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Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  	
  	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
	
  
FUNDAMENTOS	
  DEL	
  ARTE	
  II.
TEMA	
  3.	
  ARTE	
  ENTRE	
  DOS	
  SIGLOS	
  XIX	
  Y	
  XX	
  
(I):	
  LAS	
  VANGUARDIAS
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
TEMA	
  3.	
  ARTE	
  ENTRE	
  DOS	
  SIGLOS,	
  XIX	
  Y	
  XX	
  (I):	
  LAS	
  VANGUARDIAS	
  
	
  
1.	
   Arte	
   entre	
   dos	
   siglos:	
   Simbolismo.	
   Nabis.	
   Impresionismo.	
   Postimpresionismo.	
   Luminismo.	
   Pintura	
   española.	
   2.	
   El	
   grabado	
  
japonés	
  Ukiyo-­‐E.	
  3.	
  Las	
  primeras	
  vanguardias	
  del	
  siglo	
  XX:	
  el	
  Fauvismo.	
  El	
  Cubismo.	
  4.	
  La	
  música.	
  
	
  
1.	
  ARTE	
  ENTRE	
  DOS	
  SIGLOS:	
  SIMBOLISMO.	
  NABIS.	
  IMPRESIONISMO.	
  POSTIMPRESIONISMO.	
  LUMINISMO.	
  
PINTURA	
  ESPAÑOLA	
  
	
  
Simbolismo	
  
	
  
El	
   Simbolismo	
   fue	
   una	
   corriente	
   cultural,	
   fundamentalmente	
   literaria	
   y	
   pictórica,	
   que	
   surgió	
   en	
   las	
   últimas	
  
décadas	
  del	
  siglo	
  XIX	
  y	
  se	
  extendió	
  hasta	
  los	
  primeros	
  decenios	
  del	
  siglo	
  XX.	
  El	
  término	
  Simbolismo	
  fue	
  acuñado	
  
por	
   el	
   poeta	
   francés	
   Jean	
   Moréas	
   en	
   1886	
   en	
   su	
   Manifiesto	
   Simbolista	
   para	
   definir	
   aquellos	
   poetas	
   que	
  
expresaban	
   sentimientos	
   profundos	
   y	
   personales,	
   revistiendo	
   la	
   idea	
   de	
   una	
   forma	
   sensual.	
   Pronto	
   comenzó	
  
también	
  a	
  designarse	
  con	
  este	
  vocablo	
  a	
  aquellos	
  artistas	
  que	
  rechazaban	
  el	
  naturalismo	
  pictórico	
  –como	
  por	
  
ejemplo	
  la	
  pintura	
  academicista	
  	
  o	
  la	
  pintura	
  impresionista-­‐	
  para	
  abogar	
  por	
  un	
  arte	
  más	
  subjetivo,	
  imaginativo	
  y	
  
fantasioso.	
  Es	
  un	
  arte	
  con	
  un	
  fuerte	
  contenido	
  poético,	
  incluso	
  místico1
	
  en	
  algunos	
  casos.	
  Los	
  simbolistas	
  eran	
  
estetas	
  y	
  exquisitos,	
  que	
  valoraban	
  la	
  belleza	
  como	
  bien	
  supremo	
  y	
  rechazaban	
  la	
  vulgaridad	
  de	
  la	
  vida	
  moderna.	
  
Proclamaban	
  sin	
  ambages	
  el	
  carácter	
  elitista	
  de	
  su	
  arte.	
  	
  
El	
  Simbolismo	
  surgió	
  en	
  Francia	
  y	
  se	
  difundió	
  por	
  Europa	
  (Bélgica,	
  España,	
  etc.).	
  Sus	
  principales	
  representantes	
  
fueron	
   Gustavo	
   Moreau,	
   Pierre	
   Puvis	
   de	
   Chavannes,	
   Odilon	
   Redon	
   y	
   muchos	
   otros,	
   que,	
   al	
   menos	
  
tangencialmente,	
  se	
  acercaron	
  con	
  sus	
  obras	
  a	
  los	
  postulados	
  simbolistas	
  como	
  Van	
  Gogh	
  o	
  Gauguin,	
  ambos	
  
simbolistas	
  a	
  su	
  manera.	
  Y	
  es	
  que	
  el	
  Simbolismo	
  supera	
  nacionalidades,	
  límites	
  cronológicos	
  y	
  estilos	
  personales.	
  	
  
Los	
   simbolistas	
   son	
   herederos	
   del	
   Romanticismo,	
   y	
   tienen	
   como	
   precedente	
   a	
   los	
   pintores	
   nazarenos,	
   a	
   los	
  
prerrafaelitas	
   y	
   a	
   William	
   Blake,	
   que	
   en	
   muchos	
   aspectos	
   anticipa	
   ya	
   el	
   simbolismo.	
   Serán	
   derivaciones	
   del	
  
Simbolismo	
  el	
  Grupo	
  de	
  pintores	
  de	
  Pont	
  -­‐Aben2
,	
  los	
  Nabis	
  y	
  el	
  Modernismo	
  o	
  Art	
  Nouveau.	
  
En	
  realidad,	
  como	
  bien	
  señala	
  Julián	
  Gállego,	
  	
  hablar	
  de	
  arte	
  simbolista	
  	
  es	
  una	
  redundancia	
  porque	
  todo	
  arte	
  es	
  
simbólico	
  aunque	
  lo	
  creamos	
  realista.	
  Un	
  cuadro	
  o	
  una	
  escultura	
  no	
  es	
  una	
  mera	
  copia	
  de	
  la	
  realidad	
  sino	
  una	
  
interpretación	
  de	
  la	
  misma.	
  El	
  contenido	
  simbólico	
  puede	
  ser	
  religioso,	
  filosófico,	
  político,	
  social,	
  sensual,	
  etc.	
  
Para	
  Gállego,	
  el	
  Simbolismo	
  es	
  expresar	
  lo	
  inexpresable	
  de	
  una	
  manera	
  exquisita.	
  Daban	
  forma	
  a	
  lo	
  inefable	
  
como	
  sueños	
  y	
  visiones.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
En	
   la	
   temática	
   pictórica	
   simbolista	
   abundan	
   las	
   escenas	
   de	
   carácter	
   literario,	
   bíblico	
   o	
   mitológico.	
   Combinan	
  
cierto	
  misticismo	
  pagano	
  con	
  lo	
  perverso	
  y	
  decadente,	
  presentando	
  así,	
  un	
  interés	
  por	
  el	
  ocultismo,	
  lo	
  mórbido,	
  
el	
  mundo	
  de	
  los	
  sueños,	
  la	
  melancolía,	
  el	
  mal	
  y	
  la	
  muerte.	
  El	
  erotismo	
  está	
  muy	
  presente	
  en	
  algunos	
  pintores	
  
simbolistas	
  que	
  suelen	
  representar	
  a	
  una	
  mujer	
  fatal	
  que	
  destroza	
  cuando	
  ama,	
  una	
  mujer	
  que	
  adopta	
  forma	
  de	
  
esfinge,	
  sirena,	
  araña,	
  o	
  genio	
  alado	
  diabólico.
El	
   Simbolismo,	
   como	
   también	
   el	
   Romanticismo,	
   fomentaba	
   el	
   escapismo,	
   el	
   huir	
   de	
   la	
   realidad	
   y	
   de	
   los	
  
convencionalismos	
  burgueses.	
  Poetas	
  y	
  pintores	
  buscaban	
  paraísos	
  artificiales	
  a	
  través	
  de	
  las	
  drogas	
  como	
  el	
  
hachís	
  o	
  el	
  alcohol.	
  
La	
  pintura	
  simbolista	
  suele	
  privilegiar	
  la	
  mancha	
  sobre	
  el	
  dibujo	
  y	
  presenta	
  un	
  vivo	
  colorido,	
  utilizado	
  muchas	
  
veces	
  de	
  forma	
  arbitraria	
  (un	
  rostro	
  azul,	
  un	
  paisaje	
  amarillo,	
  etc.)	
  antecedente	
  de	
  la	
  vanguardia	
  fauvista.	
  En	
  las	
  
1
	
  Misticismo	
  pagano	
  podría	
  ser	
  llamado,	
  aunque	
  parezca	
  un	
  oxímoron	
  (contradicción	
  en	
  términos).	
  
2
	
  Muy	
  cercana	
  a	
  los	
  planteamientos	
  del	
  Simbolismo	
  se	
  sitúa	
  la	
  Escuela	
  de	
  Pont-­‐Aven,	
  una	
  de	
  las	
  primeras	
  en	
  definirse	
  así.	
  Pont-­‐Aven	
  es	
  pueblecito	
  de	
  la	
  
Bretaña	
  francesa,	
  a	
  donde	
  se	
  dirigió	
  en	
  1886	
  un	
  grupo	
  de	
  pintores	
  como	
  Émile	
  Bernard	
  o	
  Gauguin	
  en	
  sus	
  inicios.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
composiciones	
   se	
   aprecia	
   la	
   influencia	
   de	
   las	
   estampas	
   japonesas	
   (en	
   los	
   colores	
   planos,	
   las	
   perspectivas	
   en	
  
diagonal,	
  etc.)	
  
La	
  pintura	
  simbolista	
  es	
  según,	
  su	
  máximo	
  experto,	
  el	
  escritor	
  francés	
  Albert	
  Aurier:	
  
*Ideista:	
  porque	
  refleja	
  una	
  idea	
  mediante	
  símbolos.	
  
*Sintética	
  y	
  de	
  fácil	
  apreciación.	
  
*Subjetiva:	
  porque	
  refleja	
  la	
  interioridad	
  y	
  la	
  personalidad	
  del	
  pintor	
  o	
  escultor.	
  
*Decorativa.	
  En	
  principio,	
  todo	
  buen	
  arte	
  es	
  decorativo	
  y	
  el	
  simbolismo	
  lo	
  es,	
  en	
  un	
  sentido	
  similar	
  a	
  
como	
  lo	
  fue	
  el	
  arte	
  egipcio	
  o	
  el	
  griego.	
  
	
  
Un	
  pintor	
  simbolista:	
  ODILON	
  REDON	
  (1840-­‐1916)	
  	
  
	
  
Odilon	
  Redon	
  fue	
  un	
  simbolista	
  francés	
  cuyas	
  pinturas	
  y	
  grabados	
  incluyen	
  mitos	
  clásicos	
  y	
  orientales,	
  retratos,	
  
flores	
  y	
  referencias	
  literarias.	
  Fue	
  también	
  ilustrador.	
  Dotado	
  de	
  una	
  fantasía	
  mística	
  y	
  desbordante	
  a	
  un	
  tiempo,	
  
hasta	
   1890	
   trabajó	
   casi	
   exclusivamente	
   en	
   blanco	
   y	
   negro,	
   al	
   que	
   consideraba	
   el	
   príncipe	
   de	
   los	
   colores,	
  
realizando	
  sobre	
  todo	
  dibujos	
  al	
  carbón	
  y	
  litografías.	
  Cuando	
  ya	
  contaba	
  con	
  cincuenta	
  años	
  fue	
  introduciendo	
  el	
  
color	
  en	
  su	
  pintura,	
  que	
  será	
  un	
  elemento	
  esencial	
  en	
  su	
  obra,	
  igual	
  que	
  la	
  luz,	
  como	
  podemos	
  contemplar	
  en	
  sus	
  
acuarelas,	
   pasteles	
   y	
   óleos.	
   Gran	
   admirador	
   de	
   Goya,	
   Poe,	
   Baudelaire	
   y	
   Moreau,	
   ha	
   sido	
   llamado,	
   con	
   razón,	
  
precursor	
  del	
  Surrealismo.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
La	
  pintura	
  NAIF	
  y	
  el	
  Simbolismo:	
  HENRI	
  ROUSSEAU	
  EL	
  ADUANERO	
  (1844-­‐1910)	
  
	
  
En	
  relación	
  con	
  el	
  Simbolismo,	
  encontramos	
  a	
  un	
  pintor	
  francés	
  heterodoxo	
  y	
  original	
  llamado	
  Henri	
  Rousseau3
.	
  
Nació	
  en	
  un	
  pueblecito	
  francés,	
  Laval,	
  un	
  paisaje	
  rural	
  plagado	
  de	
  castillos,	
  bosques	
  y	
  ríos.	
  
Se	
  estableció	
  en	
  París	
  donde	
  encontró	
  trabajo	
  como	
  recaudador	
  de	
  impuestos	
  -­‐más	
  que	
  aduanero	
  propiamente	
  
dicho-­‐	
  en	
  la	
  oficina	
  municipal	
  de	
  París.	
  Y	
  es	
  que	
  nunca	
  fue	
  "aduanero"	
  a	
  pesar	
  de	
  su	
  sobrenombre.	
  En	
  su	
  tiempo	
  
libre	
   se	
   dedicaba	
   a	
   pintar	
   y	
   a	
   copiar	
   sin	
   descanso	
   pinturas	
   y	
   grabados	
   del	
   Louvre	
   (como	
   la	
   obra	
   del	
  pompier	
  
Gérôme).	
  
	
  
	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Aunque	
   le	
   llovieron	
   las	
   críticas	
   negativas,	
   fue	
   un	
   referente	
   para	
   los	
   artistas,	
   intelectuales	
   y	
   coleccionistas	
   de	
  
vanguardia	
  y	
  contó	
  con	
  el	
  apoyo	
  de	
  Malraux,	
  Picasso	
  y	
  los	
  Nabís.	
  
Expuso	
  por	
  primera	
  vez	
  dos	
  obras	
  en	
  1885	
  y	
  al	
  año	
  siguiente	
  participó	
  en	
  el	
  Salon	
  des	
  Indépendants	
  fundado	
  por	
  
Georges	
  Seurat,	
  Odilon	
  Redon	
  y	
  Paul	
  Signac	
  bajo	
  el	
  lema:	
  sin	
  jurado	
  y	
  sin	
  premios.	
  Participó	
  allí	
  asiduamente.	
  En	
  
1893,	
  Rousseau	
  abandonó	
  su	
  trabajo	
  para	
  dedicarse	
  solo	
  a	
  pintar.	
  
Las	
  pinturas	
  más	
  célebres	
  de	
  Henri	
  Rousseau	
  son	
  de	
  naturaleza	
  selvática	
  y	
  animalística,	
  fruto	
  de	
  su	
  imaginación	
  
desbordante,	
  ya	
  que	
  nunca	
  salió	
  de	
  Francia.	
  	
  
3
	
  Más	
  imágenes	
  en	
  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/08/henri-­‐rousseau-­‐el-­‐candor-­‐arcaico.html	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
Una	
  de	
  sus	
  obras	
  más	
  fascinantes	
  y	
  evocadoras	
  es	
  La	
  encantadora	
  de	
  serpientes.	
  En	
  ella	
  contemplamos	
  a	
  una	
  Eva	
  
negra	
  con	
  ojos	
  de	
  pantera	
  que	
  domina	
  a	
  la	
  serpiente	
  -­‐y	
  no	
  al	
  revés-­‐	
  con	
  la	
  magia	
  de	
  la	
  música.	
  La	
  atmósfera	
  es	
  a	
  
contraluz,	
  dentro	
  de	
  una	
  naturaleza	
  exuberante	
  y	
  lujuriosa.	
  Fue	
  un	
  cuadro	
  que	
  gustó	
  mucho	
  a	
  los	
  surrealistas	
  y	
  
que	
  nos	
  retrotrae	
  a	
  Gauguin	
  en	
  cierta	
  medida.	
  
	
  
Son	
  notas	
  distintivas	
  de	
  su	
  pintura:	
  
*Frontalidad	
  casi	
  hierática.	
  
*Acentuada	
  bidimensionalidad.	
  
*Cromatismo	
  brillante.	
  
*Detallismo.	
   	
   	
  
*Simplificación	
  de	
  las	
  formas.	
  
*Muy	
  dibujístico,	
  marca	
  mucho	
  los	
  contornos.	
  
*Se	
  centra	
  en	
  todos	
  los	
  planos	
  de	
  perspectivas.	
  
*Luz	
  fría,	
  sin	
  sombras	
  ni	
  claroscuros.	
  
*Formas	
  desproporcionadas	
  y	
  jerarquización	
  de	
  tamaño	
  que	
  sirve	
  para	
  enfatizar	
  temas	
  o	
  figuras.	
  
	
  
Henri	
  Rousseau	
  expuso	
  en	
  el	
  Salón	
  de	
  Otoño	
  de	
  París	
  de	
  1909	
  con	
  artistas	
  de	
  la	
  talla	
  de	
  Derain	
  o	
  Matisse.	
  Eran	
  los	
  
orígenes	
   del	
   Fauvismo.	
   A	
   partir	
   de	
   1911,	
   tras	
   su	
   muerte,	
   surgió	
   el	
   "falso"	
   mito	
   de	
   pintor	
   "dominguero",	
  
autodidacta,	
  iletrado	
  y	
  con	
  frecuencia	
  ridiculizado,	
  y	
  pasó	
  a	
  ser	
  un	
  referente	
  importante.	
  Es	
  cierto	
  que	
  el	
  grupo	
  El	
  
Jinete	
  Azul	
  le	
  consideró	
  un	
  precursor	
  y	
  Max	
  Weber	
  le	
  alabó	
  inconmensurablemente.	
  Sus	
  pinturas	
  fueron	
  de	
  una	
  
novedad	
  absoluta.	
  Ni	
  impresionista,	
  ni	
  simbolista,	
  pasó	
  a	
  ser	
  considerado	
  como	
  un	
  pintor	
  primitivo	
  y	
  naif4
	
  (rico	
  
de	
   "ingenuidad	
   infantil"	
   le	
   llamaba	
   su	
   gran	
   estudioso	
   Ardengo	
   Soffici)	
   un	
   "artesano".	
   Le	
   adoraron	
   Robert	
  
Delaunay,	
  André	
  Bretón...	
  Fue	
  amigo	
  de	
  Apollinaire	
  y	
  Picasso,	
  quien	
  en	
  1908,	
  le	
  organizó	
  un	
  banquete	
  que	
  se	
  
acabó	
  convirtiendo	
  en	
  un	
  homenaje5
.	
  	
  
	
  
Los	
  NABÍS	
  
	
  
Desde	
   1888	
   hasta	
   1899	
   se	
   desarrolló	
   en	
   Francia	
   un	
   grupo	
   de	
   artistas	
   de	
   origen	
   simbolista	
   denominado	
   “Los	
  
Nabis”.	
  Nabí	
  viene	
  del	
  hebreo	
  y	
  quiere	
  decir	
  “profeta”.	
  Se	
  consideraban	
  profetas	
  de	
  un	
  arte	
  nuevo,	
  rechazaban	
  
de	
  plano	
  el	
  Impresionismo,	
  eran	
  antinaturalistas	
  y	
  cercanos	
  a	
  los	
  presupuestos	
  simbolistas	
  y	
  al	
  Japonismo.	
  
Los	
  Nabís	
  crearon	
  un	
  lenguaje	
  basado	
  en	
  el	
  color	
  y	
  la	
  síntesis	
  formal.	
  Adoptaron	
  como	
  cuadro	
  emblemático,	
  
verdadero	
  manifiesto	
  del	
  grupo,	
  un	
  paisaje	
  pintado	
  por	
  Paul	
  Sérusier	
  llamado	
  “El	
  talismán”	
  (1888).	
  
Los	
  nabís,	
  además	
  de	
  rechazar	
  las	
  jerarquías	
  tradicionales	
  entre	
  artes	
  mayores	
  y	
  menores,	
  trabajaban	
  las	
  técnicas	
  
decorativas.	
   Participaron	
   en	
   la	
   renovación	
   del	
   arte	
   del	
   grabado	
   y	
   los	
   carteles	
   ilustrados.	
   Crearon	
   decorados,	
  
trajes	
   para	
   teatro...	
   En	
   el	
   Museo	
   de	
   Orsay	
   hay	
   una	
   gran	
   colección	
   de	
   arte	
   nabí.	
   En	
   1900	
   tuvo	
   lugar	
   la	
   última	
  
exposición	
  conjunta	
  del	
  grupo.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  	
  	
   	
  
	
  
Las	
  referencias	
  para	
  estos	
  pintores	
  fueron:	
  
El	
  sintetismo	
  de	
  Gauguin	
  y	
  Bernard.	
  
4
	
  Tuvo	
  algún	
  problema	
  con	
  la	
  ley	
  por	
  algún	
  fraude	
  y	
  sus	
  abogados	
  le	
  defendieron	
  señalando	
  que	
  era	
  muy	
  ingenuo	
  (naif)	
  en	
  todos	
  los	
  sentidos,	
  no	
  solo	
  con	
  
su	
  pintura...	
  
5
	
  En	
  esa	
  reunión	
  rodeada	
  de	
  artistas,	
  ebrio,	
  le	
  dijo	
  a	
  Picasso:	
  "Usted	
  y	
  yo	
  somos	
  los	
  más	
  grandes	
  pintores	
  de	
  nuestro	
  tiempo.	
  A	
  fin	
  de	
  cuentas,	
  usted	
  hace	
  en	
  
modo	
  egipcio	
  lo	
  que	
  yo	
  hago	
  en	
  modo	
  moderno".	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
El	
  Art	
  Nouveau,	
  que	
  está	
  en	
  pleno	
  desarrollo	
  en	
  la	
  década	
  de	
  los	
  90.	
  
El	
  arte	
  japonés.	
  
El	
  Simbolismo.	
  
Después	
  de	
  la	
  partida	
  de	
  Gauguin	
  a	
  Tahití,	
  el	
  grupo	
  se	
  fue	
  desintegrando	
  progresivamente	
  y	
  se	
  escindirá	
  en	
  dos	
  
ramas:	
  
*Los	
   espirituales,	
   con	
   Maurice	
   Denis	
   a	
   la	
   cabeza.	
   Vuelven	
   a	
   las	
   fuentes	
   religiosas	
   del	
   arte,	
   el	
   misticismo,	
   la	
  
leyenda,	
  la	
  alegoría,	
  el	
  sueño...	
  Entraron	
  en	
  contacto	
  con	
  sectas,	
  estaban	
  atraídos	
  por	
  los	
  filósofos	
  orientales,	
  se	
  
sumaban	
  a	
  la	
  idea	
  de	
  la	
  superioridad	
  de	
  la	
  intuición	
  sobre	
  el	
  intelecto.	
  
*Los	
  decorativos,	
  con	
  Pierre	
  Bonnard,	
  Édouard	
  Vuillard,	
  Roussel...	
  Tienen	
  un	
  punto	
  de	
  vista	
  más	
  escéptico	
  sobre	
  
la	
  misión	
  del	
  arte	
  como	
  medio	
  de	
  remover	
  las	
  consciencias.	
  Apuestan	
  por	
  la	
  armonía	
  estética,	
  un	
  orden	
  abstracto	
  
dentro	
  de	
  la	
  representación,	
  y	
  parten	
  de	
  la	
  herencia	
  de	
  Cézanne	
  y	
  Seurat.	
  
