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FUNDAMENTOS	
  DEL	
  ARTE	
  I.
TEMA	
  9.	
  ARTE	
  DEL	
  RENACIMIENTO	
  EN	
  ITALIA	
  
(II):	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  BUONAROTTI
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
2
TEMA	
  9.	
  FUNDAMENTOS	
  DEL	
  ARTE	
  I.	
  ARTE	
  DEL	
  RENACIMIENTO	
  EN	
  ITALIA	
  (II):	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  BUONARROTI	
  	
  
	
  
1.Miguel	
  Ángel	
  Buonarroti,	
  vida	
  y	
  obra	
  de	
  un	
  artista	
  total.	
  2.	
  Miguel	
  Ángel	
  escultor.	
  3	
  	
  Miguel	
  Ángel	
  pintor.	
  4.	
  Miguel	
  
Ángel	
  arquitecto.	
  	
  
	
  
1.	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  BUONARROTI,	
  VIDA	
  Y	
  OBRA	
  DE	
  UN	
  ARTISTA	
  TOTAL	
  
	
  
MICHELANGELO	
  BUONARROTI	
  (1475-­‐	
  1564)	
  es	
  uno	
  de	
  los	
  grandes	
  genios	
  del	
  Renacimiento:	
  pintor,	
  arquitecto,	
  
poeta	
  y	
  sobre	
  todo	
  se	
  sentía	
  escultor.	
  En	
  su	
  época	
  alcanzó	
  un	
  gran	
  prestigio	
  y	
  sus	
  obras,	
  han	
  sido	
  durante	
  siglos,	
  
fuente	
   de	
   inspiración	
   para	
   muchos	
   artistas.	
   Miguel	
   Angel	
   nació	
   en	
   Caprese	
   en	
   1475,	
   muy	
   cerca	
   de	
   Florencia.	
  
Procedía	
  de	
  una	
  familia	
  culta,	
  de	
  clase	
  media-­‐alta.	
  Desde	
  muy	
  joven	
  quiso	
  ser	
  artista,	
  a	
  pesar	
  de	
  la	
  oposición	
  de	
  
su	
  padre.	
  Su	
  madre,	
  al	
  parecer	
  confió	
  la	
  alimentación	
  del	
  pequeño	
  a	
  una	
  nodriza,	
  hija	
  y	
  mujer	
  de	
  canteros,	
  dato	
  
que	
  será	
  considerado	
  por	
  el	
  artista	
  como	
  fundamental	
  para	
  su	
  formación.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
De	
   temperamento	
   irascible,	
   poético	
   y	
   lírico,	
   sus	
   luchas	
   internas	
   se	
   reflejan	
   en	
   sus	
   obras	
   que	
   están	
   llenas	
   de	
  
fuerza	
  y	
  dramatismo.	
  	
  Era	
  un	
  artista	
  muy	
  bien	
  pagado,	
  pero	
  vivía	
  sobriamente	
  y	
  murió	
  con	
  casi	
  90	
  años	
  mientras	
  
estaba	
   ¡trabajando!	
   Muy	
   religioso	
   y	
   sumamente	
   culto	
   –conocía	
   	
   a	
   la	
   perfección	
   las	
   fuentes	
   mitológicas	
   y	
   las	
  
bíblicas,	
  no	
  sé	
  casó	
  nunca,	
  -­‐de	
  hecho	
  se	
  cree	
  que	
  fue	
  homosexual-­‐	
  y	
  fue	
  muy	
  amigo	
  de	
  la	
  aristócrata	
  y	
  poeta	
  
Vittoria	
  Colonna.	
  Fue	
  tan	
  famoso	
  y	
  tan	
  valorado	
  que	
  sus	
  contemporáneos	
  le	
  llamaban	
  “el	
  Divino”	
  y	
  en	
  vida	
  se	
  
escribieron	
  dos	
  biografías	
  sobre	
  él	
  (por	
  Vasari	
  y	
  Condivi).	
  Su	
  precoz	
  habilidad	
  para	
  dibujar	
  le	
  llevó	
  a	
  los	
  trece	
  años	
  
al	
  taller	
  de	
  Doménico	
  Ghirlandaio.	
  De	
  Ghirlandaio	
  aprendió	
  la	
  técnica	
  del	
  fresco.	
  Después	
  de	
  un	
  tiempo	
  en	
  el	
  
taller	
   citado,	
   ingresó	
   en	
   la	
   academia	
   del	
   Jardín	
   de	
   los	
   Medici	
   para	
   dibujar	
   los	
   mármoles	
   y	
   bronces	
   clásicos	
  
reunidos	
  por	
  Lorenzo	
  el	
  Magnífico,	
  que	
  le	
  aceptó	
  y	
  protegió	
  como	
  un	
  ahijado.	
  Lorenzo	
  de	
  Medici	
  fue	
  su	
  mecenas	
  
en	
   sus	
   primeros	
   años.	
   	
   La	
   dirección	
   artística	
   del	
   Jardín	
   de	
   los	
   Medici	
   era	
   a	
   cargo	
   del	
   escultor	
   donatelliano	
  
Bertoldo	
  di	
  Giovanni.	
  Allí	
  disfrutaba	
  del	
  arte	
  y	
  el	
  humanismo	
  de	
  escritores	
  como	
  Poliziano	
  y	
  filósofos	
  de	
  la	
  talla	
  de	
  
Marsilio	
   Ficino	
   o	
   Pico	
   della	
   Mirandola.	
   Gracias	
   a	
   estos	
   contactos	
   con	
   intelectuales,	
   se	
   convirtió	
   en	
   un	
   erudito	
  
(persona	
  muy	
  culta)-­‐.	
  También	
  allí	
  tuvo	
  ocasión	
  de	
  mostrar	
  su	
  genio	
  en	
  sus	
  disputas	
  con	
  el	
  escultor	
  Torrigiano.	
  
Este	
  último	
  rompió	
  de	
  un	
  puñetazo	
  la	
  nariz	
  al	
  genio	
  caprese.	
  	
  
Fueron	
  mecenas1
	
  de	
  Miguel	
  Ángel	
  -­‐aparte	
  de	
  los	
  Medici	
  especialmente	
  en	
  los	
  inicios	
  de	
  su	
  carrera	
  como	
  escultor-­‐	
  
nueve	
  Papas	
  consecutivamente.	
  El	
  Papa	
  Julio	
  II	
  le	
  encargó	
  la	
  decoración	
  de	
  la	
  Capilla	
  Sixtina	
  en	
  el	
  Vaticano	
  y	
  
además	
   la	
   elaboración	
   de	
   obras	
   escultóricas	
   como	
   el	
   proyecto	
   para	
   su	
   sepulcro	
   o	
   	
   mausoleo	
   que	
   quedó	
  
inacabado,	
  pero	
  del	
  que	
  destaca	
  el	
  genial	
  Moisés	
  –hoy	
  en	
  la	
  iglesia	
  de	
  San	
  Pedro	
  in	
  Víncoli-­‐.	
  Su	
  relación	
  osciló	
  
entre	
   amor-­‐odio,	
   ya	
   que	
   se	
   admiraban	
   mutuamente	
   pero	
   las	
   relaciones	
   entre	
   ellos	
   eran	
   difíciles.	
   Julio	
   II	
   le	
  
apremiaba	
  a	
  que	
  terminar	
  las	
  pinturas	
  de	
  la	
  Capilla	
  Sixtina	
  y	
  le	
  preguntaba	
  siempre:	
  ¿cuándo	
  lo	
  vas	
  a	
  terminar?	
  Y	
  
Miguel	
  Ángel	
  contestaba:	
  ¡cuando	
  lo	
  acabe!	
  	
  
1
	
  El	
  banquero	
  Jacopo	
  Gallí	
  le	
  encargó	
  varias	
  obras	
  como	
  un	
  Baco	
  y	
  un	
  Cupido.	
  
2
La	
  Capilla	
  Sixtina	
  fue	
  levantada	
  durante	
  el	
  pontificado	
  de	
  Sixto	
  IV	
  (1471-­‐1484)	
  de	
  donde	
  recibe	
  su	
  nombre.
3
3
La	
  fama	
  del	
  Miguel	
  Ángel	
  alcanzó	
  elevadas	
  cotas	
  en	
  los	
  últimos	
  años	
  de	
  su	
  vida,	
  siendo	
  nombrado	
  "jefe"	
  de	
  la	
  
Academia	
   de	
   Dibujo	
   de	
   Florencia.	
   El	
   artista	
   de	
   la	
   "terribilità",	
   que	
   definiría	
   el	
   último	
   Cinquecento,	
   falleció	
   en	
  
Roma	
  el	
  18	
  de	
  febrero	
  de	
  1564	
  a	
  la	
  edad	
  de	
  89	
  años.	
  Su	
  sobrino	
  Leonardo	
  llevará	
  en	
  secreto	
  el	
  cadáver	
  del	
  genio	
  
hasta	
  Florencia	
  en	
  el	
  mes	
  de	
  marzo,	
  celebrándose	
  solemnes	
  funerales	
  por	
  su	
  alma	
  en	
  la	
  iglesia	
  de	
  San	
  Lorenzo,	
  
antes	
  de	
  ser	
  enterrado	
  en	
  Santa	
  Croce.	
  La	
  ajetreada	
  vida	
  de	
  Miguel	
  Ángel	
  fue	
  llevada	
  a	
  la	
  novela	
  por	
  Irving	
  Stone	
  
en	
  "El	
  tormento	
  y	
  el	
  éxtasis"	
  sirviendo	
  de	
  base	
  a	
  una	
  película	
  con	
  el	
  mismo	
  título.	
  Con	
  él	
  desapareció	
  uno	
  de	
  los	
  
mayores	
  genios	
  de	
  toda	
  la	
  historia	
  del	
  Arte.	
  
	
  
2.	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  ESCULTOR	
  
	
  
Miguel	
  Ángel	
  se	
  sentía	
  sobre	
  todo	
  escultor.	
  Esa	
  pasión	
  por	
  la	
  escultura	
  se	
  traduce	
  en	
  su	
  visión	
  de	
  la	
  arquitectura	
  
y	
  la	
  pintura.	
  Muestra	
  un	
  dominio	
  total	
  del	
  movimiento	
  y	
  de	
  la	
  anatomía,	
  una	
  anatomía	
  muchas	
  veces	
  andrógina.	
  
Su	
  obsesión	
  era	
  representar	
  el	
  desnudo	
  en	
  el	
  arte.	
  De	
  hecho,	
  sabemos	
  como	
  Leonardo	
  da	
  Vinci,	
  Miguel	
  Ángel	
  
diseccionaba	
  cadáveres	
  para	
  conocer	
  a	
  la	
  perfección	
  el	
  cuerpo	
  humana.	
  
	
  
	
  	
   	
  
	
  
Realizó	
  esculturas	
  de	
  temática	
  profana	
  y	
  religiosa	
  basándose	
  en	
  fuentes	
  mitológicas	
  y	
  bíblicas.	
  	
