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Subido porRamon Vazquez
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40 Principales

El resumen trata sobre el desarrollo de las creencias religiosas y mitológicas a lo largo de la historia reflejadas en el arte. Se analizan las obras de pintores como Simone Martini, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hans Memlin y El Bosco, destacando sus principales obras y la influencia del estilo gótico en la pintura italiana y flamenca entre los siglos XIV y XV.

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40 PRINCIPALES
El tema que voy a tratar en la exposición es el desarrollo a lo largo de la historia de las creencias del ser humano, centrándome especialmente en las cristianas y mitológicas reflejadas en el arte. tema de la exposición
pintores
SIMONE MARTINI Siena, Italia 1284- Aviñón, Francia 1344, Fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa Reputado maestro en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de parís Aprendió la técnica del fresco y estudió la obra de Giotto. Una de sus creaciones más tempranas, realizada hacia 1315, fue la "Majestad" del Palacio Público de Siena En esta época estudia a fondo los esmaltes, los marfiles y las miniaturas que se desarrollaron en las escuelas del gótico francés Hacia 1317 pinta "San Ludovico de Toulouse coronando a Roberto de Anjou" y "Escenas de la vida de San Martín" De este conjunto destaca la conjunción de elementos sagrados y profanos. Realizó otras obras como el retrato de Guidorico da Fogliano, o los polípticos que actualmente se encuentran en el Museo Nacional de Pisa y el Museo dell'Opera del Duomo de Orvieto. También relató en varias escenas la vida del beato Angostino Novello y realizó la Anunciación de los Uffizi Al comienzo de la década de los cuarenta se traslada a Aviñón, donde entra al servicio del pontífice Benedicto XII. En estas fechas entabla una profunda amistad con Petrarca. Para éste realizó la miniatura "Vergilius cum notis Petrarcae" y un retrato de Laura, cuyo paradero se desconoce.
ANUNCIACIÓN Autor: Simone Martini Fecha: 1333 Características: 265 x 305 cm . Museo: Galería de los Uffizi   Material: Temple sobre tabla Estilo: Gótico Italiano
MAESTÀ Autor: Simone Martini Fecha: 1317 Características 793x970cm Museo: Museo Cívico de Siena Material: Pintura al fresco Estilo: Gótico Italiano
SAN LUÍS DE TOLOSA CORONANDO A ROBERTO DE ANJOU, REY DE NÁPOLES Autor: Simone Martini Fecha: 1317 Característica: 250x118cm Museo: Museo Cívico de Siena Material: Pintura sobre tabla Estilo: Gótico Italiano
JAN VAN EYCK Maaseik, c. 1390 - Brujas, 1441. Pintor flamenco que trabajó en Brujas, fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV. Este periodo se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional, mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Inventó la de la fórmula del óleo con secado rápido. En 1425 Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservó hasta su muerte. éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas en territorios de España, Italia y Portugal. La visita a estos países le permitió reconocer nuevas luminosidades, cielos y atmósferas diáfanas e incluso notar nuevas vegetaciones (en el Políptico de Gante aparecen, como parte del paisaje de la paradisíaca Nueva Jerusalén, figuradas con precisión casi de naturalista especies mediterráneas). Las figuras humanas por él representadas tienen una actitud impasible y tendiente a la monumentalidad. Es calificado de pintor naturalista, tal afirmación se ve corroborada en la representación de Eva y Adán, desnudos, en la parte superior del Políptico de Gante , retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: les ha pintado casi todos sus pelos. La obra más famosa es el monumental retablo titulado El Cordero Místico, también conocido como el políptico de Gante (1432) compuesto por varios paneles que se abren en antas para mostrar la pintura. Se conservan cuidadosamente firmadas y fechadas entre 1432 y 1439 nueve obras; cuatro de ellas son de tema religioso, como la Virgen del canónigo Van der Paele (1436), o la Virgen del Canciller Rolin (1435).