	
  
	
   	
   	
  
	
  
Pierre	
   BONNARD	
   (1867-­‐1947),	
   aunque	
   fue	
   considerado	
   como	
   un	
   pintor	
   anticuado	
   por	
   algunos	
   artistas	
   de	
   su	
  
época,	
  fue	
  muy	
  estimado	
  por	
  pintores	
  coetáneos	
  que	
  valoraban	
  mucho	
  el	
  colorido	
  de	
  su	
  producción	
  artística	
  
como	
   el	
   fauvista	
   Matisse.	
   En	
   cierto	
   sentido,	
   Bonnard	
   nos	
   anticipa	
   el	
   Fauvismo,	
   el	
   movimiento	
   pictórico	
   de	
  
vanguardia	
  expresionista	
  francés.	
  Para	
  él,	
  el	
  color	
  era	
  un	
  fin	
  en	
  sí	
  mismo.	
  Bonnard	
  abandonó	
  la	
  tercera	
  dimensión	
  
a	
  la	
  hora	
  de	
  representar	
  las	
  figuras,	
  fomentando	
  amplias	
  zonas	
  de	
  colores	
  planos.	
  Ha	
  sido	
  denominado	
  como	
  
pintor	
  “intimista”	
  ya	
  que	
  no	
  le	
  interesaban	
  temas	
  simbolistas	
  –fantasiosos	
  o	
  místicos-­‐,	
  sino	
  escenas	
  de	
  la	
  vida	
  
cotidiana,	
  frecuentemente	
  en	
  interiores.	
  Pintaba	
  de	
  memoria	
  más	
  que	
  intentado	
  reproducir	
  una	
  imagen	
  fiel	
  al	
  
modelo.	
  Bonnard	
  también	
  realizó	
  ilustraciones	
  de	
  libros,	
  diseños	
  textiles	
  y	
  mobiliario.	
  
	
  
EL	
  IMPRESIONISMO	
  
	
  
Denominamos	
  Impresionismo	
  al	
  movimiento	
  pictórico	
  que	
  surge	
  en	
  París	
  en	
  el	
  último	
  cuarto	
  del	
  siglo	
  XIX.	
  Se	
  
aplica	
  no	
  sólo	
  a	
  la	
  pintura	
  sino	
  también	
  a	
  la	
  música	
  y	
  a	
  la	
  literatura.	
  Podemos	
  definirlo	
  como	
  un	
  estilo	
  que	
  tiende	
  
a	
  captar	
  más	
  la	
  impresión	
  sobre	
  el	
  ánimo	
  que	
  la	
  copia	
  de	
  la	
  realidad.	
  Es	
  más	
  sensual	
  e	
  inmediato	
  que	
  intelectual.	
  
Cronológicamente,	
  el	
  Impresionismo	
  se	
  fragua	
  hacia	
  la	
  década	
  de	
  1860	
  hasta	
  1880,	
  pero	
  la	
  primera	
  exposición	
  del	
  
grupo	
  impresionista	
  fue	
  en	
  el	
  año	
  1874	
  en	
  el	
  taller	
  del	
  fotógrafo	
  Nadar.	
  
Nace	
  como	
  una	
  evolución	
  del	
  Realismo	
  y	
  de	
  la	
  Escuela	
  paisajística	
  francesa	
  del	
  siglo	
  XIX.	
  Recordemos	
  que	
  la	
  base	
  
del	
  Impresionismo	
  fue	
  el	
  Realismo,	
  una	
  corriente	
  cultural	
  que	
  surge	
  como	
  disyuntiva	
  al	
  Romanticismo	
  ya	
  desde	
  
mediados	
  del	
  siglo	
  XIX.	
  De	
  hecho,	
  el	
  término	
  “realismo”	
  surgirá	
  en	
  1857	
  en	
  Francia	
  y	
  aglutinará	
  a	
  pintores	
  como	
  
Courbet	
  o	
  Millet	
  y	
  a	
  escritores	
  de	
  la	
  talla	
  de	
  Flaubert,	
  Zola	
  o	
  Balzac.	
  
El	
  término	
  “Impresionismo”	
  procede	
  de	
  un	
  cuadro	
  de	
  Monet	
  titulado“Impresión,	
  sol	
  naciente”	
  En	
  los	
  primeros	
  
momentos	
  se	
  utilizaba	
  el	
  vocablo	
  impresionismo	
  con	
  carácter	
  despectivo.	
  Se	
  asociaba	
  con	
  la	
  idea	
  de	
  lo	
  temporal,	
  
lo	
   efímero,	
   lo	
   llamado	
   a	
   desaparecer	
   (sol,	
   luna,	
   agua…).	
   Podemos	
   considerarla	
   una	
   tendencia	
   pictórica	
   más	
  
aristotélica	
  que	
  neoplatónica	
  ya	
  que	
  busca	
  más	
  la	
  imitación	
  de	
  la	
  realidad	
  que	
  la	
  creación.	
  
El	
  Impresionismo	
  no	
  fue	
  una	
  escuela,	
  ni	
  un	
  grupo	
  que	
  se	
  uniera	
  en	
  torno	
  a	
  un	
  manifiesto	
  o	
  programa	
  concreto.	
  
Ningún	
  interés	
  de	
  tipo	
  ideológico	
  o	
  político	
  unía	
  a	
  los	
  impresionistas.	
  Cada	
  uno	
  creó	
  su	
  propio	
  estilo.	
  No	
  tenían	
  
un	
  programa	
  concreto	
  aunque	
  coincidían	
  en:	
  
*Su	
  aversión	
  por	
  el	
  arte	
  académico.	
  	
  
*Desinterés	
  total	
  por	
  el	
  “tema”	
  entendido	
  en	
  un	
  sentido	
  tradicional	
  (mitología,	
  historia…).	
  Se	
  interesan	
  por	
  los	
  
motivos	
  de	
  la	
  vida	
  burguesa	
  (la	
  ciudad,	
  la	
  noche,	
  los	
  cafés,	
  los	
  teatros,	
  las	
  reuniones	
  domingueras	
  las	
  regatas,	
  los	
  
paisajes).	
  Cualquier	
  objeto	
  afectado	
  por	
  la	
  luz	
  y	
  el	
  color,	
  puede	
  convertirse	
  en	
  tema	
  artístico.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
*Preferencia	
  por	
  el	
  paisaje	
  pintado	
  al	
  aire	
  libre:	
  plein	
  air6
.	
  	
  
*Preocupación	
  por	
  captar	
  el	
  instante,	
  fijando	
  lo	
  móvil	
  sin	
  perder	
  la	
  movilidad.	
  
*La	
  luz	
  es	
  la	
  protagonista:	
  los	
  objetos	
  sólo	
  se	
  ven	
  en	
  la	
  medida	
  en	
  que	
  la	
  luz	
  incide	
  sobre	
  ellos.	
  La	
  luz	
  y	
  sus	
  
efectos	
   cambiantes	
   son	
   los	
   verdaderos	
   temas	
   del	
   cuadro.	
   Un	
   mismo	
   tema	
   es	
   pintado	
   repetidas	
   veces	
   a	
  
diferentes	
  horas	
  del	
  día.	
  Las	
  formas	
  y	
  los	
  objetos	
  cambian	
  en	
  función	
  de	
  la	
  	
  intensidad	
  de	
  la	
  luz.	
  El	
  cuadro	
  es	
  
simplemente	
  un	
  efecto	
  de	
  luz.	
  
*Coloración	
  de	
  las	
  sombras:	
  desaparecen	
  los	
  contrastes	
  de	
  claroscuro,	
  y	
  el	
  dibujo	
  se	
  extingue	
  o	
  se	
  reduce.	
  No	
  
utilizan	
  prácticamente	
  ni	
  el	
  blanco	
  ni	
  el	
  negro	
  porque	
  no	
  existen	
  en	
  la	
  naturaleza.	
  Emplean	
  tonos	
  puros,	
  usan	
  
solo	
  colores	
  complementarios	
  para	
  indicar	
  sombras.	
  	
  
*Pincelada	
  suelta:	
  prefieren	
  la	
  mancha	
  pastosa	
  y	
  gruesa.	
  Utilizan	
  toques	
  yuxtapuestos	
  de	
  colores	
  para	
  producir	
  
un	
  efecto	
  a	
  cierta	
  distancia.	
  Generalmente	
  no	
  hay	
  un	
  dibujo	
  que	
  proceda	
  al	
  cuadro.	
  Aspecto	
  inacabado,	
  aparente	
  
improvisación,	
  pintura	
  de	
  mancha.	
  
*La	
  influencia	
  de	
  la	
  fotografía.	
  A	
  mediados	
  del	
  siglo	
  XIX	
  se	
  inventó	
  la	
  “fotografía	
  instantánea”	
  que	
  tuvo	
  un	
  gran	
  
impacto	
   en	
   los	
   impresionistas.	
   Influye	
   en	
   la	
   nueva	
   valoración	
   del	
   espacio	
   y	
   la	
   composición	
   con	
   ángulos	
   y	
  
encuadres	
   más	
   atrevidos	
   con	
   grandes	
   diagonales,	
   que	
   nos	
   remiten,	
   también,	
   a	
   la	
   influencia	
   de	
   las	
   estampas	
  
japonesas.	
  	
  Las	
  figuras,	
  a	
  veces,	
  no	
  ocupan	
  “el	
  centro”	
  del	
  cuadro	
  y	
  están	
  cortadas	
  por	
  los	
  bordes	
  del	
  cuadro.	
  
Otorga	
  una	
  especie	
  de	
  dinamismo	
  o	
  flou	
  a	
  los	
  personajes.	
  Degas	
  y	
  Monet	
  fueron	
  grandes	
  fotógrafos,	
  Monet	
  
incluso	
  tuvo	
  un	
  taller	
  de	
  fotografía	
  en	
  Giverny.	
  	
  	
  
En	
  un	
  principio,	
  los	
  impresionistas	
  contaron	
  con	
  la	
  oposición	
  del	
  público.	
  Pero	
  pronto	
  tuvieron	
  el	
  apoyo	
  de	
  dos	
  
fuerzas	
   sociales	
   emergentes:	
   la	
   crítica	
   de	
   arte7
,	
   que	
   se	
   encargará	
   de	
   encauzar	
   el	
   gusto	
   del	
   público;	
   y	
   los	
  
marchantes,	
   los	
   vendedores	
   de	
   arte8
.	
   En	
   sus	
   inicios,	
   la	
   crítica	
   de	
   arte	
   les	
   acusaba	
   de	
   atacar	
   las	
   buenas	
  
costumbres	
  artísticas,	
  que	
  no	
  respetaban	
  a	
  los	
  maestros,	
   que	
   sus	
  pinturas	
  no	
  tenían	
   “tema”,	
   que	
  les	
  faltaba	
  
dibujo	
  y	
  que	
  dejaban	
  las	
  obras	
  sin	
  terminar.	
  Además,	
  provocaban	
  grandes	
  carcajadas	
  en	
  el	
  público	
  que	
  asistía	
  
atónito	
  a	
  ver	
  los	
  cuadros.	
  
El	
  Impresionismo	
  cuenta	
  con	
  varias	
  influencias	
  en	
  su	
  configuración:	
  
*los	
  paisajistas	
  del	
  Realismo	
  francés	
  del	
  siglo	
  XIX	
  (Escuela	
  de	
  Barbizon).	
  
*el	
  romántico	
  inglés	
  Turner.	
  
*las	
   referencias,	
   especialmente	
   de	
   color	
   y	
   composición,	
   del	
   Siglo	
   de	
   Oro	
   español	
   (Velázquez	
   sobre	
   todo).	
  
También	
  Goya	
  con	
  la	
  lechera	
  de	
  Burdeos.	
  
*las	
  estampas	
  japonesas9
,	
  muy	
  de	
  moda	
  en	
  la	
  época.	
  
La	
   pintura	
   impresionista	
   es	
   amable,	
   hedonista,	
   alegre,	
   frecuentemente	
   de	
   paisaje,	
   llena	
   de	
   luz	
   y	
   color,	
   con	
  
pinceladas	
   muy	
   cortas	
   que	
   a	
   veces	
   dejan	
   entrever	
   el	
   blanco	
   del	
   lienzo.	
   No	
   son	
   cuadros	
   grandes	
   puesto	
   que	
  
responden	
  a	
  encargos	
  privados.	
  Están	
  alejados	
  de	
  cualquier	
  compromiso	
  social	
  (casi	
  todos	
  los	
  impresionistas	
  se	
  
fueron	
  de	
  vacaciones	
  al	
  campo	
  o	
  a	
  Inglaterra	
  durante	
  la	
  represión	
  de	
  los	
  movimientos	
  obreros	
  de	
  la	
  década	
  de	
  
1880)	
  y	
  no	
  tardaron	
  en	
  ser	
  refrendados	
  por	
  una	
  amplia	
  aceptación	
  social,	
  de	
  esta	
  burguesía	
  que	
  se	
  veía	
  retratada	
  
en	
  los	
  lienzos	
  impresionistas.	
  
El	
  Impresionismo	
  ha	
  sido	
  uno	
  de	
  los	
  movimientos	
  pictóricos	
  más	
  valorados	
  en	
  	
  toda	
  la	
  historia	
  del	
  arte.	
  Algunas	
  
pinturas	
   impresionistas	
   han	
   alcanzado	
   precios	
   estratosféricos	
   en	
   las	
   subastas	
   internacionales	
   de	
   arte	
   y	
   las	
  
exposiciones	
  de	
  sus	
  obras	
  suelen	
  atraer	
  a	
  miles	
  de	
  espectadores.	
  Ha	
  sido	
  clave	
  en	
  el	
  desarrollo	
  del	
  arte	
  posterior,	
  	
  
especialmente	
  del	
  Postimpresionismo	
  y	
  las	
  vanguardias.	
  
Los	
  impresionistas	
  se	
  agruparon	
  en	
  torno	
  a	
  la	
  figura	
  de	
  Édouard	
  MANET	
  (1832-­‐1883),	
  un	
  artista	
  eslabón	
  entre	
  el	
  
Realismo	
  y	
  el	
  Impresionismo.	
  Fue	
  un	
  gran	
  artista	
  incomprendido,	
  aunque	
  al	
  final	
  de	
  su	
  vida	
  el	
  gobierno	
  francés	
  le	
  
concedió	
  la	
  condecoración	
  “Legión	
  de	
  Honor”.	
  No	
  fue	
  plenamente	
  impresionista,	
  aunque	
  éstos	
  le	
  consideraban	
  
el	
  cabecilla	
  del	
  grupo.	
  Le	
  apasionaba	
  la	
  temática	
  española,	
  y	
  de	
  hecho	
  adoraba	
  a	
  Velázquez	
  	
  “el	
  pintor	
  de	
  los	
  
pintores”	
  para	
  él,	
  y	
  Goya.	
  Ambos	
  le	
  influyeron	
  muchísimo.	
  Un	
  crítico	
  de	
  arte	
  en	
  Francia	
  le	
  llegó	
  a	
  denominar	
  “el	
  
parisino	
  español”.10
	
  	
  
6
Como	
  señaló	
  Renoir,	
  si	
  no	
  hubiera	
  habido	
  pintura	
  en	
  tubo	
  no	
  habría	
  habido	
  impresionismo,	
  porque	
  ello	
  propició	
  poder	
  pintar	
  al	
  aire	
  libre.	
  
7
	
  Las	
  tertulias,	
  los	
  Salones	
  extra-­‐oficiales	
  y	
  el	
  propio	
  escándalo	
  se	
  convirtieron	
  en	
  vehículos	
  propagandísticos	
  del	
  nuevo	
  estilo.	
  	
  
8
	
  Algunos	
  marchantes	
  como	
  Durand-­‐Ruel	
  o	
  Ambroise	
  Vollard	
  empezaron	
  a	
  interesarse	
  por	
  las	
  obras	
  de	
  los	
  impresionistas	
  y	
  compraron	
  sus	
  lienzos,	
  aún	
  a	
  
riesgo	
  de	
  perder	
  dinero.
9
	
  Desde	
  el	
  punto	
  de	
  vista	
  plástico,	
  en	
  estas	
  estampas	
  se	
  utilizaban	
  principalmente	
  grandes	
  masas	
  planas	
  de	
  color,	
  con	
  una	
  casi	
   completa	
  ausencia	
  de	
  
sombras,	
  una	
  despreocupación	
  por	
  la	
  perspectiva,	
  encuadres	
  asimétricos	
  de	
  las	
  escenas	
  y	
  una	
  gran	
  capacidad	
  de	
  síntesis	
  por	
  parte	
  de	
  los	
  artistas	
  para	
  
plasmar	
  los	
  temas.	
  
10
	
  Baudelaire	
  lo	
  quería	
  muchísimo,	
  decía	
  de	
  él:	
  me	
  parece	
  difícil	
  no	
  amar	
  su	
  carácter	
  tanto	
  como	
  su	
  talento.
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
Los	
  principales	
  representantes	
  del	
  Impresionismo	
  fueron	
  	
  Claude	
  Monet,	
  	
  	
  Pierre-­‐Auguste	
  Renoir11
,	
  Edgar	
  Degas	
  
(que	
  nunca	
  quiso	
  que	
  le	
  llamaran	
  impresionista),	
  Camille	
  Pisarro	
  (de	
  origen	
  español),	
  Alfred	
  Sisley	
  (de	
  origen	
  
inglés),	
  Berthe	
  Morisot,	
  Mary	
  Cassatt,	
  etc.	
  
	
  
Édouard	
  MANET	
  en	
  1863	
  expuso	
  el	
  célebre	
  Almuerzo	
  campestre	
  que	
  causó	
  desolación	
  y	
  escándalo.	
  Fue	
  tachada	
  
de	
  pornográfica.	
  El	
  público	
  se	
  preguntaba	
  ¿dónde	
  está	
  el	
  tema?	
  No	
  era	
  mitológico,	
  ni	
  literario.	
  Si	
  todas	
  las	
  figuras	
  
hubieran	
   ido	
   desnudas	
   no	
   habría	
   existido	
   ningún	
   problema.	
   En	
   la	
   disposición	
   de	
   las	
   figuras	
   se	
   inspiró	
   en	
   un	
  
grabado	
   basado	
   en	
   Rafael.	
   En	
   este	
   cuadro	
   hay	
   muchos	
   elementos	
   nuevos:	
   la	
   luz,	
   el	
   paisaje	
   difuminado,	
   el	
  
contraste	
  entre	
  las	
  carnes	
  blancas	
  de	
  	
  los	
  	
  desnudos	
  femeninos	
  y	
  las	
  levitas	
  oscuras	
  de	
  los	
  caballeros,	
  y,	
  en	
  primer	
  
término,	
  la	
  naturaleza	
  muerta,	
  que	
  tiene	
  protagonismo	
  por	
  sí	
  misma.	
  Por	
  otra	
  parte,	
  este	
  lienzo	
  se	
  convirtió	
  en	
  la	
  
Biblia	
  estética	
  de	
  los	
  impresionistas	
  por	
  su	
  novedoso	
  tratamiento	
  formal.	
  La	
  luz	
  se	
  difunde	
  por	
  el	
  aire	
  en	
  todo	
  el	
  
cuadro	
  yuxtaponiendo	
  zonas	
  claras	
  y	
  oscuras	
  por	
  todo	
  el	
  lienzo.	
  	
  
	
  
	
  	
   	
   	
   	
   	
  
	
  
Probablemente	
   el	
   más	
   importante	
   y	
   representativo	
   pintor	
   del	
   Impresionismo	
   es	
   Claude	
   MONET	
   (1840-­‐1926).	
  
Nació	
  en	
  1840	
  en	
  el	
  seno	
  de	
  una	
  familia	
  de	
  comerciantes.	
  Viajó	
  a	
  Londres	
  y	
  a	
  Holanda.	
  Llegó	
  a	
  pintar	
  cerca	
  de	
  tres	
  
mil	
  cuadros,	
  la	
  mayoría	
  paisajes,	
  marinas	
  y	
  escenas	
  fluviales.	
  Es	
  el	
  gran	
  pintor	
  de	
  flores	
  y	
  del	
  agua.	
  Su	
  máxima	
  
preocupación	
  es	
  la	
  captación	
  de	
  la	
  luz	
  a	
  distintas	
  horas	
  del	
  día	
  como	
  se	
  observa	
  en	
  la	
  serie	
  de	
  pinturas	
  sobre	
  la	
  
catedral	
  de	
  Rouen.	
  	
  	
  
En	
  muchas	
  de	
  sus	
  obras	
  camina	
  ya	
  hacia	
  la	
  abstracción.	
  Los	
  problemas	
  económicos	
  serán	
  una	
  constante	
  durante	
  
buena	
  parte	
  de	
  la	
  vida	
  de	
  Monet.	
  Afortunadamente,	
  paulatinamente,	
  la	
  fama	
  de	
  Monet	
  va	
  subiendo	
  al	
  igual	
  que	
  
su	
  cotización,	
  y	
  fue	
  tomando	
  parte	
  en	
  mayor	
  número	
  de	
  muestras	
  -­‐	
  exposiciones	
  Internacionales,	
  individuales,	
  
colectivas-­‐.	
  Sus	
  pinceladas	
  eran	
  muy	
  sueltas	
  y	
  cortas.	
  Murió	
  casi	
  ciego.	
  Entre	
  sus	
  obras	
  destacamos	
  Impresión,	
  sol	
  
naciente;	
  los	
  nenúfares;	
  la	
  estación	
  de	
  San	
  Lazare;	
  la	
  catedral	
  de	
  Rouen,	
  etc.	
  
	
  
	
   	
   	
  	
   	
  
	
  
Pierre-­‐Auguste	
  RENOIR	
  (1841-­‐1920)	
  fue	
  el	
  más	
  popular	
  de	
  los	
  impresionistas	
  y	
  también	
  de	
  los	
  más	
  falsificados.	
  
Quiere	
  transmitir	
  la	
  alegría	
  del	
  ambiente	
  parisino:	
  escenas	
  de	
  la	
  vida	
  urbana,	
  bañistas,	
  bailes,	
  etc.	
  	
  
Es	
  menos	
  paisajista	
  y	
  más	
  retratista.	
  Es	
  el	
  pintor	
  de	
  la	
  mujer.	
  Y	
  nadie	
  como	
  él	
  ha	
  pintado	
  a	
  los	
  niños.	
  En	
  él	
  tenía	
  un	
  
fuerte	
  peso	
  de	
  la	
  tradición	
  (técnica	
  que	
  en	
  algún	
  momento	
  recuerda	
  a	
  la	
  de	
  Tiziano	
  y	
  sus	
  mujeres	
  gruesas	
  a	
  
Rubens).	
  Es	
  un	
  pintor	
  un	
  tanto	
  “almibarado”	
  que	
  utilizaba	
  colores	
  primarios	
  para	
  captar	
  las	
  vibraciones	
  de	
  la	
  luz	
  
que	
  se	
  tamiza	
  a	
  través	
  de	
  las	
  hojas.	
  Todo	
  ello	
  se	
  puede	
  admirar	
  en	
  su	
  obra	
  Le	
  Moulin	
  de	
  la	
  Galette	
  donde	
  sigue	
  los	
  
principios	
  del	
  movimiento	
  impresionista:	
  pintura	
  al	
  aire	
  libre,	
  pincelada	
  suelta,	
  colores	
  puros,	
  sombras	
  coloreadas,	
  
disolución	
  del	
  dibujo,	
  captación	
  de	
  la	
  luz	
  sobre	
  los	
  objetos.	
  
