La pintura en la 2ª mitad del siglo xx

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La pintura en la 2ª mitad del siglo xx

  1. 1. PINTURA DE LA 2ª MITAD DEL SIGLO XX 1945 - 2000
  2. 2. CONTEXTO HISTÓRICO Tras el fin de la 2ª Guerra Mundial se modifica el panorama socio- económico y político, lo que afecta el desarrollo de la creación artística
  3. 3. GUERRA FRIA División del mundo en bloques ideológicos
  4. 4. DESCOLONIZACION
  5. 5. AFIANZAMIENTO POLÍTICO, ECONÓMICO Y CULTURAL DEL EE.UU. EN EL MUNDO OCCIDENTAL
  6. 6. NUEVAS FORMAS ARTÍSTICAS
  7. 7. La complejidad del arte en la segunda mitad del siglo XX es indudable. La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de artistas, coleccionistas, críticos e historiadores, convierten a Nueva York en el nuevo centro mundial del arte.
  8. 8. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE TRAS EL FIN DE LA 2ª GUERRA MUNDIAL
  9. 9. - Convicción de la inviabilidad de un arte de tradición clásica. - Radicalización de los artistas respecto de: técnicas, materiales y temáticas. - provocó una división entre esta nueva forma de arte y el gran público. - Creciente dependencia del artista del sistema: galerías de arte, marchands, críticos de arte. - Mercantilización del Arte. - Pérdida progresiva del compromiso político-social del artista (con excepciones, en especial, en el 3er Mundo)
  10. 10. Virgen con niño araña 2007 Giuseppe Veneziano. Virgen con niño Mosaico S. VI Basílica de Santa Sofia Estambul
  11. 11. -Creación de nuevas instituciones para difundir esas nuevas tendencias: - Museos de Arte Moderno. -Galerías. -Bienales. -Exposiciones.
  12. 12. PRINCIPALES CORRIENTES PICTÓRICAS DE LA 2ª MITAD DEL SIGLO XX
  13. 13. EL INFORMALISMO. (No constituye un movimiento, son obras “individualistas”.) Surge en EE.UU. hacia fines de la década de los 40, y se mantiene hasta principio de los 60. Sede: Nueva York. * Ausencia total de formas reconocibles. * Fuentes de creación: exaltación de los mecanismo irracionales y vitales.
  14. 14. Principales manifestaciones del INFORMALISMO: • Expresionismo Abstracto o Action Painting. • Arte informal. • Pintura Sígnica. •Arte Matérico.
  15. 15. Expresionismo Abstracto o Action Painting
  16. 16. Existen 4 tendencias dentro de esta forma artística: •La Gestual o de Acción (J. Pollock – W. de Kooning) •La Sígnica o Caligráfica (Kline – Tobey) •Espacialismo Cromático (Rothko) •La Surrealista (Gorky – De Kooning)
  17. 17. ACTION PAINTING: es una forma de pintar, donde la acción constituye el método, es decir, el acto físico de pintar. * Se modifica la técnica de la pincelada (movimiento de la muñeca o el brazo) por el movimiento corporal. * Abandono del pincel por el derrame directo de pintura sobre el lienzo (dripping creado por Pollock)
  18. 18. Jackson Pollock (1912 – 1956)
  19. 19. Nace el 28 de enero de 1912 1930 Expulsado de la Escuela, se va a vivir con sus hermanos a Nueva York en donde asiste a las lecciones de pintura de Thomas Hart Benton en la Liga de Estudiantes de Arte. Influencias de los mexicanos Orozco y Rivero. 1935 Se inscribe en el Federal Arts Project de la Works Progress Administration (WPA) en la clase de pintura mural. Sus primeros trabajos representaban escenas de la vida cotidiana estadounidense en estilo naturalista bastante convencional. Jackson Pollock : Su Vida Artística 1938 Es expulsado de la WPA. Se somete a una cura de desintoxicación. 1939 Comienza una terapia. Lleva sus dibujos y bocetos a las sesiones para facilitar el tratamiento
  20. 20. 1942 Primera participación importante en una exposición “American and French Painting”. 1943 Piet Mondrian convence a Peggy Guggenheim para que exponga la obra Stenographic Figure en el “Spring Salon for Young Artists” organizado en su galería. Primera exposición en solitario con Peggy Guggenheim. A finales de año pinta la obra Mural para la casa de ésta.