ANUNCIACIÓN Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1435 Características: 93x37cm Museo: Nacional Gallery (Washington) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Pintura Flamenco
DÍPTICO: LA CRUCIFIXIÓN Y EL JUICIO FINAL CRUCIFIXIÓN Autor: Jan Van Eyck Fecha: s.f Características: 56,5x19,7cm Museo: Metropolitan Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Pintura Flamenca JUICIO FINAL Autor: Jan Van Eyck Fecha: s.f Características: 56,5x19,7cm Museo: Metropolitan Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Pintura Flamenca
Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1425-29 Características: 137,7x242,3cm Museo: Catedral de San Bavón Material: Oleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca POLÍPTICO DE GANTE: ADORACIÓN DEL CORDERO MÍSTICO
VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1436 Características: 122,1x157,8cm Museo: Museo Groeninge de Brujas Material: Oleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca
VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1435 Características: 66x62cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca
ROGIER DE LA PASTURE Tournai, Bélgica1399/1400- Bruselas, 18 de junio de 1464. Fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período gótico. Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados. Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus personajes presentan un marcado corte realista. El descendimiento de la cruz es considerada su la obra maestra. Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido. Tiene forma rectangular, con un saliente en el centro de la parte superior, en el que se encuentra la cruz y un joven encaramado en la escalera, que ha ayudado a bajar el cadáver. Encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo es liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas policromadas.. Es un cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la emoción del espectador ante las expresiones de los personajes. San Lucas dibujando a la Virgen En este cuadro se ve al evangelista Lucas con la Virgen María junto con el Niño Jesús. El Tríptico de los Siete Sacramentos describe en su tríptico los siete sacramentos de la Iglesia Católica. En el panel de la izquierda se encuentran el bautismo, la confirmación y la Confesión. El panel del centro está dominado por una escena de Crucifixión.
EL DESCENDIMIENTO Autor: Rogier de la Pasture Fecha: 1435 Características: 220x262cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
SAN LUCAS DIBUJANDO A LA VIRGEN Autor: Rogier de la Pasture Fecha: 1435 Características: 137,5x110,8cm Museo: Museo de Bellas Artes (Boston) Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
ALTAR DE LOS SIETE SACRAMENTOS CRUCIFIXIÓN EN UNA IGLESIA Autor: Rogier de la Pasture Fecha: 1445 Características: 200x97cm Museo: Koninklijk Museum Amberes Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
HANS MEMLIN Seligenstadt, Alemania 1430 - Brujas 1494). Pintor flamenco, cuyo arte ilustró Brujas (Bélgica) en el período de su declive político y comercial. Es un pintor gótico del siglo XV, perteneciente al grupo que trabajó en el último tercio del siglo XV y principios del XVI. No se sabe demasiado sobre la vida de este pintor. Posiblemente de origen alemán. Está documentada su presencia en Bruselas en 1465 y en Brujas en 1466. En 1467 ingresó en la corporación de pintores de Brujas. Fue discípulo de Roger van der Weyden. Fue un pintor muy popular, amasando gracias a su arte una enorme fortuna. Le llegaron encargos de otros países. Fue uno de los pintores favoritos de Isabel I de Castilla. Recoge la tradición flamenca y reitera las formas anteriores. Su estilo es suave y delicado, con figuras bellas y magnífico colorido. Aporta una concepción germánica, sensual, de la belleza humana y de los destacados fondos paisajísticos de sus cuadros. Suele ser pintor de Vírgenes con el Niño, rodeada de ángeles músicos. Normalmente se trata de dípticos en que la Virgen está en una tabla y, en la otra, los donantes. No obstante, con el transcurso de los siglos, las tablas han acabado separadas.
ANUNCIACIÓN Autor: Hans Memlin Fecha: s.f. Características: 78,8x55cm Museo: Metropolitan Museum Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
MADONA CON EL NIÑO Autor: Hans Memlin Fecha: 1480 Características: 59x48cm Museo: National Gallery (Washington) Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
TRÍPTICO DE LA ADORACIÓN PRESENTACIÓN EN EL TEMPLO Autor: Hans Memlin Fecha: 1470 Características: 95x63cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
EL BOSCO Bolduque 1450 - agosto de 1516. Fue un pintor flamenco . Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos y en las tablas con la Pasión de Cristo , a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, En los últimos años de su actividad, su estilo cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. No fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee varias de sus obras más famosas. Técnicamente pintaba alla prima , es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas. En cuanto a la figuración destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables. Lo que primero llama la atención de sus obras es su "surrealismo" - avant la lettre - sintetizado con el típico expresionismo teutónico. En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, ora normales, ora monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, poblado de figurillas fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal.