	
  
Aunque	
   menos	
   conocidas	
   que	
   los	
   impresionistas	
   mencionados,	
   Berthe	
   Morisot	
   y	
   Mary	
   Cassatt	
   destacaron,	
  
dentro	
   de	
   los	
   presupuestos	
   estéticos	
   de	
   este	
   movimiento,	
   especialmente	
   como	
   pintoras	
   de	
   maternidades,	
  
retratos	
  y	
  escenas	
  intimistas.	
  	
  
11
	
  Su	
  hijo	
  Jean	
  Renoir	
  fue	
  uno	
  de	
  los	
  más	
  importantes	
  cineastas	
  franceses.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
	
  
	
   	
   	
   	
  
	
  
Berthe	
  MORISOT	
  (1841-­‐1895)	
  procedía	
  de	
  una	
  familia	
  con	
  una	
  larga	
  historia	
  de	
  exitosos	
  pintores.	
  Fue	
  la	
  única	
  
mujer	
  aceptada	
  y	
  respetada	
  por	
  el	
  círculo	
  impresionista.	
  Sirvió	
  con	
  frecuencia	
  como	
  modelo	
  de	
  Manet,	
  que	
  por	
  
lo	
  demás,	
  era	
  su	
  cuñado.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
   	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
Mary	
   CASSATT	
   (1844-­‐1926)	
   fue	
   una	
   pintora	
   impresionista	
   de	
   origen	
   estadounidense.	
   Viajó	
   a	
   Francia	
   para	
  
formarse	
   como	
   artista	
   y	
   allí	
   permaneció	
   buena	
   parte	
   de	
   su	
   vida.	
   Fue	
   la	
   única	
   pintora	
   americana	
   que,	
  
ocasionalmente,	
  expuso	
  con	
  los	
  impresionistas	
  en	
  París.	
  En	
  su	
  paleta,	
  muy	
  suelta,	
  predominan	
  los	
  tonos	
  pastel	
  y	
  
se	
  aprecia	
  la	
  influencia	
  del	
  Japonismo.	
  Sus	
  contactos	
  con	
  artistas,	
  marchantes	
  y	
  coleccionistas,	
  propiciaron	
  la	
  
difusión	
  y	
  apreciación	
  del	
  Impresionismo	
  en	
  Estados	
  Unidos.	
  
	
  
EL	
  POSTIMPRESIONISMO	
  	
  
	
  
El	
  término	
  Postimpresionismo	
  fue	
  acuñado	
  por	
  el	
  crítico	
  de	
  arte	
  Roger	
  Fry	
  en	
  1910	
  para	
  denominar	
  los	
  estilos	
  
pictóricos	
   de	
   finales	
   del	
   siglo	
   XIX	
   e	
   inicios	
   del	
   XX	
   que	
   se	
   suceden	
   tras	
   el	
   Impresionismo.	
   	
   Fry	
   creó	
   esta	
  
denominación	
  con	
  motivo	
  de	
  la	
  exposición	
  celebrada	
  en	
  ese	
  año	
  en	
  Londres	
  con	
  pinturas	
  de	
  Paul	
  Cézanne,	
  Paul	
  
Gauguin	
   y	
  Vincent	
  van	
   Gogh.	
  Henri	
  Toulouse-­‐Lautrec	
  también	
  suele	
  ser	
  considerado	
  postimpresionista,	
  como	
  
vemos	
  en	
  el	
  libro	
  canónico	
  de	
  esta	
  tendencia	
  artística	
  del	
  historiador	
  Rewald.	
  
Los	
  postimpresionistas	
  se	
  habían	
  formado	
  en	
  el	
  impresionismo,	
  pero	
  superan	
  sus	
  investigaciones	
  y	
  contribuyen	
  a	
  
importantes	
  	
  avances	
  en	
  el	
  arte	
  del	
  siglo	
  XX.	
  En	
  realidad	
  sus	
  personalidades	
  y	
  su	
  manera	
  de	
  entender	
  la	
  pintura	
  
presentan	
  enormes	
  diferencias,	
  pero	
  todos	
  compartieron	
  los	
  inicios	
  en	
  el	
  impresionismo	
  y	
  la	
  reacción	
  contra	
  él.	
  
Sobre	
  sus	
  conquistas	
  (tintas	
  plantas,	
  color	
  arbitrario	
  con	
  fines	
  simbólicos	
  o	
  expresivos…)	
  se	
  fundarían	
  además	
  
los	
  desarrollos	
  de	
  fauvistas	
  y	
  cubistas	
  de	
  inicios	
  del	
  siglo	
  XX.	
  
Aunque	
   los	
   postimpresionistas	
   basaron	
   su	
   obra	
   en	
   el	
   uso	
   del	
   color	
   experimentado	
   por	
   los	
   impresionistas,	
  
reaccionaron	
   contra	
   el	
   deseo	
   de	
   reflejar	
   fielmente	
   la	
   naturaleza	
   y	
   presentaron	
   una	
   visión	
   más	
   subjetiva	
   del	
  
mundo.	
  	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
Por	
   lo	
   demás,	
   hay	
   que	
   señalar	
   que	
   existió	
   una	
   tendencia	
   estética,	
   que	
   se	
   suele	
   ligar	
   al	
   Postimpresionismo,	
  
llamada	
  NEOIMPRESIONISMO,	
  DIVISIONISMO	
  o	
  PUNTILLISMO,	
  caracterizada	
  porque	
  se	
  abandona	
  el	
  pleinarismo	
  
para	
  pintar	
  en	
  el	
  taller,	
  construyendo	
  el	
  tema	
  de	
  una	
  forma	
  más	
  óptica	
  o	
  cerebral,	
  en	
  base	
  a	
  la	
  teoría	
  científica	
  
del	
  color	
  (Chevreul).	
  Abrirá	
  la	
  puerta	
  al	
  arte	
  de	
  vanguardia	
  del	
  siglo	
  XX	
  (Cubismo…)	
  
	
  
Postimpresionismo:	
   El	
   pintor	
   francés	
   Paul	
   CÉZANNE	
   (1839-­‐1906)	
   está	
   considerado	
   como	
   “el	
   padre	
   del	
   arte	
  
moderno”.	
   Vivió	
   casi	
   toda	
   su	
   vida	
   en	
   el	
   sur	
   de	
   Francia,	
   en	
   Aix-­‐en-­‐Provence.	
   Su	
   obra	
   sentó	
   las	
   bases	
   de	
   la	
  
transición	
  entre	
  la	
  concepción	
  artística	
  decimonónica	
  hacia	
  el	
  mundo	
  artístico	
  del	
  siglo	
  XX,	
  nuevo	
  y	
  radicalmente	
  
diferente.	
   Fue	
   un	
   pintor	
   muy	
   innovador.	
   Tenía	
   influencias	
   de	
   la	
   pintura	
   de	
   El	
   Greco.	
   Estaba	
   interesado	
   en	
   la	
  
simplificación	
  de	
  las	
  formas,	
  en	
  reducirlas	
  a	
  su	
  esencia	
  geométrica:	
  “Todo	
  en	
  la	
  naturaleza	
  se	
  modela	
  según	
  la	
  
esfera,	
  el	
  cono,	
  el	
  cilindro.	
  Hay	
  que	
  aprender	
  a	
  pintar	
  sobre	
  la	
  base	
  de	
  estas	
  figuras	
  simples;	
  después	
  se	
  podrá	
  
hacer	
  todo	
  lo	
  que	
  se	
  quiera.”	
  Quería	
  "convertir	
  al	
  impresionismo	
  en	
  algo	
  más	
  sólido	
  y	
  duradero,	
  como	
  el	
  arte	
  de	
  
los	
  museos".	
  Trabaja	
  obsesionado	
  por	
  la	
  composición	
  y	
  decidido	
  a	
  negar	
  la	
  distinción	
  entre	
  dibujo,	
  línea,	
  plano	
  y	
  
color.	
  Plantea	
  una	
  nueva	
  construcción	
  del	
  espacio.	
  Mientras	
  vivió,	
  Cézanne	
  fue	
  un	
  pintor	
  ignorado	
  en	
  gran	
  parte	
  
por	
  la	
  crítica	
  y	
  el	
  público,	
  siendo	
  apreciado	
  sólo	
  por	
  algunos	
  impresionistas	
  y,	
  por	
  unos	
  cuantos	
  artistas	
  jóvenes	
  
radicales	
   de	
   la	
   línea	
   del	
   postimpresionismo,	
   entre	
   los	
   que	
   se	
   incluían,	
   entre	
   otros,	
   Vincent	
   Van	
   Gogh	
   y	
   Paul	
  	
  
Gauguin.	
  	
  
	
  
	
  
Fue	
  amigo	
  de	
  la	
  infancia	
  del	
  escritor	
  realista	
  Émile	
  Zola	
  que	
  le	
  retrató	
  en	
  su	
  novela	
  L´oeuvre	
  (la	
  obra)	
  para	
  gran	
  
enfado	
  del	
  pintor.	
  La	
  exposición	
  retrospectiva	
  de	
  Cézanne	
  del	
  año	
  1907	
  en	
  París	
  le	
  situó	
  como	
  uno	
  de	
  los	
  artistas	
  
más	
  influyentes	
  del	
  siglo	
  XIX	
  preludiando	
  el	
  	
  advenimiento	
  	
  del	
  Cubismo.	
  Fueron	
  las	
  exploraciones	
  de	
  Cézanne	
  de	
  
simplificación	
   geométrica	
   y	
   fenómenos	
   ópticos	
   las	
   que	
   inspiraron	
   a	
   Picasso,	
   Braque,	
   Gris,	
   y	
   otros	
   para	
  
experimentar	
  con	
  múltiples	
  visiones	
  aún	
  más	
  complejas	
  del	
  mismo	
  tema,	
  y,	
  con	
  el	
  tiempo,	
  a	
  la	
  fractura	
  de	
  la	
  
forma.	
   Hay	
   una	
   frase,	
   atribuida	
   tanto	
   Matisse	
   como	
   a	
   Picasso,	
   según	
   la	
   cual	
   «Cézanne	
   es	
   el	
   padre	
   de	
   todos	
  
nosotros»12
.	
  	
  Sólo	
  con	
  su	
  muerte	
  le	
  llegó	
  el	
  éxito.	
  
La	
  pintura	
  de	
  Cézanne	
  se	
  centró	
  casi	
  siempre	
  en	
  los	
  mismos	
  motivos:	
  bodegones,	
  paisajes	
  o	
  figuras,	
  que	
  repite	
  
con	
   objeto	
   de	
   explorar	
   su	
   dimensión	
   volumétrica,	
   pero	
   sin	
   recurrir	
   al	
   claroscuro.	
   Huye	
   de	
   la	
   búsqueda	
   de	
  
dinamismo.	
  Hace	
  composiciones	
  muy	
  rigurosas	
  en	
  base	
  a	
  líneas	
  geométricas	
  (verticales,	
  horizontales.)	
  Marca	
  
mucho	
   los	
   volúmenes	
   y	
   los	
   planos,	
   no	
   es	
   nada	
   etéreo.	
   Llegó	
   a	
   los	
   límites	
   de	
   la	
   abstracción.	
   Entre	
   su	
   genial	
  
producción	
  destacamos	
  las	
  bañistas,	
  los	
  jugadores	
  de	
  carta,	
  la	
  montaña	
  de	
  St.Victoire	
  y	
  sus	
  increíbles	
  bodegones,	
  
claros	
  precedentes	
  del	
  cubismo.	
  Los	
  cuadros	
  terminan	
  siendo	
  una	
  creación	
  mental,	
  se	
  alejan	
  paulatinamente	
  del	
  
modelo.	
  
	
  
Paul	
  GAUGUIN	
  (1848-­‐1903)	
  era	
  también	
  de	
  origen	
  francés.	
  De	
  biografía	
  sugestiva,	
  tenía	
  ascendencia	
  española	
  y	
  
tuvo	
  varios	
  oficios.	
  Crítico	
  constante	
  de	
  la	
  sociedad	
  en	
  la	
  que	
  vive,	
  huye	
  de	
  París	
  y	
  trata	
  de	
  encontrar	
  nuevos	
  
horizontes,	
   primero	
   en	
   la	
   región	
   francesa	
   de	
   Bretaña	
   y	
   luego	
   en	
   la	
   lejana	
   Tahití,	
   lo	
   que	
   le	
   supone	
   entrar	
   en	
  
contacto	
  con	
  culturas	
  primitivas	
  que	
  marcan	
  profundamente	
  su	
  pintura.	
  	
  
Las	
   mujeres	
   son	
   su	
   auténtica	
   preocupación	
   iconográfica	
   y	
   pretexto	
   para	
   sus	
   investigaciones.	
   También	
   los	
  
retratos	
   de	
   amigos	
   y	
   sus	
   autorretratos.	
   Profundizó	
   en	
   diversas	
   técnicas:	
   pintura	
   al	
   óleo,	
   escultura,	
   tapices,	
  
grabados,	
  etc.	
  Le	
  apasionaba	
  el	
  arte	
  medieval,	
  las	
  miniaturas,	
  las	
  vidrieras	
  y	
  los	
  esmaltes	
  y	
  también	
  las	
  culturas	
  
12
	
  Henri	
  Matisse,	
  admiraba	
  su	
  manejo	
  del	
  color	
  y	
  Pablo	
  Picasso	
  se	
  basó	
  en	
  su	
  forma	
  de	
  componer	
  los	
  planos	
  para	
  crear	
  el	
  cubismo.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
orientales,	
  exóticas	
  y	
  primitivas.	
  Este	
  camino	
  le	
  lleva	
  a	
  exaltar	
  el	
  color	
  y	
  a	
  simplificar	
  las	
  formas.	
  Extiende	
  el	
  color	
  
en	
  campos	
  extensos	
  dentro	
  de	
  gruesas	
  líneas.	
  
	
  
	
  
	
  
Rechaza	
   la	
   perspectiva,	
   suprime	
   el	
   modelado	
   y	
   las	
   sombras	
   y	
   siente	
   predilección	
   por	
   formas	
   planas	
   y	
   líneas	
  
definidas.	
  No	
  tiene	
  interés	
  por	
  la	
  luz.	
  En	
  todas	
  sus	
  obras	
  se	
  impone	
  un	
  contenido	
  de	
  tipo	
  simbólico.	
  Tenía	
  un	
  
talento	
  enorme	
  para	
  la	
  composición	
  y	
  el	
  color.	
  Sus	
  líneas	
  sinuosas	
  nos	
  retrotraen	
  al	
  modernismo.	
  Muestra	
  un	
  
mundo	
  paradisíaco.	
  Es	
  un	
  precedente	
  claro	
  de	
  la	
  pintura	
  expresionista	
  de	
  vanguardia	
  y	
  fue	
  el	
  punto	
  de	
  partida	
  de	
  
los	
  nabís.	
  
Entre	
  sus	
  obras	
  destacamos	
  El	
  Cristo	
  amarillo,	
  Matamua,	
  Mujeres	
  tahitianas,	
  Jacob	
  y	
  el	
  ángel,	
  Paisaje	
  tahitiano,	
  ¿De	
  
dónde	
  venimos?	
  ¿Qué	
  somos?	
  ¿Adónde	
  vamos?.	
  
	
  
Vincent	
  VAN	
  GOGH	
  (1853-­‐1890),	
  fue	
  un	
  pintor	
  holandés	
  y	
  figura	
  destacada	
  del	
  Postimpresionismo.	
  Encarna	
  el	
  
prototipo	
  de	
  artista	
  incomprendido	
  en	
  vida	
  y	
  reivindicado	
  hasta	
  el	
  paroxismo	
  por	
  la	
  posteridad.	
  Nació	
  en	
  el	
  seno	
  
de	
  una	
  humilde	
  familia	
  de	
  origen	
  protestante.	
  Fue	
  un	
  místico	
  heterodoxo.	
  Recibió	
  los	
  mismos	
  nombres	
  -­‐Vincent	
  
Willem-­‐	
  que	
  se	
  impusieran	
  a	
  un	
  hermano	
  que	
  nació	
  muerto	
  justo	
  un	
  año	
  antes	
  que	
  él,	
  el	
  mismo	
  día	
  30	
  de	
  marzo;	
  
como	
  si	
  fuera	
  un	
  presagio	
  de	
  su	
  atormentada	
  existencia.	
  Llegó	
  a	
  pintar	
  900	
  cuadros	
  (27	
  de	
  ellos	
  autorretratos)	
  y	
  
1.600	
  dibujos,	
  además	
  de	
  escribir	
  800	
  cartas,	
  650	
  de	
  ellas	
  a	
  su	
  hermano	
  Theo	
  Van	
  Gogh.	
  Pero	
  sólo	
  vendió	
  un	
  
cuadro	
  en	
  su	
  vida.	
  Su	
  talento	
  fue	
  inconmensurable.	
  Padeció	
  toda	
  su	
  vida	
  una	
  gran	
  inestabilidad	
  mental,	
  mitigada	
  
en	
  parte	
  por	
  el	
  apoyo	
  incondicional	
  de	
  su	
  queridísimo	
  hermano	
  Theo.	
  
Durante	
  toda	
  su	
  vida	
  se	
  enorgulleció	
  de	
  ser	
  un	
  gran	
  autodidacta.	
  Obsesionado	
  con	
  La	
  Biblia,	
  en	
  su	
  juventud	
  quiso	
  
hacerse	
  teólogo	
  y	
  misionero.	
  De	
  hecho,	
  trabajó	
  como	
  misionero	
  en	
  Bélgica	
  durante	
  varios	
  meses.	
  Allí	
  dio	
  todo	
  lo	
  
que	
  tenía	
  a	
  los	
  mineros:	
  ropa,	
  dinero	
  y	
  comida,	
  además	
  de	
  realizar	
  sus	
  primeras	
  pinturas.	
  Rembrandt	
  le	
  influyó	
  
muchísimo	
  y	
  también	
  las	
  estampas	
  japonesas,	
  fueron	
  cruciales	
  en	
  su	
  producción.	
  En	
  1886	
  	
  se	
  mudó	
  a	
  París,	
  para	
  
vivir	
   junto	
   a	
   su	
   hermano	
   Theo	
   y	
   empezó	
   a	
   codearse	
   con	
   los	
   artistas	
   	
   de	
   la	
   época	
   (impresionistas,	
  
postimpresionistas	
  como	
  Toulouse-­‐Lautrec,	
  etc.)	
  En	
  1888	
  	
  se	
  instaló	
  en	
  Arles,	
  al	
  sur	
  de	
  Francia,	
  con	
  la	
  intención	
  
de	
  crear	
  un	
  taller	
  de	
  artistas	
  en	
  su	
  casa.	
  Allí	
  trabajará	
  con	
  Gauguin.	
  Su	
  fama	
  creció	
  rápidamente	
  después	
  de	
  su	
  
muerte,	
   gracias	
   a	
   la	
   promoción	
   de	
   la	
   esposa	
   de	
   Theo	
   que,	
   aunque	
   no	
   tuvo	
   una	
   buena	
   relación	
   con	
   Vincent,	
  
resultó	
   ser	
   la	
   única	
   heredera	
   de	
   toda	
   su	
   obra	
   tras	
   la	
   muerte	
   de	
   su	
   esposo,	
   ocurrida	
   poco	
   después	
   de	
   la	
   de	
  
Vincent.	
  Valora	
  mucho	
  el	
  color,	
  dibuja	
  con	
  el	
  color.	
  Decía	
  sobre	
  él,	
  que	
  “el	
  color	
  por	
  sí	
  mismo	
  siempre	
  expresa	
  
algo,	
  no	
  cabe	
  prescindir	
  de	
  él”.	
  Pintó	
  sobre	
  todo	
  paisajes	
  y	
  retratos.	
  	
  
Sus	
  pinturas	
  son	
  muy	
  creativas	
  y	
  originales.	
  Utiliza	
  la	
  técnica	
  del	
  óleo	
  con	
  pincelada	
  más	
  menuda	
  al	
  principio	
  y	
  
después	
   evoluciona	
   a	
   una	
   pincelada	
   más	
   amplia	
   e	
   intensa,	
   aplicada	
   con	
   espátula	
   o	
   con	
   la	
   propia	
   mano,	
  
basándose	
  en	
  empastes	
  gruesos	
  donde	
  el	
  propósito	
  es	
  buscar	
  la	
  intensidad	
  del	
  color.	
  La	
  pincelada	
  ondulante	
  y	
  
circular	
  se	
  hace	
  más	
  vehemente	
  después	
  de	
  su	
  primer	
  ataque	
  de	
  locura:	
  proyecta	
  en	
  exceso	
  su	
  personalidad	
  y	
  se	
  
integra	
  en	
  la	
  representación	
  de	
  las	
  cosas.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Cada	
   vez	
   se	
   aleja	
   más	
   de	
   la	
   realidad	
   y	
   con	
   el	
   color	
   y	
   la	
   fuerza	
   expresiva	
   de	
   su	
   pincelada	
   camina	
   hacia	
   la	
  
abstracción.	
  Utiliza	
  el	
  color	
  para	
  transmitir	
  sentimientos.	
  Su	
  pintura	
  guarda	
  muchas	
  concomitancias	
  con	
  Gauguin.	
  	
  
La	
  influencia	
  de	
  Van	
  Gogh	
  en	
  el	
  Postimpresionismo,	
  Expresionismo,	
  Fauvismo	
  y	
  los	
  principios	
  del	
  arte	
  abstracto	
  
fue	
  enorme,	
  y	
  se	
  puede	
  notar	
  en	
  muchos	
  otros	
  aspectos	
  del	
  arte	
  del	
  siglo	
  XX.	
  El	
  Museo	
  Van	
  Gogh	
  en	
  Ámsterdam	
  
se	
   dedica	
   al	
   trabajo	
   de	
   este	
   artista	
   y	
   de	
   sus	
   contemporáneos.	
   Se	
   suicidó	
   cuando	
   contaba	
   37	
   años	
   de	
   edad	
   –
disparándose	
  en	
  el	
  pecho-­‐y	
  sus	
  últimas	
  palabras	
  fueron	
  “la	
  miseria	
  no	
  acabará	
  nunca”.	
  
