Fundamentos11 el barroco

1.1. Relaciona la situación política europea con la
evolución del Renacimiento hacia el Barroco.
1.2. Analiza las instrucciones emanadas del Concilio de
Trento acerca de la manera de representar en las iglesias.
1.3. Analiza el púlpito de la Basílica de San Pedro y sus
elementos identificativos.
1. Reconocer las claves del arte barroco:
Origen. La crisis política europea. La guerra de los
treinta años. La política española.
El concilio de Trento y su importancia en el cambio
iconográfico en las imágenes religiosas.
El exceso, el desequilibrio manierista, la asimetría
en el arte barroco.

• 1.1. Relaciona la situación política europea con la evolución del Renacimiento hacia
el Barroco.
• Contexto histórico español: La decadencia política y militar
• El siglo XVII fue para España un período de grave crisis política, militar, económica y
social que terminó por convertir el Imperio Español en una potencia de segundo
rango dentro de Europa. Los llamados Austrias menores -Felipe III, Felipe IV y Carlos
II- dejaron el gobierno de la nación en manos de ministros de confianza o validos
entre los que destacaron el duque de Lerma y el conde-duque de Olivares.
• En política exterior, el duque de Lerma, valido de Felipe III, adoptó una política
pacifista y logró acabar con todos los conflictos heredados del reinado de Felipe II.
Por el contrario, el conde-duque de Olivares, valido de Felipe VI, incolucró de lleno a
España en la guerra de los Treinta Años, en la que España sufrió graves derrotas
militares.
• Durante la segunda mitad del siglo, Francia aprovechó la debilidad militar española y
ejerció una continua presión expansionista sobre los territorios europeos regidos por
Carlos II. Como consecuencia de esta presión, la Corona española perdió buena parte
de sus posesiones en Europa, de modo que a principios del siglo XVIII el Imperio
español en Europa estaba totalmente liquidado.
• En política interior, la crisis no fue menos importante. El duque de Lerma procedió a
la expulsión de los moriscos (1609), con lo que se arruinaron las tierras de regadío del
litoral levantino, y permitió la generalización de la corrupción administrativa.
Posteriormente, la política centralista del conde-duque de Olivares provocó
numerosas sublevaciones en Cataluña, Portugal, Andalucía, Nápoles y Sicilia. La
rebelión catalana fue sofocada el año 1652, mientras que la sublevación portuguesa
desembocó en la independencia de ese país (1668).

• Contexto histórico europeo
• Políticamente, en el siglo XVII los intereses nacionales se exacerbaron y las
naciones pretendieron imponer por la fuerza su hegemonía en Europa.
• Las potencias hegemónicas de este periodo son Francia y Austria. La guerra de los
30 años (1618-1648), en la que se enfrentan los príncipes protestantes alemanes
apoyados por Dinamarca, Suecia y Francia con los austríacos católicos apoyados
por España. Finalizó con la Paz de Westfalia, que inicia la hegemonía francesa en
Europa bajo los Borbones. El Barroco es pues un periodo del predominio francés
que coincide con la decadencia española. Holanda conseguirá con esta paz la
independencia de la corona española.
• El fallecimiento del monarca hispano Carlos II sin heredero y la posterior Guerra de
Sucesión Española, provocará un nuevo conflicto europeo, Francia y Austria se
enfrentan de nuevo, esta última con el apoyo Inglaterra, en el año 1713, la Paz de
Utrecht devolviía a Europa la idea del equilibrio entre las naciones y instauraba la
dinastía de los Borbones en el trono español.
• En Italia, durante el siglo XVII, los territorios de Sicilia, Nápoles y Milán están bajo
el dominio de la corona española. El resto del territorio italiano estaba dividido en
diversos estados y los Estados Pontificios, gobernada por el Papa y cuya capital
Roma se erige como el más importante centro artístico.
• Las consecuencias internacionales de la Guerra de Sucesión Española, provocó un
cambio de status en el territorio italiano, dando lugar a comienzo de la presencia
Austriaca en Italia, el Milanesado, Nápoles y Sicilia pasarón a poder de Austria y
Cerdeña al ducado de Saboya, siendo permutada posteriormente por Sicilia. En
1738, Nápoles y Sicilia pasaron a pertenecer de nuevo a los Borbones españoles.

Colonias Europeas en el barroco

Los orígenes de la palabra barroco no están claros.
Podría derivar del portugués barocco o del castellano
barrueco, término que designa a un tipo de perlas de
forma irregular.
De cualquier modo, a finales del siglo XVIII el término
barroco pasó a formar parte del vocabulario de la
crítica de arte como una etiqueta para definir el estilo
artístico del siglo XVII, que muchos críticos rechazaron
después como demasiado estrafalario y exótico para
merecer un estudio serio
El barroco fue una época en donde la exageración,
ostentación y opulencia cobran un auge muy fuerte y se
marcan como tendencias en todo un continente, no
solo en el arte, la literatura o música si no que también
en la moda jugando un papel muy importante dado que
se dan diversos cambios.
Se consideró la decadencia del clasicismo
renacentista, siendo el manierismo la etapa de
transición entre ambos.
Hay que esperar hasta 1915 para que el historiador del
arte Wolfflin catalogue al barroco como un estilö
distinto y lo despoje de sus connotaciones negativas en
su obra “Conceptos fundamentales de la historia de
arte”. El marco temporal del estilo va desde inicio del
siglo XVII (agotamiento del manierismo) a mitad del
XVIII (con aparición del rococó).

En Italia aparecen las características definitorias del barroco que
siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo su
simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo.
•El tema religioso será dominante. Iglesias.
•Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca
impresionar.
•Naturalismo ( contra el manierismo) preferencia por lo inmediato
y lo cotidiano y realismo ( piel y ropa) se busca la cercanía.
• Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados
anímicos, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones
incontrolables) sobre el hete ( emociones controladas)
•Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la
arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario
para la escultura.
•Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo
(como el manierismo) para expresar movimiento y tensión, ruptura
con el equilibrio clásico.
•Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la
atención.
Características del Arte Barroco

Absolutismo en países católicos,
sobre todo en Francia, que tiende a
divinización del rey.
El arte en Francia será menos
barroco y más clasicista:
Clasicismo francés y temas
mitológicos que se opone al barroco
italiano.
Esplendor de la monarquía francesa
significó un arte lujoso. Palacios
En arquitectura, escultura y pintura
vemos como en cada país se oscila
entre dos tendencias: ruptura con el
renacimiento (el barroco
propiamente dicho) o continuación
(el clasicismo) o lo único en común
entre ambos es la decoración
profusa.
Danza de la música y el tiempo
Nicolas Poussin