TRÍPTICO BRONCHORST-BOSSCHUYSE ADORACIÓN DE LOS MAGOS Autor: El Bosco Fecha: 1510 Características: 138x72cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
ECCE HOMO Autor: El Bosco Fecha: 1480-85 Características: 75x61cm Museo: Städelsches Kunstinstitut Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca
REVERSO DEL JARDÍN DE LAS DELICIAS, CREACIÓN DEL MUNDO Autor: El Bosco Fecha: 1503-04 Características: 220x195cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS Autor: El Bosco Fecha: 1503-04 Características: 220x195cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca
SAN JUAN BAUTISTA EN MEDITACIÓN Autor: El Bosco Fecha: 1504-05 Características: 48,5x40cm Museo: Museo Lázaro Galdiano Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
GÉRARD DAVID 1460, Oudewater - 13 de agosto de 1523, Brujas. Fue un pintor del estilo flamenco, dentro de la pintura gótica, conocido por su brillante uso del color. David marchó a Brujas en 1483, se unió a la cofradía de san Lucas en 1484 y se convirtió en su decano en 1501; en 1496 se casó con Cornelia Cnoop, hija del decano de la cofradía de los orfebres; se convirtió en uno de los ciudadanos prominentes de la ciudad; falleció el 13 de agosto de 1523 y fue enterrado en la Iglesia de Nuestra Señora en Brujas. En su etapa inicial en Haarlem ya había evidenciado su poder superior como colorista. A esta primera época pertenece el San Juan y el San Jerónimo . En Brujas fue donde adquirió una solemnidad de tratamiento, mayor realismo en la representación de la forma humana y un arreglo ordenado de las figuras. La Pietà de David y el Descendimiento de la Cruz destacan por su sentido de movimiento dramático. Pero las obras en los que se basa su fama son los grandes retablos: Los desposorios místicos de Santa Catalina ; el tríptico de la Virgen entronizada con santos ; la Anunciación ; y sobre todo, la Virgen con Ángeles y Santos . Sólo unas pocas obras quedaron en Brujas: El Juicio de Cambises , El despellejamiento de Sisamnes , y el Bautismo de Cristo en y la Transfiguración en la iglesia de Nuestra Señora. El resto se encuentran dispersos por todo el mundo, y esto puede deberse al olvido en que cayó su nombre; esto, y el hecho de que, a pesar de toda la belleza y lo conmovedora que es su obra, no aporta nada nuevo a la historia del arte. Incluso en su mejor obra sólo aporta nuevas variaciones del arte de sus predecesores y de sus contemporáneos.
BAUTISMO DE CRISTO Autor: Gérard David Fecha: 1505 Características: 128x97cm Museo: Groeningemuseum Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
VIRGEN CON EL NIÑO Autor: Gérard David Fecha: s.f. Características: 45x35cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
DESCANSO EN LA HUIDA A EGIPTO Autor: Gérard David Fecha: 1510-15 Características: 50,8x43,2cm Museo: Metropolitan Museum of Art Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
GIOTTO DI BONDONE 1266 - Florencia, 8 de enero de 1337. Fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital. Carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron. Con sus composiciones de profunda emotividad es el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos. Al concentrarse en estos conceptos esenciales fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado a las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es intemporal y ha seguido siendo válida para todas las épocas posteriores a la suya.
JOAQUÍN EXPULSADO DEL TEMPLO Autor: Giotto di Bondone Fecha: 1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano
ÁNGEL DE LA ANUNCIACIÓN Autor: Giotto di Bondone Fecha: 1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano
BAUTISMO DE CRISTO Autor: Giotto di Bondone Fecha: 1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano
beato angélico Más conocido como Fra Angelico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico". Combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer renacimiento. En el Museo del Prado de Madrid se conserva una de sus obras más representativas: La Anunciación (1430-1432), realizada para el convento dominico de Fiesole. El Museo Thyssen-Bornemisza posee La Virgen de la humildad , depositada en el MNAC de Barcelona. Los duques de Alba poseen en el Palacio de Liria otra obra de Fra Angelico, La Virgen de la granada , adquirida por un antepasado suyo en Florencia hacia 1816.
