El documento describe varios conceptos clave de la fotografía como ángulos de cámara (normal, picado, contrapicado, etc.), planos fotográficos (general, americano, medio, etc.), centro de interés, efecto clon, ley de los tercios y ley de la mirada. Explica cómo estos elementos afectan la perspectiva y composición de una fotografía.

1. Características de la cámara.
Ángulos de fotografía:
El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de una línea
imaginaria que se genera al fotografiar a un sujeto.
Ahora los distintos ángulos que podemos emplear al realizar una captura determinada:
1. A nivel o Normal:
Como su mismo nombre lo indica, es cuando realizamos la fotografía desde el
mismo nivel del sujeto al que fotografiamos. Es la posición más natural al
momento de hacer una fotografía y la más común. Siendo un poco más
explícitos, se puede decir que la línea entre
el sujeto y nuestra cámara, es paralela al
suelo. En algunas situaciones, como por
ejemplo una mascota o un niño, para lograr
este tipo de ángulo es necesario agacharse
para estar al nivel del sujeto. Generalmente
sirve para mostrar o describir algo de
manera natural u objetiva y transmite una
sensación de estabilidad y tranquilidad, por
ser la forma natural en que observamos el
mundo.

2. 2. En picado:
En este caso, se realiza la toma de la
escena desde una posición más alta
que el objeto fotografiado, de arriba
hacia abajo. En este tipo de fotografía la
perspectiva que se produce produje que
el sujeto se vea disminuido en tamaño.
En general, este ángulo se usa como
recurso compositivo para restar
importancia o transmitir una sensación de
debilidad o humillación. En casos de
paisajes permite incrementar la
sensación de profundidad. Muy usado en
fotografía de niños y fotografía
documental para mostrar la
vulnerabilidad del sujeto.
3. En contrapicado:
Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la fotografía se realiza desde
un lugar más bajo que el motivo
fotografiado, quedando este más
alto que la cámara. La perspectiva
que se genera, muestra al
engrandecido visualmente, con lo
que se logra transmitir mayor
importancia y una posición
dominante en relación al espectador.
Básicamente se emplea, para
fotografía arquitectónica y para
deportes extremos, pero esto no es
una regla fija, y también se puede
emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes.

3. 4. En centinela:
Podríamos catalogarlo como un caso
específico del ángulo de picado,
donde lo llevamos a su punto más
extremo, y es justamente lo que sucede.
La imagen se toma desde en un ángulo
completamente perpendicular, de arriba
hacia abajo, con respecto al suelo.
Produce escena sin perspectiva, que
puede resultar bastante descriptiva en el
caso de pequeños objetos, pero
generalmente es inusual aunque
interesante el resultado obtenido. No es
muy común emplear este tipo de ángulo
pero en ciertos casos como recurso
compositivo puede servir para explorar la
creatividad.
5. En nadir:
Cuando el ángulo en contrapicado lo
llevamos a su punto extremo,
obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su
uso incrementa la sensación de
contrapicado, y llega a transmitir una
sensación abrumadora de grandeza
ante lo que el espectador observa.
Ideal para fotografía de altos edificios
los cuales por sus mismas geometrías
añaden gran profundidad a la escena.

4. Planos fotográficos:
El término “plano” es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente,
generalmente se habla de planos abiertos o cerrados, para indicar que estamos
modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está
estrechamente relacionado con el retrato fotográfico aunque en algunos casos es
extrapolable a otras situaciones o sujetos.
1. Plano general:
Se usa para visualizar completamente a nuestro
modelo y abarca todo los elementos de una
escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de
pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.
2. Plano americano:
También conocido como plano tres cuartos,
tiene su origen en las
películas de western
americanas, que se
caracterizaban por sus
encuadres por debajo de la
cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere
retratar a varias personas.
3. Plano medio:
En este se muestra al
modelo desde la cabeza
hasta la cintura, y también se
puede emplear para
fotografiar a varias personas
interactuando. Se emplea
con regularidad en la
fotografía de moda ya que
permite destacar la belleza
de la persona.

5. 4. Plano medio corto:
Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto,
aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y
consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad
del pecho. La idea de este tipo de
plano es enfocar la atención
exclusivamente en la persona
aislándola de su entorno.
5. Primer plano:
Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona,
y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para
el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres
verticales, aunque esto no es una regla estricta.