Entre	
  su	
  maravillosa	
  producción	
  artística	
  destacamos	
  Noche	
  estrellada,	
  La	
  habitación	
  en	
  Arles,	
  sus	
  autorretratos,	
  
Café	
  nocturno	
  en	
  Arles,	
  Las	
  botas…	
  Es	
  uno	
  de	
  los	
  pintores	
  más	
  cotizados	
  y	
  admirados	
  del	
  mundo.	
  
	
  
Henri	
  	
  de	
  TOULOUSE-­‐LAUTREC	
  (1864-­‐1901)	
  y	
  los	
  orígenes	
  del	
  CARTELISMO	
  
	
  
Toulouse-­‐Lautrec	
   nació	
   en	
   Albi	
   (Francia)	
   en	
   el	
   seno	
   de	
   una	
   familia	
   aristocrática	
   de	
   rancio	
   abolengo,	
   muy	
  
aficionada	
  al	
  arte.	
  Sufría	
  una	
  enfermedad	
  por	
  consanguineidad	
  –sus	
  padres	
  eran	
  primos-­‐	
  que	
  propiciaba	
  el	
  tener	
  
los	
  huesos	
  muy	
  débiles.	
  Dos	
  caídas	
  sucesivas	
  con	
  roturas	
  de	
  fémur	
  provocaron	
  que	
  no	
  le	
  crecieran	
  las	
  piernas.	
  
Además	
  tenía	
  la	
  cabeza	
  deforme,	
  de	
  ahí	
  que	
  aparezca	
  siempre	
  con	
  sombrero	
  en	
  sus	
  cuadros.	
  Esta	
  fealdad	
  le	
  
cerró	
  el	
  paso	
  a	
  la	
  vida	
  social	
  a	
  la	
  que	
  estaba	
  abocado.	
  Se	
  marchó	
  a	
  París	
  y	
  allí	
  entró	
  en	
  contacto	
  con	
  el	
  mundo	
  
artístico.	
  Su	
  taller	
  estaba	
  en	
  el	
  mismo	
  edificio	
  en	
  el	
  que	
  vivía	
  Degas	
  que	
  le	
  influyó	
  muchísimo.	
  Cuando	
  contaba	
  21	
  
años	
  un	
  poeta	
  satírico	
  abrió	
  un	
  cabaret,	
  el	
  Mirliton	
  y	
  allí	
  expuso.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Retrató	
  a	
  Van	
  Gogh	
  y	
  comenzó	
  a	
  exponer	
  en	
  el	
  Salón	
  de	
  los	
  Independientes,	
  siendo	
  conocido	
  como	
  artista	
  ya	
  
desde	
   muy	
   joven.	
   Empezó	
   a	
   tener	
   toda	
   una	
   pléyade	
   de	
   amantes	
   femeninas	
   del	
   demi-­‐monde.	
   Le	
   fascinaba	
   la	
  
ciudad,	
  París	
  en	
  concreto	
  y	
  fue	
  el	
  cronista-­‐retratista	
  un	
  tanto	
  caricaturesco	
  de	
  la	
  vida	
  nocturna	
  de	
  la	
  Belle	
  Époque.	
  
Pinta	
   el	
   Moulin	
   de	
   la	
   Galette	
   de	
   Montmartre,	
   el	
   Moulin	
   Rouge	
   (bailarinas,	
   contorsionistas	
   como	
   el	
   cubano-­‐
bilbaíno	
  el	
  Negro	
  Chocolate,	
  Valentin	
  le	
  Desossée,	
  la	
  Goulue,	
  cantantes	
  de	
  ópera,	
  etc.)	
  
Entró	
   en	
   contacto	
   con	
   intelectuales,	
   con	
   Misia	
   Sert	
   y	
   con	
   toda	
   la	
   bohemia	
   artística	
   de	
   la	
   época.	
   Pinta	
   Viajó	
  
bastante,	
  estuvo	
  en	
  Londres	
  y	
  trató	
  a	
  Oscar	
  Wilde.	
  Estuvo	
  en	
  España	
  en	
  1896	
  en	
  Madrid	
  y	
  Toledo.	
  	
  
Fue	
  un	
  extraordinario	
  pintor,	
  dibujante	
  y	
  el	
  mejor	
  litógrafo.	
  Como	
  litógrafo,	
  firmaba	
  siguiendo	
  la	
  moda	
  de	
  las	
  
estampas	
  japonesas,	
  con	
  un	
  sello.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
Gran	
  caricaturista,	
  cruel	
  y	
  sincero,	
  frio	
  y	
  amoral,	
  no	
  muestra	
  ni	
  amor	
  ni	
  ensañamiento	
  de	
  lo	
  que	
  ve13
.	
  El	
  paisaje	
  
apenas	
  le	
  interesa.	
  Utilizaba	
  colores	
  planos,	
  simples,	
  pero	
  muy	
  efectistas,	
  en	
  particular	
  el	
  empleo	
  del	
  color	
  negro,	
  
perfilaba	
  muchos	
  los	
  contornos.	
  Capta	
  el	
  movimiento	
  como	
  jamás	
  lo	
  ha	
  tratado	
  nadie.	
  No	
  se	
  limitó	
  a	
  copiar	
  lo	
  
que	
  estaba	
  viendo,	
  se	
  recreaba	
  en	
  ello	
  y	
  dio	
  dignidad	
  al	
  cancán.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Era	
   de	
   una	
   laboriosidad	
   pasmosa.	
   Sus	
   carteles	
   publicitarios	
   –dentro	
   de	
   una	
   estética	
   que	
   oscila	
   entre	
   el	
  
Japonismo	
  y	
  el	
  Modernismo-­‐	
  son	
  el	
  comienzo	
  de	
  la	
  edad	
  de	
  oro	
  del	
  cartelismo14
,	
  a	
  caballo	
  entre	
  los	
  siglos	
  XIX	
  y	
  
XX.15
	
  
Su	
  afición	
  al	
  alcohol	
  y	
  a	
  los	
  excesos	
  le	
  provocó	
  una	
  temprana	
  muerte	
  con	
  tan	
  solo	
  37	
  años.	
  	
  En	
  Albi16
,	
  su	
  ciudad	
  
natal,	
  se	
  conserva	
  un	
  espléndido	
  museo	
  dedicado	
  a	
  su	
  obra.	
  	
  
Un	
  año	
  después	
  de	
  su	
  muerte,	
  en	
  1902	
  se	
  celebró	
  una	
  gran	
  exposición	
  retrospectiva	
  de	
  su	
  obra	
  y	
  los	
  precios	
  de	
  
sus	
  cuadros	
  subieron	
  desorbitadamente.	
  Hoy	
  es	
  uno	
  de	
  los	
  artistas	
  franceses	
  más	
  conocidos	
  de	
  todo	
  el	
  mundo.	
  
	
  
La	
  pintura	
  ESPAÑOLA	
  entre	
  dos	
  siglos.	
  El	
  impacto	
  del	
  IMPRESIONISMO.	
  El	
  LUMINISMO	
  de	
  Sorolla.	
  
La	
   pintura	
   de	
   paisaje	
   realista	
   en	
   España	
   tiene	
   en	
   el	
   pintor	
   de	
   origen	
   belga	
   Carlos	
   DE	
   HAES	
   (1826-­‐1898)	
   a	
   su	
  
principal	
  representante.	
  Fue	
  profesor	
  de	
  pintura	
  de	
  paisaje	
  en	
  la	
  Escuela	
  de	
  Bellas	
  Artes	
  de	
  San	
  Fernando	
  en	
  
Madrid,	
   promoviendo	
   la	
   reproducción	
   fiel	
   de	
   la	
   naturaleza	
   siguiendo	
   la	
   tradición	
   de	
   la	
   Escuela	
   de	
   Barbizón	
  
francesa,	
   que	
   tanto	
   influiría	
   en	
   los	
   pintores	
   impresionistas	
   de	
   ese	
   país. De	
   entre	
   la	
   nutrida	
   generación	
   de	
  
alumnos	
  que	
  formó	
  cabe	
  destacar	
  a	
  los	
  impresionistas	
  españoles	
  Aureliano	
  de	
  Beruete	
  y	
  Darío	
  de	
  Regoyos.	
  
Durante	
  la	
  segunda	
  mitad	
  del	
  siglo	
  XIX,	
  el	
  impacto	
  del	
  Impresionismo	
  en	
  España	
  dio	
  lugar	
  a	
  algunos	
  seguidores,	
  
que	
  al	
  menos,	
  tangencialmente,	
  se	
  dejaron	
  influir	
  por	
  este	
  estilo	
  pictórico.	
  Es	
  el	
  caso	
  de	
  Aureliano	
  de	
  Beruete,	
  
nuestro	
  más	
  conspicuo	
  representante	
  del	
  Impresionismo	
  español,	
  y	
  también	
  de	
  Darío	
  de	
  Regoyos	
  y	
  Santiago	
  
Rusiñol,	
  aunque	
  estos	
  últimos	
  con	
  menor	
  medida.	
  
	
  
Aureliano	
  de	
  BERUETE	
  (1845-­‐1912)	
  
Para	
   Julián	
   Gállego,	
   este	
   pintor	
   es	
   el	
   único	
   impresionista	
   español,	
   vinculado	
   además,	
   al	
   luminismo.	
   Fue	
  
coleccionista	
  de	
  arte	
  (Miguel	
  Ángel,	
  el	
  Greco…)	
  y	
  su	
  hijo,	
  con	
  el	
  mismo	
  nombre	
  y	
  apellido,	
  fue	
  historiador	
  del	
  
arte	
  y	
  el	
  primer	
  director	
  del	
  Museo	
  del	
  Prado	
  no	
  artista.	
  
13
	
  Aunque	
  algunas	
  de	
  sus	
  obras	
  presentan	
  carácter	
  erótico,	
  nunca	
  es	
  vulgar	
  ni	
  chabacano.	
  
14
Especialidad	
  de	
  las	
  artes	
  gráficas	
  consistente	
  en	
  la	
  realización	
  de	
  carteles.
15
	
  Recordemos	
  que	
  a	
  finales	
  del	
  siglo	
  XIX,	
  el	
  cartel	
  publicitario	
  experimentó	
  un	
  gran	
  auge	
  con	
  la	
  aplicación	
  de	
  la	
  litografía	
  y	
  la	
  utilización	
  del	
  color.	
  Grandes	
  
cartelistas	
  fueron	
  aparte	
  de	
  Toulouse-­‐Lautrec,	
  los	
  modernistas	
  Jules	
  Chéret,	
  Alphonse	
  Mucha	
  o	
  Ramón	
  Casas	
  entre	
  muchos	
  otros,	
  como	
  veremos	
  en	
  el	
  
próximo	
  tema.	
  
16
	
  http://www.museetoulouselautrec.net	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
Fue	
  de	
  los	
  pocos	
  pintores	
  españoles	
  de	
  su	
  época	
  que	
  viajaba	
  a	
  París	
  continuamente.	
  Allí	
  conoció	
  a	
  Claude	
  Monet.	
  
Pintaba	
  paisajes	
  del	
  natural	
  –en	
  plein	
  air-­‐	
  y	
  su	
  pincelada,	
  corta	
  y	
  pequeña,	
  era	
  muy	
  matizada.	
  Pintó	
  al	
  Madrid	
  
campestre	
  de	
  una	
  forma	
  exquisita	
  como	
  no	
  se	
  veía	
  desde	
  Goya.	
  Imitaba	
  a	
  Sisley	
  pintando	
  ríos	
  inundados.	
  Fue	
  
muy	
  amigo	
  de	
  Sorolla.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Darío	
  de	
  REGOYOS	
  (1857-­‐1913)	
  
	
  
Para	
   algunos	
   expertos	
   como	
   Juan	
   San	
   Nicolás,	
   Regoyos	
   fue	
   el	
   único	
   pintor	
   genuinamente	
   impresionista	
   en	
  
España17
.	
   Nació	
   en	
   Ribadesella	
   (Asturias)	
   y	
   se	
   formó	
   en	
   la	
   Escuela	
   de	
   San	
   Fernando	
   con	
   Carlos	
   de	
   Haes.	
   Se	
  
trasladó	
  a	
  París	
  y	
  a	
  Bruselas	
  y	
  finalmente	
  se	
  estableció	
  en	
  el	
  País	
  Vasco.	
  	
  
	
  
	
   	
   	
   	
  
	
  
Conoció	
  el	
  Impresionismo	
  al	
  entablar	
  contacto	
  con	
  Degas,	
  Monet,	
  Pisarro	
  y	
  Signac	
  y	
  usará	
  las	
  nuevas	
  técnicas	
  
para	
   expresarse	
   en	
   un	
   lenguaje	
   propio.	
   Recorrió	
   toda	
   la	
   península	
   ibérica	
   buscando	
   nuevas	
   temáticas	
   y	
  
posibilidades	
  lumínicas	
  para	
  su	
  obra.	
  Regoyos	
  fue	
  fundamentalmente	
  paisajista,	
  aunque	
  en	
  sus	
  paisajes	
  también	
  
aparecen	
  figuras	
  humanas	
  que	
  se	
  integran	
  en	
  el	
  entorno	
  que	
  las	
  rodea.	
  	
  
Entre	
   sus	
   retratos	
   destaca	
   el	
   de	
   Doña	
   Dolores	
   Otaño	
   ya	
   dentro	
   de	
   la	
   técnica	
   puntillista,	
   también	
   llamada	
  
divisionista	
  o	
  neoimpresionista.	
  
	
  
Ramón	
  CASAS	
  (1866-­‐1932)	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
En	
   su	
   viaje	
   a	
   París	
   coincide	
   con	
   la	
   exposición	
   de	
   los	
   impresionistas	
   de	
   1882.	
   En	
   su	
   paleta	
   predominan	
   las	
  
tonalidades	
  frías,	
  grises	
  y	
  de	
  empaste	
  ligero.	
  Su	
  paleta	
  limpia	
  y	
  jugosa,	
  transmite	
  la	
  luminosidad	
  y	
  lo	
  fugaz	
  de	
  
17
	
  Véase	
  la	
  microsite	
  de	
  Regoyos	
  del	
  Museo	
  Thyssen	
  http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
cada	
  momento.	
  Su	
  cuadro	
  más	
  famoso	
  es	
  Plein	
  air,	
  donde	
  aparece	
  una	
  mujer	
  joven	
  sentada	
  en	
  la	
  mesa	
  de	
  un	
  
café	
   al	
   aire	
   libre.	
   Lo	
   más	
   destacado	
   de	
   esta	
   obra	
   es	
   su	
   compleja	
   composición	
   espacial.	
   La	
   sensación	
   de	
  
profundidad	
  queda	
  marcada	
  con	
  la	
  silla	
  vacía	
  del	
  primer	
  plano,	
  la	
  figura	
  femenina	
  sentada	
  y	
  la	
  figura	
  masculina	
  al	
  
fondo.	
  Las	
  figuras	
  están	
  bien	
  delimitadas	
  pero	
  las	
  formas	
  se	
  disuelven	
  en	
  los	
  edificios	
  del	
  fondo	
  que	
  no	
  son	
  más	
  
que	
  manchas	
  de	
  color.	
  Fue	
  el	
  gran	
  retratista	
  de	
  la	
  burguesía	
  catalana	
  de	
  su	
  época	
  y	
  en	
  algunas	
  de	
  sus	
  obras	
  se	
  
aprecia	
  cierta	
  preocupación	
  social	
  y	
  política	
  como	
  en	
  La	
  Carga,	
  Barcelona,	
  1902	
  o	
  en	
  Garrote	
  vil.	
  
Ramón	
  Casas	
  fue	
  un	
  gran	
  cartelista	
  vinculado	
  al	
  Modernismo,	
  como	
  veremos	
  en	
  el	
  próximo	
  tema.	
  
	
  
Santiago	
  RUSIÑOL	
  (1861-­‐1931)	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Bajo	
  las	
  premisas	
  del	
  Impresionismo	
  pintó	
  los	
  rincones	
  del	
  París	
  más	
  popular,	
  como	
  es	
  el	
  barrio	
  de	
  Montmartre	
  
como	
  vemos	
  en	
  sus	
  obras	
  Vistas	
  de	
  Montmartre	
  en	
  invierno	
  o	
  El	
  café	
  de	
  Montmartre.	
  
A	
  su	
  regreso	
  de	
  París,	
  se	
  dedicó	
  al	
  paisaje.	
  Deja	
  los	
  tonos	
  grises	
  y	
  su	
  paleta	
  se	
  hace	
  más	
  empastada	
  y	
  rica.	
  Se	
  
convirtió	
  en	
  el	
  pintor	
  de	
  los	
  jardines,	
  sobre	
  todo	
  los	
  de	
  Granada,	
  Sevilla	
  y	
  Aranjuez.	
  Jardín	
  de	
  Aranjuez	
  o	
  Muralla	
  
verde.	
  
Casas	
   y	
   Rusiñol	
   renuevan	
   completamente	
   el	
   panorama	
   artístico	
   catalán	
   y	
   dan	
   paso	
   a	
   una	
   nueva	
   corriente,	
   el	
  
Modernismo.	
  
	
  
La	
  influencia	
  del	
  IMPRESIONISMO	
  en	
  Canarias	
  
	
  
Aunque	
  en	
  Canarias	
  no	
  encontramos	
  artistas	
  a	
  los	
  que	
  con	
  propiedad	
  podríamos	
  denominar	
  impresionistas,	
  si	
  
podemos	
   detectar	
   su	
   influencia	
   en	
   algunos	
   pintores	
   como	
   en	
   Nicolás	
   MASSIEU	
   	
   o	
   incluso	
   en	
   el	
   modernista-­‐
simbolista	
  NÉSTOR	
  MARTÍN	
  FERNÁNDEZ	
  DE	
  LA	
  TORRE.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
Massieu	
  viajó	
  a	
  Inglaterra	
  a	
  los	
  18	
  años,	
  luego	
  a	
  Italia	
  y	
  París,	
  donde	
  relacionó	
  con	
  artistas	
  del	
  momento	
  entre	
  los	
  
que	
   sobresalen	
   los	
   impresionistas	
   Manet,	
   Monet,	
   Renoir	
   y	
   Degas.	
   Después	
   de	
   una	
   etapa	
   dedicada	
  
fundamentalmente	
  a	
  retratos	
  y	
  escenas	
  costumbristas,	
  se	
  enfrentó	
  a	
  la	
  luz	
  de	
  su	
  tierra	
  plasmando	
  el	
  paisaje	
  en	
  
breves	
   pinceladas	
   al	
   modo	
   impresionista.	
   Un	
   ejemplo	
   claro	
   de	
   esto	
   lo	
   tenemos	
   en	
   su	
   cuadro	
   Almendros	
   en	
  
flor,	
  	
  en	
  la	
  Casa	
  de	
  Colón	
  de	
  Las	
  Palmas	
  de	
  Gran	
  Canaria.	
  
En	
  el	
  caso	
  de	
  Néstor,	
  artista	
  muy	
  viajero	
  y	
  siempre	
  en	
  contacto	
  con	
  las	
  tendencias	
  estéticas	
  y	
  los	
  artistas	
  de	
  su	
  
tiempo,	
  la	
  influencia	
  impresionista	
  es	
  detectable	
  en	
  su	
  pintura	
  Calle	
  Mayor	
  de	
  Madrid,	
  del	
  Museo	
  Néstor	
  de	
  Las	
  
Palmas.	
  	
  
	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
El	
  LUMINISMO	
  de	
  JOAQUÍN	
  SOROLLA.	
  Vidas	
  paralelas:	
  SOROLLA	
  versus	
  SARGENT18
	
  
	
  
Joaquín	
   SOROLLA	
  (Valencia	
  1863-­‐Cercedilla	
  1923)	
  fue	
  un	
  artista	
  con	
  un	
  don	
  extraordinario,	
  una	
  gran	
  facilidad	
  
para	
  la	
  pintura.	
  Era	
  un	
  pintor-­‐pintor,	
  nada	
  literario,	
  que	
  dominaba	
  la	
  técnica.	
  Su	
  pintura	
  es	
  pintura	
  en	
  estado	
  
puro,	
  con	
  temas	
  muy	
  simples.	
  En	
  ocasiones	
  su	
  pincelada	
  –pastosa	
  y	
  enorme-­‐	
  se	
  acerca	
  al	
  Impresionismo.	
  	
  
Ha	
  sido	
  denominado	
  luminista	
  por	
  la	
  fuerza	
  luminosa	
  extraordinaria	
  de	
  sus	
  obras.	
  Es	
  difícil	
  encontrar	
  un	
  pintor	
  
que	
  haya	
  reflejado	
  mejor	
  que	
  él,	
  la	
  luz	
  cegadora	
  mediterránea.	
  A	
  este	
  respecto	
  comentaba	
  Pío	
  Baroja,	
  que	
  los	
  
paisajes	
  de	
  Sorolla	
  le	
  daban	
  calor.	
  	
  
Muy	
   vitalista,	
   vivió	
   como	
   un	
   príncipe	
   ya	
   que	
   desde	
   muy	
   joven	
   alcanzó	
   el	
   éxito	
   y	
   tuvo	
   mucho	
   dinero.	
   Fue	
   un	
  
hombre	
  feliz,	
  muy	
  enamorado	
  de	
  su	
  mujer,	
  a	
  la	
  que	
  pintaba	
  continuamente,	
  y	
  muy	
  amoroso	
  con	
  sus	
  hijos,	
  a	
  los	
  
que	
   también	
   retrató	
   frecuentemente.	
   Pintor	
   muy	
   prolífico,	
   era	
   un	
   trabajador	
   incansable,	
   un	
   obrero	
   de	
   la	
  
pintura.19
	
  Fue	
  fotógrafo	
  amateur.20
	
  
John	
   Singer	
   SARGENT	
   (1856-­‐1925)	
   fue	
   un	
   pintor	
   estadounidense,	
   aunque	
   nacido	
   en	
   Florencia	
   que	
   alcanzó	
   un	
  
enorme	
  éxito	
  en	
  su	
  época.	
  Llegó	
  a	
  realizar	
  más	
  de	
  900	
  pinturas	
  al	
  óleo	
  y	
  cerca	
  de	
  2000	
  acuarelas.	
  Cosmopolita	
  y	
  
viajero,	
  este	
  pintor	
  de	
  extraordinario	
  talento	
  ha	
  sido	
  comparado	
  con	
  el	
  pintor	
  español	
  Joaquín	
  SOROLLA	
  con	
  el	
  
que	
  guarda	
  muchas	
  concomitancias.	
  	
  
Fueron	
   	
   pintores	
   de	
   lenguaje	
   muy	
   afín,	
   que	
   se	
   conocían	
   personalmente	
   y	
   sentían	
   atracción	
   mutua	
   por	
   sus	
  
respectivas	
  obras,	
  pese	
  a	
  ser	
  dos	
  artistas	
  muy	
  diferentes	
  por	
  su	
  nacimiento,	
  educación	
  y	
  personalidad.	
  Los	
  dos	
  
admiraban	
   profundamente	
   a	
   Velázquez,	
   referencia	
   ineludible	
   de	
   sus	
   pinturas,	
   y	
   mostraban	
   influencias	
   del	
  
Impresionismo	
  a	
  su	
  manera.	
  Sargent	
  también	
  fue	
  luminista,	
  sobre	
  todo	
  en	
  sus	
  acuarelas.	
  