Autor: Beato Angélico Fecha: 1445 Características: 194cm en cuadro Museo: Museo del Prado Material: Pintura al Temple Estilo: Renacimiento Italiano LA ANUNCIACIÓN
ELECCIÓN DEL NOMBRE DE JUAN Autor: Beato Angélico Fecha: 1434-35 Características: 27,3x24,9cm Museo: Convento de San Marcos de Florencia Material: Temple sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
CRUCIFIXIÓN Autor: Beato Angélico Fecha: 1450 Características: 233x183cm Museo: Convento de San Marcos de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
CORONACIÓN DE MARÍA Autor: Beato Angélico Fecha: 1441 Características: 171x151cm Museo: Convento de San Marcos de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
masaccio Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. Su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura. Fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi. Sus primeros contactos artísticos fueron en Roma, hacia 1417 se traslada a Florencia, acompañado de su madre, viuda de su segundo matrimonio. El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el gremio de médicos, boticarios y pintores de la ciudad, relacionándose con Donatello y Brunelleschi, como se observa en el Tríptico de San Giovenale, su primera obra conocida. También trabaja en el fresco de La Consagración para la iglesia del Carmine. En 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" e inicia sus relaciones con Masolino, con quien trabaja en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, su obra maestra. La ejecución de los frescos se prolongará hasta 1428, trabajos que compagina con otros encargos Gracias al catastro de 1427 sabemos que Masaccio vivía con su hermano Giovanni y su madre en una casa alquilada de la Via dei Servi y que ocupaba un taller en la actual Piazza di San Firenze. En 1428 se traslada a Roma para colaborar nuevamente con Masolino en la ejecución de un tríptico que no llegó a finalizar ya que falleció misteriosamente ese mismo año. Su estilo destacará por sus figuras monumentales. Aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista, considerándose como el primer maestro del Quattrocento
EL TRIBUTO Autor: Masaccio Fecha: 1424-28 Características: 255x598cm Museo: Iglesia del Carmine de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
LA TRINIDAD Autor: Masaccio Fecha: 1426-28 Características: 667x317cm Museo: Iglesia de Sta Maria Novella de Florencia Material: Fresco sobre muro Estilo: Renacimiento Italiano
ADORACIÓN DE LOS MAGOS Autor: Masaccio Fecha: 1426 Características: 21x61cm Museo: Gemäldegalerie (Berlín) Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento Italiano
piero della francesca Piero De Benedetto Dei Franceschi , más conocido por Piero della Francesca (Sansepolcro, 1416-1492) fue un pintor cuatrocentista italiano. Su obra se caracteriza por una dignidad clásica. El tratamiento de las figuras es muy volumétrico y se percibe un estudio anatómico, y una cierta monumentalidad. Destaca la inexpresividad y frialdad de los personajes, con figuras que parecen estar muy estáticas, como congeladas y suspensas en sus propios movimientos. Se percibe también la voluntad de construcción de un espacio racional y coherente. Se interesó mucho por los problemas del claroscuro y perspectiva. La luz en sus cuadros es muy diáfana, con un tratamiento uniforme, sin intensidades ni gradación lumínica (ligeramente arcaica). Sus ensayos en este sentido llegan a dar la sensación de que sus figuras están modeladas en material dotado de luz propia, intima, radiante. Los frescos como la Leyenda de la Santa Cruz , en el ábside de la Iglesia de San Francisco, en Arezzo, son una obra de arte en luminosidad. La perspectiva lineal era su característica principal a la hora de pintar, lo que se puede apreciar en todos sus cuadros, que se distinguen básicamente por sus coloridos luminosos y un suave pero firme trazo en las figuras. Realizó numerosas obras importantes: El Bautismo de Cristo (1440-45), La Palla de la Misericordia (1445-1460), frescos en el templo Malatestiano de Rímini (1451), y una capilla en la iglesia de San Francisco de Arezzo (1452, 1463), en donde se ve el ciclo de la devoción de la Vera Cruz.
BAUTISMO DE CRISTO Autor: Piero della Francesca Fecha: 1448-50 Características: 166x115cm Museo: National Gallery de Londres Material: Pintura al Temple Estilo: Renacimiento Italiano
NATIVIDAD Autor: Piero della Francesca Fecha: 1484-87 Características: 124,5x123cm Museo: National Gallery de Londres Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento Italiano
RESURRECCIÓN DE CRISTO Autor: Piero della Francesca Fecha: 1460-63 Características: 225x200cm Museo: Museo Cívico de Sansepolcro Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
VIRGEN DE SENIGALLIA Autor: Piero della Francesca Fecha: 1470-75 Características: 61x53,5cm Museo: Galería Nacional de las Marcas Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
botticelli Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Según Vasari se empezó a formar en un taller de orfebrería, de ahí pasaría al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467), de este pintor recibe sus mayores influencias, también, en menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. Para el año 1470, Botticelli ya tenía su taller propio y en 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante. Su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. Según el crítico Bernard Berenson puede considerarse a Botticelli como el mejor decorador lineal que haya habido en Europa.