1.2. Analiza las instrucciones emanadas del
Concilio de Trento acerca de la manera de
representar en las iglesias.
El Concilio de Trento fue un concilio ecuménico de
la Iglesia católica desarrollado en periodos
discontinuos durante veinticinco sesiones entre el año
1545 y el 1563. Tuvo lugar en Trento. Dió lugar a lo
que se llama la Contrarreforma fue la respuesta de
la Iglesia de Roma a la reforma protestante de Martín
Lutero.
Un período de resurgimiento católico desde el
pontificado del Papa Pío IV en 1560 hasta el fin de
la Guerra de los Treinta Años, en 1648.
Sus objetivos fueron renovar la Iglesia y evitar el
avance de las doctrinas protestantes.
Se querían hacer atractivos los ritos. La Iglesia
Católica necesita recuperar seguidores y por eso
busca un arte que fomente la espiritualidad
El arte se convierte en una herramienta de
propagación de la fe con la aplicación de la
decoración barroca que busca conmover y emocionar
al fiel el arte
Nacen las Hermandades penitenciales y las
procesiones de Semana Santa con ellas toda la
escultura de imaginería en España.
Gregorio XV retratado por Guido Reni

En diciembre de 1563, el Concilio discutió
el problema del arte religioso, Carlos
Borromeo, luego elevado a los altares, es el
único autor que aplicó el decreto tridentino
al problema de la arquitectura. Sus
Instructiones Fabricae et Supellectilis
Ecclesiasticae, escritas poco después de
1572 y publicadas en 1577, tratan con
extraordinario cuidado todos los problemas
referentes a la construcción de las iglesias.
Recomienda primero que se construya la
iglesia, si es posible, sobre una pequeña
elevación o en todo caso con una escalera
que conduzca a ella para que pueda
dominar su entorno.
La fachada de la iglesia debe decorarse con
figuras de santos y adornos serios y
decentes.
Sugiere especial atención a la disposición
de las puertas del templo, decoración de
las paredes
San Carlos Borromeo de Orazio Borgiani 1616

Altar mayor debe alzarse sobre unas gradas y colocado en
un presbiterio suficientemente espacioso para que el
sacerdote pueda oficiar en él con dignidad. La sacristía debe
conducir al cuerpo principal de la iglesia, no directamente al
presbiterio para que el sacerdote pueda llegar en procesión
hasta el altar mayor.
Los brazos del crucero deben convertirse en capillas con
otros grandes altares para la celebración de la misa los días
de fiesta. Ricos vestidos añadirán dignidad a la ceremonia y,
puesto que toda la ceremonia debe estar convenientemente
iluminada, las ventanas de la iglesia estarán provistas de
cristales transparentes.
En las iglesias con naves laterales las capillas responderán
con exactitud al intercolumnio con el fin de que las
columnas o las pilastras no interfieran la vista de las mismas
En la construcción y en la decoración de la iglesia no has de
expresarse ni representarse ninguna cosa que sea ajena a
la piedad ni a la religión, ni profana, deforme, torpe u
obscena, o que, en fin, ostentando magnificencia mundana o
distintivos de familia, ofrezca la apariencia de una obra
gentil.
Colegiata de San Isidro La colegiata fue construida en el
siglo XVII como iglesia del antiguo Colegio Imperial de la
Compañía de Jesús, que se encuentra anexo al edificio.

La iglesia tendrá forma de cruz, no de círculo, pues
ello corresponde a costumbre pagana. Borromeo
recomienda la cruz latina (formam crucis) antes que
la cruz griega, eliminando así la forma predilecta del
Renacimiento. Pensaba, sin duda, en el nuevo tipo
de planta de cruz latina que Vignola había diseñado
ya para el Gesù y que se adaptaba muy bien a los
efectos espectaculares que preconizaban los
contrarreformistas:
El simbolismo de los órdenes arquitectónicos
evidentemente estaba muy extendido y Serlio se
refiere a él. Desea que la elección de los órdenes se
corresponda con el santo al que la iglesia está
dedicada: orden dórico para las iglesias dedicadas a
Cristo, a San Pedro, San Pablo y a otros santos más
viriles; orden jónico para los santos más dulces y
para las santas matronas; orden corintio, para las
santas vírgenes.
En el Concilio de Trento Se editaron decretos
relacionado con la música sacra y el arte religioso;
este fue el punto de partida para que algunos
teólogos tergiversaran y exageraran estos decretos
y condenaran muchos tipos de estilos e iconografías
del Renacimiento y del Medioevo, lo cual impactó
fuertemente en el desarrollo del arte.
El templo se debe a un diseño de 1620 de Pedro Sánchez. Las
obras, que comenzaron dos años después, fueron dirigidas por
este arquitecto hasta 1633 y continuadas posteriormente por
Francisco Bautista y Melchor de Bueras, quienes finalizaron la
construcción en 1664.

1.3. Analiza el Baldaquino de la Basílica de San Pedro y sus
elementos identificativos.

EL BALDAQUINO DE SAN PEDRO,
BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL
VATICANO, ROMA.
G. L. BERNINI.1624-1633
Inicia su carrera con esta obra, situada
bajo la gran cúpula de la basílica de San
Pedro.
Es un monumental dosel de bronce
sostenido por cuatro columnas
salomónicas, donde no se utiliza la línea
recta, sino que gira y se retuerce con gran
sensación de movimiento. En esta obra
consagra el uso de este tipo de columnas.
Es una arquitectura que representa un dosel
de tela gigante simulando al palio con el que
se cubren a los obispos y a los mandatarios.
Es un monumento que tiene como función
remarcar el poder del Papado, evidenciando
su papel y su poder en la cristianización del
mundo.

2.1. Identifica las principales características de la arquitectura
barroca.
2.2. Relaciona el arte barroco europeo y el arte colonial
hispanoamericano.
2.3. Compara el barroco con creaciones formales recargadas o
barroquistas posteriores.
2.4. Describe y compara fachadas de las iglesias más
representativas del arte barroco.
2. Utilizar correctamente el vocabulario técnico
aplicado a los elementos arquitectónicos.
Características de la arquitectura barroca.
Borromini. Bernini. La catedral de Murcia.
Púlpito de la Catedral de San Pedro. La columna
salomónica.

