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Escultura del Renacimiento. Los modelos clásicos, Grecia y Roma. La imagen de David.

En el Renacimiento se recuperan los conceptos técnicos y estéticos clásicos de Grecia y Roma: El contrapposto: Es el recurso clásico por excelencia para romper la rigidez simétrica. Consiste en descargar el peso del cuerpo sobre una sola pierna, lo que genera una ligera inclinación en la cadera y hombros opuestos, aportando una sensación de movimiento armónico y natural. Su uso es evidente en el David de Donatello o el de Miguel Ángel. La curva praxiteliana: Inspirada en el escultor griego Praxíteles, consiste en una acentuación de la flexión lateral de la cadera que dibuja una silueta en forma de "S", otorgando elegancia, sensualidad y dinamismo a las figuras. El canon de proporciones: Se recuperó la obsesión clásica por la simetría matemática y las proporciones ideales del cuerpo humano basadas en módulos racionales, como el canon de las nueve cabezas. El relieve pictórico (Schiacciato): Aunque el relieve ya existía, los artistas renacentistas como Lorenzo Ghiberti (en las Puertas del Paraíso) adoptaron de los sarcófagos romanos la variación de profundidad (alto, medio y bajorrelieve) acoplada a las nuevas leyes de la perspectiva geométrica para simular una tercera dimensión real. El desnudo monumental: El cuerpo humano desnudo volvió a ser el centro de la creación artística como máxima expresión de la belleza idealizada y reflejo del pensamiento humanista. El retrato ecuestre: Se tomó como referente directo directo el antiguo Retrato ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Obras como el Condottiero Gattamelata de Donatello revivieron este formato para ensalzar la gloria y el poder militar con un enfoque cívico. Bustos y tondos: Los retratos en formato de busto cortado a la altura del pecho imitaron la estatuaria republicana e imperial romana, buscando plasmar la psicología del individuo. Los tondos (composiciones circulares en relieve) replicaron los motivos ornamentales de los medallones antiguos. Temática mitológica: Junto a la producción religiosa (que se adaptó a los cánones formales antiguos), resurgió con gran fuerza la mitología clásica grecorromana y las alegorías profanas. Materiales nobles: El mármol blanco y el bronce se consolidaron como los materiales estelares debido a su durabilidad y a que eran los mismos componentes visibles en los restos clásicos excavados en suelo italiano.

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Escultura del Renacimiento: Los modelos clásicos de Grecia y Roma Grecia Roma El ideal de belleza clásica La expresividad contenida El tratamiento de las facciones Perfección y serenidad Las proporciones Los peinados y la sonrisa… Hª Arte © 2026 Simon Ibarretxe
Escultura del Renacimiento: Conceptos técnicos y estéticos clásicos recuperados: El contrapposto: Es el recurso clásico por excelencia para romper la rigidez simétrica. Consiste en descargar el peso del cuerpo sobre una sola pierna, lo que genera una ligera inclinación en la cadera y hombros opuestos, aportando una sensación de movimiento armónico y natural. Su uso es evidente en el David de Donatello o el de Miguel Ángel. La curva praxiteliana: Inspirada en el escultor griego Praxíteles, consiste en una acentuación de la flexión lateral de la cadera que dibuja una silueta en forma de "S", otorgando elegancia, sensualidad y dinamismo a las figuras. "Apolo Sauroktonos“. Praxíteles, s. IV a. C. Copia romana en mármol del modelo griego en bronce. Louvre. “David”, 1435. Donatello,
Escultura del Renacimiento: Conceptos técnicos y estéticos clásicos recuperados: El canon de proporciones: Se recuperó la obsesión clásica por la simetría matemática y las proporciones ideales del cuerpo humano basadas en módulos racionales, como el canon de las nueve cabezas. El relieve pictórico (Schiacciato): Aunque el relieve ya existía, los artistas renacentistas como Lorenzo Ghiberti (en las Puertas del Paraíso) adoptaron de los sarcófagos romanos la variación de profundidad (alto, medio y bajorrelieve) acoplada a las nuevas leyes de la perspectiva geométrica para simular una tercera dimensión real. Proporciones de Vitrubio, s. I a. C. Tullio Lombardo, Venecia. «Coronacion de la Virgen» (1500) y «El milagro del corazon del avaro» (1525). “Sátiro en reposo“. Praxíteles, s. IV a. C. Vaticano.
