1.
1
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
2.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(II):
EL
ROMANTICISMO
TARDÍO.
1850-­‐1900

2.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
TEMA
2.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(II):
EL
ROMANTICISMO
TARDÍO.
1850-­‐1900
1.El
contexto
histórico-­‐cultural
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX.
2.
La
arquitectura.
3.
La
escultura.
4.La
pintura.
5.
Los
diseños
textiles
de
Mariano
Fortuny
6.
El
movimiento
esteticista
Arts
&
Crafts
y
la
pintura
prerrafaelita.
7.
La
fotografía
y
los
orígenes
del
cine.
8.
Música,
danza
y
zarzuela.
Este
tema
está
dedicado
a
una
selección
de
artistas
y
tendencias
estéticas
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
siguiendo
las
pautas
que
nos
da
el
currículo
a
través
de
los
criterios
de
evaluación
y
los
estándares.
De
ahí
que
podamos
considerar
que
son
todos
los
que
están
pero
no
están
todos
los
que
son1
.
1.EL
CONTEXTO
HISTÓRICO-­‐CULTURAL
DE
LA
SEGUNDA
MITAD
DEL
SIGLO
XIX
En
esa
etapa,
podemos
destacar
como
hechos
históricos
relevantes,
entre
otros
muchos:
*La
Revolución
Industrial.
Comenzada
en
Gran
Bretaña
en
el
siglo
XVIII,
se
extiende
por
Europa
a
lo
largo
del
siglo
XIX
(Alemania,
Francia…).
Ligada
a
ella,
surge
una
nueva
clase
social,
el
proletariado
y
el
consiguiente
auge
de
los
movimientos
obreros.
*La
colonización
de
África
llevada
a
cabo
por
parte
de
las
potencias
europeas.
Se
basaba
en
la
búsqueda
de
materias
primas
(productos
agrícolas,
mineros)
y
mercados
ligados
a
la
Revolución
Industrial.
Fue
una
carrera
por
el
dominio
de
África,
y
por
ende,
del
mundo.
Durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
el
imperialismo
colonial
británico
propició
que
Gran
Bretaña
pasara
a
ser
la
principal
potencia
hegemónica
del
mundo.
Con
la
Conferencia
de
Berlín
de
1884-­‐85,
los
países
europeos
se
repartieron
África.
*Durante
el
siglo
XIX
se
sucedieron
diversas
guerras
del
Opio
entre
el
imperio
chino
y
el
británico,
al
que
más
adelante
se
añadirían
el
imperio
ruso
y
el
Segundo
Imperio
francés.
Hay
que
señalar
que
el
opio
es
una
sustancia
altamente
adictiva
que
procede
de
la
planta
“adormidera”.
Cuando
se
mezcla
con
alcohol
(vino
blanco)
y
otras
sustancias
se
denomina
“laúdano”,
sustancia
que
causó
estragos
entre
los
adictos
del
siglo
XIX,
aunque
también
1
El
título
de
“Romanticismo
tardío”
relativo
a
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
no
refleja
en
su
totalidad
la
naturaleza
de
los
contenidos
de
este
tema
que
abarca
tendencias
estéticas
diferentes
no
necesariamente
ligadas
al
Romanticismo.
Pero
así
aparece
en
el
currículo
oficial
BOE
3
de
Enero
de
2015
y
no
pudo
ser
cambiado
en
su
adaptación
canaria
(Decreto
83/2016
de
4
de
julio).

3.
3
se
usaba
terapeúticamente.
La
primera
guerra
del
Opio
se
extendió
entre
1839-­‐42
y
la
segunda,
en
la
que
Francia
se
implicó
con
los
británicos,
estalló
entre
1856
y
se
extendió
hasta
1860.
El
motivo
de
estas
guerras
eran
los
intereses
comerciales
surgidos
por
el
contrabando
británico
de
opio
desde
la
India
británica
hacia
China.
China
fue
derrotada
en
las
dos
guerras
lo
que
provocó
que
el
gobierno
asiático
tolerara
el
comercio
del
opio.
Se
abrieron
más
puertos
chinos
al
comercio
exterior
–ya
que
en
un
principio
solo
se
podía
comerciar
con
Cantón-­‐
y
además
los
británicos
se
anexionaron
Hong
Kong
–hasta
el
año
1997-­‐.
*La
Guerra
de
Secesión
Americana
o
guerra
civil
americana
se
produjo
entre
1861
y
1865.
Los
dos
bandos
enfrentados
fueron
los
Estados
del
Norte
(la
Unión)
frente
a
los
recién
formados
Estados
Confederados
de
América
(once
estados
del
Sur
que
proclamaron
su
independencia).
El
fin
de
la
guerra
supuso
el
triunfo
del
Norte,
la
abolición
de
la
esclavitud
y
la
unificación
de
los
diferentes
estados
en
una
única
nación
indivisible.
Esta
terrible
contienda
junto
con
la
Segunda
Guerra
Mundial
fue
uno
de
los
más
cruentos
episodios
de
la
historia
de
Estados
Unidos.
*A
lo
largo
del
siglo
XIX
se
produjo
también
el
proceso
de
independencia
de
las
antiguas
colonias
españolas
en
América
que
culminaría
con
el
denominado
Desastre
o
Crisis
del
98.
Los
líderes
independentistas
americanos
en
su
mayoría
eran
descendientes
de
españoles
imbuidos
del
espíritu
ilustrado
y
revolucionario
imperante
en
la
época.
*Los
nacionalismos
italiano
y
germánico
tienen
como
base
la
llama
revolucionaria
que
alienta
el
Romanticismo
con
su
reivindicación
del
sentimiento
sobre
la
razón
y
la
valorización
del
folklore,
lengua,
cultura
y
rasgos
de
identidad
de
un
pueblo.
Es
por
aquel
entonces
cuando
a
través
del
Risorgimento,
Italia
en
18712
consigue
su
unificación
ya
que
estaba
dividida
en
diversos
estados,
en
su
mayor
parte
vinculados
a
dinastías
no
italianas
(Habsburgo,
Borbones).
Su
“himno”
fue
el
famosísimo
“Va
pensiero”
del
coro
de
esclavos
de
Nabucco
de
Verdi,
tal
y
como
vimos
en
el
tema
1.
En
el
caso
de
Alemania,
la
defensa
de
la
unidad
de
la
nación
alemana
comenzó
a
convertirse
en
una
importante
fuerza
política
a
raíz
de
la
invasión
de
sus
territorios
por
la
Francia
napoleónica.
La
unificación
de
Alemania
fue
un
proceso
histórico
que
tuvo
lugar
en
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
y
que
culminó
con
la
creación
del
Imperio
alemán
el
18
de
enero
de
1871
reuniendo
diversos
estados
hasta
entonces
independientes
(Prusia,
Baviera,
Sajonia,
etc.).
2
Sobre
la
reunificación
italiana
véase
http://bachiller.sabuco.com/historia/italia2.pdf