LA PRIMAVERA Autor: Botticelli Fecha: 1478 Características: 203x314cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera Estilo: Renacimiento Italiano
NACIMIENTO DE VENUS Autor: Botticelli Fecha: 1485 Características: 172,5x278,5cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano
PALAS Y EL CENTAURO Autor: Botticelli Fecha: 1482 Características: 207x148cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano
leonardo Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Castillo de Clos-Lucé, Francia, 2 de mayo de 1519) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico, ingeniero y el hombre del Renacimiento por excelencia. Humanista de primera línea, está ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia. La admiración hacia Leonardo como científico e inventor es reciente, puesto que a lo largo de cuatrocientos años su enorme fama se debió a sus logros como pintor y a unas pocas obras, que o bien se había autenticado que eran obra suya, o bien se le atribuyeron, pero que en cualquier caso han sido consideradas obras maestras de la pintura. De sus obras, quizás sobreviven 15 pinturas, junto a sus diarios, que contienen dibujos, diagramas científicos, y notas. Planeó frecuentemente pinturas grandiosas con muchos dibujos y esbozos, dejando los proyectos inacabados. Sus pinturas son famosas por una serie de cualidades que han sido muy imitadas por estudiantes y discutidas ampliamente por los aficionados y los críticos: sus técnicas innovadoras, su detallado conocimiento de anatomía, luz, botánica y geología, su interés en fisonomía y la forma en que los humanos registran emoción. Su gran aportación es el esfumado, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. Prestando atención, se puede percibir en varios cuadros un efecto característico de la pintura de Leonardo: la delicada transición de la luz a la sombra, cuando un tono más claro se funde con otro más oscuro, como bellos acordes musicales. Leonardo usa la llamada "perspectiva aérea", esto es, representar la sensación de profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo porque las partículas en suspensión que hay en la atmósfera hace que se vean con más nitidez los objetos del primer plano y de una manera más difuminada lo que queda al fondo. Todas estas características están presentes en sus obras más famosas: La Gioconda (Mona Lisa), (actualmente en el museo del Louvre de París), La última cena y La Virgen de las Rocas .
VIRGEN DE LAS ROCAS Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1485 Características: 199x122cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
LA ÚLTIMA CENA Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1495-97 Características: 480x880cm Museo: Iglesia de Sta. María delle Grazie de Millán Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
SANTA ANA CON LA VIRGEN Y EL NIÑO Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1508-10 Características: 168x130cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
miguel ángel Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori , de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido. Vita de Michelangelo Buonarroti , escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
TONDO DONI Autor: Miguel Angel Fecha: 1503 Características: 120 (diám.) Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
JUICIO FINAL Autor: Miguel Angel Fecha: 1537-41 Características: 1370x1220cm Museo: Capilla Sixtina (Roma) Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO Autor: Miguel Angel Fecha: 1542-45 Características: 625x661cm Museo: Capilla Paolina (Roma) Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
TIZIANO Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, 1477- Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas”, es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Su carrera artística fue muy dilatada, con una producción grandiosa, la mayoría por encargo. En este pintor se puede comprobar perfectamente el cambio de status producido durante el Renacimiento, pasando de ser artesanos a convertirse artistas, reconocidos socialmente. La temática tizianesca es también amplia, retrató a la clase dirigente de su época, recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza, pintó paisajes, reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco. En general, podemos dividir su producción pictórica en tres grandes temas: la pintura religiosa, las escenas mitológicas y los retratos. Estas categorías no son compartimentos estancos, debido a que se vieron entrelazadas en muchas ocasiones, como los casos de los retratos de personajes reconocibles dentro de escenas mitológicas o religiosas Existen dos épocas diferenciadas sucedidas en el tiempo en cuanto al desarrollo estilístico de Tiziano debido tanto a su evolución personal como a la de la propia pintura del Renacimiento, que en pleno Cinquecento buscaba ámbitos nuevos más alejados del clasicismo inicial.