  21. 21. 1943 logra una exposición individual. Críticas extraordinariamente buenas, poniendo de relieve su combinación de abstracción y simbolismo, además de su evidente influencia picasiana, características perfectamente visibles en The Moon Woman, uno de sus cuadros más famosos de esta época. 1946 Primera participación en la “Annual Exhibition of Contemporary American Paintings” en el Museo Whitney
  22. 22. 1947 Elimina de sus obras todo símbolo conocible y empieza a pintar composiciones absolutamente abstractas por medio de una técnica que ha de convertirse en leyenda junto con el propio artista: el dripping o chorreado •El DRIPPING Consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela sin tensar colocada en el suelo, por medio de palos y cucharas, en lugar de los tradicionales pinceles. Esta modalidad, vinculada a la teoría del automatismo surrealista, implicaba una nueva relación entre el artista y sus obras: la tela era pintada con el cuerpo entero ya no sólo con la mano, y el artista no la tenía ante sí, por lo cual podía "sumergirse" dentro del lienzo
  23. 23. 1948 Primera exposición en solitario. En la Biennale de Venecia, se expone la colección de Peggy Guggenheim, en la que se incluyen seis pinturas de Pollock. Éxito del tratamiento de su alcoholismo. 1949 La Revista Life publica un artículo titulado “¿Es Jackson Pollock el printor vivo más grande de los Estados Unidos?” 1950 Participa en la exposición “Young Painters in the US & France”. Empieza a tomar de nuevo inexplicablemente.
  24. 24. The Moon- Woman 1942
  25. 25. Stenographic Figure 1942
  26. 26. Blue (Moby Dick) 1943
  27. 27. Shimmering Substance 1946
  28. 28. GALAXIA J. POLLOCK 1947
  29. 29. “Mi pintura no procede del caballete (...) En el suelo me siento mucho más a gusto. Me siento más cerca del cuadro, más parte de él..” Jackson Pollock
  30. 30. Nº 3 – J. POLLOCK - 1950
  31. 31. SIN TÍTULO – J. POLLOCK - 1946
  32. 32. Willem de Kooning 1904 - 1997
  33. 33. La obra del pintor holandés Willem de Kooning, uno de los precursores del impresionismo abstracto, comenzó a cambiar a medida que los efectos del Alzheimer se hacían más evidentes.
  34. 34. Woman 1944
  35. 35. Excavation 1952
  36. 36. Composition 1955
  37. 37. SIN TITULO W. DE KOONING 1961
  38. 38. ...who's name write in water 1975
  39. 39. untitled 5 1982
  40. 40. garden in delft 1987
  41. 41. Mark Rothko 1903 - 1970
  42. 42. •Mark Rothko nació en Rusia en 1903 •Comenzó a pintar en 1925 y ya en 1933 tuvo su primera exposición en solitario. •Al comienzo de su carrera como artista, exploró diversos estilos y tendencias antes de encontrar su estilo propio. Durante los años veinte y treinta realizó infinidad de obras figurativas —desnudos, retratos, interiores con figuras, paisajes urbanos— tanto en papel como en lienzo. •A lo largo de la década de los treinta, sus obras muestran rostros planos y sin rasgos y figuras atenuadas que se funden con el marco arquitectónico, como ocurre en su exploración del metro de Nueva York de 1938, un tema recurrente entre las representaciones de los artistas de la época.
  43. 43. •A finales de los años cuarenta elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso, con sus obras de transición realizadas entre 1946 y 1949 conocidas posteriormente como Multiformas, a su enfoque basado en los colores puros en el espacio. •En su madurez artística, explora el potencial expresivo de campos rectangulares de colores luminosos que parecen flotar sobre la superficie del lienzo. •Durante este tiempo, utiliza un amplio espectro de colores y tonos para crear y transmitir diversos estados de ánimo impregnando su obra “del poder de la música y de la poesía”. Estas composiciones se convertirían en su estilo característico y en ellas plasma su ideal de “la expresión simple del pensamiento complejo”.
  44. 44. •Tras sufrir un aneurisma en 1968, el artista tuvo que abandonar el gran formato en favor de la pequeña escala y utilizar el acrílico sobre papel. •Las Pinturas de negro sobre gris, que inicia un año antes de suicidarse en 1970, confirman la creencia de Rothko de que su obra encerraba una tragedia. •Todas ellas tienen formato horizontal y están divididas en dos partes: la inferior, en colores grises y a veces marrones, y la superior, siempre negra. En ocasiones, ambas superficies están entreveradas mediante pinceladas gestuales. De esta forma, aunque parece predominar un nítido horizonte en torno a la divisoria central, es ahí precisamente donde el gris y el negro se entremezclan.