4.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
*Fascinados
por
Oriente3
.
Durante
el
siglo
XIX
la
influencia
del
arte
oriental,
concretamente
japonés,
alcanza
un
gran
auge4
.
Recordemos
que
a
partir
de
la
apertura
de
los
puertos
de
Japón
durante
la
década
de
1860,
el
japonismo
se
convirtió
en
uno
de
los
ingredientes
más
esenciales
de
la
modernidad
artística
europea
a
través
de
la
influencia
que
ejerció
en
los
temas,
motivos
ornamentales,
composiciones,
técnicas
a
caballo
entre
los
siglos
XIX
y
XX.
2.
LA
ARQUITECTURA
Revivals,
eclecticismos
e
historicismos
Como
ya
señalamos
en
el
tema
anterior,
durante
el
siglo
XIX,
la
arquitectura
ligada
al
Romanticismo
será
proclive
a
los
revivals
y
eclecticismos
de
todo
tipo.
El
colonialismo
imperante
en
la
época
favoreció
la
difusión,
especialmente
en
Inglaterra,
de
estilos
exóticos
como
el
Neoindio
y
el
Neochino.
Un
mismo
edificio,
así,
podía
ser
realizado
en
varios
estilos,
como
el
Pabellón
Real
de
Brighton
(Inglaterra,
1815)5
.
Esa
variedad
de
estilos
arquitectónicos
vigentes
en
el
siglo
XIX
se
une
a
las
nuevas
necesidades
arquitectónicas
de
la
sociedad
industrial
y
burguesa:
estaciones
de
ferrocarril,
mataderos,
escuelas,
mercados,
etc.
Muchos
arquitectos
recurren
en
su
obra
a
estilos
diferentes
según
la
función
de
los
edificios,
y,
de
acuerdo
con
el
eclecticismo
dominante,
los
mezclan
con
frecuencia.
En
el
siglo
XIX,
la
etapa
que
despierta
mayor
interés
es
la
Edad
Media,
que
por
primera
vez
es
valorada
como
algo
más
que
un
oscuro
paréntesis
entre
Roma
y
el
brillante
Renacimiento.
Las
construcciones
góticas
son
restauradas,
estudiadas
e
imitadas
en
toda
Europa.
Esta
vuelta
al
gótico,
que
es
denominada
el
“neogótico”,
tiene
distinta
importancia
y
significado
en
cada
país6
.
En
Inglaterra,
el
neogótico
era
considerado
como
el
estilo
auténticamente
religioso,
impregnado
de
virtudes
morales
y
sociales.
Los
románticos
alemanes
hallan
en
la
catedral
gótica
la
mejor
expresión
del
“espíritu
del
pueblo
alemán”.
En
Francia
destaca
Viollet-­‐le-­‐Duc7
restaurador,
arquitecto
y
escritor,
uno
de
los
ideólogos
fundamentales
del
Neogótico.
Creía
que
este
sistema
constructivo
era
el
más
racional
que
ha
existido
y
propone
recrearlo
añadiéndole
innovaciones
como
el
uso
del
hierro.
El
Neogótico
se
utilizó
sobre
todo
en
la
arquitectura
religiosa
y
política.
Dos
buenos
ejemplos
de
3
Véase
http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-­‐japonismo-­‐caixaforum-­‐madrid-­‐esp__816-­‐c-­‐18987__.html
4
Hay
que
recordar,
no
obstante,
que
generalmente,
esa
pasión
por
el
arte
oriental
no
hacía
distingos
entre
lo
japonés
y
lo
chino
que
se
solía
confundir.
5
Realizado
por
el
arquitecto
John
Nash
para
el
rey
Jorge
IV,
está
situado
cerca
de
la
playa
y
se
concibió
como
un
espacio
de
ocio,
impregnado
de
elementos
chinos,
islámicos
e
hindúes…
6
Junto
al
Neogótico
se
desarrollan
otros
muchos
estilos
que
responden
a
diferentes
tradiciones
y
razones:
así,
la
expedición
napoleónica
a
Egipto
favoreció
el
estilo
Neoegipcio,
que
incluía
pilonos
y
muros
en
talud.
7
Restauró
la
catedral
de
Notre-­‐Dame
de
Paris
y
la
ciudad
medieval
de
Carcassonne,
situada
en
el
sur
de
Francia.

5.
5
Parlamentos
neogóticos
son
el
de
Londres
(levantado
entre
los
años
1840-­‐60
por
Charles
Barry
y
Augustus
Pugin)
y
el
Parlamento
de
Budapest
(Hungría).
En
Canarias
también
se
expande
el
eclecticismo
y
los
revivals
de
distinos
estilos,
incluso
ya
a
inicios
del
siglo
XX,
como
el
neogótico
de
la
Basílica
de
Arucas
(Gran
Canaria).
El
Neoárabe
inspirado
en
la
Alhambra
de
Granada,
tuvo
especial
importancia
en
España,
con
variantes
locales
como
el
Neomudéjar8
(ejemplos
en
Madrid:
Plaza
de
toros
de
las
Ventas;
las
Escuelas
Aguirre
(actual
Casa
Árabe);
el
Matadero).
Recordemos
que
en
este
estilo,
de
clara
inspiración
islámica,
encontramos
arcos
de
herradura
y
la
utilización
del
ladrillo
como
elemento
ornamental.
En
España
el
estilo
neomudéjar
fue
reivindicado
como
un
arte
netamente
nacional,
por
ser
algo
peculiar
y
específico
de
nuestro
país.
En
definitiva,
y
por
lo
que
se
refiere
a
la
arquitectura
española
decimonónica,
encontramos,
como
en
el
resto
de
Europa
ejemplos
ligados
al
eclecticismo,
historicismo
y
revivals
como
el
neogótico,
neorrománico,
etc.
Por
lo
demás,
durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
se
construyen
relevantes
teatros
por
toda
España
de
influencia
italiana
o
francesa:
en
Murcia,
Bilbao,
Oviedo,
Cádiz,
Santa
Cruz
de
Tenerife,
Las
Palmas
de
Gran
Canaria
o
Madrid.
Las
Exposiciones
Universales
Durante
el
siglo
XIX
surgieron
las
EXPOSICIONES
UNIVERSALES,
que
tendrán
grandes
repercusiones
en
las
Bellas
Artes.
Eran
muestras
internacionales
donde
se
exponía
y
mostraban
los
avances
técnicos
y
materiales
ligados
a
la
revolución
industrial.
Se
convirtieron
en
acontecimientos
de
fuerte
calado
político,
económico
y
social.
Organizar
una
Exposición
Universal
era
todo
un
privilegio
que
otorgaba
prestigio
a
la
ciudad
que
lo
organizaba
así
como
una
fuente
de
modernización
económica
y
de
mejoras
de
las
infraestructuras
ciudadanas.
La
primera
exposición
universal
no
tuvo
lugar
en
Francia
–país
donde
era
tradición
llevar
a
cabo
exposiciones
nacionales-­‐
sino
en
Gran
Bretaña,
concretamente
en
1851
en
Hyde
Park,
Londres.
Luego
seguirían
otras
en
París,
1867;
Viena,
1873;
Filadelfia,
1876;
París,
1878;
Melbourne,
1880
y
Barcelona
en
1888.
En
la
Exposición
Universal
de
1851
de
Londres,
Joseph
Paxton
construyó
un
edificio,
que
desgraciadamente
no
se
ha
conservado,
llamado
Crystal
Palace:
fue
la
primera
construcción
modular
realizada
enteramente
con
hierro
y
cristal,
inspirada
en
la
arquitectura
de
los
invernaderos.
Fue
el
asombro
de
todo
el
mundo
y
se
construyó
en
un
tiempo
record.
Tuvo
un
gran
éxito
y
se
convirtió
en
una
tipología
de
edificio
imitado
en
toda
Europa.
Este
edificio
8
En
estilo
Neomudéjar
se
construyeron
una
gran
variedad
de
tipologías
arquitectónicas
como
conventos,
hospitales,
orfelinatos,
etc.

6.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
fue
el
precursor
de
la
arquitectura
prefabricada,
y
con
él
se
demostró
la
posibilidad
de
construir
edificios
bellos
en
hierro.
Y
es
que
la
ventaja
de
este
material
era
evidente:
más
resistente
que
la
madera
y
prácticamente
indestructible,
el
hierro
permitía
concebir
enormes
estructuras,
impensables
con
los
materiales
tradicionales
(piedra
y
ladrillo).
En
España
hay
numerosos
ejemplos
de
la
arquitectura
de
hierro
y
cristal
en
estaciones
de
trenes
(Atocha),
mercados
(del
Puerto
y
Vegueta
de
Las
Palmas),
bibliotecas,
viaductos,
puentes,
salas
de
exposiciones,
palacios
invernaderos,
etc.
La
TORRE
EIFFEL,
apogeo
del
hierro,
símbolo
de
París
Los
edificios
de
hierro
más
impresionantes
del
siglo
se
construyeron
para
la
Exposición
Universal
de
París
de
1889:
su
ejemplo
más
emblemático
fue
la
célebre
TORRE
EIFFEL9
.
El
autor
de
esta
obra
fue
GUSTAVE
EIFFEL,
(1832-­‐1923)
un
ingeniero
francés
especialista
en
la
construcción
de
puentes,
viaductos
y
estaciones
de
ferrocarril.
Esta
torre
de
hierro
rodeada
de
aire
es
el
paradigma
del
triunfo
de
la
civilización
industrial,
del
progreso
y
la
tecnología
del
siglo
XIX.
Fue
elegida
entre
700
proyectos
y
se
tardó
en
construir
solo
dos
años
(1887-­‐89).
Surgió
como
puerta-­‐arco
de
entrada
a
esa
exposición,
una
feria
mundial
organizada
para
conmemorar
el
centenario
de
la
Revolución
Francesa.
En
principio
pensaron
que
la
tendrían
que
desmontar
pasados
20
años
pero
finalmente,
la
voluntad
popular
evitó
que
se
derribase.
Por
otro
lado,
Eiffel
quiso
darle
una
utilidad
científica
ya
que
pretendía
que
en
ella
se
realizaran
observaciones
meteorológicas
y
astronómicas,
estudios
sobre
el
viento,
que
sirviera
como
torre
de
comunicaciones,
etc.
Construir
esta
torre
suponía
hacer
frente
a
retos
importantes
(la
altura,
calcular
la
resistencia
del
viento,
etc.)
Es
pura
física
y
matemática.
Fue
el
primer
edificio
construido
únicamente
en
hierro
y
se
levantó
en
sólo
dos
años
porque
se
utilizaron
piezas
metálicas
prefabricadas.
Ha
sido
definida
como
“una
especie
de
tela
de
araña
transparente”.
La
torre
Eiffel
tiene
forma
de
pirámide
con
las
caras
cóncavas.
Consta
de
cuatro
patas
arqueadas
que
se
estrechan
hacia
dentro
formando
una
sola
columna.
Inicialmente
medía
300
metros
de
altura,
pero,
en
la
actualidad,
su
altura
es
de
320
metros
porque
sobre
ella
se
han
instalado
antenas
de
radio
y
televisión.
Esta
espectacular
torre
de
hierro
desnudo
transmite
una
sensación
de
transparencia
y
ligereza
a
sus
visitantes.
El
hierro
le
otorga
una
gran
resistencia.
Su
estructura
es
muy
estable
y
fuerte.
El
color
original
de
la
torre
fue
el
amarillo,
aunque
hoy
en
día
no
quede
nada
de
él.
Es
pura
estructura,
no
se
la
recubrió
con
ningún
material.
9
Consúltese
la
conferencia
del
ingeniero
Miguel
Aguiló
en
la
Fundación
March
sobre
“La
Torre
Eiffe,
apogeo
del
hierro,
símbolo
de
París”:
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100686&l=2

