1. ESCUELA REGIONAL DE DANZA PEDRO CANO
Paloma Mercedes Palacios García
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HISTORIA DEL TEATRO
TRABAJO DE INVESTIGACIÓN No. 2
El teatro es un género literario, ya sea en prosa o en verso, normalmente dialogado, concebido
para ser representado; las artes escénicas cubren todo lo relativo a la escritura de la obra teatral, la
interpretación, la producción, los vestuarios y escenarios. El término drama viene de la palabra
griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En
términos generales se entiende por drama una historia que narra los acontecimientos vitales de
una serie de personajes. Como el adjetivo dramático indica, las ideas de conflicto, tensión,
contraste y emoción se asocian con drama.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio para divulgar
ideas políticas o para difundir propaganda a grandes masas, como entretenimiento y también como
arte.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y público. La representación
puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los personajes no tienen por qué ser seres
humanos; los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros
recursos escénicos. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el maquillaje,
los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales. Estos elementos
se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para
enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.
NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los
ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían
luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los
griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización
griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el
mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un
espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas
para un público infantil.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que
permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.
- LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un
desenlace funesto, es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO,
SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:

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a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre
personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en
forma de canciones (odas).
b) Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no
fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes
libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la
humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales.
c) Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y
canciones del coro.
- LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se
conservan son las de Aristófanes. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos
ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades
públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los
dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, muy abundante, llamada "nueva". En las obras de
Menandro, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o
situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son
típicos e identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.
TEATRO ROMANO
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral
se asociara en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos
se perdió pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un
entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran
periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las
comedias de Plauto y Terencio, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se
basaban en una intriga de carácter local, aunque las de Terencio también aportaban un valor
didáctico. La estructura de las piezas era muy dinámica y del gusto del público, y además solían
cantarse muchas partes de la obra.
Este primer período en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro
de las civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están escritas en las
lenguas clásicas, griego o latín.
Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado en declive y fue sustituido por
otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana emergente atacó el teatro
romano, en parte porque los actores y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los
mimos satirizaban con frecuencia a los cristianos. Estos ataques contribuyeron al declive del teatro
así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del
Imperio romano en el 476 d.C., el teatro clásico decayó en Occidente; la actividad teatral no
resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y
trovadores en el mundo medieval, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.

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TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica
central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y
resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de
la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los
tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas
representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se
fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el
teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a
este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y
comenzaron a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas, calles
y cementerios.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias
especialmente en la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40
dramas. Algunos estudiosos creen que, aunque similares a los dramas litúrgicos, los ciclos
surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco
años. Las representaciones podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada obra se
encargaba un gremio que intentaba que el tema tuviera que ver con su ocupación laboral; así los
trabajadores de los astilleros podían, por ejemplo, escenificar una obra sobre Noé.
Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se escribían en
forma de copla de fácil memorización; no se conocen los nombres de los dramaturgos.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales (siempre de autores
anónimos) y, por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó
en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Aunque extrajeran trama y personajes de la
teología cristiana, los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de
episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los trovadores
y juglares.
TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico
teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy
lejos de los dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de
la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales
y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además,
la participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los
entusiastas aficionados.

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TEATRO NEOCLÁSICO
Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el
teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta
fórmula se conoce generalmente como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras eran
en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y solían estar basadas en modelos
clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas, ni siquiera de las prácticas
populares o dramáticas ya existentes; se trataba de un proceso puramente académico. Eran obras
pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, en conjunto con
los continuados intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a
finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera
se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la
ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en
general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la
improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno
dificultó el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París
edificios expresamente dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al
juego de pelota. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que
fueron denominados ballets.
Molière está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres
reciben en su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero generalmente van más
allá de su objetivo específico y podrían considerarse como observaciones sobre las limitaciones y
errores del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.
Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar
el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En
aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban
en las universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el
neoclasicismo o, en el mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro
continental (creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés se
basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.