  
Iconográficamente,	
  es	
  decir,	
  la	
  forma	
  de	
  representar	
  las	
  imágenes	
  y	
  su	
  valor	
  simbólico,	
  Michelangelo	
  fue	
  original	
  
e	
  innovador,	
  tanto	
  en	
  escultura	
  como	
  pintura.	
  Sus	
  influencias	
  claramente	
  procedían	
  del	
  arte	
  grecorromano	
  y	
  a	
  la	
  
vez	
  realizada	
  dentro	
  de	
  parámetros	
  netamente	
  manieristas.	
  Una	
  obra	
  que	
  le	
  influyó	
  muchísimo	
  fue	
  la	
  escultura	
  
helenística	
  El	
  Laocoonte,	
  descubierta	
  en	
  el	
  siglo	
  XVI.	
  Como	
  escultor	
  dejará	
  su	
  impronta	
  en	
  la	
  escultura	
  barroca	
  –
especialmente	
  en	
  Bernini-­‐,	
  y	
  en	
  el	
  siglo	
  XIX	
  en	
  Rodin	
  entre	
  otros	
  muchos	
  artistas.	
  
	
  
	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
Su	
   escultura	
   evolucionará	
   desde	
   el	
   clasicismo	
   –como	
   vemos	
   en	
   la	
   Piedad	
   del	
   Vaticano-­‐	
   hacia	
   un	
   mayor	
  
dramatismo,	
  dinamismo	
  y	
  sentimiento:	
  es	
  la	
  terribilità	
  miguelangelesca.	
  También	
  emplea	
  las	
  curvas	
  serpentinatas,	
  
esto	
  es,	
  giro	
  helicoidal,	
  y	
  en	
  ocasiones	
  la	
  técnica	
  de	
  non	
  finito	
  que	
  otorga	
  a	
  las	
  piezas	
  un	
  aspecto	
  inacabado	
  y	
  
muy	
  expresionista.	
  Utiliza	
  preferentemente	
  el	
  mármol	
  –italiano	
  de	
  Carrara-­‐	
  que	
  domina	
  a	
  la	
  perfección.	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
4
Entre	
  sus	
  obras	
  destacan:	
  
	
  
	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
*El	
  bajorrelieve	
  de	
  la	
  VIRGEN	
  DE	
  LA	
  ESCALERA:	
  fue	
  tallada	
  en	
  lámina	
  de	
  mármol	
  cuando	
  contaba	
  unos	
  dieciséis	
  
años	
  y	
  es	
  una	
  de	
  sus	
  primeras	
  obras	
  conocidas.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
*La	
  PIEDAD	
  de	
  San	
  Pedro	
  del	
  Vaticano:	
  Tallada	
  en	
  mármol	
  entre	
  1498	
  y	
  1499,	
  esta	
  obra	
  es	
  una	
  de	
  sus	
  obras	
  más	
  
clasicistas	
  e	
  idealizadas	
  de	
  toda	
  su	
  producción.	
  El	
  recurso	
  neoplatónico	
  de	
  representar	
  a	
  María	
  con	
  la	
  belleza	
  
virginal	
  de	
  la	
  edad	
  juvenil,	
  en	
  vez	
  de	
  la	
  madurez,	
  sin	
  apenas	
  contraste	
  con	
  la	
  edad	
  del	
  Cristo	
  difunto,	
  se	
  enmarca	
  
en	
  la	
  ecuación	
  perfecta	
  de	
  un	
  triángulo	
  equilátero	
  que	
  envuelve	
  geométricamente	
  al	
  conjunto	
  en	
  un	
  esquema	
  
racional,	
  cerrado	
  y	
  simétrico.	
  Los	
  plegados	
  del	
  manto	
  provocan	
  contrastes	
  de	
  luces	
  y	
  sombras	
  y	
  se	
  observa	
  un	
  
cierto	
  desequilibrio	
  en	
  el	
  cuerpo	
  del	
  hijo,	
  a	
  punto	
  de	
  resbalar	
  por	
  el	
  manto	
  de	
  la	
  Virgen.	
  Este	
  tipo	
  de	
  iconografía	
  
no	
  era	
  habitual	
  en	
  el	
  arte	
  italiano.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
5
5
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
	
  
*La	
  obra	
  con	
  la	
  que	
  se	
  consagra	
  Miguel	
  Ángel	
  como	
  el	
  superador	
  de	
  toda	
  la	
  estatuaria	
  antigua	
  es	
  el	
  colosal	
  	
  –
mide	
  más	
  de	
  4	
  metros-­‐	
  estatua	
  del	
  DAVID,	
  esculpido	
  en	
  dos	
  años,	
  1502-­‐1504,	
  en	
  un	
  solo	
  bloque	
  marmóreo.	
  Fue	
  un	
  
encargo	
  de	
  la	
  Señoría	
  de	
  Florencia.	
  Se	
  colocó	
  ante	
  la	
  portada	
  del	
  Palacio	
  Viejo.	
  La	
  conciencia	
  popular	
  vio	
  en	
  el	
  
David	
   el	
   triunfo	
   de	
   la	
   república	
   sobre	
   los	
   Medici.	
   Presenta	
   una	
   musculatura	
   robusta,	
   la	
   mirada	
   expectante	
   y	
  
segura.	
  Innova	
  en	
  la	
  iconografía	
  de	
  este	
  personaje	
  bíblico:	
  es	
  muy	
  diferente	
  a	
  los	
  David	
  adolescentes	
  victoriosos,	
  
de	
  serena	
  y	
  reposada	
  gracia	
  de	
  los	
  escultores	
  del	
  Quattrocento.	
  Esta	
  obra	
  resultó	
  descomunal,	
  no	
  sólo	
  por	
  las	
  
dimensiones,	
  sino	
  por	
  la	
  fuerza	
  y	
  rotundidad	
  de	
  la	
  talla,	
  que	
  anuncia	
  el	
  carácter	
  grandioso	
  y	
  heroico	
  de	
  Miguel	
  
Angel.	
  El	
  David	
  tiene	
  toda	
  la	
  belleza	
  helénica	
  del	
  desnudo	
  clásico.	
  Muestra	
  un	
  ligero	
  contraposto,	
  una	
  potente	
  
musculatura,	
   y	
   una	
   expresión	
   firme	
   y	
   segura.	
   Más	
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   obra	
   en:	
   http://artpower-­‐
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Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
*La	
  escultura	
  sedente	
  del	
  profeta	
  bíblico	
  MOISÉS	
  formaba	
  parte	
  del	
  proyecto	
  diseñado	
  por	
  Miguel	
  Ángel	
  para	
  el	
  
mausoleo	
   (sepulcro)	
   del	
   PAPA	
   JULIO	
   II.	
   Pero	
   esta	
   obra	
   nunca	
   llegó	
   a	
   concluirse	
   por	
   presiones	
   de	
   todo	
   tipo	
  
(económicas,	
  políticas,	
  etc.,)	
  y	
  solamente	
  hizo	
  algunas	
  esculturas	
  como	
  las	
  de	
  Moisés,	
  Raquel	
  y	
  Lía.	
  	
  
	
  
	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
Este	
   proyecto	
   fue	
   uno	
   de	
   los	
   más	
   ambiciosos	
   de	
   toda	
   su	
   vida,	
   y	
   su	
   verdadera	
   obsesión.	
   El	
   MOISÉS	
   está	
  
representado	
   en	
   un	
   momento	
   pleno	
   de	
   furia,	
   al	
   bajar	
   del	
   Monte	
   Sinaí	
   con	
   las	
   Tablas	
   de	
   la	
   Ley	
   y	
   advertir	
   el	
  
carácter	
  idólatra	
  de	
  los	
  israelitas.	
  Todo	
  él	
  se	
  convierta	
  en	
  una	
  representación	
  de	
  la	
  rabia	
  y	
  cólera	
  explosivas.	
  Es	
  
una	
  obra	
  grandiosa	
  en	
  la	
  expresión,	
  en	
  los	
  ropajes,	
  en	
  el	
  estudio	
  anatómico,	
  en	
  la	
  tensión	
  psicológica,	
  en	
  el	
  juego	
  
compositivo	
  de	
  verticales	
  y	
  horizontales…	
  Quedaba	
  así	
  plasmada	
  en	
  mármol	
  la	
  grandiosidad	
  de	
  los	
  Profetas	
  y	
  las	
  
Sibilas	
  que	
  acababa	
  de	
  pintar	
  en	
  la	
  bóveda	
  de	
  la	
  Capilla	
  Sixtina.	
  La	
  mirada	
  furibunda,	
  la	
  boca	
  entreabierta,	
  las	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
6
barbas	
  encrespadas…	
  son	
  indicio	
  de	
  la	
  famosa	
  terribilità	
  miguelangelesca,	
  caracterizada	
  por	
  su	
  tremenda	
  fuerza	
  
expresiva.	
  Como	
  el	
  propio	
  Miguel	
  Angel	
  reconocía,	
  ¡sólo	
  le	
  faltaba	
  hablar!	
  	
  
	
  
	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen	
  de	
  la	
  izquierda:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
*Entre	
  1520	
  y	
  1534,	
  esculpe	
  los	
  dos	
  SEPULCROS	
  DE	
  GIULIANO	
  Y	
  LORENZO	
  DE	
  MEDICI	
  en	
  la	
  iglesia	
  de	
  San	
  Lorenzo	
  
de	
  Florencia.	
  Miguel	
  Ángel	
  se	
  encontró	
  con	
  el	
  reto	
  de	
  integrar	
  escultura	
  y	
  arquitectura,	
  como	
  ya	
  le	
  había	
  ocurrido	
  
con	
  la	
  tumba	
  de	
  Julio	
  II.	
  Estas	
  esculturas	
  asumen	
  un	
  carácter	
  simbólico:	
  Giuliano	
  es	
  la	
  representación	
  del	
  hombre	
  
activo,	
  mientras	
  que	
  Lorenzo	
  representa	
  la	
  vida	
  contemplativa,	
  el	
  hombre	
  reflexivo,	
  el	
  “pensiero”.	
  A	
  los	
  pies	
  de	
  
la	
   tumba	
   de	
   Giuliano	
   encontramos	
   las	
   representaciones	
   alegóricas	
   de	
   la	
   Noche	
   y	
   el	
   Día.	
   La	
   noche,	
   como	
   una	
  
mujer	
   sensual,	
   un	
   tanto	
   andrógina,	
   y	
   el	
   día	
   como	
   un	
   hombre	
   musculoso.	
   Es	
   interesante	
   resaltar	
   el	
   aspecto	
  
inacabado	
   o	
   non	
   finito	
   de	
   los	
   dos	
   rostros	
   masculinos,	
   especialmente	
   en	
   el	
   del	
   Día.	
   La	
   representación	
   así	
  
configurada	
  viene	
  a	
  simbolizar	
  el	
  paso	
  del	
  tiempo.	
  Es	
  un	
  ejemplo	
  paradigmático	
  del	
  carácter	
  manierista	
  de	
  la	
  
escultura	
  miguelangelesca.	
  Hay	
  que	
  subrayar	
  que	
  tanto	
  Giuliano	
  como	
  Lorenzo	
  van	
  vestidos	
  “a	
  la	
  antica”,	
  esto	
  es,	
  
como	
  figuras	
  grecorromanas	
  e	
  insertos	
  en	
  hornacinas	
  entre	
  pilastras	
  clásicas	
  y	
  a	
  sus	
  pies	
  se	
  sitúan	
  los	
  sarcófagos	
  
curvos	
   sobre	
   los	
   que	
   se	
   encuentran	
   esculpidas	
   figuras	
   alegóricas	
   que	
   aluden	
   a	
   la	
   brevedad	
   de	
   la	
   vida	
   y	
   a	
   la	
  
fugacidad	
   del	
   tiempo.	
   Una	
   vez	
   más,	
   es	
   Miguel	
   Ángel	
   muy	
   innovador	
   iconográficamente	
   al	
   llevar	
   a	
   cabo	
  
sepulturas	
  funerarias.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  profesor	
  Alfredo	
  García	
  (Algargos)	
  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi	
  
	
  
Al	
   final	
   de	
   su	
   vida	
   realizó	
   diversas	
   piedades,	
   con	
   poses	
   anteclásicas	
   e	
   innovadoras	
   iconográficamente	
   y	
  
técnicamente.	
  Presentan	
  alargamiento	
  del	
  canon	
  de	
  la	
  figura	
  y	
  su	
  característica	
  línea	
  serpentinata	
  y	
  non	
  finito.	
  