6. 6. Primerísimo primer plano:
Este tipo de plano es mucho más agresivo e
íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando
desde la cabeza (cortando por el medio o por
encima de la frente) hasta la punta del mentón.
Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo
de plano, controlar el enfoque y la profundidad
de campo es primordial, de lo contrario se
puede estropear la captura.
7. Plano detalle:
Se emplea para destacar elementos
específicos, con este tipo de plano se pueden
lograr encuadres creativos y originales, requiere
de mucha capacidad de observación por parte
del fotógrafo. En este tipo de plano el acercamiento se maximiza para
enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos.
No se debe confundir con fotografía
macro.

7. Diagonales de una fotografía.
Las diagonales surgen de una variable intrínseca del grado de inclinación, Dicha
inclinación provoca tensión compositiva otorgando Propiedades muy marcadas:
dinamismo, velocidad y dirección más allá de la expresión de una vertical, más actividad
y vida en la imagen.
El máximo ángulo que podremos conseguir (a camino entre una vertical y una
horizontal) será de 45º, convirtiéndose en una potente herramienta para expresar el
máximo de actividad.

8. Fotografía macro.
“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en
la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida
real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más
grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.

9. Centro de interés de una fotografía.
Se denomina CENTRO DE INTERÉS al elemento que más destaca, o se quiere
destacar, en una fotografía. Este puede ser una persona, un animal, un objeto, un
edificio, un monumento o sencillamente, una parte de la escena.

10. Efecto clon.
El efecto clon trata de conseguir lo de la imagen superior partiendo de, en este caso,
tres imágenes (pueden ser todas las que se quiera) que son las siguientes:
Para realizar este tipo de tomas necesitamos:
-La cámara (Obvio).
-Un trípode o superficie estable donde apoyar la cámara (si se mueve un milímetro el
trabajo habrá sido en vano).
-Una escena que no se mueva (el salón de casa o similar, no la calle de las Ramblas) y
que al ser posible no haya variaciones de luz.
Para que el trabajo salga bien hay que tener en cuenta estos parámetros:
-Modo de disparo Manual.
-Balance de blancos apropiado para la escena (no automático).
-Una vez enfocada la escena pasar a foco manual.
-Misma medición de luz (si da 1/15 f 3,5 esa combinación para todas las fotos).

11. Para llevar a cabo este trabajo de forma fácil, hay que procurar que en las distintas
fotos, el motivo que aparecerá repetido no se coloque en algún sitio donde ya ha sido
fotografiado, porque puede pasar lo siguiente (de forma exagerada).
Si por ejemplo un brazo y el cuerpo de dos figuras de fotos distintas coinciden pasaría
eso, obviamente se notaría menos, ya que esto es una prueba muy muy exagerada,
pero se vería lo suficiente como para repetir todo el proceso. Esto no quita que las
imágenes se puedan superponer, pero para ello hace falta una selección realmente
meticulosa, más fina y complicada que las que veréis unas líneas más abajo.

12. Procesar en Photoshop:
-Abrimos las imágenes en el PS Con las que trabajaremos.
-Pulsando la tecla SHIFT cogemos la herramienta de arrastrar y arrastramos las
imágenes con las que trabajaremos sobre una, creando así una imagen con capas.

13. -Seleccionamos el objeto que aparecerá repetido, en este caso la mano, (sin olvidarse
las sombras), y calamos para que no se note (con 25 píxeles más que suficiente).
-Invertimos la selección y vamos a Edición-Borrar/Cortar, y este proceso lo repetimos
con todas las imágenes menos con la del fondo.

14. -Resultado final. En este caso, una vez montadas las tres imágenes se ha hecho un
recorte.

15. Ley de los tercios.
La denominada regla de los tercios divide la escena en tres partes, tanto horizontal
como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos
estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste,
al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.
Se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas
equidistantes verticales y dos horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro
puntos donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que
deseamos resaltar dentro de la composición.
Esto ocasiona un arreglo asimétrico de la imagen, con el polo de máximo interés visual
encontrándose relativamente cerca de alguna de las cuatro esquinas del recuadro, y el
área central de la gráfica ocupada por elementos secundarios.
Es posible y hasta recomendable, cuando se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La
Regla de Oro en una misma fotografía, pues estas no solo son perfectamente
compatibles entre sí, sino también complementarias.
Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marca unos
puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un
punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.

16. Ley de la mirada.
Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe
de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera,
independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso
podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en
cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o
es de dimensiones muy grandes.
Siguiendo la pauta de estas leyes, concederemos más o menos espacio a nuestro
objetivo principal, (el individuo, personaje o plano) según la importancia del campo que
tengamos delante, siempre que sea directamente proporcional entre el valor de lo
mostrado y el espacio que nos ocupa.