2.1. Identifica las principales características de la arquitectura barroca
Las nuevas formas
arquitectónicas no surgen de la
nada, sino que son consecuencia
natural de la evolución estilística
señalada ya por el Manierismo.
De nuevo será Italia el foco
creador, y el Papado, y el ideario
de la contrarreforma católica , los
que impulsen la nueva estética
arquitectónica, que basará su
fuerza expresiva en la
monumentalidad, la complicación
y el dinamismo de las
construcciones.
El punto de partida, como en el
resto de las artes, es la nueva
utilización del lenguaje clasicista
elaborado durante el Renacimiento,
pero de una forma que conducirá a
la ruptura del equilibrio clásico.
F. Borromini. Prospectiva Spada

LOS MATERIALES
Predomina la variedad (piedra, ladrillo,
estuco, etc..), aunque el más utilizado
será la piedra sillar.
En determinados edificios, y en
especial en los interiores, se empleará
el mármol de colores para subrayar la
suntuosidad y el lujo, tan querida por
la teatralidad barroca.
En ocasiones se emplea el bronce
para ciertos elementos, cuando se
pretende destacar su carácter
decorativo (columnas, etc.).
Frecuentemente se utilizan todos estos
materiales a la vez en un mismo
edificio, lo que consigue efectos de
suntuosidad y complejidad ornamental.
Iglesia de San Andrés del Quirinal,
1658-70. G. Bernini

EL MURO
El muro es el
principal soporte y
tiene en carácter
dinámico; se
ondula y modela
permitiendo
plantas flexibles.
Los vanos que se
abren pueden
tener formas
complejas,
ovales, con
sobreventanas,
etc.

Los soportes,
exentos o
adosados se
emplean mucho,
pero, en
general, con
fines
decorativos.
Se usan los
atlantes,
cariátides y
ménsulas y
aparecen dos
soportes nuevos
típicamente
barrocos: la
columna
salomónica y el
estípite.
Catedral de Murcia

COLUMNA
SALOMÓNICA: la
que tiene fuste
torsionado en
forma de espiral.
ESTIPITE: soporte
vertical cuyo
tronco tiene forma
de pirámide
invertida, puede
resultar muy
complejo al
yuxtaponerse, en
ocasiones,
diversos
elementos.
Real Hospicio de San Fernando, Madrid
De Pedro Ribera

Se emplean todos los
órdenes (dórico, jónico,
corintio, toscano, compuesto)
de columnas y sus
entablamentos, aunque se
prefieren las proporciones
gigantes.
Las columnas pierden sus
proporciones clásicas y se
hacen monumentales o
enanas, según convenga al
efecto del conjunto.
Los fustes lisos de las
columnas se sustituyen por
fustes retorcidos, salomónicos,
lo que constituye una genuina
creación barroca.
El Baldaquino de San Pedro. G. Bernini.

Los arcos
son muy
variados:
medio punto,
elípticos,
mixtilíneos,
ovales ,... El
arco más
utilizado es
el de medio
punto.

LAS FACHADAS
Las fachadas se curvan
como consecuencia de la
introducción de entablamentos
curvos. Inspiradas en el
modelo de “Il Gesú” de
Vignola, tienen dos cuerpos, y
se van haciendo más movidas
y ricas en claroscuro. Se llenan
de esculturas, las columnas se
desprenden del muro y el
efecto general es de mayor
riqueza y movimiento.
Iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes
Roma. 1634-41. F. Borromini

Se empiezan a dibujar
fachadas cóncavas o
convexas, que se relacionan
estrechamente con el
espacio urbano en que se
insertan y que se edifican
teniendo en cuenta el
ángulo bajo el cual van a ser
vistas, buscando efectos de
perspectivas fugadas y de
ejes diagonales. Esto
supone que los muros se
hacen flexibles: se mueven,
con entrantes y salientes, se
ondulan. Las cornisas, muy
salientes, también reflejan
esta concepción dinámica
de la fachada. Se trata, casi,
de una concepción orgánica
del edificio.

Los sistemas de cubierta
son muy variados. Las
bóvedas, de cañón, arista,
lunetos y hemiesféricas
sobre pechinas, son las
más características.
También se construyen
bóvedas falsas, llamadas
encamonadas.
Frente a estos
elementos, ya utilizados
en el Renacimiento, se
ensayan nuevas bóvedas
ovales o estrelladas,
multiplicándose las
cúpulas en el exterior del
edificio.
Bóveda ovalada de la
Iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes

CÚPULA DE SAN IVO, F. BORROMINI

La cúpula sobresale en el
exterior, pero interiormente
será absorbida, como
superficie semiesférica pura,
por un torbellino de figuras,
pinturas, molduras o fingidos
cielos (véase el caso de la
cúpula de la basílica de Santa
María de Elche cuando se
representa el Misteri). Son
grandes rompimientos de
gloria en los que aquéllas
simulan desaparecer,
dejando ver un mundo
celestial
Iglesia de los Inválidos de París. J. H. Mansart, 1678-1691

LOS RECURSOS
DECORATIVOS
Incluyen diseños basados
en la línea curva, en
consonancia con el mayor
dinamismo buscado, como
frontones curvos y
partidos, vanos ovalados y
motivos vegetales, cueros
y cortinajes que sugieren
un mundo irracional y
caprichoso. Se emplea, con
frecuencia, el trampantojo
(trampa para el ojo); un
recurso que, a través de la
pintura, simula un espacio
arquitectónico que se abre
sobre el muro.
Los soportes pasan a
tener, muy a menudo, un
carácter decorativo,
desprovistos de toda función
tectónica.
Iglesia de San Andrés del Quirinal,
1658-70.
G. Bernini

Todos estos elementos se
emplean con gran libertad, pues lo
que se valora es la invención y la
originalidad en la plasmación de
formas nuevas que impresionen al
espectador.
En ocasiones, la artificiosidad en los
procedimientos va en detrimento
de la solidez o funcionalidad del
edificio. Lo que importa es el
efecto global, al que se
subordinarán las formas
escultóricas, pictóricas y
decorativas que embellecen la
arquitectura; de este modo, el
edificio se constituye en un todo
orgánico.
Iglesia de San Lorenzo de Turín.
Guarino Guarini,1670-80

TIPOLOGÍAS
ARQUITECTÓNICAS
La tradicional planta
rectangular da paso a plantas
elípticas, circulares y mixtas.
Se da un claro predominio de
la “Planta jesuítica” (modelo de
iglesia de Il Gesú, de Vignola,
en Roma).
Iglesia jesuítica de
“Il Gesú “, Roma.
Iglesia de
San Andrés
del Quirinal,
1658-70.
G. Bernini.
Iglesia de San
Carlos
De las cuatro
fuentes, Roma.
F. Borromini.