Desde	
  su	
  llegada	
  a	
  París	
  en	
  1874,	
  el	
  joven	
  Sargent	
  asimiló	
  con	
  celeridad	
  el	
  lenguaje	
  artístico	
  moderno	
  y	
  aprendió	
  
a	
  admirar,	
  como	
  su	
  maestro	
  Carolus-­‐Durand	
  y	
  como	
  Manet,	
  la	
  pintura	
  de	
  Velázquez.	
  Los	
  retratos	
  de	
  entre	
  1883	
  y	
  
1885	
   permiten	
   apreciar	
   la	
   llamativa	
   libertad	
   de	
   encuadre	
   y	
   composición	
   que	
   caracterizó	
   el	
   naturalismo	
   de	
   su	
  
primera	
  madurez.	
  En	
  contraste	
  con	
  la	
  precocidad	
  de	
  Sargent,	
  Sorolla,	
  que	
  era	
  siete	
  años	
  más	
  joven,	
  no	
  encontró	
  
su	
  propia	
  identidad	
  artística	
  hasta	
  bien	
  avanzada	
  la	
  década	
  de	
  1890.	
  Sorolla	
  además	
  optó	
  en	
  sus	
  inicios,	
  por	
  la	
  
pintura	
  de	
  denuncia	
  social,	
  en	
  cuadros	
  de	
  gran	
  formato	
  con	
  los	
  que	
  cosechó	
  sus	
  primeros	
  éxitos	
  nacionales	
  e	
  
internacionales.	
  
Las	
  trayectorias	
  de	
  Sargent	
  y	
  Sorolla	
  se	
  aproximan	
  en	
  el	
  momento	
  en	
  el	
  que	
  atendemos	
  a	
  la	
  dedicación	
  explícita	
  
del	
  primero	
  al	
  estudio	
  de	
  Velázquez	
  y	
  a	
  temas	
  como	
  el	
  baile	
  flamenco	
  y	
  la	
  Alhambra.	
  El	
  entusiasmo	
  de	
  Sargent	
  
por	
  el	
  arte,	
  la	
  música	
  y	
  la	
  idiosincrasia	
  de	
  nuestro	
  país	
  marcaría	
  de	
  manera	
  significativa	
  su	
  obra.	
  
Los	
   	
   cuadros	
   dedicados	
   al	
   mar	
   y	
   la	
   playa	
   de	
   la	
   primera	
   década	
   del	
   siglo	
   XX	
   de	
   Sorolla	
   ofrecen	
   los	
   mejores	
  
ejemplos	
  de	
  exaltación	
  lumínica	
  y	
  de	
  lirismo	
  exuberante	
  dentro	
  de	
  su	
  pintura.	
  
El	
  retrato	
   fue	
  el	
  género	
  que	
  más	
  fama	
  dio	
  a	
  Sargent.	
  Disfrutó	
  de	
  un	
  enorme	
  éxito	
  como	
  retratista	
  entre	
  sus	
  
contemporáneos.	
   Sargent	
   puede	
   ser	
   apreciado	
   retrospectivamente	
   como	
   el	
   último	
   gran	
   representante	
   de	
   la	
  
tradición	
  clásica	
  del	
  retrato.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
   	
  	
   	
   	
  	
  
	
  
La	
  concepción	
  del	
  retrato	
  en	
  Sorolla	
  es	
  menos	
  meditada	
  que	
  en	
  Sargent.	
  Sus	
  retratos	
  se	
  confían	
  más	
  al	
  azar	
  de	
  
las	
  circunstancias.	
  Aunque	
  no	
  fue	
  su	
  especialidad	
  característica,	
  Sorolla	
  hizo	
  muchos.	
  Pintaba	
  a	
  su	
  familia	
  y	
  a	
  
personalidades	
  de	
  su	
  entorno	
  artístico	
  e	
  intelectual	
  (incluido	
  el	
  rey).	
  
Los	
   propósitos	
   pictóricos	
   y	
   la	
   manera	
   de	
   alcanzarlos	
   cuando	
   Sargent	
   y	
   Sorolla	
   pintaron	
   retratos	
   de	
   grupo	
  
estuvieron	
  muy	
  próximos.	
  Tanto	
  Sargent	
  como	
  Sorolla	
  trataron	
  de	
  llevar	
  el	
  retrato	
  burgués	
  a	
  un	
  terreno	
  nuevo.	
  
Su	
  propósito	
  fue	
  imbuir	
  al	
  género,	
  si	
  no	
  de	
  solemnidad,	
  sí	
  de	
  la	
  grandeza	
  del	
  retrato	
  barroco	
  de	
  corte.	
  
18
	
  http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html	
  
19
	
  Se	
  cuenta	
  que	
  cuando	
  estuvo	
  en	
  Estados	
  Unidos,	
  mientras	
  desayunaba,	
  pintaba	
  a	
  la	
  gente	
  del	
  hotel	
  donde	
  estaba	
  hospedado.	
  
20
	
  Al	
  final	
  de	
  su	
  vida,	
  en	
  1920,	
  tuvo	
  una	
  parálisis	
  en	
  una	
  mano	
  y	
  sufrió	
  tres	
  años	
  de	
  agonía	
  por	
  ello	
  hasta	
  su	
  muerte.	
  
	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
Las	
  etapas	
  finales	
  de	
  ambos	
  artistas	
  muestran	
  la	
  mayor	
  afinidad	
  entre	
  sus	
  trayectorias.	
  Revelan	
  la	
  proximidad	
  de	
  
temas	
  y	
  factura	
  en	
  sus	
  obras	
  más	
  personales.	
  	
  
Sargent	
   es	
   valorado	
   como	
   uno	
   de	
   los	
   más	
   formidables	
   acuarelistas.	
   El	
   deslumbrante	
   virtuosismo	
   de	
   sus	
  
acuarelas	
  nos	
  descubre,	
  más	
  aún	
  que	
  sus	
  lienzos,	
  la	
  manifiesta	
  voluntad	
  luminista	
  de	
  su	
  obra.	
  	
  
Habiendo	
  alcanzado	
  el	
  éxito	
  relativamente	
  pronto,	
  Sargent	
  y	
  Sorolla	
  pudieron,	
  con	
  sus	
  recursos	
  y	
  su	
  vocación,	
  
dedicarse	
  a	
  la	
  más	
  moderna	
  de	
  las	
  tareas	
  artísticas:	
  pintar	
  para	
  sí	
  mismos.	
  Fue	
  durante	
  los	
  últimos	
  doce	
  o	
  quince	
  
años	
  de	
  sus	
  vidas	
  cuando	
  el	
  trabajo	
  de	
  ambos	
  pintores	
  alcanzó	
  la	
  culminación	
  de	
  pasión	
  y	
  excelencia	
  pictóricas	
  
que	
   les	
   ha	
   granjeado	
   un	
   lugar	
   incuestionable	
   en	
   la	
   historia	
   del	
   arte	
   moderno.	
   Sorolla,	
   fue	
   sin	
   duda,	
   el	
   pintor	
  
español	
  más	
  dotado	
  de	
  su	
  generación.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
Otros	
  artistas	
  importantes	
  de	
  la	
  época	
  entre	
  dos	
  siglos,	
  el	
  XIX	
  y	
  el	
  XX	
  fueron	
  los	
  catalanes	
  Hermen	
  ANGLADA	
  
CAMARASA	
  (1871-­‐1959). A	
  finales	
  del	
  siglo	
  XIX	
  vivió	
  en	
  París,	
  donde	
  adoptó	
  un	
  estilo	
  más	
  personal	
  en	
  línea	
  con	
  
los	
  cuadros	
  nocturnos	
  e	
  interiores	
  de	
  Degas	
  y	
  Toulouse	
  Lautrec,	
  pero	
  con	
  un	
  colorido	
  más	
  intenso	
  que	
  anunciaba	
  
el	
   triunfo	
   del	
   Fauvismo,	
   con	
   una	
   pincelada	
   muy	
   suelta.	
   En	
   él	
   se	
   aprecia	
   la	
   influencia	
   del	
   Japonismo	
   y	
   el	
  
Modernismo.	
  Una	
  de	
  sus	
  mejores	
  obras	
  es	
  el	
  retrato	
  de	
  Sonia	
  Klamery	
  que	
  se	
  conserva	
  en	
  el	
  MNCARS.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Isidro	
   NONELL	
   (1873-­‐1911)	
   puso	
   el	
   acento	
   en	
   temas	
   sociales	
   como	
   situaciones	
   de	
   miseria	
   mientras	
   que	
   el	
  
cosmopolita	
  José	
  Luis	
  SERT	
  (1874-­‐1945)	
  fue	
  uno	
  de	
  los	
  pintores	
  más	
  cotizados	
  y	
  controvertidos	
  de	
  su	
  tiempo	
  y	
  
uno	
  de	
  los	
  mejores	
  muralistas	
  españoles.	
  De	
  formación	
  modernista,	
  desarrolló	
  un	
  estilo	
  pictórico	
  al	
  margen	
  de	
  
las	
   corrientes	
   estilísticas	
   de	
   su	
   época.	
   Sert	
   pone	
   un	
   cierto	
   orientalismo,	
   una	
   clara	
   influencia	
   del	
   barroco	
   y	
   un	
  
expresionismo	
  de	
  corte	
  goyesco,	
  al	
  servicio	
  de	
  una	
  potente	
  imaginación	
  para	
  la	
  creación	
  y	
  adaptación	
  de	
  temas	
  
basada	
  en	
  una	
  narrativa	
  grandilocuente. Tuvo	
  taller	
  en	
  París21
,	
  y	
  estuvo	
  casado	
  con	
  la	
  mítica	
  Misia	
  Godebska,	
  
modelo	
  de	
  los	
  pintores	
  impresionistas.	
  A	
  pesar	
  de	
  que	
  su	
  vida	
  estuvo	
  marcada	
  por	
  el	
  éxito,	
  la	
  obra	
  de	
  Sert	
  cayó	
  
en	
   el	
   olvido	
   tras	
   su	
   muerte	
   en	
   1945,	
   aunque	
   retrospectivas	
   de	
   su	
   obra	
   en	
   los	
   últimos	
   años	
   han	
   intentado	
   su	
  
revalorización.	
  Sus	
  murales	
  decoraban	
  hoteles	
  en	
  Nueva	
  York	
  (como	
  el	
  Waldorf	
  Astoria),	
  instituciones	
  como	
  la	
  
Liga	
  de	
  Naciones	
  de	
  Ginebra,	
  el	
  Rockefeller	
  Centre	
  de	
  Nueva	
  York,	
  la	
  Catedral	
  de	
  Vic	
  o	
  el	
  Ateneo	
  de	
  Barcelona.	
  
	
  
2.	
  LAS	
  ESTAMPAS	
  JAPONESAS	
  UKIYO-­‐E	
  
	
  
UKIYO-­‐E	
   significa	
   “imágenes	
   del	
   mundo	
   flotante”.	
   El	
   Ukiyo-­‐E	
   es	
   una	
   	
   tipología	
   de	
   grabado	
   sobre	
   madera	
   –
xilografía-­‐	
  que	
  se	
  difundió	
  en	
  el	
  periodo	
  EDO	
  (1603-­‐1868)	
  en	
  Japón,	
  particularmente	
  en	
  la	
  ciudad	
  de	
  Tokio.	
  Son	
  
consideradas	
  como	
  la	
  quintaesencia	
  del	
  arte	
  japonés.	
  
21
	
  Sert	
  contaba	
  entre	
  sus	
  amigos	
  íntimos	
  a	
  Guillaume	
  Apollinaire,	
  Marcel	
  Proust,	
  Paul	
  Valéry,	
  Gabrielle	
  Colette	
  y	
  Paul	
  Claudel.	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
La	
  temática	
  Ukiyo-­‐E	
  hace	
  referencia	
  a	
  escenas	
  de	
  vida	
  cotidiana,	
  a	
  la	
  ciudad,	
  a	
  los	
  paisajes,	
  al	
  teatro	
  –kabuki-­‐	
  y	
  en	
  
algún,	
  caso	
  presentan	
  contenidos	
  de	
  carácter	
  erótico22
.	
  	
  
Ukiyo-­‐E	
   deja	
   atrás	
   la	
   mímesis	
   o	
   imitación	
   de	
   la	
   realidad	
   occidental.	
   Prefieren	
   obras	
   de	
   un	
   profundo	
   lirismo	
   y	
  
expresión	
  emocional,	
  con	
  contornos	
  muy	
  marcados	
  y	
  definidos	
  así	
  como	
  visiones	
  en	
  diagonal.	
  Son	
  estampas	
  
polícromas.	
  Obvian	
  los	
  efectos	
  volumétricos	
  del	
  claroscuro	
  tan	
  habituales	
  en	
  el	
  arte	
  occidental.	
  Valoran	
  el	
  vacío,	
  
el	
  símbolo,	
  la	
  inclusión	
  de	
  la	
  caligrafía	
  en	
  la	
  obra	
  pictórica	
  y	
  las	
  tintas	
  planas	
  en	
  campos	
  monocromos.	
  Como	
  a	
  
los	
  impresionistas,	
  les	
  interesa	
  captar	
  el	
  instante,	
  lo	
  efímero,	
  como	
  las	
  olas	
  del	
  mar,	
  las	
  hojas	
  mecidas	
  por	
  el	
  
viento...	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
Son	
  estampas	
  de	
  una	
  belleza	
  impresionante	
  que	
  tendrían	
  un	
  fuerte	
  impacto	
  en	
  el	
  arte	
  occidental,	
  en	
  todo	
  tipo	
  
de	
  corrientes	
  estéticas	
  y	
  artistas	
  como	
  el	
  Impresionismo23
,	
  Postimpresionismo,	
  Simbolismo,	
  los	
  Nabís…	
  y	
  el	
  arte	
  
de	
  vanguardia.	
  También	
  influyeron	
  en	
  el	
  nacimiento	
  del	
  cómic	
  y	
  en	
  dibujantes	
  de	
  campanillas	
  como	
  HERGÉ24
.	
  En	
  
el	
  París	
  de	
  la	
  segunda	
  mitad	
  del	
  siglo	
  XIX	
  se	
  difundieron	
  muchísimo	
  estas	
  estampas.	
  En	
  el	
  fondo,	
  forma	
  parte	
  de	
  
la	
  pasión	
  por	
  el	
  Japonismo25
	
  que	
  se	
  difundió	
  especialmente	
  en	
  el	
  siglo	
  XIX	
  y	
  abarcó	
  las	
  bellas	
  artes,	
  las	
  artes	
  
decorativas	
  (mobiliario,	
  cerámica,	
  indumentaria…)	
  y	
  el	
  diseño	
  (gráfico,	
  cartelismo…).	
  
Por	
  lo	
  que	
  se	
  refiere	
  a	
  la	
  técnica	
  Ukiyo-­‐E,	
  su	
  elaboración	
  implica	
  una	
  precisión	
  milimétrica.	
  El	
  artista	
  separaba	
  los	
  
dibujos	
  por	
  colores	
  que	
  después	
  se	
  pegaban	
  en	
  los	
  bloques	
  de	
  madera.	
  Una	
  vez	
  que	
  todos	
  los	
  bloques	
  para	
  una	
  
impresión	
  estaban	
  cortados,	
  se	
  procedía	
  a	
  realizar	
  el	
  grabado	
  en	
  sí.	
  Para	
  ello	
  se	
  usaban	
  tintas	
  a	
  base	
  de	
  agua	
  y	
  
mezclas	
  que	
  requerían	
  gran	
  habilidad	
  y	
  velocidad	
  por	
  parte	
  de	
  los	
  impresores.	
  Sólo	
  después	
  de	
  que	
  todos	
  los	
  
colores	
  se	
  imprimían	
  el	
  artista	
  podía	
  ver	
  el	
  diseño	
  completo.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
Los	
  máximos	
  representantes	
  del	
  grabado	
  Ukiyo-­‐E	
  fueron	
  Utamaro,	
  Hiroshige	
  y	
  Hokusai.	
  
	
  
Kitagawa	
  UTAMARO	
  (1753	
  –	
  1806)	
  
	
  
Utamaro	
   fue	
   uno	
   de	
   los	
   pintores	
   y	
   grabadores	
   más	
   importantes	
   de	
   UKIYO-­‐	
   E.	
   En	
   su	
   obra	
   encontramos	
   la	
  
naturaleza	
  como	
  tema	
  omnipresente	
  (insectos,	
  aves,	
  flores)	
  y	
  sobre	
  todo	
  las	
  bellezas	
  femeninas,	
  casi	
  siempre	
  de	
  
22
	
  Aparecía	
  intercalado	
  en	
  los	
  periódicos	
  porque	
  era	
  una	
  manera	
  de	
  propaganda.	
  
23
	
  Degas	
  coleccionó	
  estampas	
  Ukiyo-­‐E.
24
	
  Hergé	
   	
   sintió	
  una	
  fascinación	
  por	
  Oriente	
  que	
  le	
  acompañó	
  toda	
  su	
  vida.	
  Concretamente,	
  mostró	
  un	
  gran	
  interés	
  por	
  la	
  filosofía	
  y	
  la	
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dorado	
  que	
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  un	
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25
	
  Sobre	
  el	
  Japonísmo,	
  véase	
  la	
  conferencia	
  de	
  Daniel	
  Montesdeoca	
  sobre	
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  ensueño	
  oriental”	
  https://www.youtube.com/watch?v=tBpuxsOl58g	
  
Fundamentos	
  del	
  Arte	
  II	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ana	
  Galván	
  Romarate-­‐Zabala	
  	
  
	
   	
  
medio	
  busto.	
  Su	
  obra	
  impactó	
  en	
  los	
  impresionistas	
  europeos,	
  particularmente	
  por	
  su	
  uso	
  de	
  diagonales	
  y	
  vistas	
  
parciales.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
   	
  
	
  
Utagawa	
  HIROSHIGE	
  	
  	
  (1797-­‐1858)	
  	
  
	
  
Como	
  Utamaro,	
  Hiroshige	
  ejerció	
  una	
  gran	
  influencia	
  en	
  el	
  arte	
  europeo.	
  Fue	
  un	
  formidable	
  paisajista	
  y	
  también	
  
trató	
   la	
   temática	
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   Las	
   Sesenta	
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   del	
   Kisokaido	
   se	
   cuentan	
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realizaciones	
  más	
  conseguidas.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Katsushika	
  HOKUSAI	
  conocido	
  como	
  Hokusai	
  (1760	
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Posiblemente,	
   Hokusai	
   es	
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   artista	
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   Ukiyo-­‐E.	
   Fue	
   un	
   espléndido	
   ilustrador	
   y	
   grabador.	
   Su	
  
producción	
  artística	
  engloba	
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  Ukiyo-­‐E	
  como	
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  Descuellan	
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producción	
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  del	
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  La	
  gran	
  Ola	
  o	
  El	
  dragón	
  de	
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3.	
  INTRODUCCIÓN	
  AL	
  ARTE	
  DE	
  VANGUARDIA.	
  EL	
  FAUVISMO.	
  EL	
  CUBISMO	
  
	
  	
  
El	
   relato	
   del	
   arte	
   del	
   siglo	
   XX	
   es	
   la	
   historia	
   de	
   las	
   vanguardias.	
   Las	
   primeras	
   vanguardias,	
   llamadas	
   también	
  
vanguardias	
   históricas	
   se	
   gestan	
   a	
   inicios	
   del	
   siglo	
   XX	
   y	
   se	
   desarrollan	
   durante	
   las	
   primeras	
   décadas	
   de	
   esa	
  
centuria.	
   Estos	
   movimientos	
   artísticos	
   de	
   vanguardia	
   son	
   el	
   Cubismo,	
   el	
   Futurismo,	
   el	
   Expresionismo	
   en	
   su	
  
vertiente	
  francesa	
  (Fauvismo),	
  alemana	
  (Die	
  Brücke,	
  Der	
  Blaue	
  Reiter),	
  el	
  Dadaísmo,	
  el	
  movimiento	
  De	
  Stijl,	
  el	
  
Suprematismo	
  ruso,	
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  Surrealismo...	
  	