ASUNCIÓN DE LA VIRGEN Autor: Tiziano Fecha: 1517 Características: 690x360cm Museo: Iglesia de Sta. María dei Frari (Venezia) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano
APÓSTOL SANTIAGO PEREGRINO Autor: Tiziano Fecha: 1565 Características: 231x137cm Museo: Iglesia de San León de Venezia Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano
DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO Autor: Tiziano Fecha: 1553 Características: 129x180cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano
rafael sanzio Raffaello Sanzio, también conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael (Urbino, actual Italia, 6 de abril de 1483– Roma, 6 de abril de 1520), fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Es célebre por la perfección y gracia de sus pinturas y dibujos. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Murió el día en que cumplía los treinta y siete años, y nació y murió en viernes Santo. A pesar de su muerte prematura fue inmensamente productiva, creando así, una inusual pero gran colección de pinturas. La cual en gran parte se conserva, sobre todo en los Museos Vaticanos. Estos albergan Las Estancias de Rafael , que fue el trabajo central y a la vez, el más grande de su carrera, quedando sin terminar a causa de su muerte. Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció una gran influencia en su época, aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, fue más intensa hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron consideradas de nuevo como un modelo superior. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte
LA VIRGEN DEL JILGUERO Autor: Rafael Fecha: 1505-06 Características: 107x77cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
ESCUELA DE ATENAS Autor: Rafael Fecha: 1509-10 Características: 500x770cm Museo: Estancias Vaticanas Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
TRIUNFO DE GALATEA Autor: Rafael Fecha: 1511-12 Características: 295x225cm Museo: Villa Farnesina Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano
FERNANDO YÁÑEZ DE LA ALMEDINA Fernando Yáñez de la Almedina (Almedina, Ciudad Real, h. 1475 – Valencia, 1536) fue un pintor pionero del Renacimiento en España. Aún joven debió marchar a Italia, como indica el indudable italianismo de su estilo, que denota una marcada influencia del sfumato de Leonardo da Vinci, de quien fue discípulo. También acusa otras influencias florentinas. La relación entre Yáñez y Leonardo se atestigua en dos documentos de 1505 sobre la pintura de La batalla de Anghiari de Leonardo y sus discípulos en el Palazzo Vecchio de Florencia. En estos documentos se cita a un « Ferrando Spagnolo, pittore », que debe de ser Yáñez. A su vuelta a España se estableció en Valencia, donde aparece documentado por vez primera en 1506, fecha en la que pintó el retablo de San Cosme y San Damián para la catedral de Valencia, casi desaparecido en 1936. Allí trabajó ininterrumpidamente hasta 1526 colaborando con Hernando de los Llanos; ambos firmaban « Hernando » o « Fernando », hecho que generó la confusión de creer que eran un mismo pintor. Trabajaron en las puertas del Altar Mayor de la Catedral en 1507 y en las doce tablas de una Vida de la Virgen para el retablo mayor de la catedral, conjunto importante porque representa el establecimiento del modelo leonardesco en tierras levantinas. Yáñez hizo algún trabajo en Barcelona en 1515, pero casi toda su obra conservada corresponde al periodo de Valencia, donde pintó piezas como El abrazo ante la Puerta Dorada , La Adoración de los pastores y La Dormición de la Virgen , todas en las puertas del retablo mayor de la catedral. Llanos y Yáñez abandonaron Valencia antes de 1520, dirigiéndose uno a Murcia y el otro a Cuenca. En 1531 se sabe que Yáñez estaba en Cuenca pintando varios retablos, noticia que es la última conservada sobre este pintor. Así pues, pueden establecerse tres periodos o fases en Yáñez: una italiana, a la que se le atribuye Los Santos Ermitaños de la Pinacoteca de Brera (Milán), una valenciana, la más importante, y una conquense, valorada como de calidad decreciente.