Son	
  muy	
  expresivas	
  y	
  dramáticas,	
  muy	
  diferente	
  a	
  la	
  serena	
  y	
  neoplatónica	
  “Piedad”	
  del	
  Vaticano,	
  que	
  realizó	
  en	
  
su	
   juventud.	
   Estas	
   últimas	
   esculturas	
   son	
   un	
   paso	
   más	
   y	
   se	
   anticipan	
   en	
   300	
   años	
   a	
   las	
   esculturas	
   del	
   artista	
  
francés	
  Rodin	
  que	
  veremos	
  en	
  el	
  siglo	
  XIX	
  o	
  al	
  rumano	
  Brancusi	
  ya	
  en	
  el	
  siglo	
  XX.	
  Son	
  obras	
  más	
  espirituales,	
  
cargadas	
   de	
   intimismo.	
   Iconográficamente	
   fue	
   lo	
   nunca	
   visto:	
   la	
   escena	
   de	
   la	
   Piedad	
   presenta	
   una	
   postura	
  
imposible,	
  del	
  cuerpo	
  de	
  Cristo	
  que	
  se	
  escapa	
  entre	
  los	
  brazos	
  de	
  su	
  madre.	
  Toda	
  una	
  metáfora,	
  de	
  una	
  vida	
  que	
  
se	
  va…	
  al	
  menos	
  temporalmente.	
  
florentina, de Miguel
7
7
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
.ngel. Creative
3.	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  PINTOR.	
  LA	
  CAPILLA	
  SIXTINA
	
  
La	
   personalidad	
   de	
   Miguel	
   Ángel	
   no	
   es	
   menos	
   sugerente	
   y	
   enigmática	
   que	
   la	
   de	
   Leonardo.	
   No	
   sólo	
   logró	
  
destacar	
  como	
  arquitecto,	
  escultor	
  y	
  pintor,	
  sino	
  que	
  también	
  fue	
  un	
  excelente	
  poeta.	
  	
  	
  
Aunque	
  Miguel	
  Ángel	
  no	
  se	
  cansaba	
  de	
  repetir	
  que	
  "la	
  pintura	
  no	
  es	
  mi	
  arte",	
  lo	
  cierto	
  es	
  que	
  sus	
  frescos	
  de	
  la	
  
Capilla	
  Sixtina	
  son	
  una	
  de	
  las	
  obras	
  cumbres	
  de	
  la	
  pintura	
  de	
  todos	
  los	
  tiempos.	
  Los	
  frescos	
  fueron	
  realizados	
  en	
  
dos	
  momentos	
  distintos:	
  
*La	
  bóveda,	
  con	
  escenas	
  del	
  Antiguo	
  Testamento,	
  encargada	
  por	
  el	
  Papa	
  Julio	
  II,	
  entre	
  1508	
  y	
  1512.	
  
*Y	
  la	
  pared	
  del	
  altar	
  o	
  testero	
  de	
  la	
  Capilla,	
  hecha	
  un	
  cuarto	
  de	
  siglo	
  después,	
  entre	
  1536	
  y	
  1541.	
  
	
  
	
  
	
  
Él	
  se	
  consideraba	
  sobre	
  todo	
  escultor	
  y	
  su	
  pintura	
  –centrada	
  en	
  el	
  ser	
  humano-­‐	
  acusará	
  esta	
  condición.	
  Desde	
  el	
  
punto	
  de	
  vista	
  pictórico,	
  hay	
  una	
  marcada	
  diferencia	
  entre	
  la	
  obra	
  juvenil,	
  que	
  desarrolla	
  en	
  Florencia,	
  y	
  la	
  obra	
  
madura	
  de	
  Miguel	
  Ángel	
  que	
  tiene	
  lugar	
  en	
  Roma.	
  	
  
En	
  Roma	
  recibió	
  el	
  encargo	
  de	
  su	
  mecenas	
  Julio	
  II	
  de	
  realizar	
  los	
  frescos	
  de	
  la	
  bóveda	
  de	
  la	
  CAPILLA	
  SIXTINA2
	
  
que	
   se	
   encuentra	
   en	
   el	
   Vaticano,	
   en	
   Roma.	
   La	
   mayoría	
   de	
   las	
   pinturas	
   son	
   de	
  Miguel	
   Ángel	
   aunque	
   existe	
   la	
  
participación	
   de	
   otros	
   grandes	
   artistas	
   que	
   se	
   encuentran	
   en	
   escenas	
   de	
   los	
   laterales	
   de	
   la	
   nave	
   (Botticelli,	
  
Perugino,	
  Ghirlandaio...)	
  	
  
La	
  pintura	
  de	
  la	
  bóveda	
  de	
  la	
  Capilla	
  Sixtina	
  la	
  emprendió	
  a	
  disgusto3
	
  y	
  en	
  ella	
  trabajó	
  hasta	
  la	
  extenuación	
  entre	
  
1508	
  y	
  1512,	
  en	
  total	
  tres	
  años.	
  Fue	
  una	
  labor	
  titánica,	
  un	
  gran	
  esfuerzo	
  intelectual,	
  que	
  le	
  supuso	
  inventar	
  un	
  
programa	
  iconográfico	
  y	
  resolver	
  las	
  mil	
  dificultades	
  técnicas	
  que	
  requería.	
  Trabajó	
  solo,	
  sin	
  ningún	
  ayudante	
  ni	
  
colaborador.	
   La	
   temática	
   abarca	
   distintos	
   episodios	
   del	
   Antiguo	
   Testamento,	
   como	
   los	
   relativos	
   al	
   Génesis	
  
(creación	
  de	
  Adán,	
  Eva…).	
  También,	
  representó	
  diversos	
  profetas	
  bíblicos	
  y	
  sibilas4
	
  de	
  la	
  mitología	
  grecolatina,	
  
que	
   a	
   su	
   vez,	
   están	
   acompañadas	
   por	
   impresionantes	
   figuras	
   de	
   jóvenes	
   desnudos,	
   los	
   llamados	
   ignudi,	
   una	
  
fantástica	
  excusa	
  para	
  mostrar	
  el	
  cuerpo	
  humano	
  desnudo,	
  con	
  gran	
  dinamismo	
  y	
  expresividad.	
  En	
  total,	
  unos	
  
300	
  personajes.	
  
	
  
2
La	
  Capilla	
  Sixtina	
  fue	
  levantada	
  durante	
  el	
  pontificado	
  de	
  Sixto	
  IV	
  (1471-­‐1484)	
  de	
  donde	
  recibe	
  su	
  nombre.
3
	
  Tuvo	
  enfrentamientos	
  continuos	
  con	
  su	
  mecenas,	
  el	
  Papa	
  Julio	
  II	
  por	
  la	
  elaboración	
  de	
  estas	
  pinturas.	
  
4
	
  Mujer	
  sabia	
  a	
  quien	
  los	
  antiguos	
  griegos	
  y	
  romanos	
  atribuyeron	
  espíritu	
  profético.	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
8
	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
La	
  técnica	
  es	
  al	
  fresco.	
  Recordemos	
  que	
  de	
  jovencito	
  había	
  aprendido	
  en	
  el	
  taller	
  de	
  Ghirlandaio	
  esta	
  técnica,	
  que	
  
requiere	
   gran	
   pericia	
   y	
   trabajar	
   muy	
   rápido.	
   La	
   obra	
   se	
   ejecuta	
   sobre	
  la	
   cal	
   aún	
   fresca.	
   Los	
   colores	
   aplicados	
  
sobre	
  el	
  muro	
  húmedo	
  producen	
  un	
  efecto	
  que	
  se	
  modifica	
  cuando	
  se	
  seca.	
  Lo	
  que	
  se	
  ha	
  trabajado	
  al	
  fresco	
  
queda	
  para	
  siempre,	
  pero	
  lo	
  que	
  ha	
  estado	
  retocado	
  en	
  seco	
  se	
  puede	
  quitar	
  con	
  una	
  esponja	
  húmeda.	
  Hizo	
  
continuos	
  retoques.	
  La	
  superficie	
  pintada	
  en	
  un	
  día	
  se	
  llama	
  «jornada»;	
  la	
  escena	
  de	
  La	
  Creación	
  de	
  Adán,	
  una	
  de	
  
las	
  más	
  espectaculares	
  de	
  la	
  bóveda,	
  se	
  realizó	
  en	
  dieciséis	
  jornadas.	
  
	
  
	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  Redondus.	
  https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteiessanisidro/home	
  
	
  
Miguel	
  Angel	
  dividió	
  la	
  bóveda	
  en	
  compartimentos,	
  utilizando	
  arquitecturas	
  fingidas	
  de	
  las	
  que	
  parecen	
  flotar	
  
las	
  figuras.	
  En	
  el	
  tramo	
  central	
  desarrolló	
  las	
  principales	
  escenas	
  del	
  libro	
  del	
  Génesis,	
  desde	
  la	
  Creación	
  hasta	
  la	
  
vida	
  de	
  Noé.	
  Mientras	
  que,	
  en	
  los	
  laterales,	
  ubicó	
  grandes	
  figuras,	
  profetas	
  y	
  sibilas,	
  que	
  anunciaron	
  la	
  llegada	
  
del	
  Salvador.	
  Con	
  esta	
  temática	
  original	
  unió	
  el	
  mundo	
  grecorromano	
  y	
  la	
  tradición	
  judeocristiana,	
  que	
  era	
  su	
  
segundo	
  propósito.	
  Esta	
  idea	
  simbólica	
  de	
  enlazar	
  el	
  mundo	
  pagano	
  y	
  el	
  cristiano	
  tuvo	
  su	
  continuidad	
  con	
  la	
  
"cohabitación"	
  y	
  contraposición	
  entre	
  los	
  jóvenes	
  desnudos	
  a	
  la	
  manera	
  de	
  esculturas	
  helenísticas	
  (ignudi)	
  y	
  los	
  
castos	
  y	
  vestidos	
  antepasados	
  de	
  Cristo	
  de	
  los	
  lunetos.	
  El	
  resultado	
  fue	
  un	
  magnífico	
  contraste	
  entre	
  la	
  linealidad	
  
arquitectónica	
   y	
   la	
   tensión	
   de	
   los	
   cuerpos	
   distorsionados	
   de	
   las	
   figuras;	
   entre	
   la	
   contención	
   y	
   el	
   desenfreno;	
  
entre	
  los	
  narrativo	
  y	
  lo	
  simbólico.	
  No	
  hay	
  ni	
  equilibrio	
  ni	
  serenidad.	
  Los	
  cuerpos	
  se	
  alejan	
  del	
  concepto	
  de	
  belleza	
  
clásica.	
  No	
  se	
  trata	
  de	
  representar	
  la	
  belleza	
  de	
  las	
  formas	
  sino	
  la	
  fuerza	
  que	
  emana	
  de	
  las	
  figuras.	
  	