  
Después	
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Apuntes FUNDAMENTOS DEL ARTE TEMA 3. ARTE ENTRE DOS SIGLOS XIX Y XX. LAS VANGUARDIAS (I)

  • 1. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                                                   FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II. TEMA  3.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS  XIX  Y  XX   (I):  LAS  VANGUARDIAS
  • 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         TEMA  3.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS,  XIX  Y  XX  (I):  LAS  VANGUARDIAS     1.   Arte   entre   dos   siglos:   Simbolismo.   Nabis.   Impresionismo.   Postimpresionismo.   Luminismo.   Pintura   española.   2.   El   grabado   japonés  Ukiyo-­‐E.  3.  Las  primeras  vanguardias  del  siglo  XX:  el  Fauvismo.  El  Cubismo.  4.  La  música.     1.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS:  SIMBOLISMO.  NABIS.  IMPRESIONISMO.  POSTIMPRESIONISMO.  LUMINISMO.   PINTURA  ESPAÑOLA     Simbolismo     El   Simbolismo   fue   una   corriente   cultural,   fundamentalmente   literaria   y   pictórica,   que   surgió   en   las   últimas   décadas  del  siglo  XIX  y  se  extendió  hasta  los  primeros  decenios  del  siglo  XX.  El  término  Simbolismo  fue  acuñado   por   el   poeta   francés   Jean   Moréas   en   1886   en   su   Manifiesto   Simbolista   para   definir   aquellos   poetas   que   expresaban   sentimientos   profundos   y   personales,   revistiendo   la   idea   de   una   forma   sensual.   Pronto   comenzó   también  a  designarse  con  este  vocablo  a  aquellos  artistas  que  rechazaban  el  naturalismo  pictórico  –como  por   ejemplo  la  pintura  academicista    o  la  pintura  impresionista-­‐  para  abogar  por  un  arte  más  subjetivo,  imaginativo  y   fantasioso.  Es  un  arte  con  un  fuerte  contenido  poético,  incluso  místico1  en  algunos  casos.  Los  simbolistas  eran   estetas  y  exquisitos,  que  valoraban  la  belleza  como  bien  supremo  y  rechazaban  la  vulgaridad  de  la  vida  moderna.   Proclamaban  sin  ambages  el  carácter  elitista  de  su  arte.     El  Simbolismo  surgió  en  Francia  y  se  difundió  por  Europa  (Bélgica,  España,  etc.).  Sus  principales  representantes   fueron   Gustavo   Moreau,   Pierre   Puvis   de   Chavannes,   Odilon   Redon   y   muchos   otros,   que,   al   menos   tangencialmente,  se  acercaron  con  sus  obras  a  los  postulados  simbolistas  como  Van  Gogh  o  Gauguin,  ambos   simbolistas  a  su  manera.  Y  es  que  el  Simbolismo  supera  nacionalidades,  límites  cronológicos  y  estilos  personales.     Los   simbolistas   son   herederos   del   Romanticismo,   y   tienen   como   precedente   a   los   pintores   nazarenos,   a   los   prerrafaelitas   y   a   William   Blake,   que   en   muchos   aspectos   anticipa   ya   el   simbolismo.   Serán   derivaciones   del   Simbolismo  el  Grupo  de  pintores  de  Pont  -­‐Aben2 ,  los  Nabis  y  el  Modernismo  o  Art  Nouveau.   En  realidad,  como  bien  señala  Julián  Gállego,    hablar  de  arte  simbolista    es  una  redundancia  porque  todo  arte  es   simbólico  aunque  lo  creamos  realista.  Un  cuadro  o  una  escultura  no  es  una  mera  copia  de  la  realidad  sino  una   interpretación  de  la  misma.  El  contenido  simbólico  puede  ser  religioso,  filosófico,  político,  social,  sensual,  etc.   Para  Gállego,  el  Simbolismo  es  expresar  lo  inexpresable  de  una  manera  exquisita.  Daban  forma  a  lo  inefable   como  sueños  y  visiones.                                                 En   la   temática   pictórica   simbolista   abundan   las   escenas   de   carácter   literario,   bíblico   o   mitológico.   Combinan   cierto  misticismo  pagano  con  lo  perverso  y  decadente,  presentando  así,  un  interés  por  el  ocultismo,  lo  mórbido,   el  mundo  de  los  sueños,  la  melancolía,  el  mal  y  la  muerte.  El  erotismo  está  muy  presente  en  algunos  pintores   simbolistas  que  suelen  representar  a  una  mujer  fatal  que  destroza  cuando  ama,  una  mujer  que  adopta  forma  de   esfinge,  sirena,  araña,  o  genio  alado  diabólico. El   Simbolismo,   como   también   el   Romanticismo,   fomentaba   el   escapismo,   el   huir   de   la   realidad   y   de   los   convencionalismos  burgueses.  Poetas  y  pintores  buscaban  paraísos  artificiales  a  través  de  las  drogas  como  el   hachís  o  el  alcohol.   La  pintura  simbolista  suele  privilegiar  la  mancha  sobre  el  dibujo  y  presenta  un  vivo  colorido,  utilizado  muchas   veces  de  forma  arbitraria  (un  rostro  azul,  un  paisaje  amarillo,  etc.)  antecedente  de  la  vanguardia  fauvista.  En  las   1  Misticismo  pagano  podría  ser  llamado,  aunque  parezca  un  oxímoron  (contradicción  en  términos).   2  Muy  cercana  a  los  planteamientos  del  Simbolismo  se  sitúa  la  Escuela  de  Pont-­‐Aven,  una  de  las  primeras  en  definirse  así.  Pont-­‐Aven  es  pueblecito  de  la   Bretaña  francesa,  a  donde  se  dirigió  en  1886  un  grupo  de  pintores  como  Émile  Bernard  o  Gauguin  en  sus  inicios.  
  • 3. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         composiciones   se   aprecia   la   influencia   de   las   estampas   japonesas   (en   los   colores   planos,   las   perspectivas   en   diagonal,  etc.)   La  pintura  simbolista  es  según,  su  máximo  experto,  el  escritor  francés  Albert  Aurier:   *Ideista:  porque  refleja  una  idea  mediante  símbolos.   *Sintética  y  de  fácil  apreciación.   *Subjetiva:  porque  refleja  la  interioridad  y  la  personalidad  del  pintor  o  escultor.   *Decorativa.  En  principio,  todo  buen  arte  es  decorativo  y  el  simbolismo  lo  es,  en  un  sentido  similar  a   como  lo  fue  el  arte  egipcio  o  el  griego.     Un  pintor  simbolista:  ODILON  REDON  (1840-­‐1916)       Odilon  Redon  fue  un  simbolista  francés  cuyas  pinturas  y  grabados  incluyen  mitos  clásicos  y  orientales,  retratos,   flores  y  referencias  literarias.  Fue  también  ilustrador.  Dotado  de  una  fantasía  mística  y  desbordante  a  un  tiempo,   hasta   1890   trabajó   casi   exclusivamente   en   blanco   y   negro,   al   que   consideraba   el   príncipe   de   los   colores,   realizando  sobre  todo  dibujos  al  carbón  y  litografías.  Cuando  ya  contaba  con  cincuenta  años  fue  introduciendo  el   color  en  su  pintura,  que  será  un  elemento  esencial  en  su  obra,  igual  que  la  luz,  como  podemos  contemplar  en  sus   acuarelas,   pasteles   y   óleos.   Gran   admirador   de   Goya,   Poe,   Baudelaire   y   Moreau,   ha   sido   llamado,   con   razón,   precursor  del  Surrealismo.                               La  pintura  NAIF  y  el  Simbolismo:  HENRI  ROUSSEAU  EL  ADUANERO  (1844-­‐1910)     En  relación  con  el  Simbolismo,  encontramos  a  un  pintor  francés  heterodoxo  y  original  llamado  Henri  Rousseau3 .   Nació  en  un  pueblecito  francés,  Laval,  un  paisaje  rural  plagado  de  castillos,  bosques  y  ríos.   Se  estableció  en  París  donde  encontró  trabajo  como  recaudador  de  impuestos  -­‐más  que  aduanero  propiamente   dicho-­‐  en  la  oficina  municipal  de  París.  Y  es  que  nunca  fue  "aduanero"  a  pesar  de  su  sobrenombre.  En  su  tiempo   libre   se   dedicaba   a   pintar   y   a   copiar   sin   descanso   pinturas   y   grabados   del   Louvre   (como   la   obra   del  pompier   Gérôme).                     Aunque   le   llovieron   las   críticas   negativas,   fue   un   referente   para   los   artistas,   intelectuales   y   coleccionistas   de   vanguardia  y  contó  con  el  apoyo  de  Malraux,  Picasso  y  los  Nabís.   Expuso  por  primera  vez  dos  obras  en  1885  y  al  año  siguiente  participó  en  el  Salon  des  Indépendants  fundado  por   Georges  Seurat,  Odilon  Redon  y  Paul  Signac  bajo  el  lema:  sin  jurado  y  sin  premios.  Participó  allí  asiduamente.  En   1893,  Rousseau  abandonó  su  trabajo  para  dedicarse  solo  a  pintar.   Las  pinturas  más  célebres  de  Henri  Rousseau  son  de  naturaleza  selvática  y  animalística,  fruto  de  su  imaginación   desbordante,  ya  que  nunca  salió  de  Francia.     3  Más  imágenes  en  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/08/henri-­‐rousseau-­‐el-­‐candor-­‐arcaico.html  
  • 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Una  de  sus  obras  más  fascinantes  y  evocadoras  es  La  encantadora  de  serpientes.  En  ella  contemplamos  a  una  Eva   negra  con  ojos  de  pantera  que  domina  a  la  serpiente  -­‐y  no  al  revés-­‐  con  la  magia  de  la  música.  La  atmósfera  es  a   contraluz,  dentro  de  una  naturaleza  exuberante  y  lujuriosa.  Fue  un  cuadro  que  gustó  mucho  a  los  surrealistas  y   que  nos  retrotrae  a  Gauguin  en  cierta  medida.     Son  notas  distintivas  de  su  pintura:   *Frontalidad  casi  hierática.   *Acentuada  bidimensionalidad.   *Cromatismo  brillante.   *Detallismo.       *Simplificación  de  las  formas.   *Muy  dibujístico,  marca  mucho  los  contornos.   *Se  centra  en  todos  los  planos  de  perspectivas.   *Luz  fría,  sin  sombras  ni  claroscuros.   *Formas  desproporcionadas  y  jerarquización  de  tamaño  que  sirve  para  enfatizar  temas  o  figuras.     Henri  Rousseau  expuso  en  el  Salón  de  Otoño  de  París  de  1909  con  artistas  de  la  talla  de  Derain  o  Matisse.  Eran  los   orígenes   del   Fauvismo.   A   partir   de   1911,   tras   su   muerte,   surgió   el   "falso"   mito   de   pintor   "dominguero",   autodidacta,  iletrado  y  con  frecuencia  ridiculizado,  y  pasó  a  ser  un  referente  importante.  Es  cierto  que  el  grupo  El   Jinete  Azul  le  consideró  un  precursor  y  Max  Weber  le  alabó  inconmensurablemente.  Sus  pinturas  fueron  de  una   novedad  absoluta.  Ni  impresionista,  ni  simbolista,  pasó  a  ser  considerado  como  un  pintor  primitivo  y  naif4  (rico   de   "ingenuidad   infantil"   le   llamaba   su   gran   estudioso   Ardengo   Soffici)   un   "artesano".   Le   adoraron   Robert   Delaunay,  André  Bretón...  Fue  amigo  de  Apollinaire  y  Picasso,  quien  en  1908,  le  organizó  un  banquete  que  se   acabó  convirtiendo  en  un  homenaje5 .       Los  NABÍS     Desde   1888   hasta   1899   se   desarrolló   en   Francia   un   grupo   de   artistas   de   origen   simbolista   denominado   “Los   Nabis”.  Nabí  viene  del  hebreo  y  quiere  decir  “profeta”.  Se  consideraban  profetas  de  un  arte  nuevo,  rechazaban   de  plano  el  Impresionismo,  eran  antinaturalistas  y  cercanos  a  los  presupuestos  simbolistas  y  al  Japonismo.   Los  Nabís  crearon  un  lenguaje  basado  en  el  color  y  la  síntesis  formal.  Adoptaron  como  cuadro  emblemático,   verdadero  manifiesto  del  grupo,  un  paisaje  pintado  por  Paul  Sérusier  llamado  “El  talismán”  (1888).   Los  nabís,  además  de  rechazar  las  jerarquías  tradicionales  entre  artes  mayores  y  menores,  trabajaban  las  técnicas   decorativas.   Participaron   en   la   renovación   del   arte   del   grabado   y   los   carteles   ilustrados.   Crearon   decorados,   trajes   para   teatro...   En   el   Museo   de   Orsay   hay   una   gran   colección   de   arte   nabí.   En   1900   tuvo   lugar   la   última   exposición  conjunta  del  grupo.                                     Las  referencias  para  estos  pintores  fueron:   El  sintetismo  de  Gauguin  y  Bernard.   4  Tuvo  algún  problema  con  la  ley  por  algún  fraude  y  sus  abogados  le  defendieron  señalando  que  era  muy  ingenuo  (naif)  en  todos  los  sentidos,  no  solo  con   su  pintura...   5  En  esa  reunión  rodeada  de  artistas,  ebrio,  le  dijo  a  Picasso:  "Usted  y  yo  somos  los  más  grandes  pintores  de  nuestro  tiempo.  A  fin  de  cuentas,  usted  hace  en   modo  egipcio  lo  que  yo  hago  en  modo  moderno".  
  • 5. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         El  Art  Nouveau,  que  está  en  pleno  desarrollo  en  la  década  de  los  90.   El  arte  japonés.   El  Simbolismo.   Después  de  la  partida  de  Gauguin  a  Tahití,  el  grupo  se  fue  desintegrando  progresivamente  y  se  escindirá  en  dos   ramas:   *Los   espirituales,   con   Maurice   Denis   a   la   cabeza.   Vuelven   a   las   fuentes   religiosas   del   arte,   el   misticismo,   la   leyenda,  la  alegoría,  el  sueño...  Entraron  en  contacto  con  sectas,  estaban  atraídos  por  los  filósofos  orientales,  se   sumaban  a  la  idea  de  la  superioridad  de  la  intuición  sobre  el  intelecto.   *Los  decorativos,  con  Pierre  Bonnard,  Édouard  Vuillard,  Roussel...  Tienen  un  punto  de  vista  más  escéptico  sobre   la  misión  del  arte  como  medio  de  remover  las  consciencias.  Apuestan  por  la  armonía  estética,  un  orden  abstracto   dentro  de  la  representación,  y  parten  de  la  herencia  de  Cézanne  y  Seurat.             Pierre   BONNARD   (1867-­‐1947),   aunque   fue   considerado   como   un   pintor   anticuado   por   algunos   artistas   de   su   época,  fue  muy  estimado  por  pintores  coetáneos  que  valoraban  mucho  el  colorido  de  su  producción  artística   como   el   fauvista   Matisse.   En   cierto   sentido,   Bonnard   nos   anticipa   el   Fauvismo,   el   movimiento   pictórico   de   vanguardia  expresionista  francés.  Para  él,  el  color  era  un  fin  en  sí  mismo.  Bonnard  abandonó  la  tercera  dimensión   a  la  hora  de  representar  las  figuras,  fomentando  amplias  zonas  de  colores  planos.  Ha  sido  denominado  como   pintor  “intimista”  ya  que  no  le  interesaban  temas  simbolistas  –fantasiosos  o  místicos-­‐,  sino  escenas  de  la  vida   cotidiana,  frecuentemente  en  interiores.  Pintaba  de  memoria  más  que  intentado  reproducir  una  imagen  fiel  al   modelo.  Bonnard  también  realizó  ilustraciones  de  libros,  diseños  textiles  y  mobiliario.     EL  IMPRESIONISMO     Denominamos  Impresionismo  al  movimiento  pictórico  que  surge  en  París  en  el  último  cuarto  del  siglo  XIX.  Se   aplica  no  sólo  a  la  pintura  sino  también  a  la  música  y  a  la  literatura.  Podemos  definirlo  como  un  estilo  que  tiende   a  captar  más  la  impresión  sobre  el  ánimo  que  la  copia  de  la  realidad.  Es  más  sensual  e  inmediato  que  intelectual.   Cronológicamente,  el  Impresionismo  se  fragua  hacia  la  década  de  1860  hasta  1880,  pero  la  primera  exposición  del   grupo  impresionista  fue  en  el  año  1874  en  el  taller  del  fotógrafo  Nadar.   Nace  como  una  evolución  del  Realismo  y  de  la  Escuela  paisajística  francesa  del  siglo  XIX.  Recordemos  que  la  base   del  Impresionismo  fue  el  Realismo,  una  corriente  cultural  que  surge  como  disyuntiva  al  Romanticismo  ya  desde   mediados  del  siglo  XIX.  De  hecho,  el  término  “realismo”  surgirá  en  1857  en  Francia  y  aglutinará  a  pintores  como   Courbet  o  Millet  y  a  escritores  de  la  talla  de  Flaubert,  Zola  o  Balzac.   El  término  “Impresionismo”  procede  de  un  cuadro  de  Monet  titulado“Impresión,  sol  naciente”  En  los  primeros   momentos  se  utilizaba  el  vocablo  impresionismo  con  carácter  despectivo.  Se  asociaba  con  la  idea  de  lo  temporal,   lo   efímero,   lo   llamado   a   desaparecer   (sol,   luna,   agua…).   Podemos   considerarla   una   tendencia   pictórica   más   aristotélica  que  neoplatónica  ya  que  busca  más  la  imitación  de  la  realidad  que  la  creación.   El  Impresionismo  no  fue  una  escuela,  ni  un  grupo  que  se  uniera  en  torno  a  un  manifiesto  o  programa  concreto.   Ningún  interés  de  tipo  ideológico  o  político  unía  a  los  impresionistas.  Cada  uno  creó  su  propio  estilo.  No  tenían   un  programa  concreto  aunque  coincidían  en:   *Su  aversión  por  el  arte  académico.     *Desinterés  total  por  el  “tema”  entendido  en  un  sentido  tradicional  (mitología,  historia…).  Se  interesan  por  los   motivos  de  la  vida  burguesa  (la  ciudad,  la  noche,  los  cafés,  los  teatros,  las  reuniones  domingueras  las  regatas,  los   paisajes).  Cualquier  objeto  afectado  por  la  luz  y  el  color,  puede  convertirse  en  tema  artístico.  
  • 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         *Preferencia  por  el  paisaje  pintado  al  aire  libre:  plein  air6 .     *Preocupación  por  captar  el  instante,  fijando  lo  móvil  sin  perder  la  movilidad.   *La  luz  es  la  protagonista:  los  objetos  sólo  se  ven  en  la  medida  en  que  la  luz  incide  sobre  ellos.  La  luz  y  sus   efectos   cambiantes   son   los   verdaderos   temas   del   cuadro.   Un   mismo   tema   es   pintado   repetidas   veces   a   diferentes  horas  del  día.  Las  formas  y  los  objetos  cambian  en  función  de  la    intensidad  de  la  luz.  El  cuadro  es   simplemente  un  efecto  de  luz.   *Coloración  de  las  sombras:  desaparecen  los  contrastes  de  claroscuro,  y  el  dibujo  se  extingue  o  se  reduce.  No   utilizan  prácticamente  ni  el  blanco  ni  el  negro  porque  no  existen  en  la  naturaleza.  Emplean  tonos  puros,  usan   solo  colores  complementarios  para  indicar  sombras.     *Pincelada  suelta:  prefieren  la  mancha  pastosa  y  gruesa.  Utilizan  toques  yuxtapuestos  de  colores  para  producir   un  efecto  a  cierta  distancia.  Generalmente  no  hay  un  dibujo  que  proceda  al  cuadro.  Aspecto  inacabado,  aparente   improvisación,  pintura  de  mancha.   *La  influencia  de  la  fotografía.  A  mediados  del  siglo  XIX  se  inventó  la  “fotografía  instantánea”  que  tuvo  un  gran   impacto   en   los   impresionistas.   Influye   en   la   nueva   valoración   del   espacio   y   la   composición   con   ángulos   y   encuadres   más   atrevidos   con   grandes   diagonales,   que   nos   remiten,   también,   a   la   influencia   de   las   estampas   japonesas.    Las  figuras,  a  veces,  no  ocupan  “el  centro”  del  cuadro  y  están  cortadas  por  los  bordes  del  cuadro.   Otorga  una  especie  de  dinamismo  o  flou  a  los  personajes.  Degas  y  Monet  fueron  grandes  fotógrafos,  Monet   incluso  tuvo  un  taller  de  fotografía  en  Giverny.       En  un  principio,  los  impresionistas  contaron  con  la  oposición  del  público.  Pero  pronto  tuvieron  el  apoyo  de  dos   fuerzas   sociales   emergentes:   la   crítica   de   arte7 ,   que   se   encargará   de   encauzar   el   gusto   del   público;   y   los   marchantes,   los   vendedores   de   arte8 .   En   sus   inicios,   la   crítica   de   arte   les   acusaba   de   atacar   las   buenas   costumbres  artísticas,  que  no  respetaban  a  los  maestros,   que   sus  pinturas  no  tenían   “tema”,   que  les  faltaba   dibujo  y  que  dejaban  las  obras  sin  terminar.  Además,  provocaban  grandes  carcajadas  en  el  público  que  asistía   atónito  a  ver  los  cuadros.   El  Impresionismo  cuenta  con  varias  influencias  en  su  configuración:   *los  paisajistas  del  Realismo  francés  del  siglo  XIX  (Escuela  de  Barbizon).   *el  romántico  inglés  Turner.   *las   referencias,   especialmente   de   color   y   composición,   del   Siglo   de   Oro   español   (Velázquez   sobre   todo).   También  Goya  con  la  lechera  de  Burdeos.   *las  estampas  japonesas9 ,  muy  de  moda  en  la  época.   La   pintura   impresionista   es   amable,   hedonista,   alegre,   frecuentemente   de   paisaje,   llena   de   luz   y   color,   con   pinceladas   muy   cortas   que   a   veces   dejan   entrever   el   blanco   del   lienzo.   No   son   cuadros   grandes   puesto   que   responden  a  encargos  privados.  Están  alejados  de  cualquier  compromiso  social  (casi  todos  los  impresionistas  se   fueron  de  vacaciones  al  campo  o  a  Inglaterra  durante  la  represión  de  los  movimientos  obreros  de  la  década  de   1880)  y  no  tardaron  en  ser  refrendados  por  una  amplia  aceptación  social,  de  esta  burguesía  que  se  veía  retratada   en  los  lienzos  impresionistas.   El  Impresionismo  ha  sido  uno  de  los  movimientos  pictóricos  más  valorados  en    toda  la  historia  del  arte.  Algunas   pinturas   impresionistas   han   alcanzado   precios   estratosféricos   en   las   subastas   internacionales   de   arte   y   las   exposiciones  de  sus  obras  suelen  atraer  a  miles  de  espectadores.  Ha  sido  clave  en  el  desarrollo  del  arte  posterior,     especialmente  del  Postimpresionismo  y  las  vanguardias.   Los  impresionistas  se  agruparon  en  torno  a  la  figura  de  Édouard  MANET  (1832-­‐1883),  un  artista  eslabón  entre  el   Realismo  y  el  Impresionismo.  Fue  un  gran  artista  incomprendido,  aunque  al  final  de  su  vida  el  gobierno  francés  le   concedió  la  condecoración  “Legión  de  Honor”.  No  fue  plenamente  impresionista,  aunque  éstos  le  consideraban   el  cabecilla  del  grupo.  Le  apasionaba  la  temática  española,  y  de  hecho  adoraba  a  Velázquez    “el  pintor  de  los   pintores”  para  él,  y  Goya.  Ambos  le  influyeron  muchísimo.  Un  crítico  de  arte  en  Francia  le  llegó  a  denominar  “el   parisino  español”.10     6 Como  señaló  Renoir,  si  no  hubiera  habido  pintura  en  tubo  no  habría  habido  impresionismo,  porque  ello  propició  poder  pintar  al  aire  libre.   7  Las  tertulias,  los  Salones  extra-­‐oficiales  y  el  propio  escándalo  se  convirtieron  en  vehículos  propagandísticos  del  nuevo  estilo.     8  Algunos  marchantes  como  Durand-­‐Ruel  o  Ambroise  Vollard  empezaron  a  interesarse  por  las  obras  de  los  impresionistas  y  compraron  sus  lienzos,  aún  a   riesgo  de  perder  dinero. 9  Desde  el  punto  de  vista  plástico,  en  estas  estampas  se  utilizaban  principalmente  grandes  masas  planas  de  color,  con  una  casi   completa  ausencia  de   sombras,  una  despreocupación  por  la  perspectiva,  encuadres  asimétricos  de  las  escenas  y  una  gran  capacidad  de  síntesis  por  parte  de  los  artistas  para   plasmar  los  temas.   10  Baudelaire  lo  quería  muchísimo,  decía  de  él:  me  parece  difícil  no  amar  su  carácter  tanto  como  su  talento.