“Antinoo”, joven de gran belleza, favorito y amante del emperador Adriano, s. II. El ”Doríforo” de Policleto. La belleza estaba en las proporciones (altura total del cuerpo de siete veces cabezas) y en la simetría. Clasicismo Belleza Anatomía Proporción Equilibrio Armonía Antropocentrismo Contrapposto Mármol Los modelos clásicos de Grecia y Roma
La representación de David Donatello “David”, 1435. Verrocchio “David”, 1467. Miguel Ángel “David”, 1504. Escultura del Renacimiento: Los modelos clásicos de Grecia y Roma
QUATTROCENTO. Siglo XV. Importancia de la anatomía. La recuperación del desnudo va unida a la idea de la perfección del hombre dentro de la Creación. CINQUECENTO. Siglo XVI. Se quiere lograr una sensación de realidad que se incrementa al conseguir transmitir las ideas de ritmo y movimiento. David de Donatello, 1435/45. David de Miguel Ángel, 1504. Escultura del Renacimiento: etapas
Miguel Ángel representa a este rey bíblico al estilo clásico, desnudo y como un atleta. Lleva en su mano izquierda una honda y en la derecha una piedra. Miguel Ángel “David”, 1504 . Representa a David, rey de los judíos, después de vencer a Goliat, cuya cabeza aparece a sus pies. Es uno de los primeros desnudos del Renacimiento. Simboliza al héroe virtuoso, capaz de vencer al tirano. Donatello “David”, 1435 . Verrocchio muestra a un joven David que acaba de derrotar a Goliat y que parece que esta posando. No es un desnudo completo y la anatomía es la de un adolescente, no la de un héroe. Andrea Verrocchio, “David”, 1467. La representación de David
Escultura del Renacimiento: la representación de David Se recupera el desnudo, inspiración clásica. Renace el sentido de la proporción. Se imitan los modelos de la antigüedad. Canon de 9/10 cabezas. Representación natural del cuerpo humano. Se estudia la anatomía. Se estudian los gestos y actitudes, para dar mas expresividad a las figuras. Naturalismo y Antropocentrismo. Donatello, “David”, 1435. Verrocchio, “David”, 1467. Miguel Ángel, "David”, 1504. Empleo del bronce y el mármol QUATTROCENTO. CINQUECENTO.
Primer desnudo masculino a tamaño natural desde la Antigüedad Canon clásico Contrapposto acentuado al tener pierna derecha firmemente apoyada y la izquierda flexionada y elevada descansando sobre cabeza de Goliat Equilibrio de las formas con el brazo derecho tenso con la espada y el izquierdo relajado, apoyado en ángulo en la cadera y sosteniendo una piedra Formas anatómicas blandas El cuerpo ondulado describe la curva praxiteliana Sombrero adornado con amarantos típico de la Toscana Expresión de la juventud: sensual y seductora Contraste del pulimentado de la piel con las formas rudas de la cabeza de Goliath Donatello, “David”, 1435. Desarrollo anatómico y rostro poco varonil, que no corresponde con la exaltación de los cuerpos de atletas griegos.
Imagen escaneada. CONTRAPOSTO: equilibrio de las formas. El izquierdo relajado apoyado en ángulo en la cadera. La expresión es serena, sin señal de esfuerzo, es el equilibrio y la serenidad moral, la fuerza interior que lleva al triunfo. CLASICISMO: Calma, serenidad,… Sólo la cabeza, que está bajo su pie izquierdo, recuerda lo ocurrido en el combate, así como una piedra que tiene en su mano izquierda La calma tras la victoria, con la cabeza de Goliat bajo los pies de David. Pierna derecha tensa, firmemente apoyada. Brazo derecho tenso, sosteniendo la espada La izquierda relajada y flexionada sobre la cabeza de Goliat Hª Arte © 2026 Simon Ibarretxe
Musculatura vigorosa y rostro concentrado que reflejan fuerza y dinamismo en potencia. Exaltación de la fuerza física como “virtud” unida con la belleza y las formas clásicas. Contrapposto clásico pero con los brazos mas tensionados y las piernas demasiado abiertas. Refleja la intensidad del instante (venas y nervios marcados en brazos y manos). El giro de la cabeza rompe la frontalidad Diartrosis Miguel Ángel, "David”, 1504. Miguel Ángel representa a este rey bíblico a gran tamaño, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta. Porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. 5.572 Kg. 5,17 metros Se aprecian claramente los rasgos del rostro, el cabello rizado y la musculatura. Mirada penetrante y tensión corporal.
Escultura del Renacimiento: Tipologías y géneros recuperados El desnudo monumental: El cuerpo humano desnudo volvió a ser el centro de la creación artística como máxima expresión de la belleza idealizada y reflejo del pensamiento humanista. Miguel Ángel, 1497. “Baco”. Tullio Lombardo, Venecia, 1495. «Adan». Tullio Lombardo, «Adolescente desnudo».