  45. 45. NEGRO SOBRE ROJO MARK ROTHKO 1957
  46. 46. Nº 10 MARK ROTHKO 1957
  47. 47. LA NUEVA FIGURACION. Se desarrolla desde principios de los años 50 a mediados de los 70, en EEUU y Europa, como reacción emotiva a los efectos de la 2ª Guerra Mundial. • Gran distorsión de las figuras. • Indeterminación del espacio. • Fuerte conexión con el expresionismo de la 1ª mitad del siglo XX.
  48. 48. PRINCIPALES REPRESENTANTES • NICOLAS DE STAËL • JEAN DUBOFFET • FRANCIS BACON
  49. 49. FIGURAS NICOLAS DE STAËL 1953
  50. 50. MEDITERRÁNEO – N. DE STAËL - 1954
  51. 51. BEDUINO SOBRE UN ASNO JEAN DUBUFFET 1948
  52. 52. PARIS DE FIESTA JEAN DUBUFFET 1963
  53. 53. BACON ES UNO DE LOS MÁS DIRECTOS ANTECEDENTES DEL ENCUENTRO TRAUMÁTICO CON LA REALIDAD EN EL ÁMBITO DE LA PINTURA DEL SIGLO XX. FRANCIS BACON 1909 - 1992
  54. 54. FRANCIS BACON EN SU ESTUDIO, 1984.
  55. 55. AUTORRE- TRATO FRANCIS BACON 1971
  56. 56. ¿HASTA QUÉ GRADO DE DISTORSIÓN UN INDIVIDUO SIGUE SIENDO ÉL MISMO?
  57. 57. PERRO – FRANCIS BACON - 1952
  58. 58. PAPA INOCENCIO X FRANCIS BACON 1953
  59. 59. El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX (entre los 50’s y los 70’s) que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.
  60. 60. LOVE (1967) Robert Indiana
  61. 61. CARACTERÍSTICAS DEL POP ART Surge como reacción al Expresionismo Abstracto, al que consideran vacío y elitista. Rechazan al DADAÍSMO, pero: Coinciden en: • Temáticas. • Poca importancia del objeto de arte final. • Uso del collage y del fotomontaje. • Crean nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida real (idem Duchamp.) No coinciden en: • No consideran sus obras como Anti- Arte. Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples “motivos” que justifican el hecho de la pintura.
  62. 62. Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo. Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton). Intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual. Representación del carácter inexpresivo, preferentem ente frontal o repetitiva.
  63. 63. Artistas que, según el crítico, Alloway, “no sentían el disgusto por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la consumían con entusiasmo” Aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical en sus planteamientos. Las características pop se dan menos definidas y agresivas que en los otros artistas.A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.
  64. 64. ARTE POP Surge en Londres hacia mediados de los 50 hasta principios de los 70, con gran desarrollo en Inglaterra y EEUU. Deriva del término inglés POPULAR ART, designado por el crítico inglés Lawrence Alloway.
  65. 65. ¿Cómo surge en Londres? • Un grupo llamado «Grupo Independiente» (1952), y es el precursor del movimiento artístico pop. • Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología.
  66. 66. PRINCIPALES REPRESENTANTES BRITÁNICOS RICHARD HAMILTON DAVID HOCKNEY
  67. 67. RICHARD HAMILTON 1922 - 2011 Con claras influencias de Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se interesa por el movimiento y la perspectiva. Se convirtió en el máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte nacido de lo urbano, provocador, cargado de humor, colores chillones. También barato, ingenioso que abogaba por la producción en serie, la cultura de masas y lo efímero.
  68. 68. Exactamente, ¿qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atrayentes? 1956. RICHARD HAMILTON
  69. 69. INTERIOR – RICHARD HAMILTON - 1964
  70. 70. R. HAMILTON NATURALEZA MUERTA 1965
  71. 71. HOTEL EUROPA 1984
  72. 72. DAVID HOCKNEY 1937 Pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo inglés. Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. A principios de 1980, Hockney comenzó a producir "joiners", que son collages hechos de fotografías, primero empezó usando impresiones de Polaroid y subsecuentemente estampados de 35mm procesados comercialmente. Hockney creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías reveladas de un sólo sujeto ordenadas de manera irregular.