7.
7
Desde
un
primer
momento
fue
una
obra
muy
controvertida
que
provocó
un
gran
revuelo
entre
los
artistas
de
la
época.10
Proyectada
como
obra
efímera,
su
construcción
provocó
la
oposición
de
artistas
y
estetas
pero,
una
vez
terminada,
obtuvo
el
favor
del
público
y
se
constituyó
en
emblema
y
símbolo
de
París,
y
por
ende,
de
toda
Francia.
Hasta
1930
fue
la
edificación
más
alta
del
mundo.
Cada
siete
años
recibe
una
nueva
capa
de
pintura
que
mejora
su
aspecto
y
protege
su
estructura
de
la
corrosión.
Es
uno
de
los
edificios
que
cambiaron
el
mundo
y
además,
en
la
actualidad,
el
más
visitado.
Ha
sido
tema
de
inspiración
para
numerosos
artistas,
desde
pintores
como
el
Georges
Seurat
o
Robert
Delaunay
hasta
músicos,
poetas,
cineastas…
Otras
obras
de
su
variada
producción
fueron
la
estación
de
tren
de
Budapest
(Hungría),
la
estructura
de
la
Estatua
de
la
Libertad,
un
puente
en
Burdeos,
etc.
En
Barcelona
tuvo
lugar
en
1888
una
Exposición
Universal
que
fue
un
gran
éxito.
Supuso
la
modernización
y
embellecimiento
de
la
ciudad,
ligada
a
un
nuevo
estilo
que
será
definitorio
de
ella:
el
Modernismo.
Esta
exposición
fue
organizada
por
la
burguesía
catalana
y
contó
con
el
apoyo
tácito
de
la
monarquía.
En
ella
participaron
22
países.
3.
LA
ESCULTURA
En
la
escultura
entre
dos
siglos
XIX
y
XX,
encontramos
un
sinfín
de
magníficos
escultores.
Vamos
a
destacar
a
tres
de
ellos,
conforme
a
lo
que
marca
el
currículo:
Auguste
RODIN
El
parisino
AUGUSTE
RODIN
(1840-­‐1917)
fue,
con
toda
probabilidad,
el
gran
escultor
del
siglo
XIX.
Su
arte
rompió
todos
los
cánones
académicos.
Su
fama
fue
tal
que
desde
su
taller
llegó
a
convertir
el
arte
de
la
escultura
en
una
empresa
con
numerosos
empleados
para
abastecer
los
pedidos
que
le
llegaban
de
todas
partes
del
mundo.
Su
talento
creador
le
convirtió
en
una
especie
de
réplica
decimonónica
de
la
terribilitá
de
Miguel
Angel
a
quien
admiraba
profundamente
y
cuya
obra
conoció
en
un
viaje
a
Italia.
Rodin
poseyó
una
capacidad
extraordinaria
que
le
permitió
trabajar
todo
tipo
de
materiales,
técnicas
y
formatos.
Su
temática,
sumamente
variada,
abarca
desde
retratos,
desnudos
o
temas
eróticos
hasta
obras
que
enlazan
con
el
Simbolismo.
También
se
han
detectado
algunos
rasgos
en
producción
escultórica
que
lo
ligan
al
Impresionismo
por
su
acabado
rugoso
y
abocetado
y
la
preocupación
por
la
fugacidad
y
lo
efímero
de
buena
parte
de
sus
esculturas.
Aunque
sus
obras
sean
hoy
de
mármol
o
de
bronce
no
podemos
olvidar
que
Rodin
fue
sobre
todo
un
modelador.
Más
que
interesarle
la
perfección
formal
o
la
belleza
lo
que
pretendía
era
plasmar
la
vida,
es,
la
fuerza,
el
dinamismo,
la
acción.
10
El
14
de
febrero
de
1887
las
páginas
de
"Le
Temps"
publicaron
un
manifiesto
titulado
"Protesta
de
artistas",
en
el
que
se
rechazaba
su
proyecto
según
los
argumentos
siguientes:
"Escritores,
escultores,
pintores
y
amantes
apasionados
de
la
belleza
hasta
ahora
intacta
en
París,
venimos
a
protestar
con
todas
nuestras
fuerzas
y
con
toda
nuestra
indignación
en
nombre
del
gusto
francés
despreciado
y
en
el
nombre
del
arte
y
la
historia
francesa
amenazados,
en
contra
de
la
erección
en
pleno
corazón
de
nuestra
capital
de
la
inútil
y
monstruosa
torre
Eiffel.
¿Hasta
cuándo
la
ciudad de
París
se
asociará
a
las
barrocas
y
mercantiles
imaginaciones
de
un
constructor
de
máquinas
para
deshonrarse
y
afearse
inseparablemente?
Pues
la
torre
Eiffel,
que
ni
siquiera
la
comercial
América
querría,
es,
no
lo
dudéis,
la
deshonra
de
París.
Todos
lo
sienten,
todos
lo
dicen
y
todos
lo
lamentan
profundamente,
y
no
somos
más
que
un
débil
eco
de
la
opinión
universal,
tan
legítimamente
alarmada".

8.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
Uno
de
los
proyectos
inconclusos
y
más
importantes
de
Rodin
fue
la
realización
de
Las
Puertas
del
Infierno
(1880-­‐1917).
Fue
un
encargo
del
gobierno
francés.
Su
fuente
de
inspiración
fue
el
libro
La
Divina
Comedia
de
Dante.
Las
esculturas
de
El
Pensador
o
el
Beso
formaban
parte
de
este
proyecto.
Aunque
se
conoce
popularmente
como
El
Pensador,
el
escultor
pensó
que
se
llamaría
El
Poeta
y
que
fuera
identificado
con
Dante.
Es
además,
el
posible
alter
ego
del
autor.
La
actitud
de
preocupación
del
Pensador
se
debe
a
que
está
afectado
por
lo
que
está
viendo
en
la
Puerta
del
Infierno:
frisos
con
figuras
pecadoras
bajo
él.
La
escultura
es
un
desnudo,
ya
que
Rodin
deseaba
una
figura
heroica
al
estilo
de
Miguel
Ángel
para
representar
tanto
el
pensar
como
la
poesía.
Existen
más
de
veinte
versiones
de
la
escultura
en
diferentes
museos
alrededor
del
mundo.
Algunas
son
versiones
ampliadas
del
original;
otras,
de
diferentes
proporciones.
El
Pensador
está
fundido
en
bronce
y
fue
terminado
en
1880.
Está
considerada
una
de
las
obras
maestras
del
escultor.
Auguste
Rodin
representa
un
punto
de
inflexión
en
la
historia
de
la
escultura.
Influirá
de
forma
determinante
en
la
escultura
finisicular
del
XIX
y
en
la
del
siglo
XX.
Camille
CLAUDEL
Merece
una
mención
especial
el
caso
de
la
discípula
de
Rodin,
la
francesa
Camille
Claudel
(1864-­‐1943).
Claudel
es
una
de
las
pocas
mujeres
escultoras
destacadas
de
la
historia,
olvidada
injustamente
hasta
fechas
muy
recientes.
Camille
Claudel
fue
hermana
del
escritor
y
diplomático
Paul
Claudel.
Desde
pequeña
sintió
pasión
por
el
arte
y
la
escultura.
Auguste
Rodin
se
convirtió
en
su
maestro
y
ella,
en
su
musa.
Se
influyeron,
desde
el
punto
de
vista
artístico,
mutuamente.
Su
carrera
fue
meteórica,
aunque
sufría
de
manía
persecutoria
y
destruyó
buena
parte
de
sus
esculturas.
Afortunadamente,
quedan
un
centenar
de
piezas
de
su
producción,
algunas
conservadas

