Primeras vanguardias: futurismo, pintura metafísica, dadaísmo, abstracción, suprematismo, constructivismo y neoplasticismo

PRIMERAS VANGUARDIAS, FUTURISMO, PINTURA METAFÍSICA, DADAÍSMO,
ABSTRACCIÓN, SUPREMATISMO, CONSTRUCTIVISMO Y NEOPLASTICISMO

- Surgió con el Manifiesto futurista (1909) del
escritor italiano Filippo Marinetti, que reivindicaba
la belleza de la máquina.
- Exaltación de la modernidad, lo tecnológico, lo
mecánico, del dinamismo de la vida moderna o la
sensación que ésta generaba.
- Representación de la velocidad y el movimiento a
través del simultaneísmo: varias patas, piernas,
brazos, cabezas…, para dar la sensación de
movimiento.
- Definido a veces como “cubismo anfetamínico”
-Principales representantes: Umberto Boccioni,
Gino Severini, Carlo Carrà y Giacomo Balla.
- Tras la I Guerra Mundial algunos de sus
componentes se radicalizaron y se relacionaron
ideológicamente con el fascismo italiano
- Influencia en movimientos posteriores, como el
Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el
Surrealismo y algunos estilos de los años 60
FUTURISMO

UMBERTO BOCCIONI
LA CIUDAD QUE SE LEVANTA
LA CALLE ANTE LA CASA
DINAMISMO DE UN CICLISTA

FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN
EL ESPACIO
DINAMISMO DE UN CORREDOR DE
FONDO
ELASTICIDAD

GIACOMO BALLA
NIÑA QUE CORRE POR EL BALCÓN
VUELO DE GOLONDRINAS
DINAMISMO DE UN PERRO CON CORREA

CARLO CARRÀ
EL FUNERAL DEL ANARQUISTA GALLI
CABALLO Y JINETE

GINO SEVERINI
BAILARINA AZUL
SIMULTANEIDAD DE GRUPOS CENTRÍFUGOS Y CENTRÍPETOS
(MUJER EN LA VENTANA)

Algunos pintores rusos que se habían
iniciado en el cubismo lo mezclaron con
características futuristas, creando el cubo-
futurismo. Artistas como Mijaíl Larionov,
Natalia Goncharova, Kazimir Malevich o
Vladímir Tatlin propusieron un retorno a las
formas tradicionales de la pintura rusa, los
iconos y el arte popular desde una óptica
contemporánea.
DAMA EN UNA ESTACIÓN DE TRANVÍA, KAZIMIR MALÉVICH
LA TEJEDORA (TELAR +MUJER), NATALIA GONCHAROVA
https://www.wikiart.org/es/paintings-by-style/cubo-
futurismo#!#filterName:all-works,viewType:masonry

PINTURA METAFÍSICA
- Desarrollada por Giorgio de Chirico y Carlo
Carrà, principalmente en Italia.
-Pinturas como sueños, en plazas típicas de
ciudades italianas idealizadas, como también
las aparentemente casuales yuxtaposiciones de
objetos, representaron un mundo visionario
que se entrelazaba casi inmediatamente con la
mente inconsciente, más allá de la realidad
física.
- Escenas oníricas, como paralizadas en el
tiempo, llenas de melancolía y misterio en
paisajes clásicos, como calles y plazas casi
deshabitadas que descubren lo oculto e
imprevisible del pensamiento humano.
- Influencia en el Dadaísmo y el Surrealismo
HÉCTOR Y ANDRÓMACA

EL ENIGMA DE LA HORA
EL ENIGMA DE UN DÍA
GIORGIO DE CHIRICO
https://www.aparences.net/es/periodos/arte-moderno/la-pintura-metafisica/

EL VIDENTE
INTERIOR METAFÍSICOLAS MUSAS INQUIETANTES
http://www.elarteporelarte.es/la-pintura-metafisica-giorgio-de-chirico/