  73. 73. PETER SALIENDO DE LA PISCINA DAVID HOCKNEY 1966
  74. 74. EL CHAPUZON DAVID HOCKNEY 1967
  75. 75. Beverly Hills wife - 1966
  76. 76. Madre Yorkshire – 1982 Fotomontaje Polaroid
  77. 77. Carretera de Pearblossom, 1986.
  78. 78. Madera de invierno - 2009
  79. 79. ¿Qué es y por qué surge en EE.UU:? • El Pop Art crece en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío, demasiado pretencioso y elitista. N°1 A – Jackson Pollock (expresionismo abstracto) Andy Warhol (pop art)
  80. 80. ARTE POP NORTEAMERICANO * Fue el primer estilo norteamericano de destaque internacional. * Fuentes de inspiración: las grandes urbes, los comics, los objetos de consumo masivo, las figuras mediáticas. * Tiene contactos con el Dadaísmo, aunque no es una ANTI ARTE. * Utiliza en sus creaciones: elementos preexistentes, collages, fotografías, litografías, estampados, etc.
  81. 81. Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
  82. 82. PRINCIPALES REPRESENTANTES NORTEAMERICANOS JASPER JOHNS ROY LICHTENSTEIN ANDY WARHOL TOM WESSELMAN
  83. 83. Augusta, Georgia, 1930. Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha representado un papel importante en el desarrollo del arte de mediados del siglo XX en su país. En 1954 comenzó a pintar obras de un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística estadounidense en aquel momento. Sus obras se centraban en temas tan conocidos como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas.
  84. 84. JASPER JOHNS:"Tres banderas“, 1958. Encáustica sobre lienzo En 1955, Jasper Johns pintó su primera bandera estadounidense: un gran panel blanco dominado por la evidencia de barras y estrellas. Tres años más tarde creó "Tres banderas", donde el artista superpuso tres pabellones de diferentes tamaños, reforzando así la imagen y generando un interesante efecto óptico. Johns no escogió pintar la bandera de los Estados Unidos porque fuese especialmente nacionalista, sino porque quiso representar el motivo más banal y reconocible que pudiese encontrar. Esta es una de las obras más conocidas de Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art.
  85. 85. DOS BANDERAS SOBRE NARANJA JASPER JOHNS 1986
  86. 86. NÚMEROS EN COLOR JASPER JOHNS 1959
  87. 87. MUCHACHA LLORANDO – ROY LITCHENSTEIN 1964
  88. 88. MUJER EN EL BAÑO 1963 ROY LITCHENSTEIN
  89. 89. SANDWICH Y SODA – ROY LITCHENSTEIN 1964
  90. 90. Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico. Andy Warhol 1928 - 1987
  91. 91. Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.
  92. 92. Elementos o imágenes del entorno cotidiano, en serie, que son un reflejo de la producción masiva capitalista. , imágenes de difusión masiva. de numerosos personajes famosos por los que se sentía fascinado, fue objeto de una gran parte de su creación. . Entre 1962 y 1964 se especializa en ella : suicidio, bomba atómica, accidentes de automóvil, revueltas raciales, silla eléctrica. Todo ello era registrado con la misma y fría distancia con que registraba latas de sopa, revólveres, flores y cajas de brillo. Esta banalidad del horror consagra su éxito. Warhol se apoderaba de una simple imagen y la revolucionaba. La intensa expresividad y el apasionamiento que dominan el arte desde las pinturas negras de Goya a las vanguardias artísticas, es sustituida aquí por una neutralidad que la aproxima al de la pura mercancía.
  93. 93. Fácil identificación del objeto. (Aunque los colores puedan ser complementarios y estridentes se reparten de forma armoniosa y equilibran la imagen, no hay tensión final, sino belleza y armonía). como en el cómic. Dibujo claro y preciso. que producen un efecto espectacular. , de modo que los elementos armonicen. proceso medio manual y medio mecánico, que se había convertido en el favorito de los artistas comerciales después de la Segunda Guerra Mundial. Repetían los mismos motivos una y otra vez en una serie sin fin. En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por los medios de comunicación de masas. Ello tendrá consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos.
  94. 94. Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Elvis Presley o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th.