9.
9
en
el
Museo
Rodin.
Pasó
los
treinta
últimos
años
de
su
vida
en
el
manicomio
de
Montdevergeus
(Vauclause,
Francia)
donde
murió
de
indigencia
y
casi
en
el
anonimato.
Los
temas
más
habituales
de
sus
obras
son
los
retratos
y
las
escenas
amorosas
llenas
de
un
dramatismo
que
podríamos
tildar
de
romántico.
Y
es
que
no
olvidemos
que
Camille
Claudel
mantuvo
durante
años
una
tortuosa
relación
sentimental
con
Rodin,
que
finalmente
terminó
en
ruptura.
Técnica
y
estilísticamente
hay
una
total
similitud
entre
su
obra
y
la
de
su
maestro
Rodin.
Su
escultura
La
edad
madura
(1899)
es
una
doble
analogía:
el
paso
del
tiempo
y
el
fin
de
su
pasión.
Impresiona
por
la
conexión
entre
su
vida
y
su
producción
artística
ya
que
en
esta
obra
muestra
a
un
hombre
envejecido
–Rodin-­‐
que
se
debate
entre
el
amor
de
una
mujer
madura
–la
compañera
y
finalmente
esposa
de
Rodin
llamada
Rose
Beuret-­‐
y
una
joven
que
le
suplica
su
amor:
la
propia
Camille
Claudel.
Mariano
BENLLIURE,
el
“Rodin”
español
Mariano
Benlliure11
nació
el
8
de
septiembre
de
1862
en
Valencia,
en
el
seno
de
una
familia
humilde
muy
vinculada
al
mundo
del
arte.
De
hecho
su
padre
fue
artista
decorador
y
sus
tres
hermanos
mayores
fueron
pintores
de
cierto
prestigio.
De
su
padre
heredó
la
pasión
por
el
trabajo
bien
hecho
que
le
acompañó
toda
su
vida.
Dotado
de
un
innegable
talento,
su
pasión
por
la
escultura
se
despertó
muy
pronto,
ya
con
seis
años
expuso
su
primera
obra.
11
Sobre
Benlliure
véase
el
espléndido
video
“Mariano
Benlliure,
el
dominio
de
la
materia”
en https://www.youtube.com/watch?v=E1ERkXy1I6Y

10.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
Fue
autodidacta
y
no
asistió
a
ninguna
academia
ni
escuela
artística,
aunque
sí
trabajó
en
varios
talleres
donde
aprendió
todas
las
técnicas
(mármoles,
madera,
marfil,
metales).
Dominaba
especialmente
la
técnica
de
la
cera
perdida.
Fue
también
acuarelista.
En
1881
viajó
a
Roma,
donde
residió
y
tuvo
su
estudio
durante
casi
dos
décadas.
En
su
producción
escultórica
es
evidente
la
influencia
de
Miguel
Ángel.
Consideraba
que
el
dibujo
era
esencial
en
un
escultor,
paso
previo
indispensable
a
la
elaboración
de
una
escultura.
Tenía
una
extraordinaria
habilidad
para
modelar.
Realizó
una
gran
cantidad
de
retratos
al
natural.
Son
espectaculares
por
ejemplo,
los
que
hizo
del
pintor
valenciano
Sorolla
o
el
de
la
bailarina
francesa
Cléo
de
Mérode.
Abundan
en
su
producción
los
monumentos
a
figuras
históricas
como
el
rey
Alfonso
XII
(en
el
Parque
del
Retiro
de
Madrid)
y
el
mausoleo
dedicado
al
tenor
navarro
Julián
Gayarre
en
el
cementerio
del
Valle
del
Roncal
de
Navarra.
Una
de
sus
esculturas
más
espectaculares
es
la
chimenea
monumental
de
tres
metros,
realizada
en
bronce
e
inspirada
en
el
Infierno
de
Dante,
que
expuso
en
la
Exposición
Universal
de
París
de
1900.
Con
esta
obra
obtuvo
el
gran
Premio
de
Escultura.
Muestra
30
desnudos
de
asombrosa
composición
que
nos
remiten
claramente
a
Rodin.
En
sus
últimos
años
su
delicada
salud
le
obligó
a
trabajar
con
colaboradores
en
su
taller.
4.LA
PINTURA
A
continuación,
en
este
apartado,
siguiendo
las
pautas
dadas
en
el
currículo,
que
establece
una
selección
de
autores
y
tendencias
estéticas
de
la
pintura
del
siglo
XIX,
aludiremos
sintéticamente
a
la
pintura
academicista
francesa,
denominada
pompier;
a
una
saga
de
pintores
españoles
del
siglo
XIX,
los
Madrazo;
al
retrato
aristocrático
de
Winterhalter
y
a
algunos
ejemplos
de
pintores
de
historia
de
aquella
época
en
la
España
decimonónica.
La
pintura
POMPIER
francesa
Denominamos
como
pintura
pompier
al
arte
academicista
durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX.
Pompier
quiere
decir
bombero
en
francés
y
alude
a
la
supuesta
omnipresencia
de
cascos
grecorromanos
de
estas
pinturas
que
se
asemejaban
a
los
de
los
bomberos
decimonónicos
en
Francia.
Este
arte
normativo
de
raíz
neoclásica
pretendía
basarse
en
el
ideal
de
la
cultura
grecorromana.
El
pintor
Jacques-­‐Louis
David
fue
el
modelo
a
seguir.
Los
pintores
pompier
dibujaban
maravillosamente
pues
dominaban
la
técnica
que
aprendían
en
las
escuelas
de
arte
donde
imperaba
el
ideal
académico.
Recordemos
que
desde
el
siglo
XVII,
época
en
la
que
el
rey
Luis
XIV
creó

11.
11
bajo
sus
auspicios
la
Academia
de
Bellas
Artes,
el
canon
clásico
sería
el
imperante
durante
centurias,
de
hecho,
se
se
mantendría
hasta
bien
entrado
el
siglo
XIX.
Los
pintores
academicistas
exponían
su
obra
en
la
institución
pública
llamada
Salón.
En
1863
surgió
en
París
el
Salon
des
Refusés
(o
Rechazados)
para
acoger
a
los
pintores
cuyo
ideal
artístico
poco
tenía
que
ver
con
el
academicismo
vigente
y
habían
sido
rechazados
en
el
Salón
oficial.
Los
temas
que
predominaban
en
este
tipo
de
pintura
academicista
eran
de
tipo
histórico,
bíblico,
mitológico
o
literario.
Les
fascinaba
el
estudio
anatómico
del
cuerpo
desnudo,
siempre
que
estuviese
justificado
por
necesidades
narrativas,
de
lo
contrario,
habría
sido
considerado
una
indecencia.
No
les
gustaba
representar
temas
realistas
ni
escenas
costumbristas,
cotidianas
o
coetáneas
a
su
época.

12.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
También
fue
frecuente
la
afición
por
los
motivos
orientalistas
que
se
percibe
en
la
presencia
de
odaliscas,
serrallos12
,
arquitecturas
neoárabes…
La
fascinación
por
Oriente
aparece
en
toda
la
pintura
europea
de
la
época.
Son
pintores
representativos
de
la
pintura
pompier
Alexandre
Cabanel,
Bouguereau,
Cormon,
Gêrome,
etc.
La
pintura
española
del
siglo
XIX:
los
MADRAZO,
una
dinastía
de
pintores
José
de
MADRAZO
(1781-­‐1859)
Durante
el
siglo
XIX
y
en
algún
caso,
parte
del
XX,
descuella
en
el
panorama
artístico
español,
una
familia
de
grandes
pintores,
los
Madrazo..
José
de
MADRAZO
es
el
iniciador
de
esta
relevante
saga.
Fue
un
afamado
pintor
neoclásico
que
tuvo
la
fortuna
de
estudiar
en
París
en
el
taller
de
David
y
además
coloboró
con
Ingres
en
Roma,
del
cual
aprendió
la
pureza
de
líneas
y
luminosidad
que
caracterizaron
su
obra.
De
sus
cuadros
el
más
conocido
es
de
temática
histórica,
la
Muerte
de
Viriato,
que
se
conserva
en
el
Museo
del
Prado
de
Madrid.
Fundó
el
Real
Establecimiento
Litográfico,
con
el
cual
pretendía
difundir
la
nueva
técnica
en
España.
Federico
MADRAZO
KÜNTZ
(1815-­‐1894)
Hijo
de
José
de
Madrazo,
fue
el
más
prominente
pintor
de
la
aristocracia
madrileña
coincidiendo
con
el
auge
del
Romanticismo.
Dirigió
durante
varias
décadas
el
Museo
del
Prado,
hasta
su
muerte,
y
organizó
las
colecciones
de
tal
forma
que
resultaran
atractivas
y
didácticas,
organizándolas
en
Escuelas.
Sacó
a
la
luz
algunas
piezas
que,
como
el
Tesoro
del
Delfín,
no
habían
sido
convenientemente
valoradas
hasta
el
momento.
Sus
amistades
se
contaban
entre
los
más
selectos
círculos
y
de
ellas
provienen
algunos
retratos
absolutamente
deliciosos,
como
el
de
la
Condesa
de
Vilches,
organizadora
de
una
de
las
tertulias
que
el
pintor
frecuentaba.
Además,
fue
pintor
de
cámara
del
rey
y
también
dirigió
la
Real
Academia
de
Bellas
Artes
de
San
Fernando.
12
Harén.