CRISTO RESUCITADO Autor: Fernando Yánez de la Almedina Fecha: 1505 Características: 129x172cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español
SAN DAMIÁN Autor: Fernando Yañez de la Almedina Fecha: 1506 Características: 95x73cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español
SANTA CATALINA DE ALEJANDRÍA Autor: Fernando Yañez de la Almedina Fecha: 1501/21 Características: 212x112cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español
LUÍS DE MORALES Luís de Morales (Badajoz, Extremadura, 1509- 1586), es un pintor español de estilo manierista. Debido a la fama que disfrutó en vida y a la predilección por temas religiosos en sus obras, fue llamado « El divino Morales ». Desarrolló su actividad en un relativo aislamiento en Extremadura, si bien sus obras se distribuyeron por la península. En su pintura se observa un alargamiento de las figuras y el uso de la técnica del esfumado leonardesco, lo cual hace pensar en influencias de escuelas pictóricas extranjeras. No obstante, debido a su particular estilo de representación su obra es fácilmente identificable. Este extremeño fue apodado por sus coetáneos "el Divino". Los motivos fueron su dedicación casi mítica a los temas devocionales así como la ejecución extraordinaria de sus pinturas. Solía trabajar el óleo sobre madera y sobre cobre, y terminó por especializarse en detalles concretos de la religión, como el Cristo coronado de Espinas, la Piedad, la Virgen con el Niño, etc., visiones que excitaban la devoción del fiel. La leyenda de Morales fue creada en vida, y le achacaba cualidades de místico, que era lo que dotaba a sus imágenes de esa cuasi "divinidad" que las hacía tan comerciales. Sus clientes eran fieles a la producción de Morales, y los encargos le llegaban de todos los rincones de España. Su estilo amanerado y personal se debió a haberse formado lejos de los principales núcleos artísticos, como Madrid, Sevilla o Valencia. Con su particular forma de representación es sencillo identificar su obra: una característica fija es la piel blanca azulada de sus personajes o los dedos extremadamente delgados, con nudillos salientes, como si fueran tallos de cañas secas.
ADORACIÓN DE LOS REYES Autor: Luís de Morales Fecha: 1570-75 Características: 98x167cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo
CRISTO Y EL PECADOR Autor: Luís de Morales Fecha: 1550 Características: 70x48cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo
VIRGEN CON EL NIÑO Autor: Luís de Morales Fecha: 1525 Características: 84x64cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo
EL GRECO Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego») fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia (estilo de Tiziano y Tintoretto), y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida. Su formación pictórica fue obtenida de tres focos culturales muy distintos: primera la bizantina, causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores; por último, su estancia en Roma donde conoció la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.
EL EXPOLIO DE CRISTO Autor: El Greco Fecha: 1577-79 Características: 285x173cm Museo: Catedral de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo
MARTIRIO DE SAN MAURICIO Y LA LEGIÓN TEBANA Autor: El Greco Fecha: 1580-82 Características: 448x301cm Museo: Monasterio de San Lorenzo de El Escorial Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo
EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ Autor: El Greco Fecha: 1586-88 Características: 480x360cm Museo: Iglesia de Santo Tomé de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo
CARAVAGGIO Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Salvo en sus principios, produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Le reprochaban el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición. Se preocupó enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos.. La pintura que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen , por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado. La Iglesia católica osciló entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto hacia él y su obra. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores -como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos. En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo que huyó de Roma. En 1608 se vio nuevamente envuelto en otra riña, lo que se repitió más tarde en Nápoles hacia 1609, ocasionado posiblemente por sus enemigos. Tras estos incidentes, su carrera fue decayendo, lo que le ocasionó una depresión que degeneró en su muerte dos años más tarde. Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras. Fue quien le dio la técnica definitiva al claroscuro oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda.