El espacio interior
también se concibe como
una forma fluyente,
estando dominado por
las superficies curvas. La
decoración va
haciéndose cada vez más
rica y colorista,
potenciando el efecto
escenográfico y teatral de
la arquitectura barroca
Interior: Die Wies, Bavaria, Alemania
(1746-54), Dominicus Zimmerman

Como conclusión
podemos señalar que
los valores plásticos
giran en torno a dos
principios: liberación
de las formas y
dinamismo. Se rompe
con el canon y no
interesa la claridad
sino los juegos de
volúmenes y
espacios. En el
exterior las fachadas
tiene un papel muy
importante con
movimiento y efectos
de claroscuro. El
espacio interior es
envolvente,
misterioso, infinito a
veces teatral. Catedral de Murcia

El punto de partida:
la fachada de
1575-84. Modelo
Basilical de gran
difusión originado al
final del Renacimiento.
Iglesia jesuítica de “Il Gesú “, Roma. Vignola. 1568.

EL CONJUNTO URBANÍSTICO DE SAN PEDRO DEL VATICANO

Gian Lorenzo Bernini
(1598-1680)

La plaza de San Pedro se
compone en realidad de
dos plazas tangentes, una
de forma trapezoidal y otra
elíptica.
La plaza trapezoidal se
cierra hacia nuestro frente
reduciendo ópticamente la
fachada de Maderno y
logrando que los
espectadores situados en
la plaza elíptica perciban la
concepción original de la
cúpula de Miguel Ángel.

Las columnas se encuentran organizadas radialmente en torno al punto de
generación de la elipse, creando un espacio desbaratado ópticamente.
El estilo cultivado por Bernini es bastante clásico, casi arqueológico, con un
sentido muy sobrio en el uso del orden toscano, aunque en dinámica y
escenografía es barroco.
El uso de columnas con balaustradas y estatuas nos recuerda a Palladio en el
Teatro Olímpico. Un eje tetrástilo de columnas pareadas rompe la monotonía de
los tramos medios.

Iglesia de San Andrés del Quirinal, 1658-70. G. L. Bernini.
En San Andrés del Quirinal utiliza planta ovalada con capillas alrededor
y en la fachada, cóncava, coloca un pequeño pórtico, convexo, rematado
con un frontón con volutas que sostiene un gran escudo central

Iglesia de San Carlos de
las cuatro fuentes,
“San Carlino”.
Fachada Roma. 1634-41.
Francesco Castelli,
Borromini
(1599-1667)

Iglesia de Santa María de la Salud.
Baldassare Longhena, Venecia, 1631.

Iglesia de San Lorenzo de Turín. Guarino Guarini,1670-80.

Catedral de San Pablo de
Londres. Christopher Wren
1675-1710.
INGLATERRA:
La influencia de Palladio

Fachada del obradoiro Santiago de Compostela, Carcel de la Corte Madrid, Plaza Mayor de Salamaca,
Transparente Catedral de Toledo, Plaza Mayor de Madrid, Catedral Murcia, La Encarnación y palacio del Buen
Retiro Madrid, Palacio del Marqués de Dos Aguas Valencia (rococó)

2.2. Relaciona el arte barroco europeo y el arte colonial
hispanoamericano.
La estética básica con que se crean es la del barroco, la que
muestra el poder de España. Pero en América el barroco
encuentra su propio estilo, gracias a la fusión del nuevo
estilo con el sustrato indígena y la tradición mudéjar,
como en el Barroco Andino. Tres son los impulsores del
barroco en América: la Corona, la burguesía y los jesuitas
como representantes de la Iglesia. La arquitectura también
fue un vehículo para la evangelización
Al principio fueron conventos, fundados por órdenes
mendicantes, como franciscanos y dominicos, que en
ocasiones, levantaron misiones, convertidas también en
núcleos de población. Tras las primeras décadas del siglo
XVI, plagadas de interesantísimas experiencias
arquitectónicas, se emprende la construcción de
catedrales.
Una de las más importantes fue la catedral metropolitana
de México, diseñada por Claudio de Arciniega, inaugurada
en 1667, aunque se completó más tarde, con las
características fachadas-retablo de las iglesias americanas,
profusamente ornamentadas.

El Barroco – Arquitectura en América Siglo XVII
Años 1.600 - 1.750 DC
Catedral de La Ciudad de México – Construida sobre las ruinas de Tenochtitlán

Años 1.600 - 1.750 DC
Catedral de La Ciudad de México – Altar del Perdón

Años 1.600 - 1.750 DC
Iglesia del convento de Santo Domingo (1657), en Oaxaca. México.

Siglo XVII
Años 1.600 - 1.750 DC
Este mestizaje estilístico tuvo
una de sus más peculiares
manifestaciones artísticas
autóctonas en las
decoraciones, en las que se
emplearon motivos
europeos, junto a elementos
indígenas, como frutos
locales, papayas o plátanos.

Siglo XVII
Años 1.600 - 1.750 DC
El barroco en Hispanoamérica
es esencialmente decorativo,
ya que aplica un lenguaje
ornamental a esquemas
constructivos propios de la
tradición española.
Catedral de Lima - Perú

Siglo XVII
Años 1.600 - 1.750 DC
Catedral de Lima – Perú
Santa Rosa de Lima

• "Fue en Andalucía, sobre todo en el eje Sevilla-Cádiz,
donde se experimenta de forma más contundente y se
puede hablar de manifestaciones paralelas,
principalmente en planteamientos urbanísticos y en
arquitectura"
• Debemos tener presente que estos núcleos urbanos
que experimentaron una expansión extraordinaria
como consecuencia del comercio, a la vez que se
conformaban las principales ciudades americanas".
• "Es el caso de Cádiz, que inicia la construcción de su
perímetro defensivo a mediados del siglo XVI y cuenta
con un rico conjunto arquitectónico barroco. Su
puerto consiguió convertirse en cabeza del comercio
colonial en el siglo XVIII. Similitudes vemos en
Veracruz, La Habana, Cartagena de Indias u otras
poblaciones americanas.
• Arquitectos gaditanos se trasladaron a países como
Cuba, México u otros y, a través de éstos, se crearon
coincidencias en los esquemas organizativos de la
arquitectura doméstica, religiosa y militar, así como en
los diseños de los elementos decorativos entre España
y el Nuevo Mundo..
Urbanismo

2.3. Compara el barroco con creaciones formales recargadas o
El churrigueresco es una etapa, así como un estilo arquitectónico,
de España, que se dio en la época del barroco, y llegó hasta el
Nuevo Mundo, como en los edificios construidos en los virreinatos
de Perú y Nueva España (donde se le conoció como barroco
estípite), alcanzando un gran desarrollo.
El término churrigueresco proviene del apellido Churriguera. Los
Churriguera fueron una familia de arquitectos barrocos cuya obra
se caracterizó porque presentó una recargada decoración. Por
extensión, el término se ha utilizado para denominar el barroco
español del primer tercio del siglo XVIII. Se entendían por
churriguerescas todas aquellas arquitecturas que poseían un
marcado movimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo
en la retablística.
Este estilo es una variante del estilo barroco que presenta más
ornamentación. Fueron construcciones de retablos efímeros y
también en lo arquitectónico.
El primero de los Churriguera fue José de Churriguera (1665-1725),
quien se formó como ensamblador de retablos, elaborando algunos
muy importantes para diversos templos de Salamanca, Madrid,
Valladolid y otras ciudades de España.