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Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como
de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar
al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo
trabajo del más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota uno de los periodos más
fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido
conflictiva de unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las
hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los
autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para
convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante
debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos
autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte
teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.
TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba
dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos
actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características.
Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo
para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear
y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices, anulando por
lo tanto la intencionalidad del autor.
TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron
fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del
siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la
mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe
individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas
y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos
escenográficos suntuosos y aparatosos. La voz engolada y el verso rotundo triunfa en el teatro
romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del
burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el
amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que
nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.
MELODRAMA

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Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas
populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el
siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos
desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas
sujetas a vías de tren.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión
de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de
que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los
personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro.
Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte,
como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los
científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral
moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y
unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de
actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del
matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son
valiosos por sus convincentes estudios de individuos.
TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total,
o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una
reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en
desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por
la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de
simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general
lento y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX,
principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente

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humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el
expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la
sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro
durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski
y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo que hizo
llevadero un mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece de lógica, lo que de
ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo
característico de este teatro en el que no hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida
misma de los personajes carece de sentido.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo,
el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y
escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños,
personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos
poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La
escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de
canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran
serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard
Rodgers y Oscar HammersteinII perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la
década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más
serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente, sin embargo, posiblemente como resultado
de crecientes problemas políticos y económicos (de los que el público deseaba escapar), volvieron
los musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose
hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de
los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe,
sin embargo, un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el
combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su
representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la
danza y la expresión corporal.
A partir de la época colonial, el teatro se basa sobre todo en los modelos procedentes de España.

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No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta
personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a
quien va destinado.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es
autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado
además por realizar un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al
margen el aspecto espectacular y estético del drama.
EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general (de la India, China, Japón y el Sureste asiático) tiene ciertas
características en común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. El
teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a
él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, en general son obras integradoras de las
diversas artes (una realización de la idea del teatro total de Wagner) que mezclan literatura, danza,
música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y épicas, estaban
estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje
de las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero
no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación
y la canción estaban rígidamente codificadas. Las marionetas y el teatro danzado, especialmente
el kathakali, han sido también muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.
En otros lugares del Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el
wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan
apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy
estrictas. Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da
una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto
literario. De hecho, la representación puede describirse como una colección de extractos de varias
obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el
énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda con el
mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el
maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la
temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos
géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la
síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a
través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del
nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido.

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Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un
teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario
manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el
ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los
del teatro occidental.

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EVOLUCIÓN DEL HECHO TEATRAL O DRAMA
En todas la culturas el hombre tuvo la necesidad de expresarse creando ritos para venerar a sus
deidades, donde esas formas fueron evolucionando hasta lo que hoy conocemos como teatro,
donde Grecia fue pionero, tuvo sus primeros inicios y se dio gracias a que en los festivales, que
realizaban, la función la realizaban estaba conformados por coros de doce hombres que cantaban
y bailaban con mascaras, mas tarde vieron la necesidad de agregarle un toque de entretenimiento,
para que fueran más atractivas, más concurridas, saliéndose un poco de esos parámetros,
empezaron a realizar escenas simples a partir de sus necesidades básicas, como lo eran las
cosechas, la caza, la guerra el diario vivir y rituales religiosos, la cual llevaron a que se escribieran
historias básicas pero a medida que el mundo evoluciono hacia la modernización el teatro empezó
a variar según la cultura, la época o movimientos, según el pensamiento del que lo produce,
adquiriendo diferentes interpretaciones, diferentes puntos de vista de acuerdo a nuestras
finalidades.
De acuerdo a unos valores que ha ido desarrollando a través del tiempo, donde, ese avance
técnico ayudo a que sus escenas no solo trataban lo simple sino que fueron dejando de lado los
rituales ósea las deidades para darle importancia al hombre como eje central de los que nos rodea,
presentando de él una visión más subjetivo; buscando un nuevo lenguaje expresivo basado en una
visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, sino que interpretan pretendiendo la
capacidad de este para conseguir la verdad, reconociendo su conciencia como su autoridad; esto
quiere decir que el teatro pasa a ser el medio para que el hombre exprese su tristezas, alegrías su
inconformidad, trasmitirla a otros y provocar en ellos una emoción, un sentimiento, un cambio y
concientización de lo que le sucede.
Al nacer el teatro, nace el escenario, donde realizan sus presentaciones; en sus inicios, este se
hacía en las cuevas, al aire libre, en ese tiempo no se le habida asignado el nombre de teatro
como tal, sino de una teatralidad que fue evolucionando utilizando lugares específicos como
estadios, circos, castillos, edificios y plazuelas buscando la forma de entretener a un espectador,
que hoy en día llamamos público, introduciendo mímicas, gestos y parlamento o dialogo se fue
ampliando, incluyendo lo que el hombre inventó la danza , el canto, el poema, el vestuario, el
decorado, usando la luz natural después con el invento de la electricidad la luz artificial, los efectos
especiales que simulaban catástrofes, ruidos el agua, etc. hasta como lo conocemos hoy en día
con la finalidad de trasmitir una historia.