  
El	
  lenguaje,	
  es	
  por	
  tanto,	
  más	
  manierista	
  que	
  clásico.	
  Su	
  interés	
  pictórico	
  se	
  centra	
  en	
  las	
  figuras,	
  por	
  lo	
  tanto	
  
deja	
   de	
   lado	
   el	
   paisaje.	
   Son	
   frecuentes	
   los	
   grandes	
   escorzos	
   y	
   trampantojos.	
   Es	
   una	
   pintura	
   monumental	
   y	
  
grandiosa.	
  
	
  
9
9
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  Redondus.	
  	
  https://es.slideshare.net/redondus/fundamentos9-­‐miguel-­‐angel	
  
	
  
El	
  JUICIO	
  FINAL,	
  también	
  en	
  la	
  Capilla	
  Sixtina,	
  lo	
  llevó	
  a	
  cabo	
  unos	
  veinte	
  años	
  más	
  tarde,	
  en	
  torno	
  a	
  1535	
  hasta	
  
1541,	
  reflejando	
  la	
  inquietud	
  espiritual	
  y	
  el	
  pesimismo	
  que	
  agobiaron	
  al	
  artista	
  en	
  sus	
  últimos	
  años.5
	
  Lo	
  realizó	
  en	
  
la	
   parte	
   frontal	
   de	
   la	
   capilla,	
   en	
   la	
   pared	
   del	
   altar.	
   Fue	
   un	
   encargo	
   de	
   otro	
   Papa,	
   Clemente	
   VII	
   y	
   más	
   tarde	
  
confirmado	
  por	
  el	
  Papa	
  Paulo	
  III,	
  quien	
  le	
  nombra	
  pintor,	
  escultor	
  y	
  arquitecto	
  del	
  Vaticano.	
  Este	
  fresco	
  es	
  de	
  
enormes	
  proporciones:	
  incluye	
  casi	
  400	
  figuras,	
  de	
  las	
  que	
  se	
  han	
  identificado	
  aproximadamente	
  50	
  y	
  el	
  tema	
  es	
  
el	
  Juicio	
  Final,	
  un	
  motivo	
  habitual	
  en	
  el	
  arte	
  medieval	
  pero	
  no	
  tanto	
  en	
  el	
  renacentista.	
  Las	
  figuras	
  se	
  disponen	
  en	
  
círculos	
  ascendentes	
  y	
  descendentes	
  que	
  resaltan	
  sobre	
  un	
  cielo	
  azul	
  intenso.	
  
Son	
  numerosas	
  las	
  referencias	
  y	
  fuentes	
  en	
  las	
  que	
  Miguel	
  Ángel	
  se	
  inspiró	
  para	
  realizar	
  el	
  Juicio	
  Final	
  según	
  
aluden	
  los	
  especialistas.	
  Estatuas	
  clásicas,	
  pinturas	
  de	
  diversos	
  artistas	
  como	
  Luca	
  Signorelli	
  o	
  El	
  Bosco	
  entre	
  
otros.	
  En	
  el	
  aspecto	
  literario	
   parece	
  seguro	
  el	
  empleo	
  de	
  tres	
  fuentes:	
  la	
  Divina	
   Comedia	
  de	
  Dante,	
  la	
  bíblica	
  
Visión	
  de	
  Ezequiel	
  y	
  el	
  Apocalipsis	
  de	
  San	
  Juan.	
  	
  
Con	
  Miguel	
  Ángel	
  asistimos	
  a	
  una	
  “vuelta	
  de	
  tuerca”	
  de	
  tan	
  famoso	
  asunto.	
  Innova	
  totalmente	
  en	
  la	
  iconografía:	
  
la	
  forma	
  de	
  representar	
  a	
  Cristo	
  no	
  es	
  la	
  habitual	
  del	
  arte	
  medieval	
  –un	
  Cristo	
  barbado,	
  con	
  el	
  alfa	
  y	
  la	
  omega	
  y	
  
los	
  Evangelios-­‐.	
  En	
  este	
  caso,	
  es	
  un	
  Cristo	
  imberbe	
  en	
  actitud	
  de	
  impartir	
  justicia	
  con	
  su	
  brazo	
  levantado,	
  en	
  
acusado	
   escorzo.	
   Parece	
   un	
   joven	
   atleta	
   victorioso.	
   Además,	
   es	
   un	
   Cristo	
   desnudo,	
   por	
   lo	
   que	
   pronto	
   fue	
  
considerado	
   inadecuado,	
   siendo	
   tapado	
   por	
   el	
   pintor	
   Daniele	
   da	
   Volterra,	
   al	
   que	
   denominaron	
   por	
   ello	
   “el	
  
braghettone”.	
  
La	
  Virgen	
  María	
  es	
  también	
  muy	
  distinta	
  tanto	
  a	
  las	
  usuales	
  en	
  la	
  Edad	
  Media	
  como	
  en	
  el	
  Renacimiento.	
  Muestra	
  
una	
  silueta	
  serpentinata	
  y	
  un	
  cierto	
  dramatismo.	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
10
	
  
	
  
Todos	
  los	
  personajes	
  de	
  la	
  obra	
  parecen	
  estar	
  envueltos	
  por	
  un	
  ambiente	
  apocalíptico,	
  que	
  es	
  penetrado	
  por	
  el	
  
dramatismo	
  de	
  la	
  muerte	
  y	
  la	
  vida:	
  es	
  la	
  terribilità	
  miguelangelesca.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
La	
  zona	
  superior	
  de	
  la	
  composición,	
  más	
  de	
  la	
  mitad	
  de	
  la	
  pared,	
  está	
  ocupada	
  por	
  el	
  mundo	
  celestial,	
  presidido	
  
por	
  Cristo	
  como	
  juez.	
  Tanto	
  él	
  como	
  la	
  Virgen	
  María	
  aparecen	
  rodeados	
  por	
  un	
  conjunto	
  de	
  santos,	
  apóstoles	
  y	
  
patriarcas	
  que	
  constituyen	
  el	
  primer	
  grupo	
  circular.	
  A	
  ambos	
  lados	
  de	
  este	
  grupo	
  central	
  diferentes	
  mártires,	
  
vírgenes,	
  bienaventurados	
  y	
  personajes	
  de	
  la	
  Iglesia	
  forman	
  una	
  segunda	
  corona.	
  Sobre	
  todos	
  ellos	
  aparecen	
  dos	
  
grupos	
  de	
  ángeles	
  que	
  portan	
  los	
  símbolos	
  de	
  la	
  Pasión:	
  la	
  corona	
  de	
  espinas,	
  la	
  cruz	
  y	
  la	
  columna,	
  ofreciendo	
  las	
  
más	
  variadas	
  posturas	
  y	
  reforzando	
  la	
  sensación	
  general	
  de	
  movimiento.	
  	
  
A	
  los	
  pies	
  de	
  Cristo	
  se	
  sitúan	
  dos	
  santos	
  que	
  ocupan	
  un	
  lugar	
  privilegiado:	
  San	
  Lorenzo,	
  que	
  porta	
  la	
  parrilla	
  de	
  su	
  
martirio,	
  y	
  San	
  Bartolomé,	
  con	
  una	
  piel	
  que	
  alude	
  a	
  su	
  muerte,	
  apreciándose	
  en	
  su	
  rostro	
  un	
  autorretrato	
  del	
  
pintor.	
  En	
  la	
  zona	
   intermedia	
  podemos	
  encontrar	
  tres	
  grupos;	
  en	
  la	
  izquierda,	
  los	
  juzgados	
  que	
  ascienden	
   al	
  
Cielo	
  mientras	
  que	
  en	
  la	
  parte	
  contraria	
  se	
  ubican	
  los	
  condenados	
  que	
  caen	
  al	
  Infierno,	
  ocupando	
  los	
  ángeles	
  
trompeteros	
  el	
  centro	
  para	
  despertar	
  a	
  los	
  muertos	
  de	
  la	
  zona	
  inferior,	
  que	
  se	
  desarrolla	
  en	
  el	
  espacio	
  izquierdo	
  
de	
  este	
  último	
  tramo.	
  En	
  la	
  zona	
  inferior	
  derecha	
  hallamos	
  el	
  traslado	
  de	
  los	
  muertos	
  en	
  la	
  barca	
  de	
  Caronte	
  ante	
  
el	
  juez	
  infernal	
  Minos	
   -­‐la	
  figura	
  de	
  la	
  esquina	
  con	
  serpientes	
  enrolladas	
  alrededor	
  de	
  su	
  cuerpo-­‐	
  y	
  la	
  boca	
  de	
  
Leviatán.	
  Una	
  vez	
  más	
  vemos	
  como	
  Miguel	
  Ángel	
  aúna	
  la	
  mitología	
  clásica	
  con	
  el	
  Cristianismo.	
  
La	
  escena	
  se	
  desarrolla	
  sin	
  ninguna	
  referencia	
  arquitectónica	
  ni	
  elemento	
  de	
  referencia,	
  emergiendo	
  las	
  figuras	
  
de	
  un	
  azulado	
  cielo	
  donde	
  flotan	
  con	
  una	
  energía	
  y	
  seguridad	
  difícilmente	
  igualables.	
  Las	
  figuras	
  se	
  retuercen	
  
con	
  gran	
  dinamismo	
  y	
  acusados	
  escorzos.	
  
Las	
   pinturas	
   se	
   han	
   interpretado	
   en	
   clave	
   neoplatónica.	
   Recordemos	
   que	
   Miguel	
   Ángel	
   conoció	
   a	
   muchos	
  
escritores	
  y	
  filósofos	
  neoplatónicos	
  ligados	
  a	
  los	
  Medici	
  durante	
  su	
  estancia	
  de	
  estudios	
  en	
  el	
  palacio	
  de	
  esta	
  
poderosa	
  familia	
  florentina.	
  
11
11
	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
Simbolizaría	
  el	
  camino	
  del	
  alma	
  hacia	
  Dios,	
  pretendiendo	
  unir	
  la	
  filosofía	
  pagana	
  con	
  el	
  misticismo	
  cristiano.	
  Hay	
  
que	
  subrayar	
  que	
  Miguel	
  Ángel	
  era	
  muy	
  religioso	
  y	
  conocía	
  a	
  la	
  perfección	
  mitología	
  grecorromana.	
  