2.3. Compara el barroco con
creaciones formales recargadas o
Retablo de Convento de San Esteban en Salamanca.
Retablo de Parroquia de San Sebastian en Cercedilla.
Población del Nuevo Baztán (Iglesia de san Francisco Javier y
Palacio de Goyeneche).
Coro de la Catedral Nueva de Salamanca.
Plaza Mayor de Salamanca.
Retablo de Iglesia de San Lorenzo en Valencia
Ermita de la Vera Cruz, en Salamanca.
Seminario de Calatrava, en Salamanca.
Portada de la fachada principal del Palacio de San Telmo (Sevilla)
Catedral Basílica de Zacatecas en Zacatecas, el Templo del Carmen
en San Luis Potosí,
San Francisco en Oaxaca, la Parroquia Antigua en Salamanca
Guanajuato, la fachada y el retablo principal del templo de San
Francisco Javier (Museo Nacional del Virreinato), en Tepotzotlán,

La corriente historicista del neobarroco siglo XIX tuvo tierra fértil en la ciudad de París, pues su
reconstrucción coincidió con el auge de este estilo arquitectónico. Se utilizó especialmente para los
teatros, ya que el barroco en el que estaba inspirado había contribuido a un florecimiento de las
artes escenográficas en Francia. En Austria en cambio, el uso de esta corriente tiene una
connotación patriótica, ya que se relaciona íntimamente con el florecimiento cultural y expansión
política de principios del siglo XVIII.
España: Ricardo Vázquez Bosco realizó el destacado edificio del Ministerio de Fomento (1892), hoy
Ministerio de Agricultura,
Exposición Universal de Barcelona 1888
El Teatro Arriaga de Bilbao (1885), elaborado por Joaquín Rucoba; el Teatro Cervantes en Málaga
(1870) de Jerónimo Cuervo; el edificio de Banco de España construido por Eduardo de Adaro
A comienzos Siglo XX El barroco influirá en cierto modo en la arquitectura Art Noveau y Gaudí

XX Finales
La era Neobarroca: Deconstructivismo Frontones partidos incorporación de columnas gigantes.
Importancia de la curva,postmodernidad.
EEUU: Estilo Menphis
Plaza de Italia en Nueva Orleans
La arquitectura de lo feo y lo ordinario, o el Tinglado decorativo, expuesta por el libro de Venturi
“Aprendiendo de las Vegas”
Arquitectos mas importantes: Frank Gehry y Zahara Hadid

2.4. Describe y compara fachadas de las iglesias más
representativas del arte barroco
Base
Fuste
Capitel
Entablamentos
Curvados
Estatuas
Escalinatas
Dinteles
Molduras
Frontones
Rotos
Cornisas
Voladas
Voluta
s
- Destaca la presencia de enormes columnas que sirven para dar un mayor equilibrio a la fachada y hacen fijar la atención en la estatua de la
parte superior y en el portón de la parte inferior.
-Se aprecian estatuas que decoran la fachada y la dan un toque más armónico y estilístico.
-La presencia de dos volutas curvilíneas de los laterales sirven para dar movimiento a la parte superior de la fachada y unificarla al conjunto.
-El juego de entrantes y salidas de cornisas la dotan de ondulación.
-En la vista lateral se pueden apreciar columnas de estilo dórico que han servido de sujeción a lo que antes era la cella del templo y sobre las
cuales ahora hay cornisas (en la parte de la fachada) y otros elementos decorativos propio de barroco.
-Se puede observar tanto en la fachada como en los laterales de la iglesia la presencia de ventanas con cristaleras de colores que permiten
que el interior quede bañado de brillantes luces de colores frescos como el blanco, en la ventana más grande de la fachada; el azul en el
resto de la fachada y el morado en los laterales.
Catedral de SiracusaCatedral de Siracusa

Santo Domingo es un complejo arquitectónico que abarca el templo propiamente dicho que actualmente sigue prestando
servicios religiosos para la comunidad católica de la ciudad de Oaxaca— y el convento anexo que es la sede del Museo Regional
de Oaxaca—. El Ex-Convento de Santo Domingo alberga en la actualidad una importante colección museística integrada por
objetos históricos del estado de Oaxaca. Una de las colecciones más importantes es la de los objetos artísticos descubiertos por
Alfonso Caso en la Tumba 7 de Monte Albán, pertenecientes a la cultura mixteca. Otra parte del ex-convento alberga en la
actualidad el Jardín Botánico de Oaxaca, integrado por especies vegetales nativas del estado.
Entrantes y
salientes en las
cornisas
Ornamentación no
tan recargada
Posee un escudo y de
cada lado columnas con
nicho
Tiene en el tercer cuerpo
una ventana coral, que
es un arco de medio
punto.
La portada se compone por
3 cuerpos, es simétrica y de
cada lado tiene par de
columnas y entre ellas un
nicho.
Fachada compuesta por 2
torres y en el centro la
portada.
Las torres tienen arcos de
medio punto, cúpula y capulín
Templo de Santo DomingoTemplo de Santo Domingo

Se alejó de las tendencias de su época en los interiores a base de paredes meramente revocadas, con sencillas
ornamentaciones, a menudo doradas, ensambladas a la perfección con las formas arquitectónicas. Muestra elementos clásicos
como tratamiento en los dos cuerpos y en ambos el orden gigante de columnas con volumen pleno (no adosadas) que soportan
un entablamento. La cornisa es muy volada. Todo ello, además de proporcionar un gran dinamismo teatral, ayuda a conseguir
importantes contrastes lumínicos. La iglesia está dedicada a San Carlos Borromeo y se la considera una obra maestra del
barroco. Encargo de la Orden de los Trinitarios Descalzos en Quattro Fontane en 1637.
Paredes cóncavas
y convexas
Columnas
colosales
Cornisas que sobresalen
Templo San Carlos de las Cuatro FuentesTemplo San Carlos de las Cuatro Fuentes
Entablamento interrumpido
por medallón
Predominio de las
líneas curvas.

