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La abstracción: Kandinsky, Moore, Pevsner y Gabo

Para Fundamentos del Arte II 18-19

1 de 40
LA ABSTRACCIÓN EN ARTES PLÁSTICAS: KANDINSKY, MOORE, PEVSNER Y GABO
La Abstracción fue un conjunto de
tendencias artísticas que se centraron en la
eliminación de todos los elementos
figurativos, para concentrar la fuerza
expresiva en formas y colores que no tienen
relación con la realidad visual. El arte
abstracto deja de considerar justificada la
necesidad de la representación figurativa y
tiende a sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias
significaciones. Los artistas que avanzaron
hacia la abstracción entre 1910-1917 no
formaron un movimiento único ni sujeto a
ningún programa.
Entre los artistas que iniciaron el camino a la
abstracción destacan el pintor Wassily
Kandinsky y los escultores Henry Moore,
Naum Gabo y Anton Pevsner.
AMARILLO, ROJO, AZUL (1925), KANDINSKY
WASSILY KANDINSKY
Pintor de origen ruso y uno de los
iniciadores del arte abstracto del siglo XX.
Tomó clases de música y dibujo antes de
Derecho y Economía en la Universidad de
Moscú. Tras licenciarse en 1892, comenzó a
dar clases en la universidad, pero en 1895
visitó la exposición de impresionismo
francés y quedó fascinado por una obra de
la serie de los almiares de Monet. Un año
más tarde Kandinsky decidió abandonar su
profesión y dedicarse por completo a la
pintura. Se trasladó a Alemania y estudió
pintura en Múnich. En 1901 participó en la
fundación de Phalanx, una asociación que
organizaba exposiciones para introducir las
vanguardias francesas en Múnich y abrió
una escuela de arte. Entre 1906 y 1907 se
instaló en París.
ALMIARES, MONET
Sus primeras obras, en los inicios del siglo XX, fueron sobre todo paisajes realizados a espátula,
los primeros muy sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauvista. También pintó
algunos temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. De esta
época destacan obras como El cometa o Vista de Murnau (1908).
EL COMETA VISTA DE MURNAU
La lectura de los escritos de Wilhelm
Worringer en 1909 y la música del
compositor Arnold Schönberg le llevaron a
un creciente interés por el arte no objetivo.
Kandinsky estaba preocupado por el
materialismo del mundo moderno y veía en
la abstracción una vía de liberación del
hombre. Fue miembro fundador de la Neue
Künstlervereinigung de Múnich (Nueva
Asociación de Artistas), donde conoció a
Franz Marc. Junto a él abandonó
posteriormente este grupo para, en 1911,
comenzar a publicar juntos el
almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul),
en torno al cual se aglutinó un variado
grupo de artistas que configuraron la
segunda generación del expresionismo
alemán. En las páginas de Der Blaue Reiter
Kandinsky defendía una función mística
para el arte, un arte no objetivo que
respondiera no a un reflejo de las
apariencias, sino a la fuerza interior del
artista.
FRANZ MARC Y KANDINSKY
En 1912 publicó De lo espiritual en
el arte, en su opinión “una teoría
artística basada en la posibilidad de
un arte no figurativo, en la forma y
el color como elementos básicos de
un lenguaje que pretende crear
emociones mediante esos recursos
plásticos que ha puesto en juego el
artista. Son los colores los que
proporcionan sentido a los
motivos.”
Se dio cuenta de que la
representación del objeto en sus
pinturas era secundaria e incluso
perjudicial y que la belleza de sus
obras residía en la riqueza cromática
y la simplificación formal.