La	
   gran	
   cantidad	
   de	
   desnudos	
   presentes	
   en	
   los	
   frescos	
   de	
   la	
   Capilla	
   Sixtina	
   escandalizó	
   a	
   buena	
   parte	
   de	
   la	
  
Iglesia,	
   no	
   solo	
   por	
   los	
   desnudos,	
   sino	
   también	
   por	
   posturas	
   consideradas	
   poco	
   decorosas.	
   De	
   ahí	
   que	
   se	
   le	
  
encargara	
  a	
  Volterra,	
  llamado	
  “el	
  Braghettone”	
  tapar	
  los	
  órganos	
  sexuales	
  de	
  muchas	
  de	
  las	
  figuras.	
  Todavía	
  
hoy,	
  a	
  pesar	
  de	
  las	
  restauraciones	
  llevadas	
  a	
  cabo	
  en	
  los	
  años	
  90,	
  hay	
  personajes	
  que	
  presentan	
  paños	
  de	
  pureza	
  
para	
  que	
  no	
  se	
  aprecien	
  los	
  desnudos.	
  
Sea	
   como	
   fuere,	
   la	
   fuerza	
   escultórica	
   de	
   los	
   personajes,	
   la	
   belleza	
   de	
   su	
   dibujo,	
   claramente	
   inspirado	
   en	
   las	
  
esculturas	
  antiguas,	
  sus	
  atrevidas	
  posturas,	
  el	
  vivo	
  colorido,	
  la	
  imponente	
  expresividad	
  de	
  los	
  rostros,	
  el	
  eficaz	
  
efecto	
  teatral	
  del	
  conjunto,	
  entre	
  otros	
  aspectos,	
  convierten	
  los	
  frescos	
  de	
  la	
  Capilla	
  Sixtina	
  en	
  una	
  obra	
  única,	
  
jamás	
  superada.	
  Esta	
  obra	
  plenamente	
  manierista,	
  será	
  fuente	
  inspiración	
  para	
  los	
  artistas	
  de	
  todos	
  los	
  tiempos	
  
(Manierismo,	
  Barroco,	
  etc.)	
  
	
  
4.	
  MIGUEL	
  ÁNGEL	
  ARQUITECTO	
  
	
  
El	
  primer	
  arquitecto	
  en	
  romper	
  el	
  lenguaje	
  clásico	
  fue	
  MIGUEL	
  ÁNGEL.	
  	
  
Arquitecto,	
  escultor,	
  pintor	
  y	
  poeta,	
  él	
  será	
  quien	
  inicie	
  estas	
  nuevas	
  formas,	
  sometiendo	
  los	
  elementos	
  clásicos	
  
a	
  una	
  interpretación	
  personal.	
  Miguel	
  Ángel	
  se	
  siente	
  ante	
  todo	
  escultor	
  y	
  trata	
  a	
  la	
  arquitectura	
  como	
  si	
  de	
  una	
  
escultura	
  se	
  tratase;	
  utiliza	
  las	
  formas	
  clásicas	
  con	
  plena	
  libertad.	
  Entre	
  las	
  obras	
  arquitectónicas	
  que	
  desarrolló	
  
Miguel	
  Ángel	
  la	
  más	
  grandiosa	
  fue	
  la	
  CÚPULA	
  DE	
  LA	
  BASÍLICA	
  DE	
  SAN	
  PEDRO	
  del	
  Vaticano.	
  	
  
La	
  basílica	
  de	
  San	
  Pedro	
  del	
  Vaticano	
  en	
  su	
  origen	
  fue	
  una	
  iglesia	
  paleocristiana	
  construida	
  para	
  conservar	
  el	
  
cuerpo	
   del	
   apóstol	
   San	
   Pedro,	
   el	
   primer	
   Papa	
   de	
   la	
   historia.	
   Pero,	
   con	
   el	
   paso	
   de	
   tiempo	
   amenazaba	
   ruina.	
  
Durante	
  el	
  Renacimiento	
  varios	
  arquitectos	
  presentaron	
  diversos	
  proyectos	
  para	
  reconstruir	
  la	
  iglesia:	
  en	
  primer	
  
lugar,	
  Bramante,	
  que	
  planteó	
  una	
  iglesia	
  de	
  planta	
  de	
  cruz	
  griega	
  inscrita	
  en	
  un	
  cuadrado	
  y	
  cubierta	
  por	
  cinco	
  
cúpulas.	
  Pero	
  su	
  muerte	
  interrumpió	
  este	
  proyecto.	
  Intervinieron	
  después	
  Rafael	
  –que	
  prefería	
  una	
  planta	
  de	
  
cruz	
  latina-­‐;	
  Sangallo;	
  y	
  Miguel	
  Ángel.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  Wikipedia.com	
  
	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
12
Miguel	
  Ángel	
  retomó	
  la	
  idea	
  de	
  Bramante	
  de	
  planta	
  de	
  cruz	
  griega	
  y	
  diseñó	
  la	
  gran	
  cúpula	
  concebida	
  sobre	
  el	
  
altar	
  mayor	
  y	
  la	
  tumba	
  del	
  Apóstol	
  San	
  Pedro.	
  Proyectó	
  una	
  doble	
  cúpula	
  (una	
  interior	
  y	
  otra	
  exterior)	
  según	
  el	
  
modelo	
  que	
  ya	
  había	
  realizado	
  Brunelleschi	
  en	
  Santa	
  María	
  de	
  las	
  Flores	
  en	
  Florencia	
  en	
  el	
  XV. También	
  tuvo	
  en	
  
cuenta	
   la	
   cúpula	
   del	
   Panteón	
   de	
   Roma.	
   La	
   cúpula	
   de	
   Miguel	
   Ángel,	
   con	
   42	
   metros	
   de	
   diámetro	
   y	
   sobre	
   un	
  
espectacular	
  tambor,	
  se	
  eleva	
  por	
  encima	
  de	
  las	
  colinas	
  de	
  la	
  urbe,	
  quedando	
  como	
  punto	
  de	
  referencia	
  para	
  
toda	
   la	
   cristiandad.	
   Tiene	
   forma	
   ligeramente	
   apuntada.	
   	
   Realmente	
   más	
   que	
   un	
   tambor,	
   hay	
   dos.	
   El	
   que	
   se	
  
levanta	
  directamente	
  sobre	
  la	
  cúpula	
  está	
  decorado	
  con	
  columnas	
  pareadas	
  o	
  gemelas	
  entre	
  las	
  ventanas.	
  Sobre	
  
los	
  ventanales	
   cuadrados	
  en	
  forma	
  de	
  pórtico	
  grecorromano	
  –igual	
  que	
  los	
  del	
  Partenón-­‐	
  alternan	
  frontones	
  
triangulares	
   y	
   semicirculares.	
   Sobre	
   este	
   tambor,	
   se	
   alza	
   otro	
   con	
   decoraciones	
   de	
   guirnaldas.	
   Los	
   nervios	
  
recorren	
  el	
  exterior	
  y	
  el	
  interior	
  de	
  la	
  cúpula.	
  Sobre	
  la	
  cúpula	
  se	
  eleva	
  una	
  linterna	
  abierta	
  a	
  la	
  luz,	
  también	
  entre	
  
pares	
   de	
   columnas.	
   Todo	
   ello	
   dentro	
   ya	
   de	
   un	
   lenguaje	
   plenamente	
   manierista.	
   Esta	
   cúpula	
   se	
   terminó	
   de	
  
construir	
  varios	
  años	
  después	
  de	
  la	
  muerte	
  de	
  Miguel	
  Angel.6
	
  Desde	
  los	
  Jardines	
  Vaticanos	
  y	
  a	
  lo	
  lejos,	
  la	
  cúpula	
  
miguelangelesca	
  es	
  la	
  cima	
  por	
  excelencia	
  de	
  todo	
  el	
  Cinquecento.	
  	
  
Por	
  último,	
  conviene	
  recordar	
  que	
  la	
  configuración	
  actual	
  de	
  la	
  Basílica	
  de	
  San	
  Pedro	
  del	
  Vaticano	
  es	
  posterior	
  a	
  
Miguel	
  Ángel.	
  Fue	
  Carlo	
  Maderno	
  durante	
  el	
  Barroco	
  quien	
  realizaría	
  la	
  fachada,	
  la	
  planta	
  de	
  cruz	
  latina	
  etc.	
  Y	
  
Bernini,	
  también	
  en	
  el	
  Barroco,	
  llevó	
  a	
  cabo	
  la	
  columnata	
  y	
  la	
  bellísima	
  plaza	
  de	
  San	
  Pedro.	
  	
  
	
  
	
  
Fuente	
  de	
  la	
  imagen:	
  Wikipedia.com;	
  fuente	
  de	
  la	
  imagen	
  de	
  la	
  derecha:	
  https://www.slideshare.net/Meibel/cinquecento-­‐arquitectura	
  
	
  
Aunque	
   la	
   Cúpula	
   de	
   San	
   Pedro	
   del	
   Vaticano	
   es	
   su	
   obra	
   más	
   relevante	
   en	
   arquitectura,	
   también	
   realizó	
   la	
  
Biblioteca	
   Laurenciana	
   de	
   Florencia	
   para	
   guardar	
   la	
   maravillosa	
   colección	
   de	
   códices	
   de	
   los	
   Medici.	
   	
   Diseñó	
  
incluso	
  los	
  pupitres	
  de	
  lectura.	
  Creó	
  un	
  vestíbulo	
  de	
  acceso	
  espectacular	
  con	
  una	
  majestuosa	
  escalera.	
  
Y	
  diseñó	
  como	
  urbanista	
  la	
  plaza	
  del	
  Campidoglio	
  (Capitolio)	
  de	
  Roma,	
  donde	
  se	
  encontraba	
  la	
  estatua	
  ecuestre	
  
del	
  emperador	
  Marco	
  Aurelio.	
  La	
  que	
  hay	
  hoy	
  en	
  día	
  es	
  una	
  copia,	
  ya	
  que	
  la	
  original	
  está	
  dentro	
  de	
  los	
  Museos	
  
Capitolinos	
  en	
  la	
  misma	
  plaza.	
  Creó	
  un	
  espacio	
  trapezoidal	
  con	
  una	
  gran	
  escalinata	
  de	
  acceso.	
  Diseñó	
  también	
  la	
  
trama	
  del	
  embaldosado	
  y	
  los	
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Michelangelo Renacimiento Italia