  • 7. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Los  principales  representantes  del  Impresionismo  fueron    Claude  Monet,      Pierre-­‐Auguste  Renoir11 ,  Edgar  Degas   (que  nunca  quiso  que  le  llamaran  impresionista),  Camille  Pisarro  (de  origen  español),  Alfred  Sisley  (de  origen   inglés),  Berthe  Morisot,  Mary  Cassatt,  etc.     Édouard  MANET  en  1863  expuso  el  célebre  Almuerzo  campestre  que  causó  desolación  y  escándalo.  Fue  tachada   de  pornográfica.  El  público  se  preguntaba  ¿dónde  está  el  tema?  No  era  mitológico,  ni  literario.  Si  todas  las  figuras   hubieran   ido   desnudas   no   habría   existido   ningún   problema.   En   la   disposición   de   las   figuras   se   inspiró   en   un   grabado   basado   en   Rafael.   En   este   cuadro   hay   muchos   elementos   nuevos:   la   luz,   el   paisaje   difuminado,   el   contraste  entre  las  carnes  blancas  de    los    desnudos  femeninos  y  las  levitas  oscuras  de  los  caballeros,  y,  en  primer   término,  la  naturaleza  muerta,  que  tiene  protagonismo  por  sí  misma.  Por  otra  parte,  este  lienzo  se  convirtió  en  la   Biblia  estética  de  los  impresionistas  por  su  novedoso  tratamiento  formal.  La  luz  se  difunde  por  el  aire  en  todo  el   cuadro  yuxtaponiendo  zonas  claras  y  oscuras  por  todo  el  lienzo.                     Probablemente   el   más   importante   y   representativo   pintor   del   Impresionismo   es   Claude   MONET   (1840-­‐1926).   Nació  en  1840  en  el  seno  de  una  familia  de  comerciantes.  Viajó  a  Londres  y  a  Holanda.  Llegó  a  pintar  cerca  de  tres   mil  cuadros,  la  mayoría  paisajes,  marinas  y  escenas  fluviales.  Es  el  gran  pintor  de  flores  y  del  agua.  Su  máxima   preocupación  es  la  captación  de  la  luz  a  distintas  horas  del  día  como  se  observa  en  la  serie  de  pinturas  sobre  la   catedral  de  Rouen.       En  muchas  de  sus  obras  camina  ya  hacia  la  abstracción.  Los  problemas  económicos  serán  una  constante  durante   buena  parte  de  la  vida  de  Monet.  Afortunadamente,  paulatinamente,  la  fama  de  Monet  va  subiendo  al  igual  que   su  cotización,  y  fue  tomando  parte  en  mayor  número  de  muestras  -­‐  exposiciones  Internacionales,  individuales,   colectivas-­‐.  Sus  pinceladas  eran  muy  sueltas  y  cortas.  Murió  casi  ciego.  Entre  sus  obras  destacamos  Impresión,  sol   naciente;  los  nenúfares;  la  estación  de  San  Lazare;  la  catedral  de  Rouen,  etc.                 Pierre-­‐Auguste  RENOIR  (1841-­‐1920)  fue  el  más  popular  de  los  impresionistas  y  también  de  los  más  falsificados.   Quiere  transmitir  la  alegría  del  ambiente  parisino:  escenas  de  la  vida  urbana,  bañistas,  bailes,  etc.     Es  menos  paisajista  y  más  retratista.  Es  el  pintor  de  la  mujer.  Y  nadie  como  él  ha  pintado  a  los  niños.  En  él  tenía  un   fuerte  peso  de  la  tradición  (técnica  que  en  algún  momento  recuerda  a  la  de  Tiziano  y  sus  mujeres  gruesas  a   Rubens).  Es  un  pintor  un  tanto  “almibarado”  que  utilizaba  colores  primarios  para  captar  las  vibraciones  de  la  luz   que  se  tamiza  a  través  de  las  hojas.  Todo  ello  se  puede  admirar  en  su  obra  Le  Moulin  de  la  Galette  donde  sigue  los   principios  del  movimiento  impresionista:  pintura  al  aire  libre,  pincelada  suelta,  colores  puros,  sombras  coloreadas,   disolución  del  dibujo,  captación  de  la  luz  sobre  los  objetos.     Aunque   menos   conocidas   que   los   impresionistas   mencionados,   Berthe   Morisot   y   Mary   Cassatt   destacaron,   dentro   de   los   presupuestos   estéticos   de   este   movimiento,   especialmente   como   pintoras   de   maternidades,   retratos  y  escenas  intimistas.     11  Su  hijo  Jean  Renoir  fue  uno  de  los  más  importantes  cineastas  franceses.  
  • 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                     Berthe  MORISOT  (1841-­‐1895)  procedía  de  una  familia  con  una  larga  historia  de  exitosos  pintores.  Fue  la  única   mujer  aceptada  y  respetada  por  el  círculo  impresionista.  Sirvió  con  frecuencia  como  modelo  de  Manet,  que  por   lo  demás,  era  su  cuñado.                                                         Mary   CASSATT   (1844-­‐1926)   fue   una   pintora   impresionista   de   origen   estadounidense.   Viajó   a   Francia   para   formarse   como   artista   y   allí   permaneció   buena   parte   de   su   vida.   Fue   la   única   pintora   americana   que,   ocasionalmente,  expuso  con  los  impresionistas  en  París.  En  su  paleta,  muy  suelta,  predominan  los  tonos  pastel  y   se  aprecia  la  influencia  del  Japonismo.  Sus  contactos  con  artistas,  marchantes  y  coleccionistas,  propiciaron  la   difusión  y  apreciación  del  Impresionismo  en  Estados  Unidos.     EL  POSTIMPRESIONISMO       El  término  Postimpresionismo  fue  acuñado  por  el  crítico  de  arte  Roger  Fry  en  1910  para  denominar  los  estilos   pictóricos   de   finales   del   siglo   XIX   e   inicios   del   XX   que   se   suceden   tras   el   Impresionismo.     Fry   creó   esta   denominación  con  motivo  de  la  exposición  celebrada  en  ese  año  en  Londres  con  pinturas  de  Paul  Cézanne,  Paul   Gauguin   y  Vincent  van   Gogh.  Henri  Toulouse-­‐Lautrec  también  suele  ser  considerado  postimpresionista,  como   vemos  en  el  libro  canónico  de  esta  tendencia  artística  del  historiador  Rewald.   Los  postimpresionistas  se  habían  formado  en  el  impresionismo,  pero  superan  sus  investigaciones  y  contribuyen  a   importantes    avances  en  el  arte  del  siglo  XX.  En  realidad  sus  personalidades  y  su  manera  de  entender  la  pintura   presentan  enormes  diferencias,  pero  todos  compartieron  los  inicios  en  el  impresionismo  y  la  reacción  contra  él.   Sobre  sus  conquistas  (tintas  plantas,  color  arbitrario  con  fines  simbólicos  o  expresivos…)  se  fundarían  además   los  desarrollos  de  fauvistas  y  cubistas  de  inicios  del  siglo  XX.   Aunque   los   postimpresionistas   basaron   su   obra   en   el   uso   del   color   experimentado   por   los   impresionistas,   reaccionaron   contra   el   deseo   de   reflejar   fielmente   la   naturaleza   y   presentaron   una   visión   más   subjetiva   del   mundo.    
  • 9. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Por   lo   demás,   hay   que   señalar   que   existió   una   tendencia   estética,   que   se   suele   ligar   al   Postimpresionismo,   llamada  NEOIMPRESIONISMO,  DIVISIONISMO  o  PUNTILLISMO,  caracterizada  porque  se  abandona  el  pleinarismo   para  pintar  en  el  taller,  construyendo  el  tema  de  una  forma  más  óptica  o  cerebral,  en  base  a  la  teoría  científica   del  color  (Chevreul).  Abrirá  la  puerta  al  arte  de  vanguardia  del  siglo  XX  (Cubismo…)     Postimpresionismo:   El   pintor   francés   Paul   CÉZANNE   (1839-­‐1906)   está   considerado   como   “el   padre   del   arte   moderno”.   Vivió   casi   toda   su   vida   en   el   sur   de   Francia,   en   Aix-­‐en-­‐Provence.   Su   obra   sentó   las   bases   de   la   transición  entre  la  concepción  artística  decimonónica  hacia  el  mundo  artístico  del  siglo  XX,  nuevo  y  radicalmente   diferente.   Fue   un   pintor   muy   innovador.   Tenía   influencias   de   la   pintura   de   El   Greco.   Estaba   interesado   en   la   simplificación  de  las  formas,  en  reducirlas  a  su  esencia  geométrica:  “Todo  en  la  naturaleza  se  modela  según  la   esfera,  el  cono,  el  cilindro.  Hay  que  aprender  a  pintar  sobre  la  base  de  estas  figuras  simples;  después  se  podrá   hacer  todo  lo  que  se  quiera.”  Quería  "convertir  al  impresionismo  en  algo  más  sólido  y  duradero,  como  el  arte  de   los  museos".  Trabaja  obsesionado  por  la  composición  y  decidido  a  negar  la  distinción  entre  dibujo,  línea,  plano  y   color.  Plantea  una  nueva  construcción  del  espacio.  Mientras  vivió,  Cézanne  fue  un  pintor  ignorado  en  gran  parte   por  la  crítica  y  el  público,  siendo  apreciado  sólo  por  algunos  impresionistas  y,  por  unos  cuantos  artistas  jóvenes   radicales   de   la   línea   del   postimpresionismo,   entre   los   que   se   incluían,   entre   otros,   Vincent   Van   Gogh   y   Paul     Gauguin.         Fue  amigo  de  la  infancia  del  escritor  realista  Émile  Zola  que  le  retrató  en  su  novela  L´oeuvre  (la  obra)  para  gran   enfado  del  pintor.  La  exposición  retrospectiva  de  Cézanne  del  año  1907  en  París  le  situó  como  uno  de  los  artistas   más  influyentes  del  siglo  XIX  preludiando  el    advenimiento    del  Cubismo.  Fueron  las  exploraciones  de  Cézanne  de   simplificación   geométrica   y   fenómenos   ópticos   las   que   inspiraron   a   Picasso,   Braque,   Gris,   y   otros   para   experimentar  con  múltiples  visiones  aún  más  complejas  del  mismo  tema,  y,  con  el  tiempo,  a  la  fractura  de  la   forma.   Hay   una   frase,   atribuida   tanto   Matisse   como   a   Picasso,   según   la   cual   «Cézanne   es   el   padre   de   todos   nosotros»12 .    Sólo  con  su  muerte  le  llegó  el  éxito.   La  pintura  de  Cézanne  se  centró  casi  siempre  en  los  mismos  motivos:  bodegones,  paisajes  o  figuras,  que  repite   con   objeto   de   explorar   su   dimensión   volumétrica,   pero   sin   recurrir   al   claroscuro.   Huye   de   la   búsqueda   de   dinamismo.  Hace  composiciones  muy  rigurosas  en  base  a  líneas  geométricas  (verticales,  horizontales.)  Marca   mucho   los   volúmenes   y   los   planos,   no   es   nada   etéreo.   Llegó   a   los   límites   de   la   abstracción.   Entre   su   genial   producción  destacamos  las  bañistas,  los  jugadores  de  carta,  la  montaña  de  St.Victoire  y  sus  increíbles  bodegones,   claros  precedentes  del  cubismo.  Los  cuadros  terminan  siendo  una  creación  mental,  se  alejan  paulatinamente  del   modelo.     Paul  GAUGUIN  (1848-­‐1903)  era  también  de  origen  francés.  De  biografía  sugestiva,  tenía  ascendencia  española  y   tuvo  varios  oficios.  Crítico  constante  de  la  sociedad  en  la  que  vive,  huye  de  París  y  trata  de  encontrar  nuevos   horizontes,   primero   en   la   región   francesa   de   Bretaña   y   luego   en   la   lejana   Tahití,   lo   que   le   supone   entrar   en   contacto  con  culturas  primitivas  que  marcan  profundamente  su  pintura.     Las   mujeres   son   su   auténtica   preocupación   iconográfica   y   pretexto   para   sus   investigaciones.   También   los   retratos   de   amigos   y   sus   autorretratos.   Profundizó   en   diversas   técnicas:   pintura   al   óleo,   escultura,   tapices,   grabados,  etc.  Le  apasionaba  el  arte  medieval,  las  miniaturas,  las  vidrieras  y  los  esmaltes  y  también  las  culturas   12  Henri  Matisse,  admiraba  su  manejo  del  color  y  Pablo  Picasso  se  basó  en  su  forma  de  componer  los  planos  para  crear  el  cubismo.  
  • 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         orientales,  exóticas  y  primitivas.  Este  camino  le  lleva  a  exaltar  el  color  y  a  simplificar  las  formas.  Extiende  el  color   en  campos  extensos  dentro  de  gruesas  líneas.         Rechaza   la   perspectiva,   suprime   el   modelado   y   las   sombras   y   siente   predilección   por   formas   planas   y   líneas   definidas.  No  tiene  interés  por  la  luz.  En  todas  sus  obras  se  impone  un  contenido  de  tipo  simbólico.  Tenía  un   talento  enorme  para  la  composición  y  el  color.  Sus  líneas  sinuosas  nos  retrotraen  al  modernismo.  Muestra  un   mundo  paradisíaco.  Es  un  precedente  claro  de  la  pintura  expresionista  de  vanguardia  y  fue  el  punto  de  partida  de   los  nabís.   Entre  sus  obras  destacamos  El  Cristo  amarillo,  Matamua,  Mujeres  tahitianas,  Jacob  y  el  ángel,  Paisaje  tahitiano,  ¿De   dónde  venimos?  ¿Qué  somos?  ¿Adónde  vamos?.     Vincent  VAN  GOGH  (1853-­‐1890),  fue  un  pintor  holandés  y  figura  destacada  del  Postimpresionismo.  Encarna  el   prototipo  de  artista  incomprendido  en  vida  y  reivindicado  hasta  el  paroxismo  por  la  posteridad.  Nació  en  el  seno   de  una  humilde  familia  de  origen  protestante.  Fue  un  místico  heterodoxo.  Recibió  los  mismos  nombres  -­‐Vincent   Willem-­‐  que  se  impusieran  a  un  hermano  que  nació  muerto  justo  un  año  antes  que  él,  el  mismo  día  30  de  marzo;   como  si  fuera  un  presagio  de  su  atormentada  existencia.  Llegó  a  pintar  900  cuadros  (27  de  ellos  autorretratos)  y   1.600  dibujos,  además  de  escribir  800  cartas,  650  de  ellas  a  su  hermano  Theo  Van  Gogh.  Pero  sólo  vendió  un   cuadro  en  su  vida.  Su  talento  fue  inconmensurable.  Padeció  toda  su  vida  una  gran  inestabilidad  mental,  mitigada   en  parte  por  el  apoyo  incondicional  de  su  queridísimo  hermano  Theo.   Durante  toda  su  vida  se  enorgulleció  de  ser  un  gran  autodidacta.  Obsesionado  con  La  Biblia,  en  su  juventud  quiso   hacerse  teólogo  y  misionero.  De  hecho,  trabajó  como  misionero  en  Bélgica  durante  varios  meses.  Allí  dio  todo  lo   que  tenía  a  los  mineros:  ropa,  dinero  y  comida,  además  de  realizar  sus  primeras  pinturas.  Rembrandt  le  influyó   muchísimo  y  también  las  estampas  japonesas,  fueron  cruciales  en  su  producción.  En  1886    se  mudó  a  París,  para   vivir   junto   a   su   hermano   Theo   y   empezó   a   codearse   con   los   artistas     de   la   época   (impresionistas,   postimpresionistas  como  Toulouse-­‐Lautrec,  etc.)  En  1888    se  instaló  en  Arles,  al  sur  de  Francia,  con  la  intención   de  crear  un  taller  de  artistas  en  su  casa.  Allí  trabajará  con  Gauguin.  Su  fama  creció  rápidamente  después  de  su   muerte,   gracias   a   la   promoción   de   la   esposa   de   Theo   que,   aunque   no   tuvo   una   buena   relación   con   Vincent,   resultó   ser   la   única   heredera   de   toda   su   obra   tras   la   muerte   de   su   esposo,   ocurrida   poco   después   de   la   de   Vincent.  Valora  mucho  el  color,  dibuja  con  el  color.  Decía  sobre  él,  que  “el  color  por  sí  mismo  siempre  expresa   algo,  no  cabe  prescindir  de  él”.  Pintó  sobre  todo  paisajes  y  retratos.     Sus  pinturas  son  muy  creativas  y  originales.  Utiliza  la  técnica  del  óleo  con  pincelada  más  menuda  al  principio  y   después   evoluciona   a   una   pincelada   más   amplia   e   intensa,   aplicada   con   espátula   o   con   la   propia   mano,   basándose  en  empastes  gruesos  donde  el  propósito  es  buscar  la  intensidad  del  color.  La  pincelada  ondulante  y   circular  se  hace  más  vehemente  después  de  su  primer  ataque  de  locura:  proyecta  en  exceso  su  personalidad  y  se   integra  en  la  representación  de  las  cosas.  
  • 11. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                                   Cada   vez   se   aleja   más   de   la   realidad   y   con   el   color   y   la   fuerza   expresiva   de   su   pincelada   camina   hacia   la   abstracción.  Utiliza  el  color  para  transmitir  sentimientos.  Su  pintura  guarda  muchas  concomitancias  con  Gauguin.     La  influencia  de  Van  Gogh  en  el  Postimpresionismo,  Expresionismo,  Fauvismo  y  los  principios  del  arte  abstracto   fue  enorme,  y  se  puede  notar  en  muchos  otros  aspectos  del  arte  del  siglo  XX.  El  Museo  Van  Gogh  en  Ámsterdam   se   dedica   al   trabajo   de   este   artista   y   de   sus   contemporáneos.   Se   suicidó   cuando   contaba   37   años   de   edad   – disparándose  en  el  pecho-­‐y  sus  últimas  palabras  fueron  “la  miseria  no  acabará  nunca”.   Entre  su  maravillosa  producción  artística  destacamos  Noche  estrellada,  La  habitación  en  Arles,  sus  autorretratos,   Café  nocturno  en  Arles,  Las  botas…  Es  uno  de  los  pintores  más  cotizados  y  admirados  del  mundo.     Henri    de  TOULOUSE-­‐LAUTREC  (1864-­‐1901)  y  los  orígenes  del  CARTELISMO     Toulouse-­‐Lautrec   nació   en   Albi   (Francia)   en   el   seno   de   una   familia   aristocrática   de   rancio   abolengo,   muy   aficionada  al  arte.  Sufría  una  enfermedad  por  consanguineidad  –sus  padres  eran  primos-­‐  que  propiciaba  el  tener   los  huesos  muy  débiles.  Dos  caídas  sucesivas  con  roturas  de  fémur  provocaron  que  no  le  crecieran  las  piernas.   Además  tenía  la  cabeza  deforme,  de  ahí  que  aparezca  siempre  con  sombrero  en  sus  cuadros.  Esta  fealdad  le   cerró  el  paso  a  la  vida  social  a  la  que  estaba  abocado.  Se  marchó  a  París  y  allí  entró  en  contacto  con  el  mundo   artístico.  Su  taller  estaba  en  el  mismo  edificio  en  el  que  vivía  Degas  que  le  influyó  muchísimo.  Cuando  contaba  21   años  un  poeta  satírico  abrió  un  cabaret,  el  Mirliton  y  allí  expuso.                                       Retrató  a  Van  Gogh  y  comenzó  a  exponer  en  el  Salón  de  los  Independientes,  siendo  conocido  como  artista  ya   desde   muy   joven.   Empezó   a   tener   toda   una   pléyade   de   amantes   femeninas   del   demi-­‐monde.   Le   fascinaba   la   ciudad,  París  en  concreto  y  fue  el  cronista-­‐retratista  un  tanto  caricaturesco  de  la  vida  nocturna  de  la  Belle  Époque.   Pinta   el   Moulin   de   la   Galette   de   Montmartre,   el   Moulin   Rouge   (bailarinas,   contorsionistas   como   el   cubano-­‐ bilbaíno  el  Negro  Chocolate,  Valentin  le  Desossée,  la  Goulue,  cantantes  de  ópera,  etc.)   Entró   en   contacto   con   intelectuales,   con   Misia   Sert   y   con   toda   la   bohemia   artística   de   la   época.   Pinta   Viajó   bastante,  estuvo  en  Londres  y  trató  a  Oscar  Wilde.  Estuvo  en  España  en  1896  en  Madrid  y  Toledo.     Fue  un  extraordinario  pintor,  dibujante  y  el  mejor  litógrafo.  Como  litógrafo,  firmaba  siguiendo  la  moda  de  las   estampas  japonesas,  con  un  sello.  