  95. 95. Introducción de procesos de repetición y producción propios del arte de masas, eliminación de la manualidad de la imagen a favor de la reproducción tecnificada, uso de procesos de creación colectivos
  96. 96. ANDY WARHOL. “5 Coke Bottles”, 1962
  97. 97. LATA DE SOPA CAMPBELL ANDY WARHOL 1968 “Solía beberla [la sopa Campbell]. Solía almorzar lo mismo todos los días, durante veinte años, supongo, la misma cosa una y otra vez.” Andy Warhol
  98. 98. BRILLO CAJA 1964 ANDY WARHOL
  99. 99. “Me encanta América; para esto hay varias razones. Mis cuadros son mensajes simbólicos sobre los estridentes productos impersonales y esos destellantes objetos materiales sobre los que hoy en día se levanta Estados Unidos. Son la proyección de todo lo que puede comprarse y venderse, símbolos prácticos, pero efímeros, que nos mantienen en movimiento.” ANDY WARHOL
  100. 100. ANDY WARHOL: “Símbolo del dólar americano” 1982. Serigrafía sobre lienzo. 229 x 178 cm.
  101. 101. ANDY WARHOL: “Superman”, 1961 Empezó a pintar dibujos de tiras cómicas de héroes como Popeye, Dick Tracey y Superman con el fin de hacer por si mismo su propio nombre como un artista.
  102. 102. ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981
  103. 103. ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981 Antes de comenzar a hacer imágenes que se volvían omnipresentes por medio de, las técnicas que utilizaba, Warhol había experimentado pintando personajes de cómic. Había pocas diferencias entre la forma en que realizó sus pinturas basadas en cómics y la que poco después le llevaría a la fama y el éxito.
  104. 104. ANDY WARHOL: “Zapatos“, 1980 “Cuando “tienes” Pop, nunca más podrás ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado Pop, nunca más podrás ver a los Estados Unidos de la misma manera. ANDY WARHOL
  105. 105. ANDY WARHOL: “Cow”, 1966
  106. 106. Alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962 al utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960. Representa la América marginal y la angustia existencial de los años sesenta. ANDY WARHOL: “Audrey Hepburn”
  107. 107. WARHOL: Audrey Hepburn 1961 Desde pequeño vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine. Todas esas personalidade s que él veía en revistas.
  108. 108. “Warhol había convertido a Marilyn en un objeto comercial, que era precisamente lo que deseaba lograr. Aquello encajaba a la perfección con su intención de representar las maquinaciones del mercado hasta el último detalle. Había convertido a la actriz en un producto, pero también lo hacían los proveedores y los consumidores de la cultura pop.” ANDY WARHOL: “Marylin Monroe”, 1964
  109. 109. ANDY WARHOL: “Marylin Monroe” 1967 De los cuadros más conocidos de Warhol son estas reproducciones de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe - sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-, coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados.
  110. 110. ANDY WARHOL: “ Elizabeth Taylor”, 1964 La distanciación fría con que Warhol veía detrás de sus máscaras, especialmente en la serie de fotografías de la alta sociedad, proporciona a su obra el carácter de un inventario desapasionado y desinteresado de nuestra época. En su imaginería, los futuros arqueólogos que exploren el siglo XX encontrarán un rico filón.
  111. 111. ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983
  112. 112. ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983
  113. 113. ANDY WARHOL: “Doble Elvis”, 1963 Desde pequeño vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine. Todas esas personalidades que él veía en revistas.
  114. 114. ELVIS TRIPLE 1964 ANDY WARHOL
  115. 115. ANDY WARHOL: “Mick Jagger”,
  116. 116. ANDY WARHOL: “The Beatles”
  117. 117. ANDY WARHOL: “John Lennon”, 1985
  118. 118. ANDY WARHOL: “Beethoven” 1987
  119. 119. ANDY WARHOL: “Muhammad Al ”, 1973
  120. 120. ANDY WARHOL: “Muhammad Alí”, 1973
  121. 121. ANDY WARHOL: “Jacquie III”, 1966.
  122. 122. ANDY WARHOL: “Che Guevara”, 1968
  123. 123. ANDY WARHOL: “Reina Isabel II”
  124. 124. Andy Warhol - Mao, 1972
  125. 125. ANDY WARHOL: “Sigmun Freud” 1980
  126. 126. ANDY WARHOL: “Einstein” 1980
  127. 127. MARYLIN – 1964 – ANDY WARHOL
  128. 128. SILLA ELECTRICA – 1967 – ANDY WARHOL
  129. 129. ANDY WARHOL: “Green Disaster” 1963.
  130. 130. “Bomba atómica" “Disturbios raciales rojos“, 1963.