13.
13
RAIMUNDO
DE
MADRAZO
(1841-­‐1920)
El
más
joven
de
la
dinastía
de
los
Madrazo
investigó
las
novedades
de
los
impresionistas
franceses,
que
adaptó
personalmente
a
sus
propios
cuadros,
como
en
el
retrato
de
su
modelo
Aline
Masson.
Fue
también
crítico
del
arte,
coleccionista
y
fotógrafo.
Viajó
por
toda
España,
documentándose
sobre
el
arte
español
a
lo
largo
de
su
historia.
Se
interesó
en
especial
por
la
etapa
andalusí,
rescatando
de
la
destrucción
diferentes
obras,
que
pasaron
a
su
colección
personal.
De
su
afición
a
la
fotografía
se
le
deben
documentos
gráficos
de
monumentos
en
estado
ruinoso
o
que
se
perdieron
antes
de
ser
restaurados
en
época
contemporánea.
Mariano
FORTUNY
Y
MARSAL
(1838-­‐64)
Ligado
a
la
dinastía
de
los
Madrazo,
Mariano
Fortuny
y
Marsal
fue
un
pintor
catalán
nacido
en
Reus
dotado
de
un
gran
talento
para
los
retratos
y
las
pinturas
de
inspiración
romántica
(Orientalismo,
Historia,
etc.)
Vivió
en
Roma
y
alcanzó
el
reconocimiento
internacional
pero
murió
con
tan
solo
36
años.
Su
pintura
pastosa
y
matérica
que
nos
recuerda
al
Rococó,
y
que
guarda
concomitancias
con
el
francés
Meissonier13
,
muestra
también
influencias
de
Ribera,
Velázquez
o
Goya,
anticipa
con
su
pincelada
abocetada
al
Impresionismo.
13
Meissonier
y
Madrazo
realizaron
un
tipo
de
pintura
que
fue
denominada
“de
casacones”
porque
son
obras
de
pequeño
formato,
técnica
virtuosa
y
detallista,
y
escenas
llenas
de
personajes
vestidos
con
casacas.
Se
caracterizan
por
la
técnica
perfecta,
pero
muy
relamida,
preciosista
y
de
extraordinario
refinamiento.

14.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
14
Casado
con
Cecilia
Madrazo,
hija
del
pintor
Federico
de
Madrazo,
fue
padre
del
artista
total,
Mariano
Fortuny
y
Madrazo.
El
retrato
aristocrático
europeo:
FRANZ
XAVER
WINTERHALTER
(1805-­‐1873)
Franz
Xaver
Winterhalter
fue
un
exitoso
pintor
y
grabador
alemán
que
triunfó
durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
como
retratista
de
la
realeza
y
la
aristocracia
europea.
En
sus
obras
muestra
con
todo
detalle
y
un
dominio
de
la
técnica
espectacular,
la
indumentaria
y
las
diferentes
texturas
de
telas
y
joyas.
Con
frecuencia
rememora
en
sus
simbólicas
obras
a
los
retratos
de
aparato
de
épocas
pasadas
(renacimiento
y
barroco),
y
siempre
mostrando
una
visión
idealizada
y
favorecedora
a
mayor
gloria
de
la
figura
representada,
especialmente
las
femeninas.
Ejemplos
de
pintura
de
HISTORIA
en
ESPAÑA14
:
Eduadrdo
ROSALES,
Francisco
PRADILLA,
Alejandro
FERRANT
Durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX,
la
pintura
de
temática
histórica
en
España
vivió
su
momento
de
máximo
esplendor.
Fue
consecuencia
del
historicismo
imperante
en
ese
periodo,
sustentado
por
los
medios
oficiales
a
través
del
aliciente
de
los
premios
en
las
Exposiciones
Nacionales.
Toda
una
pléyade
de
artistas,
se
afanaban
por
mostrar
en
cuadros
de
gran
formato,
y
claramente
academicistas,
hechos
relevantes
de
nuestra
historia,
desde
la
época
de
los
romanos,
hasta
la
ominipresente
época
medieval
e
incluso
la
contemporánea.
Son
obras
que
acentúan
el
acento
épico
y
el
sentimentalismo
popular.
Muchas
de
estas
pinturas
se
conservan
en
nuestros
museos,
especialmente
en
el
Museo
del
Prado
y
en
instituciones
políticas
como
el
Palacio
del
Senado.
Rosales,
Pradilla,
Ferrant,
Casado
del
Alisal,
Gisbert,
Palmaroli,
Pinazo,
entre
son
autores
representativos
de
este
género
pictórico.
14
Véase
https://www.museodelprado.es/aprende/biblioteca/biblioteca-­‐digital/fondo/la-­‐pintura-­‐de-­‐historia-­‐del-­‐siglo-­‐xix-­‐en-­‐espaa/22fa60d4-­‐d329-­‐4053-­‐bb1c-­‐
65b2da1d83b4

15.
15
EDUARDO
ROSALES
(1836-­‐1873)
Eduardo
Rosales
es
uno
de
los
más
grandes
nombres
del
arte
español
de
todo
el
siglo
XIX
y
el
máximo
representante
de
la
pintura
de
historia
en
España.
Alcanzó
el
reconocimiento
y
la
fama
en
los
círculos
artísticos
oficiales,
influyendo
en
los
artistas
de
su
generación.
Se
formó
en
la
Academia
de
Bellas
Artes
de
San
Fernando
y
también
marchó
a
Italia
donde
desarrolló
gran
parte
de
su
carrera
artística.
Su
corta
vida
estuvo
por
la
enfermedad,
que
supo
convertir
en
aliciente
existencial
y
creativo.
Su
lenguaje
es
plenamente
romántico,
lleno
de
lirismo
épico.
Recibió
también
numerosos
encargos
de
retratos
y
le
interesó
la
pintura
de
paisaje.
Entre
sus
pinturas
de
historia
más
destacadas
destacan
el
testamento
de
Isabel
la
Católica
y
la
muerte
de
Lucrecia,
esta
última,
su
obra
preferida
y
de
desconcertante
modernidad.
FRANCISCO
PRADILLA
(1848-­‐1921)
Francisco
Pradilla
fue
un
pintor
aragonés
que
se
formó
en
Madrid
y
en
Roma.
En
esta
ciudad,
emulando
a
su
admirado
Fortuny,
abrió
un
estudio
al
que
acudían
los
más
importantes
coleccionistas
y
marchantes
de
Europa.
Fue
director
del
Museo
del
Prado.
En
su
magnífico
palacio-­‐estudio
madrileño
recibía
a
numerosos
amigos
como
el
escritor
Pérez
Galdós,
o
el
mismísimo
rey,
que
solía
visitarlo
con
frecuencia.
Su
técnica
no
es
tan
dibujística
como
la
de
Rosales,
siendo
la
composición
más
suelta
y
pastosa,
con
preocupación
por
lo
atmosférico
y
espacial.
Entre
sus
obras
descuella
Doña
Juana
la
Loca
y
La
rendición
de
Granada.
ALEJANDRO
FERRANT
(1843-­‐1917)
Cultivó
temas
de
historia,
religiosos,
paisajes,
retratos
y
pintura
decorativa.
Se
formó
en
la
Academia
de
Bellas
Artes
de
San
Fernando
de
Madrid
junto
a
su
tío
Luis
Ferrant,
artista
y
académico
de
dicha
institución
y
fue
protegido
y
pensionado
por
el
infante
don
Sebastián.
En
1874
se
trasladó
a
Roma
para
ampliar
sus
estudios
gracias
a
una
pensión
que
le
fue
concedida
por
el
Gobierno
español.
Dominó
el
dibujo
y
las
distintas
técnicas
pictóricas:
fresco,
óleo
y
acuarela.
Sus
obras
se
caracterizan
por
un
colorido
sobrio
y
elegante,
que
en
el
caso
de
los
retratos
entronca
con
la
tradición
barroca
por
la
utilización
de
gamas
pardas.
Su
técnica
se
basa
en
el
predominio
de
la
mancha
sobre
el
dibujo,
utilizando
una
pincelada
suelta.

