Tercero representacion de la figura humana a traves del tiempo

REPRESENTACION DE LA
FIGURA HUMANA A
TRAVES DEL TIEMPO
ARTES VISUALES III BIMESTRE
TERCER AÑO DE SECUNDARIA
I.E “SAN MARTIN” SECHURA
PROFESOR: CESAR ORLANDO NUÑEZ CHAVESTA

PREHISTORIA
'GUERREROS TASSILI
N'AJJER'

PREHISTORIA
'BAILARINES TASSILI'

NEOLÍTICO
 Este periodo –iniciado alrededor del
8000 a. C.. en el Próximo Oriente–
supuso una profunda transformación
para el antiguo ser humano, que se
volvió sedentario y se dedicó a la
agricultura y la ganadería, surgiendo
nuevas formas de convivencia social y
desarrollándose la religión. En la
pintura levantina –datada entre el
mesolítico y el neolítico– se dio la
figura humana, muy esquematizada,
con notables ejemplos en El Cogul,
Valltorta, Alpera y Minateda. También
se dio este tipo de pintura en el norte
de África (Atlas, Sáhara) y en la zona
del actual Zimbabue. La pintura
neolítica solía ser esquemática,
reducida a trazos básicos (el hombre
en forma de cruz, la mujer en forma
triangular

EDAD DE LOS METALES
VENUS DE
BRASSEMPOUY
 La última fase prehistórica es la
llamada Edad de los Metales,
pues la utilización de elementos
como el cobre, el bronce y el
hierro supuso una gran
transformación material para
estas antiguas sociedades. En el
llamado calcolítico surgió el
megalitismo, monumentos
funerarios en piedra, destacando
el dolmen y el menhir, o el
cromlech inglés, como en el
magnífico conjunto de Stonehenge

África
ESCULTURA NOK.
 El arte africano ha tenido siempre un
marcado carácter mágico-
religioso, destinado más a ritos y
ceremonias de las diversas creencias
animistas y politeístas africanas que
no a fines estéticos, aunque también
hay producciones de signo
ornamental. La mayoría de sus obras
son de madera, piedra o marfil, en
máscaras y figuras exentas de
carácter más o menos
antropomórfico, con un típico canon
de gran cabeza, tronco recto y
miembros cortos.

OCEANÍA
 cabe destacar la
construcción en la isla de
Pascua de las famosas
cabezas monolíticas
(moái), de las que se
erigieron unas 600 entre
el año 900 y el 1600. Son
figuras de 4 ó 5 metros,
que se situaban sobre
plataformas de piedra
que servían de base a los
templos (ahu) de culto a
los ancestros.[74]

VENUS DE WILLENDORF
 La Venus de Willendorf, fechada
hacia el 30.000-25.000 a.C.,
constituye uno de los primeros
ejemplos escultóricos del mundo.
Esculpida en piedra caliza, con
una altura de 11,5 cm, está
considerada como un símbolo de
la fertilidad por sus exageradas
formas anatómicas femeninas.
Escultura
prehistórica

ESCULTURA EGIPCIA
 Ajnatón y Nefertiti
 La estatua en piedra caliza
policromada de Ajnatón, soberano de
Egipto durante el periodo Amarna (c.
1350-1334 a.C.), y su esposa Nefertiti,
muestra el interés del arte egipcio de
este momento por el presente, más
que por la otra vida o el más allá,
creando un estilo escultórico más
naturalista, que aunque mantiene la
posición frontal no idealiza sus
representaciones.
 Entre las esculturas egipcias más
antiguas se cuenta un fragmento de
pizarra tallado en bajorrelieve,
conocido como la Paleta del rey
Narmer (3100 a.C., Museo de El
Cairo)
 No era tan importante la escultura
humana femenina.

ESCULTURA
MESOPOTÁMICA
 El arte mesopotámico es producto de varias civilizaciones: la sumeria, la acadia, la babilónica y
la asiría.
 Alrededor del 2600 a.C. los sumerios ya tallaban estatuillas de dioses en mármol,
caracterizadas por sus ojos grandes y su mirada fija. Otros detalles como el pelo, la expresión
facial, el cuerpo y el ropaje muestran un tratamiento esquemático y denotan que se prestaba
poca atención al parecido con el modelo. Dichas características se mantienen en la escultura
mesopotámica posterior. Las culturas de Mesopotámica también muestran una inclinación
hacia la representación de animales fantásticos, maestría que ejecutaban con gran arte como
puede verse en las entradas de los palacios y en los relieves realizados en las paredes durante
el periodo asirio (1000 a.C.-612 d.C.