Es uno de los edificios emblemáticos de la arquitectura barroca sevillana, dispone de planta rectangular con varios patios
interiores, uno de ellos central, torres en las cuatro esquinas, capilla y jardines. La capilla, a la que se accede desde uno de los
patios es obra del arquitecto Leonardo de Figueroa y en su decoración interior participaron: Pedro Duque y Cornejo como
escultor, Miguel de Quintana como cantero, Domingo Martínez como pintor y Juan Tomás Díaz como carpintero, y es de un
exuberante barroquismo. Está presidida por la imagen de Nuestra Señora del Buen Aire, una talla de principios del siglo XVII.
Balcón sostenido
por atlantes con
aspectos de indios
Puerta flanqueada
con tres columnas a
cada lado
Rodean el balcón doce
figuras de mujer
Palacio de San TelmoPalacio de San Telmo
Portada de
estilo
Churrigueresco

3.1.Comenta los principales trabajos de Gian Lorenzo Bernini
escultor y su evolución desde la escultura de Miguel Ángel
Buonarroti.
3.2. Analiza la obra "El éxtasis de Santa Teresa" y su relación con
artistas posteriores, por ejemplo Dalí.
3.3. Analiza las peculiaridades de la imaginería española. Temática y
técnica.
3.4. Identifica las principales obras de la imaginería religiosa
española.
3.5. Compara la escultura de Bernini y de Gregorio Fernández.
3. Escultura barroca.
Escultura europea: Bernini
La imaginería española. Técnica y temática.
Gregorio Fernández, Alonso Cano, Pedro de Mena

Características de la escultura Barroca
Dramatismo que busca expresar sentimientos y
estados anímicos, transmitir emoción. Expresividad
helenística la misma cara que tiene el Laoconte
tiene Santa Teresa en su éxtasis.
Teatralidad ( composiciones escenográficas) La
escultura y la arquitectura se complementan.
Esculturas en puente del Castello de Sant Angelo,
entre columnata de San Pedro. La arquitectura sirve
de escenario para la escultura.
Amor a lo curvilíneo para expresar movimiento y
tensión, las figuras nunca se representan en
reposo. Ropa parece agitada por el viento.
Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que
buscan centrar la atención. Juegos de luces y
sombras, plegados de ropajes, sensación viva y
mutable
Composición abierta o centrifuga. Proyección de la
obra hacia el exterior.
Variantes nacionales: Italia (Bernini), en Francia
más clasicista, en España continuación de la
imaginaría renacentista.
Apolo y Dafne de Bernini

3.1.Comenta los principales trabajos de Gian Lorenzo Bernini escultor y su
evolución desde la escultura de Miguel Ángel Buonarroti
En estas tres esculturas de David se puede observar la evolución de la escultura:
El David de Donatello púramente renacentista, el David de Miguel Ángel manierista, que
manifiesta una tensión interior, al David de Bernini en el que intenta resumir el momento
narrativo de la historia del personaje, además de incluir en el rostro una tensión
dramática al realizar un movimiento violento y manifestar furia contra su oponente.

Bernini poseía la habilidad de crear
en sus esculturas escenas
narrativas muy dramáticas, de
captar unos intensos estados
psicológicos y también de
componer conjuntos escultóricos
que transmiten una magnífica
grandeza.
Su habilidad para tallar el mármol
llevó a que fuera considerado un
digno sucesor de Miguel Ángel, muy
por encima de sus coetáneos.
Bernini empleó la luz como un
destacado recurso metafórico que
completa sus obras, en ocasiones
con puntos de iluminación invisibles
que intensifican el foco de la
adoración religiosa o amplifican el
dramatismo de la narrativa
escultórica.

La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del
rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando
de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la
Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando).
Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este
aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla .
Rapto de ProserpinaRapto de Proserpina
La ceja del dios se deforma
bajo el empuje dela mano
de la diosa
La composición es una línea
vertical a la que se contrapone
entres brazos en horizontal, los
dos del dios y uno de la joven
Las manos de Plutón se hunden
en el cuerpo terso de la joven y la
carne cede bajo la presiónContraste entre el cuerpo
musculoso de Plutón y
blandura del de Proserpina.

Este diseño data de 1628, situándose el sepulcro en un nicho de San Pedro. En él el pontífice se encuentra sédente en su
cátedra y bendiciendo sobre su tumba, mientras que a sus lados se sitúan las alegorías de la Caridad y la Justicia. Aquí no se
sigue el modelo habitual de sepulcro papal, consistente en un arco triunfal en cuya parte central se sitúa la figura arrodillada del
pontífice. La composición es piramidal, dentro de la cual el único motivo de carácter funerario es el sarcófago.
Esta obra se halla inspirada en el Sepulcro de Paulo III Farnesio (1534-1549), realizado por Guglielmo della Porta entre
1549 y 1575. Este grupo se estructura en una composición piramidal acompañada de alegorías, utilizándose en ella diversos
materiales de diferentes colores. Sin embargo aquí no aparece el sarcófago, motivo éste que se halla tomado del Sepulcro de
Julio Medici de Miguel Ángel.
Bernini sigue estos modelos, utilizando en la realización del sepulcro mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce
sobredorado... No obstante la figura del pontífice la realiza en bronce, del mismo modo que el sepulcro en pórfido oscuro, colores
estos de luto y duelo.
Sepulcro de Urbano VIIISepulcro de Urbano VIII
Contraste Cromático
La muerte se escribe
con el nombre del
difunto.
La Caridad y la Justicia

3.2. Analiza la obra "El éxtasis de Santa Teresa" y su
relación con artistas posteriores, por ejemplo Dalí
La obra representa el éxtasis o transverberación de Santa Teresa basado en sus propios escritos. Según ellos, en un
arrebato místico, sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le atravesaba el pecho con una flecha de amor divino que le
provocó una sensación de dolor y gozo simultáneo que la dejó desfallecida y suspendida en el aire, levitando sobre las nubes.
El tema es típico del Barroco, tanto por su idea propagandística y visual de la emociones religiosas, como por su
actualidad, pues Santa Teresa había sido canonizada en 1622 (en este tiempo la Iglesia, adoptando una postura triunfante,
prodiga las canonizaciones). Bernini, como otros autores, se hace eco del hecho y, utilizando la propia bula, crea una nueva
iconografía en donde buscará transmitir, de forma emocional, el concepto abstracto del éxtasis para hacerlo entendible por el
pueblo.
Rayos del Sol Rostro desvanecido en
pleno éxtasis.
Ropaje que
generan claroscuro
Ángel sonríe contemplando
a la santa.