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La abstracción: Kandinsky, Moore, Pevsner y Gabo

  • 1. LA ABSTRACCIÓN EN ARTES PLÁSTICAS: KANDINSKY, MOORE, PEVSNER Y GABO
  • 2. La Abstracción fue un conjunto de tendencias artísticas que se centraron en la eliminación de todos los elementos figurativos, para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no tienen relación con la realidad visual. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Los artistas que avanzaron hacia la abstracción entre 1910-1917 no formaron un movimiento único ni sujeto a ningún programa. Entre los artistas que iniciaron el camino a la abstracción destacan el pintor Wassily Kandinsky y los escultores Henry Moore, Naum Gabo y Anton Pevsner. AMARILLO, ROJO, AZUL (1925), KANDINSKY
  • 3. WASSILY KANDINSKY Pintor de origen ruso y uno de los iniciadores del arte abstracto del siglo XX. Tomó clases de música y dibujo antes de Derecho y Economía en la Universidad de Moscú. Tras licenciarse en 1892, comenzó a dar clases en la universidad, pero en 1895 visitó la exposición de impresionismo francés y quedó fascinado por una obra de la serie de los almiares de Monet. Un año más tarde Kandinsky decidió abandonar su profesión y dedicarse por completo a la pintura. Se trasladó a Alemania y estudió pintura en Múnich. En 1901 participó en la fundación de Phalanx, una asociación que organizaba exposiciones para introducir las vanguardias francesas en Múnich y abrió una escuela de arte. Entre 1906 y 1907 se instaló en París. ALMIARES, MONET
  • 4. Sus primeras obras, en los inicios del siglo XX, fueron sobre todo paisajes realizados a espátula, los primeros muy sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauvista. También pintó algunos temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. De esta época destacan obras como El cometa o Vista de Murnau (1908). EL COMETA VISTA DE MURNAU
  • 5. La lectura de los escritos de Wilhelm Worringer en 1909 y la música del compositor Arnold Schönberg le llevaron a un creciente interés por el arte no objetivo. Kandinsky estaba preocupado por el materialismo del mundo moderno y veía en la abstracción una vía de liberación del hombre. Fue miembro fundador de la Neue Künstlervereinigung de Múnich (Nueva Asociación de Artistas), donde conoció a Franz Marc. Junto a él abandonó posteriormente este grupo para, en 1911, comenzar a publicar juntos el almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), en torno al cual se aglutinó un variado grupo de artistas que configuraron la segunda generación del expresionismo alemán. En las páginas de Der Blaue Reiter Kandinsky defendía una función mística para el arte, un arte no objetivo que respondiera no a un reflejo de las apariencias, sino a la fuerza interior del artista. FRANZ MARC Y KANDINSKY
  • 6. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, en su opinión “una teoría artística basada en la posibilidad de un arte no figurativo, en la forma y el color como elementos básicos de un lenguaje que pretende crear emociones mediante esos recursos plásticos que ha puesto en juego el artista. Son los colores los que proporcionan sentido a los motivos.” Se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. EL JUICIO FINAL (1911)
  • 7. Kandinsky personificó la llamada Abstracción Lírica, caracterizada por la ausencia de contornos geométricos y la búsqueda de la belleza a través de la combinación armónica de líneas y colores, comparándolos con acordes musicales, con el objetivo de despertar determinadas emociones. Para él, el color era un medio para influir en el alma, como quiso demostrar en sus: - Impresiones: impresiones directas de la naturaleza exterior - Improvisaciones: expresión en gran parte inconsciente, espontánea, de carácter interior, de naturaleza no material, sino espiritual - Composiciones: expresión de un sentir interior lentamente formado, elaborado repetidamente y de un modo casi pedante, declaración de sus ideas artísticas. IMPRESIÓN III (CONCIERTO) IMPROVISACIÓN (DILUVIO)
  • 10. En 1914 regresó a Moscú, donde trabajó en el Comisariado de Educación Popular en los primeros momentos de la Revolución Bolchevique. Al imponerse el realismo socialista como estética dominante, en 1921 Kandinsky regresó a Alemania y entró a trabajar como profesor en la Bauhaus, al tiempo que su pintura se contagiaba de la tendencia geométrica de esta escuela. En esta época publicó Punto y línea sobre el plano (1926). Con la llegada al poder de Hitler en 1933 y el cierre de la Bauhaus, Kandinsky huyó a París y se instaló en las afueras, en Neuilly-sur-Seine, donde su pintura recuperó la abstracción más libre de sus primeros años. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como había hecho ya al comienzo de su trayectoria pictórica. EN AZUL, 1925
  • 11. AMARILLO, ROJO, AZUL, 1925 ALGUNOS CÍRCULOS, 1926 HACIA ARRIBA, 1929
  • 12. COMPOSICIÓN IX, 1936 COMPOSICIÓN X, 1939 COMPOSICIÓN, 1944 https://www.wikiart.org/es/wassily-kandinsky/all-works
  • 13. HENRY MOORE (1898-1986) Es considerado como el más importante escultor británico del siglo XX. Su obra, centrada en la figura humana, en especial en la mujer, está compuesta de esculturas y una gran cantidad de dibujos, en los que enlazaba su amplio conocimiento del arte del pasado con las nuevas tendencias del siglo XX. Se inspiró en las formas de la naturaleza y fue uno de los grandes maestros de la escultura biomórfica, de la llamada la abstracción biomórfica. Influyó decisivamente en la escultura figurativa de la 2ª mitad del siglo XX.