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EVOLUCION DEL ESPACIO ESCÉNICO / TEATROS
EL TEATRO GRIEGO
Grecia se beneficiará de las aportaciones de los egipcios. El culto a Dionisos, origen del teatro
griego, seguía conocidos rituales venidos de las proximidades del Nilo. La diferencia entre los
cultos de las civilizaciones antes mencionadas y la civilización helénica es que las primeras
tardaron en independizarse del culto a los dioses, mientras que Grecia supo pasar a imitar e
implorar a los héroes de la mitología y de la historia y también a la persona. El término griego «
Theatron », derivado del verbo Theáomai-ver, contemplar – vendrá a significar el lugar desde
donde se ve la escena. La historia del teatro en Occidente tiene sus raíces en Atenas, entre los s.
VI y V aC. Se sabe que las obras griegas se daban al aire libre, en un espacio semicircular con los
espectadores ubicados en forma de herradura. Había un
coro que cantaba y danzaba en medio de un altar. Se
conoce que había sólo tres actores que hablaban, que
utilizaban máscaras y que « doblaban » sus papeles
cuando era necesario. Quedan ruinas de los teatros que
se hacían aprovechando las laderas de las montañas,
con gradas de piedra, como el famoso de Epidauro.
El teatro griego presentaba tres clases de obras:
tragedias, dedicadas a las leyendas heróicas; piezas
satíricas, en las que se hacía burla de tales leyendas; y
comedias que se referían a la vida corriente en forma de farsa. Las tres empleaban un coro en los
intermedios entre escenas y, a menudo, en medio de éstas. Estaban escritas en verso y
empleaban máscaras y, a su vez, las tres estaban relacionadas con ideas de fertilidad. Las
tragedias, las piezas satíricas y las comedias se representaban como parte de las ceremonias
anuales en honor a Dionisos. Aristóteles dice que la comedia nació de las canciones fálicas, que
eran himnos en honor de Falo, dios de la Fertilidad y del ditirambo, o himno coral que se cantaba a
Dionisos. El poeta griego Tespis, según la tradición ateniense, fue el verdadero creador de la
tragedia al introducir en los espectáculos dionisiacos de la primavera de 535 a. de C. el recitado a
cargo del coro de tragodoi o "coro de machos cabríos", que narra las aventuras del héroe. Se le
atribuye además la invención del prólogo y la creación del actor separado del coro, así como la
invención de la máscara o la idea de servirse de un carro para ir representando sus obras por los
pueblos.
A partir de la época de Tespis, y durante tres siglos, Atenas fue la capital teatral del mundo griego,
aunque este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una
de las ciudades y colonias más importantes contaba con un teatro. Otros autores importantes:
Esquilo, Eurípides, Sófocles, Aristófanes, Menandro, de los que el teatro de vanguardia (Living
Theatre, Brecht, etc) ha realizado adaptaciones de algunas de sus obras.
TEATRO ROMANO:
En algunas ocasiones al compararlo con el teatro griego se le infravalora e incluso desprecia, pero
hay que tener en cuenta el contexto sociocultural en el que se desarrolla. Hay teorías que afirman
que el teatro romano tiene origen griego pero también etrusco, como aseguró el historiador
romano Tito Livio. Autores: Séneca, Plauto, Terencio que están presentes en el teatro de
Shakespeare, Moliére.Reproducimos un texto de Horacio (56-8 aC) que en su Arte poética
aconseja a los dramaturgos:« Lo que no se muestra se realiza en la acción o en el relato. Lo que
oímos contar nos impresiona menos que lo que vemos con nuestros ojos. Los ojos son más fieles,
por ellos el espectador se instruye a sí mismo. Guardaos, sin embargo, de poner en escena lo que
sólo debe ocurrir en el interior. Hay muchas cosas que no deben mostrarse a la vista, y de las que