Escultura del Renacimiento: Tipologías y géneros clásicos recuperados El retrato ecuestre: Se tomó como referente directo directo el antiguo Retrato ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Obras como el Condottiero Gattamelata de Donatello revivieron este formato para ensalzar la gloria y el poder militar con un enfoque cívico. Bustos y tondos: Los retratos en formato de busto cortado a la altura del pecho imitaron la estatuaria republicana e imperial romana, buscando plasmar la psicología del individuo. Los tondos (composiciones circulares en relieve) replicaron los motivos ornamentales de los medallones antiguos. Donatello, 1453. Condottiero Gattamelatta, Padua, Mino da Fiesole, retrato de Astorre Manfredi Tullio Lombardo, Venecia, 1505. «Pareja joven». Donatello, “San Juan”. Sacristía Vieja de San Lorenzo. Tondo, 1428.
Andrea Verrochio (1435- 1488) El Condottiero Colleoni, escultura ecuestre en bronce, llena de dinamismo y expresividad; está en una plaza pública de Venecia. Donatello, 1453. Escultura ecuestre de bronce, del Condottiero Gattamelatta, en Padua, siguiendo el modelo de Marco Aurelio. Condottiero: Jefe mercenario que alquilaba sus tropas al servicio de los poderosos. Giambologna, estatua ecuestre de Cosme I de Médici (1594), situada en la Piazza della Signoria en Florencia. Original romano de Marco Aurelio, s. II. Estatua ecuestre en bronce para celebrar las victorias del emperador. Modelo a seguir. Retratos ecuestres en el Renacimiento:
Escultura del Renacimiento: Iconografía y materiales Temática mitológica: Junto a la producción religiosa (que se adaptó a los cánones formales antiguos), resurgió con gran fuerza la mitología clásica grecorromana y las alegorías profanas. Materiales nobles: El mármol blanco y el bronce se consolidaron como los materiales estelares debido a su durabilidad y a que eran los mismos componentes visibles en los restos clásicos excavados en suelo italiano. “Hércules golpeando a Nessus”, el centauro que intentó robar a su esposa. Más tarde, Hércules sería asesinado por la sangre envenenada del centauro muerto. Giambologna, 1599. Mármol, 1.80 m. Florencia. “Fuente de Neptuno”, Giambologna, 1563. Bronce, 1.80 m. Plaza Mayor de Bolonia. Hª Arte © 2026 Simon Ibarretxe
Perseo y la medusa. La figura del héroe es potente y vigorosa, con una anatomía atlética y viril. Capta el momento en que Perseo a decapitado a Medusa y muestra su cabeza mientras sujeta la espada en su mano. Bartolomeo Ammannati, “Fuente de Neptuno”, (1550-1575). En la fuente de Neptuno de la Plaza de la Signoría de Florencia combina el bronce de las alegorías marinas (náyades y tritones) con el mármol de la estatua de Neptuno, conocida como el Biancone, por la blancura nívea del mármol. Tiene una altura 560 cm. Benbenuto Cellini “Perseo y la medusa”, 1554 . La Mitología clásica en el Renacimiento: El redescubrimiento de esculturas grecorromanas definió un nuevo canon de belleza idealizado en la figura humana. Artistas como Leonardo da Vinci plasmaron el ideal clásico de simetría a través del estudio de las proporciones en el Hombre de Vitruvio.
“El rapto de la sabina”. Giambologna, 1582. Mármol blanco. 4.10 m. Florencia, Italia Forma “serpentinata” • “El rapto de la sabina” se ha realizado para ser contemplada desde distintos puntos de vista, hay que girar a su alrededor para ver el "movimiento" ascendente y helicoidal que lo impulsa. (forma serpentinata). • Es una composición dinámica, las tres figuras parecen girar en el espacio para componer una escena, de gran carga dramática. “Mercurio”. Giambologna, 1582. Bronce. 1.80 m. Florencia. Otra de sus obras más destacadas, muestra un cuerpo en tensión, musculoso y de superficies pulidas, abierto en todas las direcciones; que vuela, plasma toda la sabiduría y virtuosismo que alcanzaron el autor y la escultura florentina a finales del siglo XVI. La Mitología clásica en el Renacimiento:
Logia de la Plaza de la Señoría, 1381. Florencia. Se trata de museo al aire libre de las esculturas de la colección de los Médici. Dos leones uno a cada lado del arco central. A la derecha de época romana (s. II). A la izquierda del s. XVII, de Flamino Vacca. Simbolizan la guardia y la protección de lo negativo. Perseo con la cabeza de Medusa, 1554. Cellini. El rapto de la sabina. Giambologna, 1582. Hª Arte © 2026 Simon Ibarretxe