  • 1.                                                 FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  9.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA   (II):  MIGUEL  ÁNGEL  BUONAROTTI
  • 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  9.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA  (II):  MIGUEL  ÁNGEL  BUONARROTI       1.Miguel  Ángel  Buonarroti,  vida  y  obra  de  un  artista  total.  2.  Miguel  Ángel  escultor.  3    Miguel  Ángel  pintor.  4.  Miguel   Ángel  arquitecto.       1.  MIGUEL  ÁNGEL  BUONARROTI,  VIDA  Y  OBRA  DE  UN  ARTISTA  TOTAL     MICHELANGELO  BUONARROTI  (1475-­‐  1564)  es  uno  de  los  grandes  genios  del  Renacimiento:  pintor,  arquitecto,   poeta  y  sobre  todo  se  sentía  escultor.  En  su  época  alcanzó  un  gran  prestigio  y  sus  obras,  han  sido  durante  siglos,   fuente   de   inspiración   para   muchos   artistas.   Miguel   Angel   nació   en   Caprese   en   1475,   muy   cerca   de   Florencia.   Procedía  de  una  familia  culta,  de  clase  media-­‐alta.  Desde  muy  joven  quiso  ser  artista,  a  pesar  de  la  oposición  de   su  padre.  Su  madre,  al  parecer  confió  la  alimentación  del  pequeño  a  una  nodriza,  hija  y  mujer  de  canteros,  dato   que  será  considerado  por  el  artista  como  fundamental  para  su  formación.                     De   temperamento   irascible,   poético   y   lírico,   sus   luchas   internas   se   reflejan   en   sus   obras   que   están   llenas   de   fuerza  y  dramatismo.    Era  un  artista  muy  bien  pagado,  pero  vivía  sobriamente  y  murió  con  casi  90  años  mientras   estaba   ¡trabajando!   Muy   religioso   y   sumamente   culto   –conocía     a   la   perfección   las   fuentes   mitológicas   y   las   bíblicas,  no  sé  casó  nunca,  -­‐de  hecho  se  cree  que  fue  homosexual-­‐  y  fue  muy  amigo  de  la  aristócrata  y  poeta   Vittoria  Colonna.  Fue  tan  famoso  y  tan  valorado  que  sus  contemporáneos  le  llamaban  “el  Divino”  y  en  vida  se   escribieron  dos  biografías  sobre  él  (por  Vasari  y  Condivi).  Su  precoz  habilidad  para  dibujar  le  llevó  a  los  trece  años   al  taller  de  Doménico  Ghirlandaio.  De  Ghirlandaio  aprendió  la  técnica  del  fresco.  Después  de  un  tiempo  en  el   taller   citado,   ingresó   en   la   academia   del   Jardín   de   los   Medici   para   dibujar   los   mármoles   y   bronces   clásicos   reunidos  por  Lorenzo  el  Magnífico,  que  le  aceptó  y  protegió  como  un  ahijado.  Lorenzo  de  Medici  fue  su  mecenas   en   sus   primeros   años.     La   dirección   artística   del   Jardín   de   los   Medici   era   a   cargo   del   escultor   donatelliano   Bertoldo  di  Giovanni.  Allí  disfrutaba  del  arte  y  el  humanismo  de  escritores  como  Poliziano  y  filósofos  de  la  talla  de   Marsilio   Ficino   o   Pico   della   Mirandola.   Gracias   a   estos   contactos   con   intelectuales,   se   convirtió   en   un   erudito   (persona  muy  culta)-­‐.  También  allí  tuvo  ocasión  de  mostrar  su  genio  en  sus  disputas  con  el  escultor  Torrigiano.   Este  último  rompió  de  un  puñetazo  la  nariz  al  genio  caprese.     Fueron  mecenas1  de  Miguel  Ángel  -­‐aparte  de  los  Medici  especialmente  en  los  inicios  de  su  carrera  como  escultor-­‐   nueve  Papas  consecutivamente.  El  Papa  Julio  II  le  encargó  la  decoración  de  la  Capilla  Sixtina  en  el  Vaticano  y   además   la   elaboración   de   obras   escultóricas   como   el   proyecto   para   su   sepulcro   o     mausoleo   que   quedó   inacabado,  pero  del  que  destaca  el  genial  Moisés  –hoy  en  la  iglesia  de  San  Pedro  in  Víncoli-­‐.  Su  relación  osciló   entre   amor-­‐odio,   ya   que   se   admiraban   mutuamente   pero   las   relaciones   entre   ellos   eran   difíciles.   Julio   II   le   apremiaba  a  que  terminar  las  pinturas  de  la  Capilla  Sixtina  y  le  preguntaba  siempre:  ¿cuándo  lo  vas  a  terminar?  Y   Miguel  Ángel  contestaba:  ¡cuando  lo  acabe!     1  El  banquero  Jacopo  Gallí  le  encargó  varias  obras  como  un  Baco  y  un  Cupido.   2 La  Capilla  Sixtina  fue  levantada  durante  el  pontificado  de  Sixto  IV  (1471-­‐1484)  de  donde  recibe  su  nombre.
  • 3. 3 3 La  fama  del  Miguel  Ángel  alcanzó  elevadas  cotas  en  los  últimos  años  de  su  vida,  siendo  nombrado  "jefe"  de  la   Academia   de   Dibujo   de   Florencia.   El   artista   de   la   "terribilità",   que   definiría   el   último   Cinquecento,   falleció   en   Roma  el  18  de  febrero  de  1564  a  la  edad  de  89  años.  Su  sobrino  Leonardo  llevará  en  secreto  el  cadáver  del  genio   hasta  Florencia  en  el  mes  de  marzo,  celebrándose  solemnes  funerales  por  su  alma  en  la  iglesia  de  San  Lorenzo,   antes  de  ser  enterrado  en  Santa  Croce.  La  ajetreada  vida  de  Miguel  Ángel  fue  llevada  a  la  novela  por  Irving  Stone   en  "El  tormento  y  el  éxtasis"  sirviendo  de  base  a  una  película  con  el  mismo  título.  Con  él  desapareció  uno  de  los   mayores  genios  de  toda  la  historia  del  Arte.     2.  MIGUEL  ÁNGEL  ESCULTOR     Miguel  Ángel  se  sentía  sobre  todo  escultor.  Esa  pasión  por  la  escultura  se  traduce  en  su  visión  de  la  arquitectura   y  la  pintura.  Muestra  un  dominio  total  del  movimiento  y  de  la  anatomía,  una  anatomía  muchas  veces  andrógina.   Su  obsesión  era  representar  el  desnudo  en  el  arte.  De  hecho,  sabemos  como  Leonardo  da  Vinci,  Miguel  Ángel   diseccionaba  cadáveres  para  conocer  a  la  perfección  el  cuerpo  humana.             Realizó  esculturas  de  temática  profana  y  religiosa  basándose  en  fuentes  mitológicas  y  bíblicas.     Iconográficamente,  es  decir,  la  forma  de  representar  las  imágenes  y  su  valor  simbólico,  Michelangelo  fue  original   e  innovador,  tanto  en  escultura  como  pintura.  Sus  influencias  claramente  procedían  del  arte  grecorromano  y  a  la   vez  realizada  dentro  de  parámetros  netamente  manieristas.  Una  obra  que  le  influyó  muchísimo  fue  la  escultura   helenística  El  Laocoonte,  descubierta  en  el  siglo  XVI.  Como  escultor  dejará  su  impronta  en  la  escultura  barroca  – especialmente  en  Bernini-­‐,  y  en  el  siglo  XIX  en  Rodin  entre  otros  muchos  artistas.         Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Su   escultura   evolucionará   desde   el   clasicismo   –como   vemos   en   la   Piedad   del   Vaticano-­‐   hacia   un   mayor   dramatismo,  dinamismo  y  sentimiento:  es  la  terribilità  miguelangelesca.  También  emplea  las  curvas  serpentinatas,   esto  es,  giro  helicoidal,  y  en  ocasiones  la  técnica  de  non  finito  que  otorga  a  las  piezas  un  aspecto  inacabado  y   muy  expresionista.  Utiliza  preferentemente  el  mármol  –italiano  de  Carrara-­‐  que  domina  a  la  perfección.  
  • 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4 Entre  sus  obras  destacan:       Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *El  bajorrelieve  de  la  VIRGEN  DE  LA  ESCALERA:  fue  tallada  en  lámina  de  mármol  cuando  contaba  unos  dieciséis   años  y  es  una  de  sus  primeras  obras  conocidas.                         Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *La  PIEDAD  de  San  Pedro  del  Vaticano:  Tallada  en  mármol  entre  1498  y  1499,  esta  obra  es  una  de  sus  obras  más   clasicistas  e  idealizadas  de  toda  su  producción.  El  recurso  neoplatónico  de  representar  a  María  con  la  belleza   virginal  de  la  edad  juvenil,  en  vez  de  la  madurez,  sin  apenas  contraste  con  la  edad  del  Cristo  difunto,  se  enmarca   en  la  ecuación  perfecta  de  un  triángulo  equilátero  que  envuelve  geométricamente  al  conjunto  en  un  esquema   racional,  cerrado  y  simétrico.  Los  plegados  del  manto  provocan  contrastes  de  luces  y  sombras  y  se  observa  un   cierto  desequilibrio  en  el  cuerpo  del  hijo,  a  punto  de  resbalar  por  el  manto  de  la  Virgen.  Este  tipo  de  iconografía   no  era  habitual  en  el  arte  italiano.                                                
  • 5. 5 5 Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi       *La  obra  con  la  que  se  consagra  Miguel  Ángel  como  el  superador  de  toda  la  estatuaria  antigua  es  el  colosal    – mide  más  de  4  metros-­‐  estatua  del  DAVID,  esculpido  en  dos  años,  1502-­‐1504,  en  un  solo  bloque  marmóreo.  Fue  un   encargo  de  la  Señoría  de  Florencia.  Se  colocó  ante  la  portada  del  Palacio  Viejo.  La  conciencia  popular  vio  en  el   David   el   triunfo   de   la   república   sobre   los   Medici.   Presenta   una   musculatura   robusta,   la   mirada   expectante   y   segura.  Innova  en  la  iconografía  de  este  personaje  bíblico:  es  muy  diferente  a  los  David  adolescentes  victoriosos,   de  serena  y  reposada  gracia  de  los  escultores  del  Quattrocento.  Esta  obra  resultó  descomunal,  no  sólo  por  las   dimensiones,  sino  por  la  fuerza  y  rotundidad  de  la  talla,  que  anuncia  el  carácter  grandioso  y  heroico  de  Miguel   Angel.  El  David  tiene  toda  la  belleza  helénica  del  desnudo  clásico.  Muestra  un  ligero  contraposto,  una  potente   musculatura,   y   una   expresión   firme   y   segura.   Más   información   sobre   esta   obra   en:   http://artpower-­‐ ana.blogspot.com.es/2012/03/el-­‐david-­‐de-­‐miguel-­‐angel.html                                                                                                                   Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *La  escultura  sedente  del  profeta  bíblico  MOISÉS  formaba  parte  del  proyecto  diseñado  por  Miguel  Ángel  para  el   mausoleo   (sepulcro)   del   PAPA   JULIO   II.   Pero   esta   obra   nunca   llegó   a   concluirse   por   presiones   de   todo   tipo   (económicas,  políticas,  etc.,)  y  solamente  hizo  algunas  esculturas  como  las  de  Moisés,  Raquel  y  Lía.           Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Este   proyecto   fue   uno   de   los   más   ambiciosos   de   toda   su   vida,   y   su   verdadera   obsesión.   El   MOISÉS   está   representado   en   un   momento   pleno   de   furia,   al   bajar   del   Monte   Sinaí   con   las   Tablas   de   la   Ley   y   advertir   el   carácter  idólatra  de  los  israelitas.  Todo  él  se  convierta  en  una  representación  de  la  rabia  y  cólera  explosivas.  Es   una  obra  grandiosa  en  la  expresión,  en  los  ropajes,  en  el  estudio  anatómico,  en  la  tensión  psicológica,  en  el  juego   compositivo  de  verticales  y  horizontales…  Quedaba  así  plasmada  en  mármol  la  grandiosidad  de  los  Profetas  y  las   Sibilas  que  acababa  de  pintar  en  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina.  La  mirada  furibunda,  la  boca  entreabierta,  las  