En el escultor francés
Rodín, El beso
Su influencia será inmensa en toda la escultura posterior, tanto barroca
(aunque en España entrará tardíamente, hacia finales del XVII) como
neoclásica (Cánova) o de Rodin. Muchas de sus características serán,
incluso, recogidas por la pintura, como el caso de Rubens.
Influencia Estilística
Cupido y Psique de Cánova

Santa Teresa de Jesús
Luis Vasallo
Influencia Iconográfica
Giuseppe Bazzani (1690-1769)
“The Ecstasy of St Therese
Pompeo Batoni - The Ecstasy of St
Catherine of Siena. 1743
Giovanni Battista TIEPOLO
Stigmatiztion of Saint Francis

3.3. Analiza las peculiaridades de la imaginería
española. Temática y técnica.

3.4. Identifica las principales obras de la imaginería
religiosa española.

3.5. Compara la escultura de Bernini y de Gregorio
Fernández.
Se pueden observar similitudes en el rostro del éxtasis de Santa Teresa de
Bernini (1622) y de la Piedad de Gregorio Fernández (1616)
En la expresión de la boca inclinación de la cabeza, el claroscuro de los
pliegues

Piedad, Gregorio Fernández, 1616Éxtasis de Santa Teresa, Bernini, 1622
Similitudes:Composición: estructura similar :masa extenso de gran volumen plano con leve
inclinación rematada por la figura femenina en forma triangular.
Contrarrestada por la dirección diagonal opuesta de los brazos y la flecha del ángel, o por el
brazo de la virgen
Tratamiento de la luz en los ropajes.
Dramatismo en las expresiones. atención al las calidades en el tratamiento escultórico de la
pieles y ropajes
Diferencias: diferente técnica, talla en mármol Bernini, talla en madera y policromado en el
caso de Fernández. En el conjunto de la escultura de Bernini se observa mas movimiento

Piedad, Gregorio Fernández, 1616Éxtasis de Santa Teresa, Bernini, 1622
Diferencias:
La composición de Bernini tiene mas movimiento y la figura del ángel marca mas la diagonal.
La composición de Fernández al tratarse de un paso procesional necesita mas estabilidad para no
partirse con los traslado, en ocasiones incorporaba las figuras crucificadas de los dos ladrones

Gregorio Fernández,
Bernini,
En el conjunto de la escultura de Bernini, se observa mayor interés por el movimiento.
Al ser figuras con un emplazamiento fijo en una iglesia tienen una concepción mas teatral.
En las de Fernández mas dramatismo, por la temática, y la policromía.
Al estar pensadas como esculturas procesionales se observa un mayor interés por conmover
al espectador

4.1. Relaciona la caja o cámara oscura pictórica con la caja fotográfica.
4.2. Comenta el uso de la caja o cámara oscura, relacionado con la obra de Carel
Fabritius y otros posibles.
4.3. Identifica a los principales pintores barrocos.
4.4. Analiza el tratamiento de la perspectiva en "Las Meninas" de Velázquez.
4.5. Compara la técnica pictórica de Velázquez con la pintura impresionista
posterior.
4.6. Analiza la obra pictórica de Peter Paul Rubens y Rembrandt Harmenszoon
van Rijn.
4.7. Explica la pintura costumbrista holandesa: tratamiento pictórico, tamaño del
lienzo, técnica.
4.8. Relaciona a Michelangelo Merisi da Caravaggio con José de Ribera, Juan de
Valdés Leal y Diego de Silva Velázquez.
4. La pintura barroca.
El tenebrismo. Caravaggio, Ribera.
Naturalismo. Valdés Leal, Murillo.
El realismo. Diego de Silva Velázquez.
La pintura flamenca: Rubens.
El costumbrismo holandés: Rembrandt, Vermeer, Carel Fabritius

4.1. Relaciona la caja o cámara oscura pictórica con la cámara fotográfica.
Utilización de la cámara oscura para la realización de imágenes
Fechas Personalidades Producciones
Siglos III a C
hasta S XVII
Desde Aristóteles, hasta físicos,
astrónomos
Conocimiento del comportamiento de la luz en un espacio
oscuro cerrado
La formación de imágenes invertidas si se hace pasar los
rayos luminosos a través de un orificio pequeño. Utilización
de estas imágenes proyectadas para la observación del sol
Siglo XV-
hasta XIX
Fabritius, Veermer, Canaletto
Y otros posibles
Utilización de cámara oscura para auxiliarse, mediante el
calco manual, en la realización de dibujos preparatorios de
sus obras.
Siglo XIX -XX Niepce, Dagerre, Talbot.
Eastman
Hermanos Lumiere
Utilización de sales de plata y otros productos químicos
para registrar y fijar la imagen obtenida por la cámara
oscura: Nacimiento de las primeras cámaras fotográficas y
cinematográficas.
1975 hasta
hoy
Steve Sasson ingeniero de Kodak
Camara oscura integrada en dispositivos
digitales Móvil, computadors
Camara Digital sustituye la película fotosensible por sensor
CCD y grabación en cinta magnética hasta ahora que se
registra Tarjeta SIM

Conocimientos de los principios físicos de la
cámara oscura aplicados a la pintura
S IV a Cristo Aristóteles Principio óptico de la cámara
oscura
S XI d Cristo Alazen Obra sobre óptica
1545 Reiner Gremma Frisius físico
y matemático(Holanda)
Primera ilustración explicativa
1521 Leonardo en manuscritos Principios ópticos aplicados a
la pintura
1558 Giovanni Battista della Porta Aplicación práctica de la
cámara oscura al retrato
1612 Christoph Scheiner Astrónomo que estudia los
efectos de cámara oscura
inventa proyección para
observaciones astronómicas
Utiliza lentes

Gian Batista de la Porta aplica los
principios de la cámara oscura,
mejorados con lentes a la
observación de las manchas
solares mediante proyección

4.2. Comenta el uso de la caja oscura, relacionado con
la obra de Carel Fabritius y otros posibles.
Desde el siglo XVII en adelante
algunos artistas lo utilizaron
como una ayuda a composiciones
de trazado.
La cámara oscura consistía en un
objetivo acoplado a una abertura
en el lado de una tienda de
campaña o en la caja oscura. La
luz reflejada desde el exterior
tema elegido de la caja pasa a
través de la lente y se proyecta
sobre una superficie en una
escala mucho más pequeña
dentro del área cerrada.
El artisca calcaba el tema
Se sabe que estos artistas
utilizaron la cámara oscura:
Canaletto. Fabritius y Vermeer

La incorporación de las lentes a cámaras oscuras permitía reducir
su tamaño mejorar la nitidez en el registro de la imagen.
Pero producía aberraciones ópticas en la imagen (deformaciones en
los bordes) y se perdia nitidez en las zonas no enfocadas.
La lente crea una franja del espacio enfocado y otra delante y detrás
desenfocada.