16.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
16
5.
LOS
DISEÑOS
TEXTILES
DE
MARIANO
FORTUNY
Y
MADRAZO15
Perteneciente
a
una
influyente
dinastía
de
artistas
españoles
–su
padre
era
el
gran
pintor
Mariano
Fortuny
y
Marsal
y
su
madre
Cecilia
de
Madrazo-­‐
Mariano
FORTUNY
Y
MADRAZO
(1871-­‐
1949),
el
“mago
de
Venecia”16
,
es
un
caso
singular
en
el
panorama
del
arte
español
y
europeo.
Verdadero
humanista,
fue
un
hombre
polifacético
con
intereses
muy
variados:
las
artes,
las
ciencias,
el
teatro
y
la
ópera.
Su
producción
artística
fue
amplísima
y
abarca
pintura,
grabado,
escenografía,
fotografía,
diseños
textiles
y
de
moda
así
como
diversos
inventos
que
patentó
(tintes,
colores,
diseños,
iluminación…)
Nacido
en
Granada,
hecho
que
le
marcará
de
por
vida,
dada
su
pasión
por
el
arte
andalusí,
siempre
se
sintió
español
por
más
que
viviera
buena
parte
de
su
vida
en
Venecia.
Los
italianos
le
consideran
un
artista
veneciano.
Refinado
y
erudito
–el
esteticismo
impregnaba
su
vida-­‐
aprendió
a
pintar
en
París
con
su
tío
Raimundo
de
Madrazo.
Curiosamente
como
pintor
no
fue
muy
vanguardista,
al
revés
de
su
labor
como
diseñador
e
inventor.
En
1889
se
estableció
con
su
madre
y
su
hermana
en
Venecia,
ciudad
cargada
de
orientalismo.
Desde
1899
vivirá
en
el
palacio
Orfei,
lugar
en
el
que
desarrollaría
su
variada
actividad
profesional
y
actual
sede
de
la
fascinante
casa-­‐
museo
que
lleva
su
nombre.
Este
artista-­‐artesano17
,
eslabón
entre
los
siglos,
el
XIX
y
el
XX,
innovó
muchísimo
en
la
obtención
de
colores
para
sus
pinturas
y
en
el
tintado
de
las
telas
que
diseñaba,
siguiendo
secretos
procedimientos
de
fabricación
extraidos
de
antiguos
recetarios.
En
toda
su
ecléctica
e
historicista
producción
artística
se
observa
la
influencia
del
arte
del
pasado:
hispanomusulmán,
renacentista,
barroco,
persa,
turco
etc.
Creó
geniales
métodos
para
la
estampación
de
terciopelos,
sedas
y
algodones.
Intentaba
reinterpretar
ricos
tejidos
y
vestidos
de
otras
épocas
de
una
manera
absolutamente
nueva
y
original.
Sus
creaciones
son
de
gran
belleza
y
elegancia,
fruto
de
muchas
horas
de
trabajo,
ingenio,
talento
y
conocimiento
profundo
de
la
historia
y
los
materiales.
La
afición
de
Fortuny
por
el
diseño
textil
fue
fruto
de
la
apreciación
y
estudio
por
las
telas
antiguas
que
su
familia
poseía,
fruto
del
afán
coleccionista
de
su
padre
y
que
su
madre
atesoraba
como
oro
en
paño.
Para
Fortuny
cada
uno
de
sus
diseños
era
único
e
irrepetible18
.
15
Sobre
los
diseños
textiles
de
Mariano
Fortuny
y
Madrazo,
véase
el
espléndido
análisis
realizado
por
María
del
Mar
Nicolás
Martínez
para
el
Museo
del
Traje
de
Madrid
http://museodeltraje.mcu.es/popups/publicaciones-­‐electronicas/2007-­‐indumenta0/Indumenta00-­‐12-­‐MNM.pdf
16
“Fortuny,
el
mago
de
Venecia”
fue
el
título
de
una
exposición
que
tuvo
lugar
en
Barcelona
en
el
año
2010.
17
Se
puede
consultar
sobre
Fortuny,
la
excelente
web
http://fortuny.com/history/
y
el
programa
de
RTVE
“Fortuny
y
la
lámpara
maravillosa”.
18
Sus
telas
las
confeccionaba
en
su
taller
situado
en
el
Palacio
Orfei
de
Venecia.
Al
fallecer
Fortuny
en
1949,
su
esposa
Henriette
se
hizo
cargo
del
negocio
con
la
marca
Tessuti
Artistici
Fortuny.
En
1921
creó
una
fábrica
en
la
Giudecca,
un
barrio
de
Venecia
para
producir
sus
diseños
a
gran
escala.

17.
17
Contó
con
una
colaboradora
excepcional:
su
esposa
y
musa
la
francesa
Henriette
Nigrin,
que
trabajó
mano
a
mano
con
él
en
Venecia
en
la
producción,
y
comercialización
de
sus
diseños
y
que
a
la
muerte
del
artista
luchó
por
mantener
su
legado.
En
Fortuny
siempre
hay
una
ligazón
entre
sus
diseños
y
el
arte
de
distintas
épocas
y
estilos19
.
De
ahí
que
no
nos
sorprende
que
buscara
la
inspiración
en
el
arte
griego
para
la
realización
de
sus
diseños
de
moda.
Así
creó
el
velo
en
satén
o
gasa
de
seda
llamado
Knossos
cuyos
motivos
ornamentales
–rosetas,
flores
de
papiro,
bandas
de
grezas,
líneas
en
zigzag-­‐
se
inspiran
en
la
cerámica
cretense
(Camares)20
.
Para
este
velo
creó
una
etiqueta
inspirada
en
un
graffiti
pompeyano.
Su
vestido
Delphos,
verdadero
icono
de
la
moda
de
vanguardia
del
siglo
XX,
nos
remite
al
Auriga
de
Delfos21
de
la
estatuaria
de
la
antigua
Grecia.
Este
vestido
es
una
túnica
de
satén
de
seda
densamente
plisada.
Lo
patentó
en
1909.
Fue
un
rotundo
éxito
entre
las
socialités
de
la
época
siendo
fuente
de
inspiración
para
muchos
diseñadores.
Este
vestido
revolucionario
no
admitía
ropa
interior.
Debía
ser
llevado
como
una
segunda
piel,
liberando
al
cuerpo
de
los
opresivos
corsés,
por
aquel
entonces
tan
en
voga.
A
Fortuny
le
apasionaba
el
teatro
y
la
ópera
–especialmente
Wagner-­‐
y
creó
numerosas
escenografías
–como
para
el
Tristán
e
Isolda
estrenado
en
la
Scala
de
Milán
en
el
año
1900.
Su
extraordinaria
pasión
por
la
luz,
le
impulsaría
a
estudiar
luminotecnia,
inventando
un
procedimiento
de
iluminación
escénica
por
luz
indirecta
que
patentó
con
el
nombre
de
Sistema
Fortuny
3,
al
que
dos
años
más
tarde
añadió
un
aparato
escenográfico
–la
cúpula
Fortuny
4-­‐,
procedimiento
verdaderamente
revolucionario
para
la
escenografía
teatral
del
siglo
XX.
Esta
cúpula,
que
es
de
cuarto
de
esfera,
presentaba
un
complejo
entramado
metálico
y
proyectaba
luz
coloreada
a
través
de
una
serie
de
lámparas
adaptadas
a
tal
fin.
Así
conseguía
sugerentes
efectos
lumínicos.
Destacó
también
como
fotógrafo
y
sus
lámparas
en
metal
y
seda
para
salones
y
museos
son
considerados
hoy
obras
emblemáticas
del
diseño
del
siglo
XX.
6.
EL
MOVIMIENTO
ESTETICISTA
ARTS
&
CRAFTS
Y
LA
PINTURA
PRERRAFAELITA
El
impacto
de
la
revolución
industrial
en
el
diseño
fue
brutal.
El
diseño
industrial
propició
la
realización
de
objetos
nuevos,
prácticos
y
hechos
en
serie,
pero
en
general,
de
baja
calidad
estética22
.
Como
reacción,
desde
mediados
del
siglo
XIX,
y
aunque
soterradamente
al
principio,
surgieron
en
Europa
diferentes
movimientos
que
propugnaban
la
renovación
estética
y
la
revitalización
de
la
artesanía
reivindicando
así,
la
unión
entre
las
bellas
artes
y
las
artes
decorativas
o
industriales,
mal
llamadas
“menores”.
El
movimiento
esteticista
ARTS
&
CRAFTS
surgió
en
Inglaterra
en
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
impulsado
por
el
poeta,
reformar
social
y
pintor,
empresario
y
artista-­‐artesano
William
Morris.
Morris
fue
su
principal
ideólogo
aunque
no
el
único,
ya
que
contó
con
la
inestimable
colaboración
de
otros
artistas
e
intelectuales
como
John
Ruskin,
Edward
Burne-­‐Jones,
Philip
Webb,
y
ocasionalmente
Dante-­‐Gabriel
Rossetti.
Partiendo
de
las
teorías
de
Ruskin
y
de
su
interés
por
los
gremios
medievales,
Morris
rechaza
el
historicismo
imperante,
pero
paradójicamente
tomando
al
mismo
tiempo
como
modelo
a
la
Edad
Media,
la
época
en
que
las
obras
de
arte
“están
hechas
no
para
unos
pocos,
sino
para
el
pueblo”.
Lucharon
por
recuperar
los
métodos
tradicionales
de
fabricación
artesanal
en
clara
competencia
con
las
técnicas
de
producción
industrial
y
además
trataron
de
mejorar
las
condiciones
laborales
de
los
artistas
y
artesanos,
fomentando
la
colaboración
artística
19
Él
estaba
al
tanto
de
las
grandes
excavaciones
de
Arthur
Evans
en
Creta,
recibía
los
Boletines
Arqueológicos...
20
Por
aquellos
años
de
principios
del
siglo
XX,
se
estaban
descubriendo
en
las
excavaciones
arqueológicas
del
palacio
de
Knossos
el
arte
cretense,
que
Fortuny
conocía
a
raíz
de
un
viaje
efectuado
a
Grecia
en
compañía
de
Henriette
Nigrin.
21
Siglo
V
antes
de
Cristo.
22
Así
por
ejemplo
quedó
de
manifiesto
según
el
testimonio
de
muchos
visitantes
en
1851
en
la
exposición
del
Crystal
Palace
de
Londres.