CARLO CARRÀ
EL ÍDOLO HERMAFRODITA EL ÓVALO DE LAS APARICIONES

-Apareció en Zúrich (Suiza), durante la I Guerra
Mundial, donde varios artistas se habían
refugiado, en torno al Cabaret Voltaire. Líderes
del movimiento: el poeta rumano Tristan Tzara y
Hugo Ball.
- Origen del término: balbuceo de un niño
(dadá), encontrado al azar al abrir un diccionario.
- Desafío de las normas convencionales,
provocación, búsqueda de la sorpresa por
medio de lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo
azaroso. Su objetivo principal era cuestionar los
criterios artísticos fuertemente afianzados y
aceptados en la época.
- Principales representantes : Marcel Duchamp,
Jean Arp, Francis Picabia, Max Ernst y el
fotógrafo Man Ray.
-Antecedente del arte conceptual.
DADAÍSMO
EL OJO CACODILATADO
FRANCIS PICABIA
HUGO BALL
EN EL CABARET
VOLTAIRE

CABARET VOLTAIRE
Surgió en Suiza en 1916 en durante la I Guerra Mundial en torno a un grupo de intelectuales
anarquistas que pretendían destruir el mundo del arte. Se habían refugiado en Zúrich para
escapar del reclutamiento. Entre ellos se encontraban Hugo Ball y el poeta de origen rumano
Tristan Tzara. Se reunieron en el club llamado Cabaret Voltaire, donde crearon un espacio para
expresar sus críticas contra el absurdo de la guerra. Se anunciaban como delincuentes juveniles
del arte, en contra de todo lo establecido, la sociedad y sobre todo el arte. Publicaron su
Manifiesto Dadaísta el 14 de julio de 1916, definiendo el dadaísmo como una nueva tendencia
artística que quería acabar con todo y convertir en famosos a sus miembros.

Los dadaístas buscaban la provocación, lo
absurdo y chocante para descolocar al
observador. Se definían como un
movimiento antiartístico, provocador, cuyas
obras se destinan a desprestigiar las obras
de arte tradicional y ofrecer en su lugar una
propuesta nihilista, iconoclasta, ilógica y
absurda, reflejo del desencanto producido
por la locura autodestructiva de la guerra.
El hecho artístico debe basarse en lo
absurdo e irracional, resumido en la frase
“Todo es arte porque nada es arte”.
Su duración fue efímera, aunque su
influencia fue grande en movimientos de la
2ª mitad del S. XX, como el Pop Art o los
happenings.
Los artistas dadá más destacados fueron
Kurt Schwitters, Jean (Hans) Arp y sobre
todo Marcel Duchamp.
KURT SCHWITTERS JEAN ARP
MARCEL DUCHAMP Y SU ÁLTER EGO RROSE SÉLAVY

Era el único artista consagrado
del grupo. Había pertenecido al
Jinete Azul y consideraba que era
importante que el artista
perdiera el control todo lo
posible para crear una obra de
arte fiel al azar de la naturaleza
y que rechazase el impulso
humano de poner orden al caos.
El punto de partida de sus obras
dadaístas fue el papier collé que
Braque y Picasso habían
empleado en el cubismo
analítico. Dejaba caer los papeles
al azar desde lo alto para que
fuera la casualidad la que
determinara la composición.
Ejemplo: Collage con cuadrados
dispuestos según las leyes del
azar (1916-17).
JEAN (HANS) ARP
COLLAGE CON CUADRADOS
DISPUESTOS SEGÚN LAS
LEYES DEL AZAR
CABEZA TORSO FLOR,
1924. MADERA PINTADA.

Tras conocer a Jean Arp comenzó a ver el potencial
artístico de lo que se consideraba basura. En 1918
empezó a hacer sus primeros collages o ensamblajes
con desechos: billetes de tranvía, botones, alambres,
pedazos de madera, zapatos rotos, andrajos, colillas
y periódicos viejos para crear sus obras dadaístas,
como Revolving (1919). Schwitters consideraba la
basura como el medio apropiado para representar
su época, como una metáfora de un mundo en
quiebra, además de por la dificultad de encontrar
materiales artísticos de calidad en la época de
posguerra. Schwitters llamó Merz a sus collages. Su
intención era utilizar materiales de desecho o
materiales encontrados, para unir el mundo del arte
con el mundo real. Creía que se podía hacer arte
con cualquier cosa y que cualquier cosa podía ser
arte y se propuso demostrarlo dedicándose a
construir casas con residuos, las Merzbau .
KURT SCHWITTERS
REVOLVING, 1919 EL PSIQUIATRA
PINTURA MERZ 25ª: LA PINTURA ESTRELLA

A principios de los años
20 creó en una columna
de su casa una obra que
denominó Merz-Säule,
una escultura hecha de
bultos y concavidades
que iba creciendo con lo
que le iba añadiendo
cada día Schwitters,
como si fuera un
organismo vivo. En 1934
esta obra construida con
residuos ya ocupaba 2
pisos (Merzbau).
https://youtu.be/4cF2Qb4bNm0
Su obra se considera el antecedente de las instalaciones del arte contemporáneo.