  • 14. Desde 1921 estudió en el Royal College of Art de Londres, lo que le permitió visitar con frecuencia el British Museum. Además de las esculturas griegas, Moore se sintió fascinado por las expresiones artísticas no occidentales, como el arte africano, de Oceanía y, en especial, el precolombino. Durante la década de 1920 viajó a Francia y a Italia y allí admiró la obra de Cézanne, Rodin, Picasso, Hans Arp y Modigliani, pero también la de maestros del Renacimiento como Giotto y Massaccio. INFLUENCIA DE PICASSO
  • 15. Moore desarrolló una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes. Sus obras tempranas están muy influidas por el arte primitivo egipcio, etrusco, precolombino y africano. A partir de 1926 realizó numerosas figuras reclinadas, inspiradas en el dios azteca de la lluvia Chac Mool. CHACMOL, ESCULTURA AZTECA
  • 16. FIGURA RECOSTADA EN TRES PIEZAS FIGURA RECLINADA FIGURA RECLINADA MADRE E HIJO Después evolucionó hacia la abstracción, pero siempre conservando la referencia a las formas derivadas de la naturaleza. Realizó numerosas versiones de mujeres reclinadas y maternidades.
  • 17. En 1933 Moore entró a formar parte del grupo Unit One, que integraba a pintores, escultores y arquitectos vanguardistas, entre los que se encontraban Barbara Hepworth, Ben Nicholson o el crítico Herbert Read. También se aproximó a los surrealistas británicos y expuso en 1936 en la International Surrealist Exhibition de las New Burlington Galleries de Londres. En 1940 su estudio fue dañado por las bombas, y poco después el Gobierno le encomendó la tarea de plasmar sobre papel a los londinenses que se refugiaban en las estaciones de metro. Para realizar estos dibujos, Moore volvió a un estilo más naturalista, a pesar de que tampoco abandonó por completo la figuración en sus aproximaciones a la abstracción.
  • 18. En 1946 nació Mary, su única hija. Durante esta etapa sus dibujos y estudios reflejaron la vida doméstica familiar. La mujer sola o acompañada por un niño, tema que ya había aparecido con frecuencia en su obra anterior, se convirtió en la gran protagonista de su obra a partir de entonces. En muchas de sus composiciones las figuras aparecen recostadas o reclinadas, con predominio de las líneas curvas y formas cóncavas y convexas, cerradas, sin aristas, sinuosas, tridimensionales, en las que se observa un equilibrio entre masa y vacío, con un trabajo de las superficies de gran plasticidad. Moore trabajó mucho la relación entre el objeto escultórico y el espacio que lo rodea, muy particularmente cuando se exponen en el exterior, en la naturaleza. FAMILIA AUMENTADA, 1949
  • 20. TRES FORMAS, VÉRTEBRAS DOBLE ÓVALO En 1948, la Bienal de Venecia le concedió el Premio Internacional de Escultura, que consolidó su reputación internacional. A partir de entonces, recibió encargos para realizar obras públicas, lo que le permitió que el tamaño de sus esculturas aumentase. Algunos ejemplos son Madre e hijo (1946), la Figura reclinada (1956- 1958), de la UNESCO en París, la obra del mismo título realizada para el Lincoln Center de Nueva York (1963-1965) y Doble óvalo (1966).
  • 21. FIGURA RECLINADA, UNESCO FIGURA RECLINADA, LINCOLN CENTER MARIPOSA
  • 23. NAUM GABO (1890-1977) Su nombre real era Naum Pevsner, pero cambió su nombre para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner, también artista. Fue uno de los principales artistas del constructivismo. Inicialmente, estudió medicina e ingeniería en Múnich. En 1912 visitó a su hermano, Antoine Pevsner, en París, y al año siguiente entró en contacto con los expresionistas de Der Blaue Reiter en Múnich. En 1914 comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista con láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Estas primeras obras entre 1915 y 1917 son deudoras de la descomposición de volúmenes en planos del cubismo analítico. Fue el primero en utilizar plásticos industriales en la escultura, como en su Cabeza constructiva II (1916).