  • 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                     Gran  caricaturista,  cruel  y  sincero,  frio  y  amoral,  no  muestra  ni  amor  ni  ensañamiento  de  lo  que  ve13 .  El  paisaje   apenas  le  interesa.  Utilizaba  colores  planos,  simples,  pero  muy  efectistas,  en  particular  el  empleo  del  color  negro,   perfilaba  muchos  los  contornos.  Capta  el  movimiento  como  jamás  lo  ha  tratado  nadie.  No  se  limitó  a  copiar  lo   que  estaba  viendo,  se  recreaba  en  ello  y  dio  dignidad  al  cancán.                                   Era   de   una   laboriosidad   pasmosa.   Sus   carteles   publicitarios   –dentro   de   una   estética   que   oscila   entre   el   Japonismo  y  el  Modernismo-­‐  son  el  comienzo  de  la  edad  de  oro  del  cartelismo14 ,  a  caballo  entre  los  siglos  XIX  y   XX.15   Su  afición  al  alcohol  y  a  los  excesos  le  provocó  una  temprana  muerte  con  tan  solo  37  años.    En  Albi16 ,  su  ciudad   natal,  se  conserva  un  espléndido  museo  dedicado  a  su  obra.     Un  año  después  de  su  muerte,  en  1902  se  celebró  una  gran  exposición  retrospectiva  de  su  obra  y  los  precios  de   sus  cuadros  subieron  desorbitadamente.  Hoy  es  uno  de  los  artistas  franceses  más  conocidos  de  todo  el  mundo.     La  pintura  ESPAÑOLA  entre  dos  siglos.  El  impacto  del  IMPRESIONISMO.  El  LUMINISMO  de  Sorolla.   La   pintura   de   paisaje   realista   en   España   tiene   en   el   pintor   de   origen   belga   Carlos   DE   HAES   (1826-­‐1898)   a   su   principal  representante.  Fue  profesor  de  pintura  de  paisaje  en  la  Escuela  de  Bellas  Artes  de  San  Fernando  en   Madrid,   promoviendo   la   reproducción   fiel   de   la   naturaleza   siguiendo   la   tradición   de   la   Escuela   de   Barbizón   francesa,   que   tanto   influiría   en   los   pintores   impresionistas   de   ese   país. De   entre   la   nutrida   generación   de   alumnos  que  formó  cabe  destacar  a  los  impresionistas  españoles  Aureliano  de  Beruete  y  Darío  de  Regoyos.   Durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX,  el  impacto  del  Impresionismo  en  España  dio  lugar  a  algunos  seguidores,   que  al  menos,  tangencialmente,  se  dejaron  influir  por  este  estilo  pictórico.  Es  el  caso  de  Aureliano  de  Beruete,   nuestro  más  conspicuo  representante  del  Impresionismo  español,  y  también  de  Darío  de  Regoyos  y  Santiago   Rusiñol,  aunque  estos  últimos  con  menor  medida.     Aureliano  de  BERUETE  (1845-­‐1912)   Para   Julián   Gállego,   este   pintor   es   el   único   impresionista   español,   vinculado   además,   al   luminismo.   Fue   coleccionista  de  arte  (Miguel  Ángel,  el  Greco…)  y  su  hijo,  con  el  mismo  nombre  y  apellido,  fue  historiador  del   arte  y  el  primer  director  del  Museo  del  Prado  no  artista.   13  Aunque  algunas  de  sus  obras  presentan  carácter  erótico,  nunca  es  vulgar  ni  chabacano.   14 Especialidad  de  las  artes  gráficas  consistente  en  la  realización  de  carteles. 15  Recordemos  que  a  finales  del  siglo  XIX,  el  cartel  publicitario  experimentó  un  gran  auge  con  la  aplicación  de  la  litografía  y  la  utilización  del  color.  Grandes   cartelistas  fueron  aparte  de  Toulouse-­‐Lautrec,  los  modernistas  Jules  Chéret,  Alphonse  Mucha  o  Ramón  Casas  entre  muchos  otros,  como  veremos  en  el   próximo  tema.   16  http://www.museetoulouselautrec.net  
  • 13. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Fue  de  los  pocos  pintores  españoles  de  su  época  que  viajaba  a  París  continuamente.  Allí  conoció  a  Claude  Monet.   Pintaba  paisajes  del  natural  –en  plein  air-­‐  y  su  pincelada,  corta  y  pequeña,  era  muy  matizada.  Pintó  al  Madrid   campestre  de  una  forma  exquisita  como  no  se  veía  desde  Goya.  Imitaba  a  Sisley  pintando  ríos  inundados.  Fue   muy  amigo  de  Sorolla.                       Darío  de  REGOYOS  (1857-­‐1913)     Para   algunos   expertos   como   Juan   San   Nicolás,   Regoyos   fue   el   único   pintor   genuinamente   impresionista   en   España17 .   Nació   en   Ribadesella   (Asturias)   y   se   formó   en   la   Escuela   de   San   Fernando   con   Carlos   de   Haes.   Se   trasladó  a  París  y  a  Bruselas  y  finalmente  se  estableció  en  el  País  Vasco.                 Conoció  el  Impresionismo  al  entablar  contacto  con  Degas,  Monet,  Pisarro  y  Signac  y  usará  las  nuevas  técnicas   para   expresarse   en   un   lenguaje   propio.   Recorrió   toda   la   península   ibérica   buscando   nuevas   temáticas   y   posibilidades  lumínicas  para  su  obra.  Regoyos  fue  fundamentalmente  paisajista,  aunque  en  sus  paisajes  también   aparecen  figuras  humanas  que  se  integran  en  el  entorno  que  las  rodea.     Entre   sus   retratos   destaca   el   de   Doña   Dolores   Otaño   ya   dentro   de   la   técnica   puntillista,   también   llamada   divisionista  o  neoimpresionista.     Ramón  CASAS  (1866-­‐1932)                                                                                 En   su   viaje   a   París   coincide   con   la   exposición   de   los   impresionistas   de   1882.   En   su   paleta   predominan   las   tonalidades  frías,  grises  y  de  empaste  ligero.  Su  paleta  limpia  y  jugosa,  transmite  la  luminosidad  y  lo  fugaz  de   17  Véase  la  microsite  de  Regoyos  del  Museo  Thyssen  http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688  
  • 14. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         cada  momento.  Su  cuadro  más  famoso  es  Plein  air,  donde  aparece  una  mujer  joven  sentada  en  la  mesa  de  un   café   al   aire   libre.   Lo   más   destacado   de   esta   obra   es   su   compleja   composición   espacial.   La   sensación   de   profundidad  queda  marcada  con  la  silla  vacía  del  primer  plano,  la  figura  femenina  sentada  y  la  figura  masculina  al   fondo.  Las  figuras  están  bien  delimitadas  pero  las  formas  se  disuelven  en  los  edificios  del  fondo  que  no  son  más   que  manchas  de  color.  Fue  el  gran  retratista  de  la  burguesía  catalana  de  su  época  y  en  algunas  de  sus  obras  se   aprecia  cierta  preocupación  social  y  política  como  en  La  Carga,  Barcelona,  1902  o  en  Garrote  vil.   Ramón  Casas  fue  un  gran  cartelista  vinculado  al  Modernismo,  como  veremos  en  el  próximo  tema.     Santiago  RUSIÑOL  (1861-­‐1931)                               Bajo  las  premisas  del  Impresionismo  pintó  los  rincones  del  París  más  popular,  como  es  el  barrio  de  Montmartre   como  vemos  en  sus  obras  Vistas  de  Montmartre  en  invierno  o  El  café  de  Montmartre.   A  su  regreso  de  París,  se  dedicó  al  paisaje.  Deja  los  tonos  grises  y  su  paleta  se  hace  más  empastada  y  rica.  Se   convirtió  en  el  pintor  de  los  jardines,  sobre  todo  los  de  Granada,  Sevilla  y  Aranjuez.  Jardín  de  Aranjuez  o  Muralla   verde.   Casas   y   Rusiñol   renuevan   completamente   el   panorama   artístico   catalán   y   dan   paso   a   una   nueva   corriente,   el   Modernismo.     La  influencia  del  IMPRESIONISMO  en  Canarias     Aunque  en  Canarias  no  encontramos  artistas  a  los  que  con  propiedad  podríamos  denominar  impresionistas,  si   podemos   detectar   su   influencia   en   algunos   pintores   como   en   Nicolás   MASSIEU     o   incluso   en   el   modernista-­‐ simbolista  NÉSTOR  MARTÍN  FERNÁNDEZ  DE  LA  TORRE.                                                                                           Massieu  viajó  a  Inglaterra  a  los  18  años,  luego  a  Italia  y  París,  donde  relacionó  con  artistas  del  momento  entre  los   que   sobresalen   los   impresionistas   Manet,   Monet,   Renoir   y   Degas.   Después   de   una   etapa   dedicada   fundamentalmente  a  retratos  y  escenas  costumbristas,  se  enfrentó  a  la  luz  de  su  tierra  plasmando  el  paisaje  en   breves   pinceladas   al   modo   impresionista.   Un   ejemplo   claro   de   esto   lo   tenemos   en   su   cuadro   Almendros   en   flor,    en  la  Casa  de  Colón  de  Las  Palmas  de  Gran  Canaria.   En  el  caso  de  Néstor,  artista  muy  viajero  y  siempre  en  contacto  con  las  tendencias  estéticas  y  los  artistas  de  su   tiempo,  la  influencia  impresionista  es  detectable  en  su  pintura  Calle  Mayor  de  Madrid,  del  Museo  Néstor  de  Las   Palmas.      
  • 15. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         El  LUMINISMO  de  JOAQUÍN  SOROLLA.  Vidas  paralelas:  SOROLLA  versus  SARGENT18     Joaquín   SOROLLA  (Valencia  1863-­‐Cercedilla  1923)  fue  un  artista  con  un  don  extraordinario,  una  gran  facilidad   para  la  pintura.  Era  un  pintor-­‐pintor,  nada  literario,  que  dominaba  la  técnica.  Su  pintura  es  pintura  en  estado   puro,  con  temas  muy  simples.  En  ocasiones  su  pincelada  –pastosa  y  enorme-­‐  se  acerca  al  Impresionismo.     Ha  sido  denominado  luminista  por  la  fuerza  luminosa  extraordinaria  de  sus  obras.  Es  difícil  encontrar  un  pintor   que  haya  reflejado  mejor  que  él,  la  luz  cegadora  mediterránea.  A  este  respecto  comentaba  Pío  Baroja,  que  los   paisajes  de  Sorolla  le  daban  calor.     Muy   vitalista,   vivió   como   un   príncipe   ya   que   desde   muy   joven   alcanzó   el   éxito   y   tuvo   mucho   dinero.   Fue   un   hombre  feliz,  muy  enamorado  de  su  mujer,  a  la  que  pintaba  continuamente,  y  muy  amoroso  con  sus  hijos,  a  los   que   también   retrató   frecuentemente.   Pintor   muy   prolífico,   era   un   trabajador   incansable,   un   obrero   de   la   pintura.19  Fue  fotógrafo  amateur.20   John   Singer   SARGENT   (1856-­‐1925)   fue   un   pintor   estadounidense,   aunque   nacido   en   Florencia   que   alcanzó   un   enorme  éxito  en  su  época.  Llegó  a  realizar  más  de  900  pinturas  al  óleo  y  cerca  de  2000  acuarelas.  Cosmopolita  y   viajero,  este  pintor  de  extraordinario  talento  ha  sido  comparado  con  el  pintor  español  Joaquín  SOROLLA  con  el   que  guarda  muchas  concomitancias.     Fueron     pintores   de   lenguaje   muy   afín,   que   se   conocían   personalmente   y   sentían   atracción   mutua   por   sus   respectivas  obras,  pese  a  ser  dos  artistas  muy  diferentes  por  su  nacimiento,  educación  y  personalidad.  Los  dos   admiraban   profundamente   a   Velázquez,   referencia   ineludible   de   sus   pinturas,   y   mostraban   influencias   del   Impresionismo  a  su  manera.  Sargent  también  fue  luminista,  sobre  todo  en  sus  acuarelas.   Desde  su  llegada  a  París  en  1874,  el  joven  Sargent  asimiló  con  celeridad  el  lenguaje  artístico  moderno  y  aprendió   a  admirar,  como  su  maestro  Carolus-­‐Durand  y  como  Manet,  la  pintura  de  Velázquez.  Los  retratos  de  entre  1883  y   1885   permiten   apreciar   la   llamativa   libertad   de   encuadre   y   composición   que   caracterizó   el   naturalismo   de   su   primera  madurez.  En  contraste  con  la  precocidad  de  Sargent,  Sorolla,  que  era  siete  años  más  joven,  no  encontró   su  propia  identidad  artística  hasta  bien  avanzada  la  década  de  1890.  Sorolla  además  optó  en  sus  inicios,  por  la   pintura  de  denuncia  social,  en  cuadros  de  gran  formato  con  los  que  cosechó  sus  primeros  éxitos  nacionales  e   internacionales.   Las  trayectorias  de  Sargent  y  Sorolla  se  aproximan  en  el  momento  en  el  que  atendemos  a  la  dedicación  explícita   del  primero  al  estudio  de  Velázquez  y  a  temas  como  el  baile  flamenco  y  la  Alhambra.  El  entusiasmo  de  Sargent   por  el  arte,  la  música  y  la  idiosincrasia  de  nuestro  país  marcaría  de  manera  significativa  su  obra.   Los     cuadros   dedicados   al   mar   y   la   playa   de   la   primera   década   del   siglo   XX   de   Sorolla   ofrecen   los   mejores   ejemplos  de  exaltación  lumínica  y  de  lirismo  exuberante  dentro  de  su  pintura.   El  retrato   fue  el  género  que  más  fama  dio  a  Sargent.  Disfrutó  de  un  enorme  éxito  como  retratista  entre  sus   contemporáneos.   Sargent   puede   ser   apreciado   retrospectivamente   como   el   último   gran   representante   de   la   tradición  clásica  del  retrato.                                       La  concepción  del  retrato  en  Sorolla  es  menos  meditada  que  en  Sargent.  Sus  retratos  se  confían  más  al  azar  de   las  circunstancias.  Aunque  no  fue  su  especialidad  característica,  Sorolla  hizo  muchos.  Pintaba  a  su  familia  y  a   personalidades  de  su  entorno  artístico  e  intelectual  (incluido  el  rey).   Los   propósitos   pictóricos   y   la   manera   de   alcanzarlos   cuando   Sargent   y   Sorolla   pintaron   retratos   de   grupo   estuvieron  muy  próximos.  Tanto  Sargent  como  Sorolla  trataron  de  llevar  el  retrato  burgués  a  un  terreno  nuevo.   Su  propósito  fue  imbuir  al  género,  si  no  de  solemnidad,  sí  de  la  grandeza  del  retrato  barroco  de  corte.   18  http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html   19  Se  cuenta  que  cuando  estuvo  en  Estados  Unidos,  mientras  desayunaba,  pintaba  a  la  gente  del  hotel  donde  estaba  hospedado.   20  Al  final  de  su  vida,  en  1920,  tuvo  una  parálisis  en  una  mano  y  sufrió  tres  años  de  agonía  por  ello  hasta  su  muerte.    
  • 16. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Las  etapas  finales  de  ambos  artistas  muestran  la  mayor  afinidad  entre  sus  trayectorias.  Revelan  la  proximidad  de   temas  y  factura  en  sus  obras  más  personales.     Sargent   es   valorado   como   uno   de   los   más   formidables   acuarelistas.   El   deslumbrante   virtuosismo   de   sus   acuarelas  nos  descubre,  más  aún  que  sus  lienzos,  la  manifiesta  voluntad  luminista  de  su  obra.     Habiendo  alcanzado  el  éxito  relativamente  pronto,  Sargent  y  Sorolla  pudieron,  con  sus  recursos  y  su  vocación,   dedicarse  a  la  más  moderna  de  las  tareas  artísticas:  pintar  para  sí  mismos.  Fue  durante  los  últimos  doce  o  quince   años  de  sus  vidas  cuando  el  trabajo  de  ambos  pintores  alcanzó  la  culminación  de  pasión  y  excelencia  pictóricas   que   les   ha   granjeado   un   lugar   incuestionable   en   la   historia   del   arte   moderno.   Sorolla,   fue   sin   duda,   el   pintor   español  más  dotado  de  su  generación.                                     Otros  artistas  importantes  de  la  época  entre  dos  siglos,  el  XIX  y  el  XX  fueron  los  catalanes  Hermen  ANGLADA   CAMARASA  (1871-­‐1959). A  finales  del  siglo  XIX  vivió  en  París,  donde  adoptó  un  estilo  más  personal  en  línea  con   los  cuadros  nocturnos  e  interiores  de  Degas  y  Toulouse  Lautrec,  pero  con  un  colorido  más  intenso  que  anunciaba   el   triunfo   del   Fauvismo,   con   una   pincelada   muy   suelta.   En   él   se   aprecia   la   influencia   del   Japonismo   y   el   Modernismo.  Una  de  sus  mejores  obras  es  el  retrato  de  Sonia  Klamery  que  se  conserva  en  el  MNCARS.                         Isidro   NONELL   (1873-­‐1911)   puso   el   acento   en   temas   sociales   como   situaciones   de   miseria   mientras   que   el   cosmopolita  José  Luis  SERT  (1874-­‐1945)  fue  uno  de  los  pintores  más  cotizados  y  controvertidos  de  su  tiempo  y   uno  de  los  mejores  muralistas  españoles.  De  formación  modernista,  desarrolló  un  estilo  pictórico  al  margen  de   las   corrientes   estilísticas   de   su   época.   Sert   pone   un   cierto   orientalismo,   una   clara   influencia   del   barroco   y   un   expresionismo  de  corte  goyesco,  al  servicio  de  una  potente  imaginación  para  la  creación  y  adaptación  de  temas   basada  en  una  narrativa  grandilocuente. Tuvo  taller  en  París21 ,  y  estuvo  casado  con  la  mítica  Misia  Godebska,   modelo  de  los  pintores  impresionistas.  A  pesar  de  que  su  vida  estuvo  marcada  por  el  éxito,  la  obra  de  Sert  cayó   en   el   olvido   tras   su   muerte   en   1945,   aunque   retrospectivas   de   su   obra   en   los   últimos   años   han   intentado   su   revalorización.  Sus  murales  decoraban  hoteles  en  Nueva  York  (como  el  Waldorf  Astoria),  instituciones  como  la   Liga  de  Naciones  de  Ginebra,  el  Rockefeller  Centre  de  Nueva  York,  la  Catedral  de  Vic  o  el  Ateneo  de  Barcelona.     2.  LAS  ESTAMPAS  JAPONESAS  UKIYO-­‐E     UKIYO-­‐E   significa   “imágenes   del   mundo   flotante”.   El   Ukiyo-­‐E   es   una     tipología   de   grabado   sobre   madera   – xilografía-­‐  que  se  difundió  en  el  periodo  EDO  (1603-­‐1868)  en  Japón,  particularmente  en  la  ciudad  de  Tokio.  Son   consideradas  como  la  quintaesencia  del  arte  japonés.   21  Sert  contaba  entre  sus  amigos  íntimos  a  Guillaume  Apollinaire,  Marcel  Proust,  Paul  Valéry,  Gabrielle  Colette  y  Paul  Claudel.  
  • 17. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         La  temática  Ukiyo-­‐E  hace  referencia  a  escenas  de  vida  cotidiana,  a  la  ciudad,  a  los  paisajes,  al  teatro  –kabuki-­‐  y  en   algún,  caso  presentan  contenidos  de  carácter  erótico22 .     Ukiyo-­‐E   deja   atrás   la   mímesis   o   imitación   de   la   realidad   occidental.   Prefieren   obras   de   un   profundo   lirismo   y   expresión  emocional,  con  contornos  muy  marcados  y  definidos  así  como  visiones  en  diagonal.  Son  estampas   polícromas.  Obvian  los  efectos  volumétricos  del  claroscuro  tan  habituales  en  el  arte  occidental.  Valoran  el  vacío,   el  símbolo,  la  inclusión  de  la  caligrafía  en  la  obra  pictórica  y  las  tintas  planas  en  campos  monocromos.  Como  a   los  impresionistas,  les  interesa  captar  el  instante,  lo  efímero,  como  las  olas  del  mar,  las  hojas  mecidas  por  el   viento...                                                     Son  estampas  de  una  belleza  impresionante  que  tendrían  un  fuerte  impacto  en  el  arte  occidental,  en  todo  tipo   de  corrientes  estéticas  y  artistas  como  el  Impresionismo23 ,  Postimpresionismo,  Simbolismo,  los  Nabís…  y  el  arte   de  vanguardia.  También  influyeron  en  el  nacimiento  del  cómic  y  en  dibujantes  de  campanillas  como  HERGÉ24 .  En   el  París  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX  se  difundieron  muchísimo  estas  estampas.  En  el  fondo,  forma  parte  de   la  pasión  por  el  Japonismo25  que  se  difundió  especialmente  en  el  siglo  XIX  y  abarcó  las  bellas  artes,  las  artes   decorativas  (mobiliario,  cerámica,  indumentaria…)  y  el  diseño  (gráfico,  cartelismo…).   Por  lo  que  se  refiere  a  la  técnica  Ukiyo-­‐E,  su  elaboración  implica  una  precisión  milimétrica.  El  artista  separaba  los   dibujos  por  colores  que  después  se  pegaban  en  los  bloques  de  madera.  Una  vez  que  todos  los  bloques  para  una   impresión  estaban  cortados,  se  procedía  a  realizar  el  grabado  en  sí.  Para  ello  se  usaban  tintas  a  base  de  agua  y   mezclas  que  requerían  gran  habilidad  y  velocidad  por  parte  de  los  impresores.  Sólo  después  de  que  todos  los   colores  se  imprimían  el  artista  podía  ver  el  diseño  completo.                   Los  máximos  representantes  del  grabado  Ukiyo-­‐E  fueron  Utamaro,  Hiroshige  y  Hokusai.     Kitagawa  UTAMARO  (1753  –  1806)     Utamaro   fue   uno   de   los   pintores   y   grabadores   más   importantes   de   UKIYO-­‐   E.   En   su   obra   encontramos   la   naturaleza  como  tema  omnipresente  (insectos,  aves,  flores)  y  sobre  todo  las  bellezas  femeninas,  casi  siempre  de   22  Aparecía  intercalado  en  los  periódicos  porque  era  una  manera  de  propaganda.   23  Degas  coleccionó  estampas  Ukiyo-­‐E. 24  Hergé     sintió  una  fascinación  por  Oriente  que  le  acompañó  toda  su  vida.  Concretamente,  mostró  un  gran  interés  por  la  filosofía  y  la  cultura  chinas,   particularmente  por  el  taoísmo,  pero  también  por  el  budismo  y  el  pensamiento  zen.  Su  interés  por  Oriente  también  se  podía  percibir  en  algunas  de  las   obras  de  arte  que  fue  incluyendo  en  su  colección  personal,  entre  las  que  se  encontraban  varios  caros  jarrones  chinos  adquiridos  en  Londres  y  un  buda   dorado  que  compró  a  un  monje  tibetano.   25  Sobre  el  Japonísmo,  véase  la  conferencia  de  Daniel  Montesdeoca  sobre  “Japonismo,  ensueño  oriental”  https://www.youtube.com/watch?v=tBpuxsOl58g  
  • 18. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         medio  busto.  Su  obra  impactó  en  los  impresionistas  europeos,  particularmente  por  su  uso  de  diagonales  y  vistas   parciales.                                                         Utagawa  HIROSHIGE      (1797-­‐1858)       Como  Utamaro,  Hiroshige  ejerció  una  gran  influencia  en  el  arte  europeo.  Fue  un  formidable  paisajista  y  también   trató   la   temática   de   la   vida   cotidiana.   Las   Sesenta   y   nueve   estaciones   del   Kisokaido   se   cuentan   entre   sus   realizaciones  más  conseguidas.                                   Katsushika  HOKUSAI  conocido  como  Hokusai  (1760  -­‐1849)     Posiblemente,   Hokusai   es   el   artista   más   representativo   Ukiyo-­‐E.   Fue   un   espléndido   ilustrador   y   grabador.   Su   producción  artística  engloba  casi  todos  los  temas  Ukiyo-­‐E  como  paisajes,  flores,  aves  y  peces.  Descuellan  en  su   producción  las  visiones  del  Monte  Fuji,  La  gran  Ola  o  El  dragón  de  humo.                                                                                                                                                                                           3.  INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  DE  VANGUARDIA.  EL  FAUVISMO.  EL  CUBISMO       El   relato   del   arte   del   siglo   XX   es   la   historia   de   las   vanguardias.   Las   primeras   vanguardias,   llamadas   también   vanguardias   históricas   se   gestan   a   inicios   del   siglo   XX   y   se   desarrollan   durante   las   primeras   décadas   de   esa   centuria.   Estos   movimientos   artísticos   de   vanguardia   son   el   Cubismo,   el   Futurismo,   el   Expresionismo   en   su   vertiente  francesa  (Fauvismo),  alemana  (Die  Brücke,  Der  Blaue  Reiter),  el  Dadaísmo,  el  movimiento  De  Stijl,  el   Suprematismo  ruso,  el  Surrealismo...     Después  del  final  de  la  II  Guerra  Mundial  (1945),  el  centro  artístico  mundial  se  trasladó  de  París  a  Nueva  York.  Allí