ESCULTURA EGEA Y
GRIEGA
 Dentro del arte egeo se incluye la escultura
minoica, con sus estatuillas de diosas en
terracota y marfil, y las obras micénicas,
entre las que se cuentan tallas pequeñas de
divinidades esculpidas en marfil. Los
griegos, maestros de la escultura tanto en
piedra como en bronce, crearon algunas de
las piezas escultóricas más importantes de
todos los tiempos. Entre los siglos VII y I
a.C. alcanzaron la perfección en la
representación de la figura humana a escala
monumental. En el periodo más antiguo, el
arcaico, las figuras eran rígidas y los
cuerpos presentaban una esquematización
geométrica, como en el arte egipcio. Sin
embargo, en la época clásica, entre los
siglos V y IV a.C., su arte se tornó más
naturalista, buscando la perfección en la
representación del cuerpo humano. Las
figuras estaban bien proporcionadas y
expresaban movimiento, aunque los rostros
continuaban siendo estáticos. Los temas
preferidos durante este periodo fueron los
dioses y los atletas.
LA VICTORIA DE SAMOTRACIA,
conocida también como la Victoria
alada, fue realizada en mármol hacia
el 190 a.C., y es una de las
esculturas griegas más famosas del
periodo helenístico. Mide 2,4 m, y se
creó originariamente como parte
integrante de un conjunto
escultórico que representaba a la

ESCULTURA ETRUSCA Y
ROMANA
 Realizaron esculturas de sus dioses en
terracota a tamaño natural, así como figuras
humanas reclinadas sobre las tapas de los
sarcófagos de terracota. También realizaron
soberbios vaciados en bronce, Los romanos
fueron ávidos coleccionistas e imitadores de
la escultura griega.
 Los materiales más utilizados en el retrato
romano fueron el bronce y el mármol: Las
estatuas eran apolícromas, no estaban
coloreadas, salvo en un primer momento en
que los ojos sí se coloreaban, práctica que
se abandonó posteriormente para ser
tallados.
 Al comienzo, la escultura romana de retrato
sólo representaba la cabeza y parte del
cuello. Posteriormente, se avanza en la
representación de todo el busto, incluyendo
hombros y pecho.
 No obstante, también se esculpieron
esculturas de cuerpo entero. En estas
estatuas el personaje podía estar de pie o
sentado (es más frecuente el retrato
sedente en mujeres que en hombres)

ESCULTURA
PALEOCRISTIANA
 Los ejemplos que se conservan de la escultura paleocristiana datan del
siglo IV; y, por su estilo, estas obras ya no se corresponden con el ideal
clásico de belleza. En el sarcófago de mármol de Junio Basso (c. 359,
Grutas Vaticanas, Roma) se representan diez escenas bíblicas; los
personajes tienen proporciones extrañas y llevan ropajes que caen en
pliegues con una excesiva monotonía. Este estilo, llamado a veces ‘antiguo
tardío’, es tal vez el resultado de las influencias de las invasiones
germánicas y del trabajo de artistas menos cualificados. Con el paso de los
siglos, la prohibición bíblica de esculpir imágenes hizo que disminuyera la
importancia de la escultura. En vez de una estatuaria a tamaño natural se
hicieron esculturas a escala reducida: retablos de marfil transportables,
dípticos (dos paneles de marfil tallados unidos por bisagras) o pequeñas
urnas esmaltadas al gusto bizantino.
 Ejemplo de éstas últimas es el relicario de Limburg (Limburg an der Lahn,
Alemania), relicario de plata con joyas y esmaltes del siglo X. La escultura
se utilizó como ornamentación de superficies hasta bien entrada la edad
media.