  • 25. Pasó los años de la 1ª Guerra Mundial en Oslo, donde se reunió de nuevo con su hermano Antoine. Tras la Revolución Bolchevique volvieron a Rusia y entre 1917 y 1922 participaron en la fundación del movimiento constructivista en Moscú. En 1920 publicaron el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales, en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce. MODELO DE TORSO CONSTRUCTIVISTA, 1917
  • 26. Pronto prescindió de toda referencia figurativa para indagar en la introducción de factores hasta entonces inéditos en la escultura, como el movimiento (Construcción cinética, 1920) o la transparencia (Construcción en el espacio equilibrada entre dos puntos, 1925), ligados a la experimentación de los nuevos materiales industriales (acero, plexiglás, vidrio). Siguiendo estas premisas realizó varias obras con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. CONSTRUCCIÓN CINÉTICA, OLA VERTICAL, 1920 CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO EQUILIBRADA POR DOS PUNTOS (1925)
  • 27. La obra de Naum Gabo se caracteriza por la constante investigación espacial llevada a cabo de forma científica. Más adelante se interesó menos por los ritmos cinéticos y más la evocación potencial de energía y movimiento en esculturas inmóviles. Se interesó por los nuevos materiales industriales, en especial los transparentes, que le permitían construir superficies regladas y desarrollables, elementos que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales y exploran el espacio entendido en su sentido metafísico. Su constante fue la sugestión de transparencia y de energía activa. La escultura tenía para Gabo y para su hermano una función ontológica, en el sentido de que permitía visualizar las realidades virtuales en las que se internaba el conocimiento científico. RELIEVE CIRCULAR, 1925 MODELO PARA CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO, DOS CONOS
  • 28. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923), de cristal, metal y plástico. En París, Pevsner y Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción- Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto. COLUMNA, 1923
  • 29. CONSTRUCCIÓN SOBRE UNA LÍNEA, 1937 CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO (CRISTAL), 1937-39 TEMA ESPIRAL, 1941 CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO CON CRISTAL, 1940
  • 30. Durante la 2ª Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon. En 1946 se afincó en Estados Unidos CONSTRUCCIÓN LINEAL, VARIACIÓN (1943)
  • 31. Una de sus obras más notables es un monumento de 26 metros de alto, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940.
  • 32. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la Fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.
  • 33. ANTOINE PEVSNER (1888 –1962) Tuvo, como su hermano Naum, una formación inicial científica. En 1911 abandonó la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viajó a París, donde admiró los trabajos de, entre otros, Delaunay y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la 1ª Guerra Mundial permaneció en Oslo. Volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, en donde afirmaban que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Duchamp. Este encuentro le decidió a abandonar la pintura y se volcó en la escultura constructivista. Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO, 1923 - METAL Y CRISTAL DE BACCARAT
  • 34. Como escultor, rechazó los materiales clásicos utilizados en la escultura tradicional, como piedra, la madera, el yeso y la terracota, y trabajó el metal, el vidrio, el plexiglás, el cemento, el celuloide y distintos plásticos, demostrando que estos materiales podían ser aprovechados para producir obras de arte. De los materiales tradicionales sólo utilizó el bronce, pero con un tratamiento nuevo, puesto que introdujo el color por medio de la oxidación del metal. Como otros escultores contemporáneos, uno de sus retos fue el de incorporar el vacío o el espacio a sus obras. Tuvo la idea de jugar con vidrio y otros materiales transparentes que multiplican la eficacia de los vacíos. Pevsner adaptó las formas de sus obras a los materiales en los que iban a ser realizadas. Después de 1930 en sus creaciones aparece una búsqueda de dinamismo FUENTE, PLÁSTICO COLOREADO, 1925
  • 35. PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1924 - BRONCE OXIDADO CONSTRUCCIÓN CON SUPERFICIE DESARROLLABLE.
  • 36. PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1938 - COBRE, BRONCE OXIDADO Y PLÁSTICO PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1938
  • 38. PROYECCIÓN DINÁMICA EN 30° (1950-1951) CONSTRUCCIÓN ESPACIAL EN LA 3ª Y 4ª DIMENSIÓN
  • 39. DIRECCIÓN DEL MOVIMIENTO DE UNA CONSTRUCCIÓN ESPACIAL, (1961) Pevsner exploró nuevos conceptos escultóricos centrándose sobre todo en el desarrollo de formas en el espacio. La exploración de las conjunciones de planos y las tensiones e interacciones de las líneas de fuerza de sus composiciones geométricas fueron los factores primordiales de su investigación plástica y matemática que se asentó fundamentalmente en el uso de estructuras, láminas e hilos metálicos. Sus esculturas, construidas en gran parte con elementos metálicos, se organizan alrededor de un eje central, en torno del cual se acumulan estructuras y planos. VISIÓN ESPECTRAL, 1959 - COBRE Y BRONCE OXIDADOS
  • 40. EL MUNDO COLUMNA DE LA PAZ