18.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
18
entre
todos
los
trabajadores.
Se
nutrían
de
un
profundo
desagrado
para
el
moderno
capitalismo
industrial.
De
aquí
surge
una
idea
de
un
arte
socializado,
en
el
que
el
artesano
debe
conservar
su
individualismo
frente
a
la
masificación
de
la
producción
en
serie.
Así,
este
movimiento
tuvo
una
fuerte
carga
social,
incluso
política.
Reaccionaban
contra
la
pérdida
de
belleza
y
calidad
que
había
supuesto
la
influencia
de
la
industria
en
la
producción
de
objetos
artísticos.
Los
artistas
Arts
&
Crafts
se
instalaron
en
ambientes
rurales,
lejos
de
lugares
vinculados
a
la
revolución
industrial.
Realizaron
todo
tipo
de
piezas
de
artes
decorativas
desde
mobiliario
hasta
cerámica,
pasando
por
textiles,
papeles
pintados
o
vidrieras.
Cuidaban
mucho
el
diseño
y
la
ejecución
final.
Podemos
decir
que
con
este
movimiento
se
inicia
una
nueva
apreciación
de
las
artes
decorativas
por
toda
Europa.
Morris
era
un
socialista
utópica
que
deseaba
que
deseaba
transformar
la
sociedad
a
través
del
arte.
Quería
que
los
productos
Arts
&
Crafts
tuviesen
un
precio
asequible,
pero
el
empeño
que
puso
en
utilizar
la
técnica
y
estética
artesanales
hasta
sus
últimas
consecuencias
entraba
en
conflicto
con
la
necesidad
de
emplear
técnicas
de
fabricación
en
masa
que
redujeran
costes
y
ayudaran
a
eliminar
algunas
tareas
penosas.
Fue
un
dilema
que
nunca
fue
capaz
de
resolver
totalmente
y
que
continuó
atormentando
a
sus
seguidores.
Y
es
que
al
hacer
sus
diseños
artesanalmente
resultaron
ser
carísimas
y
por
tanto
solo
unos
privilegiados
las
podían
adquirir.
La
mayor
controversia
o
polémica
que
se
alzó
con
este
movimiento
–ya
que
nadie
jamás
ha
negado
su
valor
estético-­‐
fue
su
carácter
poco
práctico
en
el
mundo
moderno.
Algunos
progresistas
clamaban
que
este
corriente
cultural
quería
dar
marcha
tras
a
las
agujas
del
reloj.
Por
otro
lado,
un
crítico
de
arte
señaló
que
se
convirtió
en
“la
obra
de
unos
pocos
para
unos
pocos”.
Sea
como
fuere,
a
finales
del
siglo
XIX,
las
ideas
Arts
&
Crafts
se
difundieron
por
toda
Europa
y
Estados
Unidos.
El
escaso
éxito
económico
de
sus
diseñadores
no
fue
óbice
ni
cortapisa
para
que
inspiraran
a
miles
de
diseñadores,
arquitectos,
artesanos
y
estetas
de
todo
tipo
y
condición.
Empezando
por
el
propio
Oscar
Wilde
que
fue
uno
de
sus
principales
divulgadores.
Esta
aceptación
se
debe
también
a
que
sus
productos
se
anunciaban
en
un
número
creciente
de
publicaciones
de
gran
tirada
internacional
como
The
Craftsman,
Art
et
Décoration23
…
23
La
filosofía
del
movimiento
fue
durante
las
últimas
décadas
del
siglo
XIX
el
tema
de
numerosas
giras
internacionales
de
conferencias,
dirigidas
por
figuras
tan
preeminentes
como
Christopher
Dresser,
Oscar
Wilde
Walter
Crane
o
C.
R.
Ashbee.
Sus
planteamientos
fueron
transmitidos
a
través
de
viajes,
cursos
en
el
extranjero
y
también
gracias
a
planes
internacionales
de
intercambio
entre
diseñadores
y
artistas.
Un
número
cada
vez
mayor
de
estos
productos
llegaban
al
público
a
través
del
comercio
minorista,
como
por
ejemplo
la
londinense
fundada
en
1875
Liberty
(Arthur
Lasenby
Liberty).

19.
19
Por
último
pero
no
menos
importante,
sentaron
las
bases
de
las
futuras
Escuelas
de
Artes
y
Oficios
(actuales
Escuelas
de
Arte
y
Diseño).
La
HERMANDAD
PRERRAFAELITA24
–Pre-­‐Raphaelite
Brotherhood-­‐
fue
una
tendencia
esteticista
de
vanguardia
de
la
pintura
victoriana.
Fundada
en
1848
por
tres
de
sus
principales
representantes
–Millais,
Hunt
y
Rossetti-­‐
esta
corriente
estética,
que
anticipa
en
algunas
de
sus
características
al
Simbolismo,
propugnaba
la
oposición
al
conservadurismo
academicista
de
la
Royal
Academy
of
Arts,
reivindicando
un
arte
inspirado
en
la
naturaleza
y
en
la
los
pintores
italianos
–especialmente
florentinos
y
sieneses-­‐
anteriores
a
Rafael
(Filippino
Lippi,
Botticelli,
etc.). En
algún
caso,
manifiestan,
además
la
impronta
de
Miguel
Ángel,
bien
apreciable
en
Dante-­‐Gabriel
Rosseti
y
su
pintura
Ghirlandata
(postura
de
las
manos,
androginia).
Los
prerrafaelitas
fueron
una
asociación
de
pintores
con
lazos
fraternales
y
cierto
misticismo
similar
a
otros
grupos
como
“los
Nazarenos”
alemanes
que
se
establecieron
por
las
mismas
fechas
en
Roma.
Alcanzaron
el
favor
del
público
especialmente
desde
el
momento
en
el
que
contaron
con
el
apoyo
del
escritor
y
critico
de
arte
John
Ruskin.
Son
notas
distintivas
de
la
Hermandad
Prerrafaelita:
*Su
vinculación
al
Romanticismo.
Reivindican
“el
arte
por
el
arte”
–art
for
art´s
sake-­‐.
Los
prerrafaelitas
eran
estetas,
exquisitos
y
refinados.
Su
pintura
es
etérea
y
simbólica.
*La
inspiración
en
la
Edad
Media
aunque
también
les
fascina
el
clasicismo.
*Les
apasiona
la
temática
literaria
(cuentos,
leyendas,
poesía,
teatro)
y
en
menor
medida
la
histórica.
*Representan,
en
algún
caso,
de
forma
nada
convencional
el
ideal
de
belleza
masculino
y
el
femenino
(androginia).
*Valoran
el
sueño
y
son
frecuentes
las
referencias
a
la
muerte.
*Muestran
fidelidad
en
la
representación
de
la
naturaleza,
intentando
trasmitir
cada
detalle.
*Privilegian
los
colores
brillantes,
de
tonos
delicados,
en
representaciones
meticulosas.
*Combinan
lo
real
con
lo
imaginario.
*Algunos
de
estos
pintores
como
William
Morris
o
Burne
Jones
también
se
dedicaron
al
diseño
de
vidrieras,
tapices,
etc.
La
musa
y
modelo
del
grupo
fue
una
dependienta
de
una
sombrerería
llamada
Elizabeth
Siddal,
que
se
convirtió
en
esposa
de
Rossetti
pero
una
sobredosis
de
laúdano
(derivado
del
opio)
la
llevaría
a
una
temprana
muerte.
Es
la
Ofelia
que
pintó
maravillosamente
Millais.
24
Merece
destacarse
la
serie
de
la
BBC,
Desperate
romantics
(2009)
sobre
la
Hermandad
Prerrafaelita.