Inicios entre el cubismo y el futurismo. A través de los denominados ready-made (objetos
encontrados), objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple
hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha, trató de ridiculizar la veneración
pasiva y poco crítica del público burgués.
MARCEL DUCHAMP
RUEDA DE BICICLETA SOBRE
TABURETE FUENTEDESNUDO BAJANDO
UNA ESCALERA

LA VIUDA ALEGRE
(Fresh widow- French window)
http://www.elarteporelarte.es/el-dadaismo-marcel-duchamp/
ELLE A CHAUD AU CUL
(ELLA TIENE EL CULO CALIENTE)

BELLE HALEINE. EAU DE VOILETTE
BOTELLERO DE HIERRO

GRAN VIDRIO O NOVIA PUESTA AL DESNUDO POR
SUS SOLTEROS
MÁQUINA DE HACER TROPEZAR
EN AVANCE DEL BRAZO ROTO
https://historia-arte.com/obras/el-gran-vidrio

RUIDO SECRETO
SE RUEGA TOCAR
PAYSAGE FAUTIF

FRANCIS PICABIA
PARADA AMOROSA
http://www.dadart.com/dadaism/dada/011-
dada-francis-picabia.html
RETRATO DE UNA CHICA
AMERICANA EN LA EDAD DE LA
DESNUDEZ
Fue quien más profundizó en la
crítica a las máquinas, creando
máquinas absurdas, que ni eran
bellas ni útiles.

MAN RAY
EL REGALO
http://www.wikipaintings.org/en/man-ray#supersized-dada-290396
OBJETO INDESTRUCTIBLE
EL ENIGMA DE ISIDORE DUCASSE

Man Ray dejó la pintura entre 1921 y
1941 para dedicarse a la fotografía y
trabajar con la luz. Accidentalmente
descubrió la técnica del rayograma:
forma de fotograma hecho sin cámara.
Descubrió que cuando colocaba un
objeto sobre el papel y encendía la luz, el
objeto imprimía una versión negativa de
sí mismo, como una sombra blanca y que
parecía la forma de un sueño.
RAYOGRAMA (EL BESO)
CHAMPS DELICIEUX (12 DE SUS RAYOGRAMAS)

La estela del dadaísmo ha sido
seguida por artistas contemporáneos
como el suizo Jean Tinguely (1925 –
1991), pintor y escultor suizo, que
realizó máquinas escultóricas y arte
cinético con desechos industriales.
Sus obras son conocidas
como metamechanics.
Comenzó realizando ensamblajes,
obras realizadas con objetos
encontrados y materiales de
desecho, para después intentar
alterar las obras de arte estáticas por
medio del movimiento. El arte de
Tinguely satirizó la
sobreproducción sin sentido
de bienes materiales en
la sociedad industrial avanzada.
Algunos ejemplos de su producción
son sus Esculturas con trípode
(1954), Homenaje a Nueva York
(1960) y la Fuente Stravinsky de la
plaza del Centro Georges Pompidou
en París.
ESCULTURA
METAMECÁNICA
CON TRÍPODE
METAMÁTICA 17

Serie de tendencias que se concentraron
en la eliminación de todos los elementos
figurativos, para concentrar la fuerza
expresiva en formas y colores que no
tienen relación con la realidad visual. El
arte abstracto deja de considerar
justificada la necesidad de la
representación figurativa y tiende a
sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias
significaciones.
Los pintores que avanzaron hacia la
abstracción entre 1910-1917 no
formaron un movimiento único ni sujeto
a ningún programa.
ABSTRACCIÓN
Las primeras pinturas abstractas surgieron en varios estilos en torno a 1910.
COMPOSICIÓN IV, KANDINSKY

AMORFA: FUGA DE DOS COLORES
FRANTISEK KUPKA
DISCOS DE NEWTON ALREDEDOR DE UN PUNTO
EL PRIMER PASO
Dentro del cubismo órfico u orfismo destacaron los
trabajos de Kupka y Robert y Sonia Delaunay.