ESCULTURA ESCANDINAVA
Y CAROLINGIA
 En el norte de Europa los artesanos
escandinavos fueron maestros en la
metalurgia y en el tallado de la madera al
principio de la edad media, sobre todo entre
los siglos IX y XII. Decoraban los tajamares
y los codastes de los barcos vikingos, los
trineos y otros objetos de uso diario, con
figuras de animales que fueron
transformando en diseños lineales
semiabstractos.
 Ese estilo, que combina formas naturales
con formas abstractas, tuvo también mucha
importancia en el arte celta-germánico.
 Del periodo carolingio nos han llegado muy
pocas esculturas, a pesar del gran interés
que Carlomagno (Carlos I) tuvo por las artes
y el resurgimiento del clasicismo. Una
estatuilla de bronce del siglo IX le
representa a caballo con su corona, su
espada y un globo imperial que demuestra
que el artista conocía la escultura romana.

ESCULTURA OTÓNICA
 Mientras que del periodo carolingio no conservamos casi piezas
exentas, del periodo otónico nos han llegado algunas esculturas
extraordinarias, fechadas entre mediados del siglo X y comienzos
del siglo XI en Alemania. La cruz de Gero (catedral de Colonia),
esculpida en madera y a tamaño natural, representa con gran
expresividad el sufrimiento de Cristo. El arzobispo Bernward de
Hildesheim encargó un par de puertas de bronce (c. 1015, catedral
de Hildesheim, Alemania) con 16 paneles ricamente esculpidos que
representan la caída y redención del ser humano, realizados en un
altorrelieve expresionista. Es probable que el viaje que realizó a
Roma le procurase la inspiración para estas puertas ya que también
encargó una gran columna de bronce (principios del siglo XI,
catedral de Hildesheim) con varias franjas de escenas talladas,
siguiendo un esquema similar al de la columna de Trajano de
Roma.

ESCULTURA ROMÁNICA
 Durante los siglos XI y XII el
románico recuperó la escultura
monumental en piedra, arte que
en la práctica había desaparecido
desde la antigüedad. Las iglesias
del sur de Francia tienen en el
exterior abundantes
esculturas, destinadas a atraer e
instruir a los fieles.
 El tema favorito era el Juicio Final
que incluía ángeles y demonios
de gran expresividad. Aparecen
diferentes estilos que se
manifestaban en algunas
iglesias, como las de
Moissac, Autun o Vézelay donde
se alcanza una gran intensidad; y
en otras, como las de Toulouse o
Saint-Gilles-du-Gard lo que se
evidencia es un sereno
clasicismo.

ESCULTURA GÓTICA
 Durante el periodo gótico se da una
producción escultórica excepcional en
Francia, Alemania e Italia. Al igual que en
el románico, gran parte se realizó en
combinación con la arquitectura
religiosa, aunque también se encuentran
figuras esculpidas en tumbas, púlpitos y
demás mobiliario eclesiástico.

RENACIMIENTO
 Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el
resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los
artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se
habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval.
Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de
representación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la
temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser
humano y su entorno, apareciendo nuevas temáticas como la
mitológica o la histórica, o nuevos géneros como el paisaje, el
bodegón e, incluso, el desnudo. La belleza dejó de ser simbólica,
como en la era medieval, para tener un componente más racional y
mesurado, en base a la armonía y la proporción.
 La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelaborados con un
concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso
del arco de medio punto, la bóveda de cañón, la cúpula de media
naranja y los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio y compuesto)

EL NACIMIENTO DE VENUS
(1485), DE SANDRO
BOTTICELLI, UFFIZI
(FLORENCIA).

La Gioconda (1503-1506), de
Leonardo da Vinci, Museo del
Louvre.

Detalle de María
Magdalena penitente.
 Donatello se inspiró en La leyenda dorada
de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro
de María Magdalena, para conseguir la
redención de sus pecados. Peregrinó e hizo
vida de ermitaña, se cree en la parte
meridional de Francia. Así la representó
Donatello, realizada en madera policromada,
en edad ya madura demacrada por el
sufrimiento, vestida con una ajada prenda de
piel y con una larga cabellera cubriéndole el
cuerpo, se encuentra de pie, con las manos
huesudas unidas en actitud de oración, la
expresión de su rostro revela la fatiga y el
dolor por el que ha pasado, con los ojos
hundidos y una dentadura que se aprecia
mellada a través de su boca entreabierta,
tiene los pómulos muy pronunciados por la
extrema delgadez que también se aprecia
en los brazos y piernas, donde se marcan
los músculos anatómicos perfectos.[75]