20.
Fundamentos
del
Arte
II
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
20
7.
LA
FOTOGRAFÍA
Y
LOS
ORÍGENES
DEL
CINE
Los
retratos
fotográficos
de
NADAR
Uno
de
los
fotógrafos
más
célebres
del
siglo
XIX
fue
el
francés
Garspard-­‐Felix
Tournachon,
más
conocido
por
su
seudónimo
NADAR25
(1820-­‐1910).
Fue
un
artista
multifacético:
fotógrafo,
ilustrador,
caricaturista,
escritor
y
también
piloto
de
globos
aerostáticos.
Dotado
de
una
personalidad
arrolladora,
con
gran
simpatía
natural
y
facilidad
para
las
relaciones
sociales
–aseguraba
contar
con
5000
amigos-­‐,
en
1853
abrió
un
estudio
fotográfico26
,
en
el
Boulevard
des
Capucins
de
París,
donde
expusieron
por
primera
vez
los
pintores
impresionistas
en
1874.
Nadar
se
especializó
en
retratos
fotográficos
de
la
vida
burguesa
y
su
contrapunto,
la
bohemia
parisina
(pintores,
literatos,
músicos…)
a
los
que
retrató
sin
descanso:
Julio
Verne27
,
Victor
Hugo,
Charles
Baudelaire,
Emile
Zola,
Giuseppe
Verdi,
Rossini,
Sarah
Bernhardt
etc.
Estos
icónicos
retratos
forman
parte
de
nuestro
imaginario
colectivo
de
la
cultura
de
la
época.
En
las
poses
y
gestos
se
inspira
en
la
pintura,
intentando
conseguir
la
máxima
calidad
de
imagen
y
la
captación
psicológica
del
personaje,
fundamentalmente
a
través
de
la
mirada.
La
luz
modela
la
imagen.
Huía
de
todo
tipo
de
atrezzo,
se
centra
en
la
figura
humana
nada
más.
Para
Nadar,
fotografíar
era
una
forma
de
pintar
con
luz.
Los
personajes
que
mejor
retrataba
según
él,
eran
los
que
mejor
conocía.
Nadar,
que
rechazaba
los
retoques
fotográficos
y
el
coloreado
de
imágenes,
fue
el
primero
en
utilizar
la
iluminación
artificial
en
las
fotografías
y
en
realizar
fotos
aéreas
desde
un
globo
aerostático
(1858).
Tuvo
hasta
50
ayudantes
en
su
estudio
y
realizó
más
de
40.000
fotografías
(algunas
de
ellas
eróticas).
Realizaba
“cartes
de
visite”
o
tarjetas
de
visita
fotográficas.
En
1886
hizo
un
fotoreportaje-­‐entrevista
al
científico
Chevreul.
Los
orígenes
del
CINE
El
cine
aparece
como
un
invento,
una
nueva
tecnología,
a
finales
del
siglo
XIX,
concretamente
en
189528
.
Culmina
así,
un
proceso
comenzado
con
la
fotografía,
el
mayor
invento
del
siglo
en
palabras
de
John
Ruskin.
Es
curioso
que
el
surgimiento
del
cine
sea
coetáneo
a
la
invención
de
la
radio
por
Marconi
y
al
momento
en
el
que
los
25
Con
18
años
adoptó
ese
seudónimo
con
el
que
ha
pasado
a
la
posteridad.
26
En
aquella
época
en
París
había
250
estudios
fotográficos
donde
se
realizaban
retratos.
27
Se
cree
que
la
novela
de
Julio
Verne
“Cinco
semanas
en
globo”
está
inspirada
en
Nadar.
28
Mi
fuente
de
documentación
sobre
el
lenguaje
cinematográfico
ha
sido
la
conferencia
de
Román
Gubern
“El
cine,
una
modalidad
de
comunicación
audiovisual”
que
tuvo
lugar
el
19/10/1982
en
la
Fundación
March
de
Madrid:
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=21396&l=1

21.
21
cómics
formalizan
sus
convenciones
lingüísticas,
aunque
la
narración
dibujada
era
anterior.
El
cine,
el
cómic
y
la
radio
van
a
ser
tres
pilares
fundamentales
en
la
configuración
de
la
cultura
de
masas.
A
diferencia
de
la
pintura
o
la
escultura,
cuyos
orígenes
se
encuentran
en
la
época
de
las
cavernas,
desde
su
nacimiento
ya
tiene
el
cine
una
densísima
herencia
cultural
a
cuestas.
Es
la
“precoz
vejez
del
cine”
a
la
que
aludía
Artaut.
El
cine
se
apropia
selectivamente
de
experencias
culturales
previas
que
le
preceden
en
el
tiempo,
fundamentalmente
de
tres
áreas
o
campos
que
el
cine
asimila
o
incorpora:
las
artes
plásticas
(pintura
y
fotografía),
las
artes
narrativas
(novela,
cuento,
teatro),
y
las
artes
del
espectáculo.
Del
campo
de
la
plástica
nos
tenemos
que
remontar
a
la
pintura
y
a
la
fotografía.
La
fotografía
es
una
herencia
de
la
pintura.
Con
el
cine
se
culmina
un
nuevo
estadio
de
la
historia
de
la
plástica.
De
la
pintura,
el
cine
hereda
el
marco
rectangular
del
encuadre,
la
perspectiva
lineal
del
Renacimiento
-­‐formato
típico
y
propio
de
la
cultura
occidental-­‐,
formato
de
los
libros
occidentales,
del
escenario
del
teatro…
Está
asociado
también
al
caballete.
También
heredera
de
la
pintura
y
la
fotografía
el
sistema
de
representación
en
perspectiva
albertiniana,
con
profundidad
y
varios
planos.
De
las
artes
narrativas
o
artes
del
tiempo,
el
cine
se
apropia
de
todos
los
fundamentos
de
la
narratividad.
El
armazón
temporal
nace
del
orden
y
sucesión
de
los
acontecimientos.
En
ocasiones
abundan
los
tiempos
elípticos,
que
se
sobreentienden.
El
cine
nace
como
espectáculo
de
masas
y
como
industria
cultural.
Necesita
grandes
públicos
para
poder
rentabilizar
el
alto
coste
de
su
producción.
Como
aseguraba
Jean
Jaurès
a
inicios
del
siglo
XX,
y
era
cierto
cuando
surgió
el
cine,
no
en
nuestra
época,
“el
cine
es
el
teatro
del
proletariado”.
El
público
con
el
cine,
pasa
a
ser
interclasista.
Las
salas
de
cine
se
fueron
convirtiendo
en
lugares
de
socialización,
templos
laicos
del
siglo
XX,
como
los
grandes
centros
comerciales.
El
cine
se
conviertió
en
el
gran
homogeneizador
del
gusto
colectivo,
cohesionando
culturalmente
a
la
sociedad.
Román
Gubern
ha
establecido
una
analogía
entre
el
cine
y
el
sueño.
En
el
cine
hay
una
intensa
participación
emocional.
Una
película
se
nos
impone
con
un
realismo
brutal,
una
impresión
de
realidad
que
nos
emociona,
nos
conmueve.
Nos
creemos
la
ficción
narrativa
que
nos
presenta
como
un
ventanal
abierto
a
una
realidad
que
está
ocurriendo.
La
proyección
de
la
película
va
precedida
de
un
oscurecimiento
de
la
sala,
como
cerrar
los
ojos
precede
al
sueño.
Como
los
sueños,
las
películas
pueden
ser
interpretadas
desde
muchos
puntos
de
vista,
lecturas
y
significados29
.
La
fabulación
que
“vivimos”,
tanto
en
el
sueño
como
en
el
cine,
es
independiente
de
nuestra
voluntad30
.
El
cine
es
un
generador
de
sueños
para
personas
despiertas.
Es
como
un
alucinación.
Es
una
variedad
de
forma
de
comunicación
alucinógena.
El
cine
puede
tener
una
función
escapista,
euforizante,
evasiva,
incluso
terapeútica
y
gozosa
que
nos
hace
felices,
al
menos,
durante
el
tiempo
que
dura
la
película.
La
invención
del
cine,
como
la
de
la
fotografía,
fue
fruto
de
toda
una
serie
de
descubrimientos
llevada
a
cabo
por
distintos
inventores.
Paulatinamente
se
fueron
creando
dispositivos31
que
intentaban
registrar
con
mayor
o
menor
éxito,
la
imagen
en
movimiento.
Este
proceso
culminó
con
la
invención
por
parte
de
los
hermanos
Lumière
del
cinematógrafo:
un
dispositivo
que
permitía
la
toma,
proyección
y
copiado
de
imágenes
en
movimiento
29
Hasta
King
Kong
fue
visto
como
una
metáfora
de
la
Depresión
económica
de
los
años
30
o
el
propio
Drácula,
como
un
depredador
sexual.
30
Ya
lo
decía
un
poeta
chino:
no
sé
si
soy
una
mariposa
que
sueña
que
es
un
hombre
o
soy
un
hombre
que
he
soñado
que
era
una
mariposa.
31
El
más
antiguo
fue
la
linterna
mágica
con
la
que
los
feriantes
asombraban
al
público
decimonónico.
De
ahí
surgieron
el
taumatropo,
fenaquistoscopio,
zootropo,
praxinoscopio…
eran
cilindros
con
series
de
figuras
que,
proyectas
en
una
superficie,
producían
la
sensación
de
movimiento
gracias
a
la
por
la
luz
situada
dentro
del
cilndro.
Sobre
estos
inventos,
véase
el
video
https://www.youtube.com/watch?v=uxXUcWWzP3U