ROBERT DELAUNAY
FORMAS CIRCULARES
DISCO SIMULTÁNEO
Eligió el color como único tema de su
obra, después de llegar a la conclusión
de que la realidad corrompía el
orden del color. Intentaba pintar cuadros
que vibrasen en armonía y tono, como
una obra musical. Consideraba su obra
como una pintura musical.

VENTANAS ABIERTAS SIMULTÁNEAMENTE
TRES VENTANAS

SONIA DELAUNAY
PRISMAS ELÉCTRICOS
RITMO COLOR
Hizo pintura, escenografía, diseño de moda,
decoración de interiores, publicidad...
http://www.abc.es/cultura/arte/abci-sonia-delaunay-pasion-color-artista-total-201707010112_noticia.html
http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=204825423&pagina=-38790

El rayonismo fue desarrollado por Mijaíl
Larionov y Natalia Goncharova en Rusia,
que intentaron plasmar la percepción de los
rayos que emanan del objeto y la
propagación rápida y simultánea de la luz,
deformando la realidad y convirtiendo el
color en el tema central de la obra.
RAYONISMO ROJO, MIJAÍL LARIONOV
BOSQUE AZUL Y VERDE, NATALIA GONCHAROVA
COMPOSICIÓN RAYONISTA, MIJAÍL LARIONOV

VASSILY KANDINSKY
Partiendo del expresionismo,
personificó la llamada Abstracción
Lírica, caracterizada por la ausencia de
contornos geométricos y la búsqueda
de la belleza a través de la combinación
armónica de líneas y colores,
comparándolos con acordes musicales,
con el objetivo de despertar
determinadas emociones.
COMPOSICIÓN VI
COMPOSICIÓN VIII PINTURA CON TRES MANCHAS

Para él, el color era un medio para ejercer influencia sobre el alma, como quiso
demostrar en sus Impresiones (impresiones directas de la naturaleza exterior),
Improvisaciones (expresión en gran parte inconsciente, espontánea, de carácter
interior, de naturaleza no material, sino espiritual) y Composiciones (expresión de un
sentir interior lentamente formado, elaborado repetidamente y de un modo casi
pedante, declaración de sus ideas artísticas).
IMPRESIÓN III (CONCIERTO)
IMPROVISACIÓN (DILUVIO)

IMPROVISACIÓN 30 (CAÑONES)
IMPROVISACIÓN 31 (BATALLA NAVAL)

COMPOSICIÓN VIII
COMPOSICIÓN IV
COMPOSICIÓN IX

También formó parte de Der Blaue Reiter.
Un viaje que realizó a África en 1914 le hizo
descubrir definitivamente el color y marcó el
comienzo de su estilo maduro, en el que llegó a
declararse poseído por el color. Durante los
siguientes 20 años, sus pinturas y acuarelas
mostraron el dominio de unas armonías
cromáticas delicadas y de ensueño, que
generalmente usó para crear composiciones
sencillas y semiabstractas o incluso efectos que
las asemejan a mosaicos.
CASTILLO Y SOL
GLOBO ROJO
PAUL KLEE
FUGA EN ROJO

Vanguardia de origen ruso que comenzó con el
manifiesto de Kazimir Malevitch.
-Busca la sensibilidad pura del arte a través de
un lenguaje plástico nuevo, sin referencias
figurativas ni influencias artísticas previas.
- Evita cualquier referencia de imitación de la
naturaleza, recurriendo a módulos
geométricos de formas puras y perfectas de
color austero, en especial el uso del blanco y
el negro con algún color poco saturado. Al ser
obras de pocos elementos y además
geométricos, tendrá mucha importancia la
composición y distribución de éstos en las
obras.
SUPREMATISMO
CUADRADO NEGRO, CUADRADO
ROJO, KASIMIR MALEVITCH