  • 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 barbas  encrespadas…  son  indicio  de  la  famosa  terribilità  miguelangelesca,  caracterizada  por  su  tremenda  fuerza   expresiva.  Como  el  propio  Miguel  Angel  reconocía,  ¡sólo  le  faltaba  hablar!         Fuente  de  la  imagen  de  la  izquierda:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *Entre  1520  y  1534,  esculpe  los  dos  SEPULCROS  DE  GIULIANO  Y  LORENZO  DE  MEDICI  en  la  iglesia  de  San  Lorenzo   de  Florencia.  Miguel  Ángel  se  encontró  con  el  reto  de  integrar  escultura  y  arquitectura,  como  ya  le  había  ocurrido   con  la  tumba  de  Julio  II.  Estas  esculturas  asumen  un  carácter  simbólico:  Giuliano  es  la  representación  del  hombre   activo,  mientras  que  Lorenzo  representa  la  vida  contemplativa,  el  hombre  reflexivo,  el  “pensiero”.  A  los  pies  de   la   tumba   de   Giuliano   encontramos   las   representaciones   alegóricas   de   la   Noche   y   el   Día.   La   noche,   como   una   mujer   sensual,   un   tanto   andrógina,   y   el   día   como   un   hombre   musculoso.   Es   interesante   resaltar   el   aspecto   inacabado   o   non   finito   de   los   dos   rostros   masculinos,   especialmente   en   el   del   Día.   La   representación   así   configurada  viene  a  simbolizar  el  paso  del  tiempo.  Es  un  ejemplo  paradigmático  del  carácter  manierista  de  la   escultura  miguelangelesca.  Hay  que  subrayar  que  tanto  Giuliano  como  Lorenzo  van  vestidos  “a  la  antica”,  esto  es,   como  figuras  grecorromanas  e  insertos  en  hornacinas  entre  pilastras  clásicas  y  a  sus  pies  se  sitúan  los  sarcófagos   curvos   sobre   los   que   se   encuentran   esculpidas   figuras   alegóricas   que   aluden   a   la   brevedad   de   la   vida   y   a   la   fugacidad   del   tiempo.   Una   vez   más,   es   Miguel   Ángel   muy   innovador   iconográficamente   al   llevar   a   cabo   sepulturas  funerarias.                               Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Al   final   de   su   vida   realizó   diversas   piedades,   con   poses   anteclásicas   e   innovadoras   iconográficamente   y   técnicamente.  Presentan  alargamiento  del  canon  de  la  figura  y  su  característica  línea  serpentinata  y  non  finito.   Son  muy  expresivas  y  dramáticas,  muy  diferente  a  la  serena  y  neoplatónica  “Piedad”  del  Vaticano,  que  realizó  en   su   juventud.   Estas   últimas   esculturas   son   un   paso   más   y   se   anticipan   en   300   años   a   las   esculturas   del   artista   francés  Rodin  que  veremos  en  el  siglo  XIX  o  al  rumano  Brancusi  ya  en  el  siglo  XX.  Son  obras  más  espirituales,   cargadas   de   intimismo.   Iconográficamente   fue   lo   nunca   visto:   la   escena   de   la   Piedad   presenta   una   postura   imposible,  del  cuerpo  de  Cristo  que  se  escapa  entre  los  brazos  de  su  madre.  Toda  una  metáfora,  de  una  vida  que   se  va…  al  menos  temporalmente.   florentina, de Miguel
  • 7. 7 7                             .ngel. Creative 3.  MIGUEL  ÁNGEL  PINTOR.  LA  CAPILLA  SIXTINA   La   personalidad   de   Miguel   Ángel   no   es   menos   sugerente   y   enigmática   que   la   de   Leonardo.   No   sólo   logró   destacar  como  arquitecto,  escultor  y  pintor,  sino  que  también  fue  un  excelente  poeta.       Aunque  Miguel  Ángel  no  se  cansaba  de  repetir  que  "la  pintura  no  es  mi  arte",  lo  cierto  es  que  sus  frescos  de  la   Capilla  Sixtina  son  una  de  las  obras  cumbres  de  la  pintura  de  todos  los  tiempos.  Los  frescos  fueron  realizados  en   dos  momentos  distintos:   *La  bóveda,  con  escenas  del  Antiguo  Testamento,  encargada  por  el  Papa  Julio  II,  entre  1508  y  1512.   *Y  la  pared  del  altar  o  testero  de  la  Capilla,  hecha  un  cuarto  de  siglo  después,  entre  1536  y  1541.         Él  se  consideraba  sobre  todo  escultor  y  su  pintura  –centrada  en  el  ser  humano-­‐  acusará  esta  condición.  Desde  el   punto  de  vista  pictórico,  hay  una  marcada  diferencia  entre  la  obra  juvenil,  que  desarrolla  en  Florencia,  y  la  obra   madura  de  Miguel  Ángel  que  tiene  lugar  en  Roma.     En  Roma  recibió  el  encargo  de  su  mecenas  Julio  II  de  realizar  los  frescos  de  la  bóveda  de  la  CAPILLA  SIXTINA2   que   se   encuentra   en   el   Vaticano,   en   Roma.   La   mayoría   de   las   pinturas   son   de  Miguel   Ángel   aunque   existe   la   participación   de   otros   grandes   artistas   que   se   encuentran   en   escenas   de   los   laterales   de   la   nave   (Botticelli,   Perugino,  Ghirlandaio...)     La  pintura  de  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina  la  emprendió  a  disgusto3  y  en  ella  trabajó  hasta  la  extenuación  entre   1508  y  1512,  en  total  tres  años.  Fue  una  labor  titánica,  un  gran  esfuerzo  intelectual,  que  le  supuso  inventar  un   programa  iconográfico  y  resolver  las  mil  dificultades  técnicas  que  requería.  Trabajó  solo,  sin  ningún  ayudante  ni   colaborador.   La   temática   abarca   distintos   episodios   del   Antiguo   Testamento,   como   los   relativos   al   Génesis   (creación  de  Adán,  Eva…).  También,  representó  diversos  profetas  bíblicos  y  sibilas4  de  la  mitología  grecolatina,   que   a   su   vez,   están   acompañadas   por   impresionantes   figuras   de   jóvenes   desnudos,   los   llamados   ignudi,   una   fantástica  excusa  para  mostrar  el  cuerpo  humano  desnudo,  con  gran  dinamismo  y  expresividad.  En  total,  unos   300  personajes.     2 La  Capilla  Sixtina  fue  levantada  durante  el  pontificado  de  Sixto  IV  (1471-­‐1484)  de  donde  recibe  su  nombre. 3  Tuvo  enfrentamientos  continuos  con  su  mecenas,  el  Papa  Julio  II  por  la  elaboración  de  estas  pinturas.   4  Mujer  sabia  a  quien  los  antiguos  griegos  y  romanos  atribuyeron  espíritu  profético.  
  • 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8                 La  técnica  es  al  fresco.  Recordemos  que  de  jovencito  había  aprendido  en  el  taller  de  Ghirlandaio  esta  técnica,  que   requiere   gran   pericia   y   trabajar   muy   rápido.   La   obra   se   ejecuta   sobre  la   cal   aún   fresca.   Los   colores   aplicados   sobre  el  muro  húmedo  producen  un  efecto  que  se  modifica  cuando  se  seca.  Lo  que  se  ha  trabajado  al  fresco   queda  para  siempre,  pero  lo  que  ha  estado  retocado  en  seco  se  puede  quitar  con  una  esponja  húmeda.  Hizo   continuos  retoques.  La  superficie  pintada  en  un  día  se  llama  «jornada»;  la  escena  de  La  Creación  de  Adán,  una  de   las  más  espectaculares  de  la  bóveda,  se  realizó  en  dieciséis  jornadas.       Fuente  de  la  imagen:  Redondus.  https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteiessanisidro/home     Miguel  Angel  dividió  la  bóveda  en  compartimentos,  utilizando  arquitecturas  fingidas  de  las  que  parecen  flotar   las  figuras.  En  el  tramo  central  desarrolló  las  principales  escenas  del  libro  del  Génesis,  desde  la  Creación  hasta  la   vida  de  Noé.  Mientras  que,  en  los  laterales,  ubicó  grandes  figuras,  profetas  y  sibilas,  que  anunciaron  la  llegada   del  Salvador.  Con  esta  temática  original  unió  el  mundo  grecorromano  y  la  tradición  judeocristiana,  que  era  su   segundo  propósito.  Esta  idea  simbólica  de  enlazar  el  mundo  pagano  y  el  cristiano  tuvo  su  continuidad  con  la   "cohabitación"  y  contraposición  entre  los  jóvenes  desnudos  a  la  manera  de  esculturas  helenísticas  (ignudi)  y  los   castos  y  vestidos  antepasados  de  Cristo  de  los  lunetos.  El  resultado  fue  un  magnífico  contraste  entre  la  linealidad   arquitectónica   y   la   tensión   de   los   cuerpos   distorsionados   de   las   figuras;   entre   la   contención   y   el   desenfreno;   entre  los  narrativo  y  lo  simbólico.  No  hay  ni  equilibrio  ni  serenidad.  Los  cuerpos  se  alejan  del  concepto  de  belleza   clásica.  No  se  trata  de  representar  la  belleza  de  las  formas  sino  la  fuerza  que  emana  de  las  figuras.     El  lenguaje,  es  por  tanto,  más  manierista  que  clásico.  Su  interés  pictórico  se  centra  en  las  figuras,  por  lo  tanto   deja   de   lado   el   paisaje.   Son   frecuentes   los   grandes   escorzos   y   trampantojos.   Es   una   pintura   monumental   y   grandiosa.    