  131. 131. “La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la "alta" y la "baja" cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético. Para elpop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito era ofrecer una nueva interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.” MUSEO THYSSEN BORNEMISZA
  132. 132. Estados Unidos,1931-2004. Pintor y escultor estadounidense perteneciente al movimiento Pop Art. Cursó estudios de psicología en la Universidad de Cincinnati de un modo discontinuo debido a su preferencia por los estudios de Arte que cursó en la Academia de Arte de Cincinnati. Durante este periodo de formación, pensó en dedicarse al dibujo de cómics. Fue cuando estudió en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Unión Cooper (Nueva York) cuando su trabajo se orientó definitivamente hacia la pintura y la escultura. Imbuido del ambiente artístico que reinaba en Nueva York a final de la década de los cincuenta, cuando la tendencia del expresionismo abstracto convirtió a la ciudad en capital mundial del Arte, Wesselmann comenzó a pintar influido por una de las figuras más importantes de este movimiento, Willem de Kooning aunque pronto se distanció y se acercó más a Matisse, Van Gogh y Modigliani.
  133. 133. TOM WESSELMANN: “Still Life nº 20”, 1964. Collage y assemblaje con pintura. Papel. Madera. Bombilla. Interruptor etc. A finales de los cincuenta comenzó a explorar las posibilidades del collage. Para ello, utilizó papeles y folletos de publicidad, constituyendo estas obras una de las primeras expresiones del mundo publicitario que luego serían tan utilizadas por el resto de artistas pop norteamericanos.
  134. 134. En la década de los sesenta simultaneó el tema del desnudo con otras series como la serie de ”Collages” de la bañera. Sus desnudos, al hacerse más realistas, adquirían una mayor carga erótica. TOM WASSELMANN; " Collage de la bañera “, 1962. Collage sobre madera incorporación al cuadro de objetos de uso común.
  135. 135. COLLAGE DE LA BAÑERA TOM WESSELMANN - 1963
  136. 136. GRAN DESNUDO AMERICANO TOM WESSELMANN - 1963
  137. 137. TOM WASSELMANN; “Paisaje no. 2”, 1964. Óleo. collage y ensamblaje sobre tela
  138. 138. Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962
  139. 139. NATURALEZA MUERTA TOM WESSELMANN - 1963
  140. 140. “Descubrí mi vocación a los diez años. Estaba en quinto grado dela escuela y me iluminé: ‘Voy a ser artista plástica’. Mis padres querían otros estudios para mí, pero yo era muy rebelde y no pudieron conmigo. A los 12años entré en Bellas Artes. Y ahí descubrí que era una genia.” Buenos Aires - 1943
  141. 141. “Estoy segura que la locura pasa por otro lado. Yo nunca fui una loca. Yo soy una persona diferente.” El pago de la deuda externa con choclos 1985
  142. 142. Su obra, de carácter conceptual, pop, psicodélico y de acción, se ha convertido en el paradigma de la generación baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las normas sociales preestablecidas y estableció una contracultura. Revuélquese y viva 1964 (original) 1985 (nueva realización)
  143. 143. Durante fines de los años sesenta, Minujín se adhirió al movimiento contracultural hippie en Nueva York tras haber ganado la Beca Guggenheim, donde se volcó al arte pop y el arte psicodélico. Durante esta época y más tarde en la década de 1970, Minujín trabajó tanto en Buenos Aires como en Nueva York. OBELISCO ACOSTADO 1978
  144. 144. GARDEL DE FUEGO Medellín 1981
  145. 145. PARTENÓN DE LIBROS – Buenos Aires -
  146. 146. LOBO MARINO DE MINI HAVANNA Mar del Plata 2014
  147. 147. INSTALACIÓN (original 1965) – RECREACIÓN (2015) – Buenos Aires
  148. 148. “La Menesunda fue brutal porque era de participación masiva y fueron como un millón de personas. Fue como representar la ciudad en todas sus sensaciones. Se hizo acá en el Instituto Di Tella. Era divino porque vos entrabas por una pared de acrílico que era la silueta de un hombre y primero te metías en un túnel grande con luces de neón que se prendían y se apagaban, con olor a fritura porque era una representación de la calle Lavalle.”
  149. 149. “Era un circuito de aislada participación. El público entraba de a uno, y era sometido a 16 situaciones diferentes: aroma, colores, etc.”
  150. 150. “…por una escalera te metías en la cabeza de una mujer gigante, toda llena de maquillaje, y allí te maquillaban.”
  151. 151. “Después te metías en una especie de calesita, con una sola puerta, que te llevaba a distintas habitaciones, y nunca sabías donde ibas a parar.”

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