro,
aunque la línea sigue dominando
sobre el color, la pincelada es mas
suelta, y Rubens juega mucho mas
con las tonalidades, para crear
juegos de luces y sombras,
aunque no exageradamente, como
ocurrirá en otros pintores.

En este cuadro, se
intenta crear una
especie de
perspectiva, crear
espacio, al situar en la
parte izquierda
arquitecturas, para
darnos la sensación
de profundidad, de
espacio.

Rubens en cambio, no utiliza
ningún tipo de perspectiva,
simplemente organiza los
personajes todos juntos, en un
mismo plano, ya que el pintor
no desea crear profundidad, no
es lo importante del cuadro.

Botticelli organiza muy
bien la composición, de
acuerdo con los
canones renacentistas,
situando a los
personajes principales
en el centro, y los
demás personajes en
dos grupos a los lados.
La composición es
sencilla, típica del
renacimiento.

Por su parte Rubens, utiliza
una composición mas
dinámica, también típica del
barroco, ya que utiliza una
diagonal para situar al
cuerpo principal, y otra serie
de diagonales que
acompañan a esta principal.
Además, los escorzos de los
personajes ayudan a dar
dinamismo a la escena.

En este cuadro, no
existe movimiento,
las figuras están
paradas la mayoría,
aunque hay algunas
que realizan algún
movimiento, pero en
general, lo estático
predomina sobre lo
dinámico.

Una característica de Rubens, es
el dinamismo que aparece
siempre en sus obras. En esta
concretamente, esta bien
marcado, los personajes se
agitan, y aparecen en posturas
difíciles y escorzadas, que se
contraponen con el cuerpo inerte
de cristo, que pese a su muerte,
parece dinámico también por su
postura forzada.

La luz en el renacimiento,
al igual que se ve en este
cuadro, es una luz
diáfana, que cubre toda la
escena, todo el cuadro,
sin crear ningún tipo de
claroscuro, no hay
sombras, todo esta bien
iluminado.

Sin embargo, en el barroco, y en
este cuadro, existe una serie de
luces y sombras creando
claroscuro, dejando zonas en
penumbra y otras mas
iluminadas. Por ejemplo el
cuerpo de cristo es el que lleva
la luz, y de el sale y se reparte al
resto de las figuras.

La ultima diferencia es
el color. No se utilizan
colores fuertes,
aunque si son
diversos, y el pintor no
juega con las
tonalidades de los
colores, utiliza
principalmente colores
planos, lo que da
sobriedad al cuadro.

Por su parte esta obra, si
presenta colores mas variados,
mas fuertes, fríos, ya que el
momento es oscuro y triste, y se
juega mas con las tonalidades
de los colores, para dar volumen
a las figuras, aunque es este
caso, siguen existiendo colores
planos.

En definitiva, ambas obras son un
buen ejemplo referente a su
época, porque ambos reúnen las
características principales y mas
representativas del periodo
artístico en que fueron pintadas.