1. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato
CARACTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN CRONOLÓGICA DE LA ESCULTURA ITALIANA DEL
RENACIMIENTO
1. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA ITALIANA DEL RENACIMIENTO
-La escultura renacentista surge, como la pintura y la escultura en Italia, en concreto en
Florencia. Allí encontraremos a los más importantes escultores y teóricos de la escultura. Y
también en Roma. La imitación de las formas clásicas comienza en la escultura
antes que en las otras artes…
-Podemos distinguir varias etapas:
• Quattrocento: formación, corresponde en Italia al siglo XV, aunque ya
fue iniciado en el XIV. En España y otros países europeos se reduce a los
primeros años del siglo XVI.
• Cinquecento: en esta etapa encontramos dos tendencias: la madurez
del Renacimiento, es el Renacimiento pleno (Clasicismo). Y el Manierismo
(crisis del modelo clásico).
-La escultura renacentista en Italia se base fundamentalmente en:
• El estudio e imitación de la Naturaleza, embelleciéndola si es necesario. Son obras
idealizadas, armoniosas, proporcionadas…
• La influencia de la escultura del mundo clásico (Grecia y Roma) (en temática, materiales,
ideal de belleza)
• No es una mera copia del mundo clásico.
-La escultura medieval solía tener una función de adoctrinar (docente-catequética), era muy
importante la temática, y a veces interesaba más el fondo que la forma. Por el contrario los
artistas del Renacimiento se buscan la perfección y la belleza y conceden menos importancia al
mensaje religioso, aunque pueda tenerlo. Las esculturas
renacentistas tienen un principio y un fin en si mismo, es el
arte por el arte, la búsqueda del placer estético.
-La temática de la escultura renacentista en Italia oscila entre
temas religiosos y profanos. Los temas religiosos
representan a santos, figuras sagradas del Antiguo y el Nuevo
Testamento, etc. El género religioso fue siempre cultivado con
preferencia.
-Por lo que se refiere a los temas profanos, la escultura
profana en ocasiones está hecha para mayor gloria del
retratado. Estatuas ecuestres y retratos de figuras
poderosas de la ciudad pueblan las calles y plazas de las
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ciudades. El retrato es el gran descubrimiento de esta época.
Encontramos frecuentemente temática de carácter mitológico.
También los escultores realizan monumentos funerarios.
-Es la hora, asimismo, de la ornamentación de los jardines que
reclaman, para sus glorietas y grutas caprichosas, fuentes y
esculturas alegóricas, a veces volcadas hacia la extravagancia y la
irracionalidad, pero ordenadas en pautas urbanísticas asomadas a la
naturaleza, el verdor de la fronda y la cantarina sonoridad del agua.
Las fuentes monumentales también contribuirán, en competencia con
las estatuas y retratos históricos, al ornato de calles y plazas del
trazado urbano.
-Surge en esta etapa una gran afición por el estudio científico y anatómico del cuerpo humano,
del desnudo. El desnudo había estado muy vetado por la Iglesia durante la etapa medieval siendo
poco frecuente en el arte. El gusto por el desnudo tanto en relieve
como en bulto redondo es muy frecuente en la escultura
renacentista, como lo fue también en la escultura grecorromana.
-Encontramos ejemplos tanto en obras de bulto redondo o exentas
como en relieve, ya sea altorrelieve, o bajo relieve.
-Por lo que se refiere a los materiales, son diversos. La escultura
del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales
principalmente del mármol, bronce y madera. La técnica de la
fundición del bronce alcanza una extraordinaria perfección igual
que la habrá del mármol o de la piedra. Muchos escultores
proceden del ámbito de la orfebrería, de ahí el uso del bronce. Se usa también la madera
policromada. En Florencia se generalizó el barro cocido –la terracota- que se solía colorear y
vidriar.
• Las estatuas y relieves de madera en esta época suelen decorarse con pinturas siendo
preferida en el siglo XVI (sin abandonarla del todo en los siguientes) la decoración
llamada al estofado.
• Las esculturas en mármol se dejan con el natural color de la piedra por haber creído los
artistas que en la escultura clásica no se les aplicaba ninguna pintura.
- Los escultores salen del anonimato. Las esculturas del renacimiento no suelen ser anónimas. Los
artistas suelen realizar las obras por encargo. Influyen en los artistas porque los coleccionistas
atesoran las obras de arte que son fuentes de inspiración para los escultores. Ej los Medici en
Florencia
-En el Renacimiento se vive una época dorada de la escultura.