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un actor vendrá a dar cuenta un momento
después. Medea no ahogará a sus hijos en escena;
el horrible Atreo no cocerá en ella entrañas humanas;
Progne no se volverá pájaro ni Cadmus reptil: esta
manera de presentarlos sería odiosa y destruiría la
ilusión... Para escribir bien hay que tener ante todo
un sentido recto.
Los escritos de los filósofos os proporcionarán la
materia: y una vez bien llenos de vuestra idea, las
palabras para expresarla se os presentarán por sí
solas... El hábil imitador debe siempre tener ante su
vista los modelos vivos, y pintar según la
naturaleza. Una pieza que contenga cuadros
impresionantes, y costumbres exactas, incluso escrita sin gracia, sin vigor, sin arte, procura a
veces mayor placer público, y retiene más a los espectadores que los bellos versos vacíos de
cosas y que las naderías bien escritas.
TEATRO MEDIEVAL
Las manifestaciones artísticas reflejaron el espíritu religioso, en perfecta concordancia con el
pensamiento de la época. Durante la Edad Media dos fueron las tendencias arquitectónicas más
marcadas: el románico y el gótico.
El arte románico expresaba con sus arcos de
medio punto y sus estructuras sólidas y bajas,
que las creencias eran firmes y que la
contemplación era una actitud valorada.
El gótico, por su parte, se manifestó más
elaborado: los arcos se estilizaron,
llamándose ojivas, las que permitieron la
construcción de bóvedas mucho más altas y
elegantes que apuntaban al cielo, buscando a
Dios.
Las iglesias estaban adornadas con vitrales,
grandes composiciones en vidrios de colores
que, usualmente, representaban escenas
religiosas. El gran rosetón en el frente del edificio, es otra de las características del gótico.
TEATRO ISABELINO
El teatro isabelino, lograba una síntesis de valores populares
y renacentistas.
La época de Shakespeare fue una época de marcada
individualización, emanada de las reflexiones filosóficas
sobre el hombre, nacida del estudio empírico de las pasiones
y de la teoría de los caracteres, surgida de un estilo de vida
caballeresco y cortesano. Cervantes y Shakespeare son los
videntes de la individualización, deben sus logros a esta
captación de la historia que vivieron.