Manierismo
Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo
XVI como evolución de las formas
renacentistas, el manierismo[nota 10] abandonó
la naturaleza como fuente de inspiración para
buscar un tono más emotivo y expresivo,
cobrando importancia la interpretación
subjetiva que el artista hace de la obra de
arte. La arquitectura adquirió un signo más
efectista y de tenso equilibrio, destacando el
polifacético artista Miguel Ángel, autor del
ábside y la cúpula de San Pedro del
Vaticano; Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù);
y Andrea Palladio, creador de un estilo propio
(paladianismo), como vemos en la Basílica de
Vicenza, la Villa Capra (llamada la Rotonda),
San Giorgio Maggiore de Venecia, etc. En
Francia surgió la notable Escuela de
Fontainebleau. En España se produjo la
arquitectura herreriana (por Juan de Herrera),
estilo sobrio y sencillo, de formas simples y
desnudas de decoración, de acuerdo a la
doctrina contrarreformista que entonces
imperaba; tuvo su máxima realización en el
Monasterio de El Escorial.
DAVID (1501 - 1504), DE MIGUEL
ÁNGEL, GALERÍA DE LA
ACADEMIA, FLORENCIA.

EL ENTIERRO DEL CONDE DE
ORGAZ (1587), EL GRECO, IGLESIA
DE SANTO TOMÉ (TOLEDO).

BARROCO
 El barroco[nota 11] se desarrolló entre el
siglo XVII y principios del XVIII. Fue
una época de grandes disputas en el
terreno político y religioso, surgiendo
una división entre los países católicos
contrarreformistas, donde se afianzó
el estado absolutista, y los países
protestantes, de signo más
parlamentario. El arte se volvió más
refinado y ornamentado, con
pervivencia de un cierto racionalismo
clasicista pero con formas más
dinámicas y efectistas, con gusto por
lo sorprendente y anecdótico, por las
ilusiones ópticas y los golpes de
efecto.
LAS MENINAS (1656), DE VELÁZQUEZ (MUSEO DEL
PRADO), FUE UN ALEGATO DE LA FIGURA DEL
PINTOR COMO ARTISTA INSPIRADO, FRENTE A LA
CONDICIÓN DE SIMPLE ARTESANO QUE HASTA
ENTONCES SE TENÍA DEL OFICIO DE PINTOR.

NEOCLASICISMOJuramento de los Horacios (1784), de
Jacques-Louis David, Museo del
Louvre.
 El auge de la burguesía tras la Revolución
Francesa favoreció el resurgimiento de las formas
clásicas, más puras y austeras, en contraposición
a los excesos ornamentales del barroco y rococó,
identificados con la aristocracia. A este ambiente
de valoración del legado clásico grecorromano
influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y
Herculano, junto a la difusión de un ideario de
perfección de las formas clásicas efectuado por
Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que
en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta,
generando un mito sobre la perfección de la
belleza clásica que aún condiciona la percepción
del arte hoy día.[nota 13]
 La arquitectura neoclásica era más racional, de
signo funcional y un cierto aire utópico, como
vemos en los postulados de Claude-Nicolas
Ledoux y Étienne-Louis Boullée. Conviene
distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la
de herencia barroca, pero despojada de excesiva
decoración para distinguirse de la arquitectura
rococó; y la propiamente neoclásica, de líneas
austeras y racionales, sobria y funcional.

ARTE CONTEMPORÁNEO SIGLO XIX
 Entre finales del siglo XVIII y principios
del XIX se sentaron las bases de la
sociedad contemporánea, marcada en
el terreno político por el fin del
absolutismo y la instauración de
gobiernos democráticos –impulso
iniciado con la Revolución Francesa–;
y, en lo económico, por la Revolución
Industrial y el afianzamiento del
capitalismo, que tendrá respuesta en el
marxismo y la lucha de clases. En el
terreno del arte, comienza una
dinámica evolutiva de estilos que se
suceden cronológicamente cada vez
con mayor celeridad, que culminará en
el siglo XX con una atomización de
estilos y corrientes que conviven y se
contraponen, se influyen y se
enfrentan. Surge el arte moderno como
contraposición al arte académico,
situándose el artista a la vanguardia de
la evolución cultural de la humanidad.
VIAJERO FRENTE AL MAR DE NIEBLA
(1818), DE CASPAR DAVID
FRIEDRICH, KUNSTHALLE DE HAMBU