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-En los primeros artistas del Quattrocento puede advertirse una esbeltez de proporciones y una
elegancia lineal y curvilínea que viene del gótico internacional, junto a un gusto por lo realista y
anecdótico de la misma procedencia. Los grandes escultores del Quattrocento fueron: Ghiberti,
Donatello, Jacopo della Quercia, Verrochio, Lucca della Robbia y un largo etcétera. La
escultura del Cinquecento se caracteriza por el gusto por lo monumental, el relieve plano casi
desaparece y se prefiere el bulto redondo y el tamaño superior al natural. Recordemos que en
1506 se produjo el descubrimiento de la escultura helenística del Laocoonte que tanto influiría
en la época, sobre todo en Miguel Ángel. En el Cinquecento, el centro artístico fue Roma y los
grandes escultores de esa etapa se vieron eclipsados por el gran genio de Miguel Angel.
-El Manierismo, por su parte, es una vuelta de tuerca más al
Renacimiento. Implica la crisis del arte clásico, de su armonía y
perfección y manifiesta una tendencia hacia la búsqueda de
dinamismo, la expresividad, la inquietud,… Entre los escultores
manieristas, el más destacado es Miguel Angel, exceptuando sus
inicios, que podemos encuadrar dentro del Alto Renacimiento o
Renacimiento pleno (clasicismo). Benvenuto Cellini es también un
relevante orfebre y escultor manierista.
2. SELECCIÓN DE AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS: DONATELLO, Y MIGUEL ÁNGEL
BUONARROTI
-En el Quattrocento destaca el escultor Donato di Niccolo di Betto Bardi, más conocido como
DONATELLO (1386-1466). Fue el típico humanista del renacimiento, muy polifacético y
apasionado, no sólo de la escultura, sino también de la pintura, la arquitectura, la orfebrería, etc.
-Podemos considerarlo como el gran creador del Renacimiento en escultura, el más importante
hasta la llegada de Miguel Ángel. En su juventud estudió en Roma. Su obra se caracteriza por la
búsqueda de equilibrio clásico y la belleza, una belleza frecuentemente idealizada aunque en
ocasiones tiende hacia valores dramáticos.
- Su gran preocupación temática en la escultura es el hombre y su tratamiento en distintas
épocas: niñez, juventud, madurez. Crea la tipología del retrato renacentista e introduce también
la escultura ecuestre, a partir de él este tipo de escultura tendrá una gran repercusión en el
Renacimiento y en el Barroco. Los materiales que utiliza son preferentemente el mármol y el
bronce. Hizo esculturas en relieves y de bulto redondo.
-Obras más destacadas:
-LA CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA: es un canto a la
alegría infantil. Las figuras están concebidas en alto relieve y
aparecen enmarcadas entre columnas. Esta obra es una excusa para
el estudio anatómico, los plegados, el movimiento… Los paños
transparentes permiten analizar el cuerpo humano.
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-SAN JORGE: es el prototipo de caballero cristiano. Aparece muy bien vestido y
su coraza le sirve de apoyo.
-DAVID: sobre esta figura bíblica realizó cuatro esculturas muy diferentes. En
esta imagen, David aparece vestido como pastor, con un sombrero. Es una obra
de un gran naturalismo idealizado, muy deudor del clasicismo griego. Presenta un
ligero contraposto que nos recuerda a Praxiteles en la curva y contracurva. Hay
que destacar el gesto complaciente que presenta por haber vencido a Goliat.
David simboliza la victoria de la inteligencia sobre la fuerza
bruta.
MAGDALENA PENITENTE: es una obra realizada en madera
policromada, en la que se ha perdido el idealismo de otras de
sus obras. Muestra la vejez de una forma feísta.
BUSTO DE NICOLLO DA UZZANO:
-Donatello creó la tipología del retrato de busto renacentista
como se muestra en este ejemplo. Muchas familias le
encargan este tipo de obras.
-El CONDOTTIERO GATTAMELATTA (Padua): es uno de los retratos ecuestres más célebres
del Renacimiento, realizado en bronce. Es una escultura de gran serenidad. El caballo apoya una
pata en una bola para no perder el equilibrio. En las crines, los ojos, la boca, se observa un gran
detallismo y naturalismo. El caballero muestra una actitud altiva, mirando al frente en actitud de
vencer. Su fuente de inspiración fue la estatua del emperador romano Marco Aurelio. Esta obra
está considerada como la primera estatua en honor a un guerrero de todo el mundo moderno.
-Por su parte, MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI (1475- 1564) es uno de los grandes genios del
Renacimiento: pintor, arquitecto, poeta y sobre todo se sentía escultor. En su época alcanzó un
gran prestigio y sus obras, han sido durante siglos, fuente de inspiración para muchos artistas.