Vista de Delf de Fabritius las aberraciones
ópticas muestran que pudiera haber utilizado
cámara oscura con lente de ojo de pezVista de Delf de Veemer el cuidadoso detalle, la
fidelidad fotográfica en la representación de la luz
hace pensar en la utilización de la cámara oscura

1891 Joseph Pennell, litógrafo norteamericano, grabador y amigo del pintor Whistler, fue el primero en
sugerir que Vermeer podría haber empleado un dispositivo óptico como una ayuda para sus pinturas.
Pennell señaló, por ejemplo, una discrepancia evidente en la escala de las dos figuras en El oficial y la
muchacha riendo. Desde entonces una serie de historiadores del arte han mantenido esta tesis
A pesar de que el oficial en la pintura de Vermeer está muy cerca de la muchacha sentada, parece
desproporcionada. La cabeza del funcionario es dos veces más grande que la de la mujer sonriente. Pero
la perspectiva de la imagen de Vermeer es perfectamente correcta en un sentido geométrico: la
discrepancia se debe a que el punto de vista de la imagen se sitúa inusualmente cerca del soldado.
Hoy en día estamos muy familiarizados con el hecho de que los objetos en primer plano aparezcan muy
grandes en las instantáneas, pero en la pintura del siglo XVII esto es bastante inusual. Los
contemporáneos de Vermeer, en una composición de este tipo, habrían hecho las figuras humanas mucho
más semejantes de tamaño.

Giovanni Antonio Canal, también conocido como Canaletto, fue un pintor veneciano del siglo XVIII. Fue precursor del
Vedutismo, un género pictórico conocido por sus vistas urbanas, panorámicas y realistas, a diferencia de los géneros
anteriores que preferían las cosas irreales -la mitad del cuadro de la batalla de Lepanto está ocupada por la Virgen y
sus angelitos-.
La técnica de Canaletto era muy detallista, tanto que hasta usaba una cámara oscura, algo parecido a una cámara
fotográfica. Pero en ocasiones había tantos puntos de vista que Canaletto debía hacer muchos dibujos para luego
refundirlos. Por ejemplo, de estos cuatro dibujos:.
Canaletto enseñó su espectacular
manera de pintar a su sobrino,
Bernardo Belloto, que a veces usó
también el sobrenombre Canaletto.
Y en 1778 Canaletto II pintó la
iglesia de San Casimiro en Varsovia,
con gran precisión, tanto que tras su
destrucción en la batalla de Varsovia
durante la IIGM, la iglesia se
reconstruyó gracias a esa pintura.

Otros artificios para
el dibujo
El pintor y fotógrafo
David Hockney hace
una demostración
publicada en su libro
“ El conocimiento
secreto” de cómo
los pintores utilizaban
la cámara oscura y
otros artificios ópticos
como la cámara
lucida o los espejos
cóncavos para
ayudarse en la
ejecución de retratos

Hockney tras analizar un
dibujo de Jan Van Eyck y
el cuadro definitivo llega
a la conclusión de que
había sido realizado
utilizando una habitación
oscura ayudado con
espejos.
Para sustentar esta
hipótesis realiza varios
dibujos utilizando estos
artificios. Y observa
como muchos retratos
realizados por artistas
del renacimiento
pudieron haber sido
realizados de una forma
similar.
Como muestra del
artificio utilizado muchos
de los retratados se
sitúan tras un marco de
ventana

Descubrimientos químicos que facilitan el paso de la cámara
oscura a las primeras cámaras fotográficas
1725 Schulze Profesor de anatomía observó el ennegrecimiento de las sales
de plata por acción de la luz de forma accidental mientras
buscaba obtener fósforo
1816 Nicéphore
Niépce
El grabador francés consigue una imagen mediante la
utilización de la cámara oscura y un procedimiento
fotoquímico. Niépce bautiza a su invento con el nombre de
heliograbados
1831 Daguerre Francés realizó fotografías en planchas recubiertas con una
capa sensible a la luz de yoduro de plata. Empleó vapores de
mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. En las
primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre,
la plancha de revelado se recubría con una disolución
concentrada de sal común
1839 Talbot Inventa el calotipo: un papel negativo a partir del cual podía
obtener un número ilimitado de copias. El papel recubierto con
yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su
exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y
ácido gálico, disolución que podía ser utilizada también para el
revelado de papel después de la exposición. Una vez
finalizado el revelado, la imagen negativa se sumergía en
tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente.

Niepce primera fotografía de una escena natural 1826

4.3. Identifica a los principales pintores barrocos
Caracteristicas
generales
Tendencias Pintores
La pintura adquirió un papel
prioritario dentro de las
manifestaciones artísticas, y llegó a
ser la expresión más característica
del peso de la religión en los países
católicos y del gusto burgués en los
países protestantes.
Temática religiosa y profana:
mitológica, alegórica, pintura de
género bodegones, vanitas,
paisajes.
Efectismo visual. Representación
del infinito, de las apariencias, la
perspectiva aérea, la luz y la
sombra.
Teatralidad, búsqueda de la
expresión de los temperamentos,
los sentimientos.
Composiciones complejas, con mas
movimimiento, los elementos del
cuadro tienen una organización
centrífuga. Preferencia por las
líneas curvas y en diagonal.
Sensación de que espacio real se
amplia. Triunfo del color y la luz
sobre el dibujo.
Clasicismo Valora el dibujo y la
ordenación compositiva.
Italia con Carraci
Francia, Poussin
Naturalismo Escenas de la vida
cotidiana, los personajes no posan
para el retrato son captados en su
acción y su entorno
Escuela Sevillana:
Valdés Leal, Murillo,
Zurbarán
Tenebrismo fuerte contraste de luz. Caravaggio, Ribera.
El realismo interés en captar la
escena como si la estuviésemos
viendo con nuestros ojos
Escuela Madrileña:
Diego de Silva Velázquez.
Pintura Flamenca
Desarrollando una pintura aristocrática
y religiosa
Rubens
Pintura costumbrista Holandesa
gusto burgués, mayor importancia de
temas antes secundarios: paisajes,
naturaleza muerta, animales, pintura
de género, vida cotidiana, retratos
tomando como modelo gente corriente,
fealdad
Rembrandt, Vermeer,
Carel Fabritius

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