ROMANTICISMO
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO (1830),
DE EUGÈNE DELACROIX, MUSEO DEL
LOUVRE, PARÍS. Movimiento de profunda renovación en
todos los géneros artísticos, los
románticos pusieron especial atención
en el terreno de la espiritualidad, de la
imaginación, la fantasía, el
sentimiento, la evocación ensoñadora,
el amor a la naturaleza, junto a un
elemento más oscuro de
irracionalidad, de atracción por el
ocultismo, la locura, el sueño. Se
valoró especialmente la cultura
popular, lo exótico, el retorno a formas
artísticas menospreciadas del pasado
–especialmente las medievales–, y
adquirió notoriedad el paisaje, que
cobró protagonismo por sí solo.
Cobraron también importancia las
artes gráficas, principalmente la
litografía y el grabado en madera.

REALISMO
EL ÁNGELUS (1857), DE JEAN-FRANÇOIS MILLET,
MUSEO DE ORSAY, PARÍS.
Desde mediados de siglo surgió una tendencia
que puso énfasis en la realidad, la
descripción del mundo circundante,
especialmente de obreros y campesinos en
el nuevo marco de la era industrial, con un
cierto componente de denuncia social,
ligado a movimientos políticos como el
socialismo utópico. En pintura destacaron
Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-
François Millet, Honoré Daumier, Adolph
von Menzel, Hans Thoma, Ilya Repin y
Marià Fortuny. Ligado al realismo estuvieron
dos escuelas paisajísticas: la francesa de
Barbizon (Théodore Rousseau, Charles-
François Daubigny, Narcisse-Virgile Díaz de
la Peña), marcada por un sentimiento
panteísta de la naturaleza; y la italiana de
los Macchiaioli (Silvestro Lega, Giovanni
Fattori, Telemaco Signorini), de corte
antiacadémico, caracterizada por el uso de
manchas (macchia en italiano, de ahí el
nombre del grupo) de color y formas
inacabadas, esbozadas.

IMPRESIONISMO
Impresionismo: fue un movimiento profundamente
innovador, que supuso una ruptura con el arte
académico y una transformación del lenguaje
artístico, iniciando el camino hacia los movimientos
de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en
la naturaleza, de la que pretendían captar una
«impresión» visual, la plasmación de un instante en
el lienzo –por influjo de la fotografía–, con una
técnica de pincelada suelta y tonos claros y
luminosos, valorando especialmente la luz. Surgió
una nueva temática, derivada de la nueva forma de
observar el mundo: junto a los paisajes y
marinas, aparecen vistas urbanas y
nocturnas, interiores con luz artificial, escenas de
cabaret, circo y music-hall, personajes de la
bohemia, mendigos, marginados, etc. Cabe
mencionar como principales representantes a
Édouard Manet –considerado un precursor–, Claude
Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Pierre-
Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador
fue en el terreno de la escultura el papel de Auguste
Rodin, que sentó las bases de la escultura del siglo
XX (El pensador, 1880-1900; Los burgueses de
Calais, 1884-1886). También destacó Medardo
Rosso, que conduciría la escultura hacia la
desintegración de la forma.
IMPRESIÓN: SOL NACIENTE (1872–
1873), DE CLAUDE MONET, MUSEO
MARMOTTAN MONET, PARÍS. CUADRO
AL QUE DEBE SU NOMBRE EL
MOVIMIENTO.