BACO Autor: Caravaggio Fecha: 1597 Características: 98x75cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
MUERTE DE LA VIRGEN Autor: Caravaggio Fecha: 1605-06 Características: 369x245cm Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO Autor: Caravaggio Fecha: 1599-1600 Características: 322x340cm Museo: Iglesia de San Luís de los Franceses de Roma Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
JOSÉ DE RIBERA José de Ribera (Játiva (Valencia), 12 de enero de 1591 – Nápoles, 1652); pintor tenebrista español del siglo XVII, también conocido como Giusepe de Ribera o con su nombre italianizado: Giuseppe Ribera. Fue apodado por sus contemporáneos Lo Spagnoletto, « el españolito », por su baja estatura y porque reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como « Jusepe de Ribera, español » o « setabense » (de Játiva). Ribera es un pintor destacado de la escuela española, aunque su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España. Una de su obras “ El Calvario ” Es Fruto de la estrecha relación entre el duque de Osuna y Ribera. Se trata de una composición monumental en la que destaca el claroscuro existente en el trabajo, que hace casi invisible la figura de pie que con las manos juntas se sitúa en la derecha. El tratamiento de la escena está cargado de patetismo, destacando los gestos de tristeza de san Juan, la Virgen y la Magdalena. La composición se organiza a través de un triángulo invertido y diversas diagonales que aportan ritmo y dramatismo al conjunto, convirtiéndose en el trabajo más avanzado de los realizados por el artista valenciano para el Virrey. Como sus compañeros San Sebastián, San Jerónimo, y San Pedro penitente, el lienzo fue donado por doña Catalina Enríquez de Ribera a la Colegiata de Osuna en 1627. Un ejemplo del tenebrismo de la primera época de José de Ribera, es San Andrés Apóstol con marcados contrastes entre las zonas iluminadas y las sombrías. La figura está representada con gran realismo. Para este tipo de cuadros, Ribera copiaba modelos del natural, como los propios pescadores de Nápoles. El martirio de San Felipe es una obra de madurez del pintor, a juzgar por el tratamiento del colorido, los toques de pincel y el espléndido desnudo. Es menos caravagista que en obras anteriores, dotando al lienzo de mayor luminosidad. El cromatismo se aleja de los tonos terrosos propios del barroco español, acercándose más a la influencia veneciana.
EL CALVARIO Autor: José de Ribera Fecha: 1625-26 Características: 336x230cm Museo: Colegiata de Osuna Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
SAN ANDRÉS APÓSTOL Autor: José de Ribera Fecha: 1635 Características: 123x95cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
EL MARTIRIO DE SAN FELIPE Autor: José de Ribera Fecha: 1639 Características: 234x234cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
EL SUEÑO DE JACOB Autor: José de Ribera Fecha: 1639 Características: 179x233cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
FRANCISCO DE ZURBARÁN Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Extremadura (España); 7 de noviembre de 1598 – Madrid, 27 de agosto de 1664), pintor del Siglo de Oro español. Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos. Zurbarán fue un genial pintor de la época barroca española. Vivió durante el siglo XVII, es decir, en el primer Barroco. Fue coetáneo de los grandes pintores del Siglo de Oro,. Su estilo se mantuvo prácticamente invariable, mientras que el de los anteriores iba evolucionando. Esta inmovilidad fue durante varias décadas el secreto de su éxito, pero terminó por condenar su carrera artística. Zurbarán recibió el encargo de pintar La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino ( 1631) al tiempo que se le daban precisas instrucciones acerca de su ejecución: tamaño de la obra, colocación, tema, personajes, etc. El lienzo, enorme, habría de colocarse en el Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Es uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza en “ El Crucificado” a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de sensualidad y perfección. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral. Zurbarán era un pintor acostumbrado a "inspirarse" en los dibujos y grabados de otros artistas, modificando algunos de los personajes, situaciones, etc. Pero en el  “Entierro de Santa Catalina” el pintor copia la composición sin apenas variaciones de un grabado del siglo XVI. Sin embargo, Zurbarán es capaz de imprimir su estilo personal a la escena, y sustituye la linealidad del grabado por un verismo y un colorido inimaginables en otro autor.
APOTEOSIS DE SANTO TOMÁS DE AQUINO Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1631 Características: 480x379cm Museo: Museo Bellas Artes de Sevilla Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
CRUCIFICADO Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1627 Características: 290x168cm Museo: Chicago Art Institute Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
EXPOSICIÓN DEL CUERPO DE SAN BUENAVENTURA Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1629 Características: 254x220cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
ENTIERRO DE SANTA CATALINA Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1636 Características: 200x137cm Museo: Col. Conde Ibarra (Sevilla) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda . En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X , en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas . Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como « pintor de pintores » y « el más grande pintor que jamás ha existido ».
INOCENCIO X Autor: Velázquez Fecha: 1650 Características: 140x120cm Museo: Galleria Doria (Roma) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
CRISTO CRUCIFICADO Autor: Velázquez Fecha: 1632 Características: 248x169cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
LA VENUS DEL ESPEJO Autor: Velázquez Fecha: 1648 Características: 122x177cm Museo: National Gallery de Londres Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE Autor: Velázquez Fecha: 1657 Características: 220x289cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español