-Miguel Angel nació en Caprese en 1475, muy cerca de Florencia. Procedía de una familia culta,
de clase media-alta. Desde muy joven quiso ser artista. De temperamento
irascible, poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que
están llenas de fuerza y dramatismo. Su precoz habilidad para dibujar le
llevó a los trece años al taller de Domenico Ghirlandaio y a la academia del
jardín de los Médici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos
por Lorenzo el Magnífico, que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo
de Medici fue su mecenas en sus primeros años. Realizó esculturas de
temática profana y religiosa.
-Entre sus obras destacan:
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-El bajorrelieve de la VIRGEN DE LA ESCALERA: fue tallada en lámina de mármol cuando
contaba unos dieciséis años y es una de sus primeras obras conocidas.
-La PIEDAD de San Pedro del Vaticano: Tallada en mármol
entre 1498 y 1499, esta obra es una de sus obras más
clasicistas e idealizadas de toda su producción. El recurso
neoplatonista de representar a María con la belleza virginal
de la edad juvenil, en vez de la madurez, sin apenas contraste
con la edad del Cristo difunto, se enmarca en la ecuación
perfecta de un triángulo equilátero que envuelve
geométricamente al conjunto en un esquema racional,
cerrado y simétrico. Los plegados del manto provocan contrastes de luces y sombras y se
observa un cierto desequilibrio en el cuerpo del hijo, a punto de resbalar por el manto de la
Virgen.
-La obra con la que se consagra Miguel Ángel como el superador de toda la estatuaria antigua es
el colosal –mide más de 4 metros- estatua del DAVID, esculpido en dos años, 1502-1504, en un
solo bloque marmóreo. Fue un encargo de la Señoría de Florencia. Se colocó ante la portada del
Palacio Viejo. La conciencia popular vio en el David el triunfo de la república
sobre los Médici. Presenta una musculatura robusta, la mirada expectante y
segura. Es muy diferente a los David adolescentes victoriosos, de serena y
reposada gracia de los escultores del “Quattrocento”. Esta obra resultó
descomunal, no sólo por las dimensiones, sino por la fuerza y rotundidad de la
talla, que anuncia el carácter grandioso y heroico de Miguel Angel. El David
tiene toda la belleza helénica del desnudo clásico. Muestra un ligero
contraposto, una potente musculatura, y una expresión firme y segura.
-La escultura sedente del profeta bíblico MOISÉS formaba parte del proyecto diseñado por
Miguel Ángel para el mausoleo (sepulcro) del PAPA JULIO II. Pero esta obra nunca llegó a
concluirse por presiones de todo tipo (económicas, políticas, etc., y solamente hizo algunas
esculturas como las de Moisés, Raquel y Lía. Este proyecto fue uno de los más ambiciosos de
toda su vida, y su verdadera obsesión. El MOISÉS está representado en un momento pleno de
furia, al bajar del Monte Sinaí con las Tablas de la Ley y advertir el carácter idólatra de los
israelitas. Todo él se convierta en una representación de la rabia y cólera explosivas. Es una
obra grandiosa en la expresión, en los ropajes, en el estudio anatómico, en la tensión psicológica,
en el juego compositivo de verticales y horizontales… Quedaba así plasmada en mármol la
grandiosidad de los Profetas y las Sibilas que acababa de pintar en la bóveda de la Capilla
Sixtina. La mirada furibunda, la boca entreabierta, las barbas encrespadas… son indicio de la
famosa terribilita miguelangelesca, caracterizada por su tremenda fuerza expresiva. Como el
propio Miguel Angel reconocía, ¡sólo le faltaba hablar.!
-Entre 1520 y 1534, esculpe los dos sepulcros de Giuliano y Lorenzo de Medici en la iglesia de
San Lorenzo de Florencia. Miguel Ángel se encontró con el reto de integrar escultura y
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arquitectura, como ya le había ocurrido con la tumba de Julio II. Estas esculturas asumen un
carácter simbólico: Giuliano es la representación del hombre activo, mientras que Lorenzo
representa la vida contemplativa, el hombre reflexivo, el “pensiero”. A los pies de la tumba de
Giuliano encontramos las representaciones alegóricas de la Noche y el Día. La noche, como una
mujer sensual, un tanto andrógina, y el día como un hombre musculoso. Es interesante resaltar el
aspecto inacabado o non finito de los dos rostros masculinos, especialmente en el del Día. La
representación así configurada viene a simbolizar el paso del tiempo. Es un ejemplo
paradigmático del carácter manierista de la escultura miguelangelesca.
Tumba de Lorenzo de Medici
Tumba de Giuliano de Medici
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