  • 9. 9 9                                                                                 Fuente  de  la  imagen:  Redondus.    https://es.slideshare.net/redondus/fundamentos9-­‐miguel-­‐angel     El  JUICIO  FINAL,  también  en  la  Capilla  Sixtina,  lo  llevó  a  cabo  unos  veinte  años  más  tarde,  en  torno  a  1535  hasta   1541,  reflejando  la  inquietud  espiritual  y  el  pesimismo  que  agobiaron  al  artista  en  sus  últimos  años.5  Lo  realizó  en   la   parte   frontal   de   la   capilla,   en   la   pared   del   altar.   Fue   un   encargo   de   otro   Papa,   Clemente   VII   y   más   tarde   confirmado  por  el  Papa  Paulo  III,  quien  le  nombra  pintor,  escultor  y  arquitecto  del  Vaticano.  Este  fresco  es  de   enormes  proporciones:  incluye  casi  400  figuras,  de  las  que  se  han  identificado  aproximadamente  50  y  el  tema  es   el  Juicio  Final,  un  motivo  habitual  en  el  arte  medieval  pero  no  tanto  en  el  renacentista.  Las  figuras  se  disponen  en   círculos  ascendentes  y  descendentes  que  resaltan  sobre  un  cielo  azul  intenso.   Son  numerosas  las  referencias  y  fuentes  en  las  que  Miguel  Ángel  se  inspiró  para  realizar  el  Juicio  Final  según   aluden  los  especialistas.  Estatuas  clásicas,  pinturas  de  diversos  artistas  como  Luca  Signorelli  o  El  Bosco  entre   otros.  En  el  aspecto  literario   parece  seguro  el  empleo  de  tres  fuentes:  la  Divina   Comedia  de  Dante,  la  bíblica   Visión  de  Ezequiel  y  el  Apocalipsis  de  San  Juan.     Con  Miguel  Ángel  asistimos  a  una  “vuelta  de  tuerca”  de  tan  famoso  asunto.  Innova  totalmente  en  la  iconografía:   la  forma  de  representar  a  Cristo  no  es  la  habitual  del  arte  medieval  –un  Cristo  barbado,  con  el  alfa  y  la  omega  y   los  Evangelios-­‐.  En  este  caso,  es  un  Cristo  imberbe  en  actitud  de  impartir  justicia  con  su  brazo  levantado,  en   acusado   escorzo.   Parece   un   joven   atleta   victorioso.   Además,   es   un   Cristo   desnudo,   por   lo   que   pronto   fue   considerado   inadecuado,   siendo   tapado   por   el   pintor   Daniele   da   Volterra,   al   que   denominaron   por   ello   “el   braghettone”.   La  Virgen  María  es  también  muy  distinta  tanto  a  las  usuales  en  la  Edad  Media  como  en  el  Renacimiento.  Muestra   una  silueta  serpentinata  y  un  cierto  dramatismo.  
  • 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10     Todos  los  personajes  de  la  obra  parecen  estar  envueltos  por  un  ambiente  apocalíptico,  que  es  penetrado  por  el   dramatismo  de  la  muerte  y  la  vida:  es  la  terribilità  miguelangelesca.                   La  zona  superior  de  la  composición,  más  de  la  mitad  de  la  pared,  está  ocupada  por  el  mundo  celestial,  presidido   por  Cristo  como  juez.  Tanto  él  como  la  Virgen  María  aparecen  rodeados  por  un  conjunto  de  santos,  apóstoles  y   patriarcas  que  constituyen  el  primer  grupo  circular.  A  ambos  lados  de  este  grupo  central  diferentes  mártires,   vírgenes,  bienaventurados  y  personajes  de  la  Iglesia  forman  una  segunda  corona.  Sobre  todos  ellos  aparecen  dos   grupos  de  ángeles  que  portan  los  símbolos  de  la  Pasión:  la  corona  de  espinas,  la  cruz  y  la  columna,  ofreciendo  las   más  variadas  posturas  y  reforzando  la  sensación  general  de  movimiento.     A  los  pies  de  Cristo  se  sitúan  dos  santos  que  ocupan  un  lugar  privilegiado:  San  Lorenzo,  que  porta  la  parrilla  de  su   martirio,  y  San  Bartolomé,  con  una  piel  que  alude  a  su  muerte,  apreciándose  en  su  rostro  un  autorretrato  del   pintor.  En  la  zona   intermedia  podemos  encontrar  tres  grupos;  en  la  izquierda,  los  juzgados  que  ascienden   al   Cielo  mientras  que  en  la  parte  contraria  se  ubican  los  condenados  que  caen  al  Infierno,  ocupando  los  ángeles   trompeteros  el  centro  para  despertar  a  los  muertos  de  la  zona  inferior,  que  se  desarrolla  en  el  espacio  izquierdo   de  este  último  tramo.  En  la  zona  inferior  derecha  hallamos  el  traslado  de  los  muertos  en  la  barca  de  Caronte  ante   el  juez  infernal  Minos   -­‐la  figura  de  la  esquina  con  serpientes  enrolladas  alrededor  de  su  cuerpo-­‐  y  la  boca  de   Leviatán.  Una  vez  más  vemos  como  Miguel  Ángel  aúna  la  mitología  clásica  con  el  Cristianismo.   La  escena  se  desarrolla  sin  ninguna  referencia  arquitectónica  ni  elemento  de  referencia,  emergiendo  las  figuras   de  un  azulado  cielo  donde  flotan  con  una  energía  y  seguridad  difícilmente  igualables.  Las  figuras  se  retuercen   con  gran  dinamismo  y  acusados  escorzos.   Las   pinturas   se   han   interpretado   en   clave   neoplatónica.   Recordemos   que   Miguel   Ángel   conoció   a   muchos   escritores  y  filósofos  neoplatónicos  ligados  a  los  Medici  durante  su  estancia  de  estudios  en  el  palacio  de  esta   poderosa  familia  florentina.  
  • 11. 11 11               Simbolizaría  el  camino  del  alma  hacia  Dios,  pretendiendo  unir  la  filosofía  pagana  con  el  misticismo  cristiano.  Hay   que  subrayar  que  Miguel  Ángel  era  muy  religioso  y  conocía  a  la  perfección  mitología  grecorromana.   La   gran   cantidad   de   desnudos   presentes   en   los   frescos   de   la   Capilla   Sixtina   escandalizó   a   buena   parte   de   la   Iglesia,   no   solo   por   los   desnudos,   sino   también   por   posturas   consideradas   poco   decorosas.   De   ahí   que   se   le   encargara  a  Volterra,  llamado  “el  Braghettone”  tapar  los  órganos  sexuales  de  muchas  de  las  figuras.  Todavía   hoy,  a  pesar  de  las  restauraciones  llevadas  a  cabo  en  los  años  90,  hay  personajes  que  presentan  paños  de  pureza   para  que  no  se  aprecien  los  desnudos.   Sea   como   fuere,   la   fuerza   escultórica   de   los   personajes,   la   belleza   de   su   dibujo,   claramente   inspirado   en   las   esculturas  antiguas,  sus  atrevidas  posturas,  el  vivo  colorido,  la  imponente  expresividad  de  los  rostros,  el  eficaz   efecto  teatral  del  conjunto,  entre  otros  aspectos,  convierten  los  frescos  de  la  Capilla  Sixtina  en  una  obra  única,   jamás  superada.  Esta  obra  plenamente  manierista,  será  fuente  inspiración  para  los  artistas  de  todos  los  tiempos   (Manierismo,  Barroco,  etc.)     4.  MIGUEL  ÁNGEL  ARQUITECTO     El  primer  arquitecto  en  romper  el  lenguaje  clásico  fue  MIGUEL  ÁNGEL.     Arquitecto,  escultor,  pintor  y  poeta,  él  será  quien  inicie  estas  nuevas  formas,  sometiendo  los  elementos  clásicos   a  una  interpretación  personal.  Miguel  Ángel  se  siente  ante  todo  escultor  y  trata  a  la  arquitectura  como  si  de  una   escultura  se  tratase;  utiliza  las  formas  clásicas  con  plena  libertad.  Entre  las  obras  arquitectónicas  que  desarrolló   Miguel  Ángel  la  más  grandiosa  fue  la  CÚPULA  DE  LA  BASÍLICA  DE  SAN  PEDRO  del  Vaticano.     La  basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  en  su  origen  fue  una  iglesia  paleocristiana  construida  para  conservar  el   cuerpo   del   apóstol   San   Pedro,   el   primer   Papa   de   la   historia.   Pero,   con   el   paso   de   tiempo   amenazaba   ruina.   Durante  el  Renacimiento  varios  arquitectos  presentaron  diversos  proyectos  para  reconstruir  la  iglesia:  en  primer   lugar,  Bramante,  que  planteó  una  iglesia  de  planta  de  cruz  griega  inscrita  en  un  cuadrado  y  cubierta  por  cinco   cúpulas.  Pero  su  muerte  interrumpió  este  proyecto.  Intervinieron  después  Rafael  –que  prefería  una  planta  de   cruz  latina-­‐;  Sangallo;  y  Miguel  Ángel.                     Fuente  de  la  imagen:  Wikipedia.com    
  • 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 Miguel  Ángel  retomó  la  idea  de  Bramante  de  planta  de  cruz  griega  y  diseñó  la  gran  cúpula  concebida  sobre  el   altar  mayor  y  la  tumba  del  Apóstol  San  Pedro.  Proyectó  una  doble  cúpula  (una  interior  y  otra  exterior)  según  el   modelo  que  ya  había  realizado  Brunelleschi  en  Santa  María  de  las  Flores  en  Florencia  en  el  XV. También  tuvo  en   cuenta   la   cúpula   del   Panteón   de   Roma.   La   cúpula   de   Miguel   Ángel,   con   42   metros   de   diámetro   y   sobre   un   espectacular  tambor,  se  eleva  por  encima  de  las  colinas  de  la  urbe,  quedando  como  punto  de  referencia  para   toda   la   cristiandad.   Tiene   forma   ligeramente   apuntada.     Realmente   más   que   un   tambor,   hay   dos.   El   que   se   levanta  directamente  sobre  la  cúpula  está  decorado  con  columnas  pareadas  o  gemelas  entre  las  ventanas.  Sobre   los  ventanales   cuadrados  en  forma  de  pórtico  grecorromano  –igual  que  los  del  Partenón-­‐  alternan  frontones   triangulares   y   semicirculares.   Sobre   este   tambor,   se   alza   otro   con   decoraciones   de   guirnaldas.   Los   nervios   recorren  el  exterior  y  el  interior  de  la  cúpula.  Sobre  la  cúpula  se  eleva  una  linterna  abierta  a  la  luz,  también  entre   pares   de   columnas.   Todo   ello   dentro   ya   de   un   lenguaje   plenamente   manierista.   Esta   cúpula   se   terminó   de   construir  varios  años  después  de  la  muerte  de  Miguel  Angel.6  Desde  los  Jardines  Vaticanos  y  a  lo  lejos,  la  cúpula   miguelangelesca  es  la  cima  por  excelencia  de  todo  el  Cinquecento.     Por  último,  conviene  recordar  que  la  configuración  actual  de  la  Basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  es  posterior  a   Miguel  Ángel.  Fue  Carlo  Maderno  durante  el  Barroco  quien  realizaría  la  fachada,  la  planta  de  cruz  latina  etc.  Y   Bernini,  también  en  el  Barroco,  llevó  a  cabo  la  columnata  y  la  bellísima  plaza  de  San  Pedro.         Fuente  de  la  imagen:  Wikipedia.com;  fuente  de  la  imagen  de  la  derecha:  https://www.slideshare.net/Meibel/cinquecento-­‐arquitectura     Aunque   la   Cúpula   de   San   Pedro   del   Vaticano   es   su   obra   más   relevante   en   arquitectura,   también   realizó   la   Biblioteca   Laurenciana   de   Florencia   para   guardar   la   maravillosa   colección   de   códices   de   los   Medici.     Diseñó   incluso  los  pupitres  de  lectura.  Creó  un  vestíbulo  de  acceso  espectacular  con  una  majestuosa  escalera.   Y  diseñó  como  urbanista  la  plaza  del  Campidoglio  (Capitolio)  de  Roma,  donde  se  encontraba  la  estatua  ecuestre   del  emperador  Marco  Aurelio.  La  que  hay  hoy  en  día  es  una  copia,  ya  que  la  original  está  dentro  de  los  Museos   Capitolinos  en  la  misma  plaza.  Creó  un  espacio  trapezoidal  con  una  gran  escalinata  de  acceso.  Diseñó  también  la   trama  del  embaldosado  y  los  pórticos  laterales  realizados  con  orden  gigante.  Genera  un  juego  de  perspectivas  de   gran  belleza.       6  Los  arquitectos  que  terminaron  la  cúpula  diseñada  por  Miguel  Angel  fueron  Doménico  Fontana  y  Giacomo  della  Porta.  Giacomo  della  Porta  otorgó  a  la   cúpula  un  perfil  más  agudo  que  el  planteado    inicialmente  por  Miguel  Angel.