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Fueron tres las novedades que introdujo el drama humanístico en el teatro:
Transformó el teatro medieval, que era esencialmente la representación y pantomima, en
obra de arte literaria.
Aisló, para realizar la ilusión, la escena, del público.
Concentró la acción tanto en el espacio como en el tiempo, sustituyendo, la desmesura
épica de la Edad Media por la concentración dramática del Renacimiento.
TEATRO ESPAÑOL (SIGLO DE ORO)
La historia del Teatro Español hasta el Siglo de Oro se remonta a los siglos XII. En el período
comprendido entre los siglos XII y XV el teatro era casi puramente un teatro religioso e
improvisado. A finales del siglo XV, bajo el reinado de los Reyes Católicos, aparece una
generación de dramaturgos que forman el teatro real. Crean una forma dramática para dar
expresión a sus inquietudes y preocupaciones y
persiguen una finalidad estética.
Destaca Juan del Encina (1468-1529), "Patriarca del
Teatro Español", como uno de los dramaturgos más
conocidos de entonces. Su obra se reduce a una
serie de églogas (=composiciones amorosas entre
pastores y en verso).
Otro autor importante de entonces es Fernando de
Rojas, quien obtuvo un éxito fulminante con LA
CELESTINA. ésta se publicó por primera vez en 1499 como la Comedia de Calisto y Melibea. En
1502 apareció la segunda versión ampliada de la obra que pasaba de constar de 16 a 21 actos y
se titulaba TRAGICOMEDIA DE CALISTO Y MELIBEA.
Dentro del teatro español esta obra es una obra maestra pero aislada y ya el autor afirma en el
prólogo el carácter de lectura dramática de la tragicomedia. Durante el siglo XVI y XVII no se puso
en duda el carácter dramático de la obra, pero desde el siglo XVIII se pone en duda su carácter
dramático por su gran extensión, su ritmo lento y por tanto su irrepresentabilidad. Es por tanto la
Celestina una obra maestra pero aislada.
En el siglo XVI Bartolomé de Torres Naharro, que convivió en Italia con la vida teatral y el estilo
dramático italiano, introduce en España las teorías del Renacimiento Italiano. En su teoría
dramática destaca la voluntad de sobrepasar los conceptos clásicos. En lugar de aceptar la
tradición sin más, la acomoda a sus propias ideas y proclama la libertad creadora del autor.
Lope de Rueda vivió hacia el año 1545. Escribía y vivía del teatro y tenía una compañía teatral, de
las primeras de actores profesionales en España. Con ella recorría la geografía española con su
teatro ambulante y triunfaba en pueblos y ciudades. La intención principal de este autor era divertir
con un gran repertorio de obras. él no buscaba la perfección e improvisaba con frecuencia. Los
temas eran predominantemente de la vida cotidiana y el lenguaje empleado muy popular.

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TEATRO ITALIANO DEL RENACIMIENTO
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV.
Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula.
Las prácticas escénicas y arquitectónicas de esta época han influido en la producción teatral hasta
nuestros días.
En el plano arquitectónico se hicieron intentos para recrear el escenario romano. Los primeros
teatros italianos, sin embargo, se construyeron en espacios ya existentes, como palacios y patios,
que tenían forma rectangular.
Escénicamente, el desarrollo más importante fue el descubrimiento de la técnica de la perspectiva,
pintando en una superficie plana para
crear la ilusión de profundidad o espacio.
Esto permitió la construcción de
escenarios que daban la impresión de
ser lugares reales.
Lo emblemático, la escenografía real
selectiva de la edad media, dio paso al
ilusionismo.
Aunque la ley de las unidades exigía una
localización única, en la práctica se
empezaron a presentar escenas
alegóricamente pródigas llamadas intermezzi entre cada uno de los cinco actos de la obra.
Esto exigía cambios de decorados, y así durante los siglos que siguieron se idearon sistemas
mecánicos para cambiarlos.
Para incrementar la ilusión de los lugares presentados y para esconder la maquinaria y a los
tramoyistas, se diseñó un marco arquitectónico alrededor del escenario, el arco del proscenio que
separaba el espacio ocupado por los espectadores del mundo de ilusión de la escena, enmarcando
asimismo la imagen que ofrecía el escenario.
TEATRO BARROCO FRANCÉS
El teatro del Barroco supuso un periodo de esplendor del teatro como género literario y como
espectáculo que se extendió desde Italia al resto de Europa en el siglo XVII. Durante el Barroco se
conformaron los teatros nacionales en Europa; la Commedia dell'Arte en Italia; el Siglo de Oro en
España, donde destacaron autores como Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca;
Shakespeare y el teatro isabelino o la comedia de la Restauración en Inglaterra; La Comédie-
Française, Corneille, Molière y Racine en Francia. Se produjo un espectacular desarrollo de la
escenografía, con la inclusión de música y pintura como elementos del espectáculo dramático que
condujeron a una consolidación de la ópera, el ballet y la zarzuela. Los géneros dramáticos
alcanzaron una formalización definitiva y la evolución de los antiguos corrales de comedias hasta
las salas a la italiana propició la aparición de los edificios y salas teatrales contemporáneos.