SIMBOLISMO
EL BESO (1908), DE GUSTAV KLIMT,
ÖSTERREICHISCHE GALERIE BELVEDERE
(VIENA).
Estilo de corte fantástico y onírico, surgió
como reacción al naturalismo de la
corriente realista e
impresionista, poniendo especial
énfasis en el mundo de los sueños, así
como en aspectos satánicos y
terroríficos, el sexo y la perversión.
Una característica principal del
simbolismo fue el
esteticismo, reacción al utilitarismo
imperante en la época y a la fealdad y
materialismo de la era industrial.
Frente a ello, el simbolismo otorgó al
arte y a la belleza una autonomía
propia, sintetizada en la fórmula de
Théophile Gautier «el arte por el arte»
(L'art pour l'art), llegando incluso a
hablarse de «religión estética». La
belleza se alejó de cualquier
componente moral, convirtiéndose en
el fin último del artista, que llega a vivir
su propia vida como una obra de arte

MARCO TEÓRICO
Existen varios tipos de técnicas y métodos
para poder hacer una escultura como los
siguientes:
 Talla
 Modelado
 Vaciado
 Construcción y assemblage

TALLA
 Está considerada como el paradigma de la
técnica escultórica. El artista da forma a
una escultura cortando o extrayendo el
material superfluo hasta conseguir la forma
deseada. El material es siempre duro y, con
frecuencia, pesado; por lo general el diseño
es compacto y viene determinado por la
naturaleza del material.
 Dependiendo del material sobre el que se
va a esculpir y el estadio en que se halle la
elaboración, se utilizan diferentes
herramientas. En el caso de la piedra, los
primeros cortes de desbaste para obtener
las líneas generales de la forma deseada,
puede llevarlos a cabo un artesano auxiliar
con herramientas muy afiladas, y después
el escultor continua la obra tallando y
cincelando. En pasos más avanzados se
utilizan herramientas menos penetrantes,
como la gubia y la escofina; los toques
finales se dan con un escofinado suave.
Por último, se lija con piedra pómez o arena
y en el caso de que se pretenda un mayor
grado de suavidad se añade una patina
transparente, hecha con una base de aceite
o cera.
 En esta escultura de jabón se utilizan los
estiques y se va tallando para dar la forma.

MODELADO
 El modelado consiste en añadir o
elaborar formas. Se utilizan para
ello materiales blandos y flexibles
a los que se puede dar forma sin
dificultad, lo que permite una
ejecución rápida. Los materiales
utilizados desde la antigüedad
para modelar una escultura han
sido la cera, la escayola y la
arcilla o sustancias de tipo
parecido a ésta que, en ese caso,
se cuecen para incrementar su
resistencia.
 En este caso se utilizo plastilina y
arcilla para hacer una escultura
femenina humana. Se hizo a base
de figuras geométricas y después
se dio la forma adecuada. Se
debe tener una base para formar
la figura.

VACIADO
 El único método para conseguir la
perdurabilidad de una obra modelada
es vaciarla, es decir, fundirla en
bronce o en cualquier otra sustancia
imperecedera. Existen dos métodos
de vaciado: a la cera perdida y a la
arena. Ambos métodos se han venido
utilizando desde la antigüedad,
aunque el proceso a la cera perdida es
el más corriente. El vaciado a la arena
es un proceso más complicado en el
que se utiliza una clase de arena muy
fina y de gran cohesión, mezclada con
una pequeña parte de arcilla para
obtener un modelo positivo y un molde
negativo algo más grande que el
original del artista, y entre ambos se
vierte el metal y se deja que al
enfriarse endurezca.

CONSTRUCCIÓN Y
ASSEMBLAGE
 Aunque se siguen utilizando técnicas tradicionales, en muchas
obras del siglo XX consideradas como esculturas se han utilizado la
construcción y el assemblage.
 Estos métodos tienen como punto de partida el collage, técnica
pictórica creada por Pablo Ruiz Picasso y Georges Braque en 1912,
que consiste en pegar papeles y otros materiales diferentes sobre
una pintura.
 Picasso realizó también objetos tridimensionales, como
instrumentos musicales, de papel y trozos de otros materiales
diversos, a los que se denominan construcciones.
 Ejemplos de escultura constructivista abarcan desde las cajas
surrealistas de Joseph Cornell hasta las obras con chatarra de
automóviles y partes de máquinas de John Chamberlain, ambos
estadounidenses.
 El término assemblage, que en la actualidad se utiliza de manera
indistinta al de construcción, fue acuñado por el pintor francés Jean
Dubuffet para referirse a su propia obra, surgida del collage.

GRACIAS POR SU
ATENCION
LINKOGRAFIA
http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_arte
http://www.buenastareas.com/ensayos/Figura-Humana-Arte-En-El-
Tiempo/2484632.html
http://www.portaldearte.cl/educacion/media/2do/linea.htm

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