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TEATRO ROMÁNTICO ALEMÁN
Goethe , el mas excelso poeta aleman nacio en Francsfort del Main en 1749 , 127 años despues
de corneille. extendio su fama por toda europa con las Penas del joven Werther y el drama Goetz
von Berlichingen. compuso tambien Egmont , Wilhelm meister y en 1808 su obra maestra fausto
poema dramatico que recoge en sintesis , el espiritu de la civilizacion alemana purificado bajo la
doble influencia helenica y cristiana , aunque demasiado extenso y complejo para ser representado
teatralmente.
Gran amigo de Goethe y extraordinario poeta y dramaturgo fue Schiller , quien escribio dramas ya
clasicos en la cultura alemana , y lucho por la libertad de su pais. los mas conocidos son : Los
bandidos , Don Carlos y Guillermo Tell. su tragedia wallestein , en tres partes sobre la guerra de los
treinta años , es considerada una de las mas perfectas , tanto por la forma como de las ideas.
precursor de ambos puede considerarse a gotthod lessing , en cuyo teatro sobre sale Nathan el
Sabnio.autores destacados por su labor teatral .
Una renovacion muy importante se debe a enrique
Ibsen, fundador del teatro , de ideas en oposicion
al teatro de accion propiamente dicho. analiza las
relaciones sociales y humanas del siglo xix en sus
obras : Casa de muñecas , Esprectos , Edda ,
Gablr , etc... grieg puso musica a su Peer gint.
Bjornstjenre , se recibio con Ibsen en 1903 al
premio nobel de literatura fue otra gran figura del
teatro nordico con Sigurd Jorsalfar y los recien
casados ; pinto a los campesinos noruegos en sus
pasiones y sus dramas y fue el suyo un magnif
temperamento de luchador.
Otro gran dramaturgo enscandinabo fue Juan Augusto Strindberg , con El viaje de Pedro el
afortunado y Danza macabra .
En lo que va del siglo xx el teatro ha tomado un impulso renovador. las corrientes naturalistas ,
simbolistas realistas , impresionistas y neoromanticas han sumado a su influencia a la del cine y
con nuevas tecnicas tonificaron vigorosamente el viejo arte del espectaculo.
TEATRO SIMBOLISTA
En Francia surge el principal grupo teatral del simbolismo, el Teatro del Arte de Paul Fort. Otras
figuras que contribuyen a esta estilización simbólica y espiritual son el escenógrafo suizo Adolphe
Appia y el teórico británico Gordon Craig, autor de El arte del teatro. Ambos se oponen al
naturalismo, y su concepción teatral dista mucho de la mera imitación de la realidad. Pero ¿Quién
fue el pionero?

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Maeterlinck era excepcional poeta, pero, quizá, lo más destacado de su obra sean sus dramas.
Junto al gran escenógrafo Constantin
Stanislavski, revolucionó el teatro, mediante la
introducción del estatismo, es decir, reducir la
importancia de la acción para transferir el
protagonismo a los actores, que son quienes
verdaderamente deben transmitir sus emociones
e inquietudes.
En este tipo de teatro lo importante a resaltar es
la vida cotidiana y los efectos que ésta trae. Sus
personajes su criaturas que luchan contra la
fatalidad, contra el destino. Se trata de dramas
con un profundo; donde el simbolismo es la lucha de emociones que estos proyectan al público.