Se buscaba crear
estímulos visuales
elementales que
permitieran al espectador
disfrutar de la
experiencia de la no
objetividad, la
supremacía de la
sensación pura, sin
necesidad de tener que
buscar el significado a los
cuadros. Los cuadros
dejan de tener marco y
se prolongan hacia la
pared blanca, dando
sensación de infinitud.
CÍRCULO NEGRO
SUPREMATISMO 58
CUADRADO NEGRO SOBRE
FONDO BLANCO

BLANCO SOBRE BLANCO
CRUZ NEGRA
CUADRADO ROJO
COMPOSICIÓN SUPREMATISTA
COMPOSICIÓN SUPREMATISTA: AVIÓN VOLANDO

CÍRCULO NEGRO SUPREMATISMO Nº58

Corriente de vanguardia rusa que pretendía
plasmar la tecnología y maquinaria modernas
a partir de la intersección de líneas y formas
puras en el espacio. Se planteó la liquidación
del arte, considerado un esteticismo burgués
superado, y su sustitución por actividades
útiles para la sociedad, como la publicidad, la
arquitectura, el diseño industrial.
Con alta carga política e ideológica derivada
de la Revolución Rusa, pretende la unión
entre las artes, pintura, escultura y
arquitectura: hacer arte es construir material.
- Principales artistas: Vladimir Tatlin, El
Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo.
CONSTRUCTIVISMO
RELIEVE, VLADIMIR TATLIN
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/04/el-constructivismo-ruso.html

Surgió de la iniciativa de Vladimir Tatlin,
que creó un laboratorio de volumen con
la misión de buscar la
tridimensionalidad de los objetos en el
espacio y de construir obras de arte a
partir de los materiales. Tatlin cambió la
concepción de la escultura con sus
famosos contrarrelieves de esquina,
antecedentes de las instalaciones, como
fruto de la inspiración que le surgió en
el taller de Picasso al ver su escultura
cubista Guitarra. A partir de Tatlin
surge un tipo de escultura que deja de
intentar copiar la realidad y que busca
ser juzgada por sus propios méritos.
CONTRARRELIEVE DE ESQUINA

MONUMENTO A LA III INTERNACIONALCONTRARRELIEVE AZUL

Además de Tatlin, los
constructivistas más destacados
fueron Alexander Rodchenko, que
a partir de 1921 se dedicó a la
impresión y el diseño gráfico, con
obras como el diseño del libro de
Trotsky Problemas de la vida
cotidiana, El Lissitzky (cartel
Golpead a los blancos con la cuña
roja), Liubov Popova (diseñó
vestidos y decorados) y los
hermanos escultores Naum Gabo y
Anton Pevsner, que realizaron
esculturas con materiales
industriales.
COLOR ROJO PURO, COLOR AZUL PURO, COLOR AMARILLO
PURO O LA MUERTE DE LA PINTURA, RODCHENKO

GOLPEAD A LOS BLANCOS CON LA CUÑA
ROJA, EL LISSITZKY
DISEÑOS DE LIUBOV POPOVA

CONSTRUCCIÓN EN PROFUNDIDAD,
NAUM GABO
CRUZ ANCLADA, ANTON
PEVSNER

De origen holandés, el grupo que lo desarrolló
recibió el nombre de De Stijl (El estilo), como la
revista en la que trabajaban sus componentes:
Theo Van Doesburg, escritor, diseñador y
empresario, el pintor Piet Mondrian y el
arquitecto J. J. P. Oud.
En 1918 presentaron un manifiesto en el que
expresaban su deseo de empezar de cero tras
la 1ª Guerra Mundial y crear un estilo
internacional que trabajara para la formación
de una nueva unidad internacional entre vida,
arte y cultura, un estilo que capturase la
creación pura del espíritu humano expresada
de forma abstracta, eliminando las formas
naturales, porque frenaban la expresión
artística, y utilizando composiciones basadas
en una retícula de colores primarios.
NEOPLASTICISMO

THEO VAN DOESBURG PIET MONDRIAN GERRIT RIETVELD

Era un nuevo enfoque para las artes plásticas,
basado en las relaciones universales, un nuevo
arte en el que la unidad y no el individualismo
fuera la prioridad. Pretendía “expresar
plásticamente lo que todas las cosas tienen en
común, en lugar de lo que las separa”, proponía
reducir el arte a su mínima esencia: color, línea,
forma y espacio, eliminando todo lo accesorio en
un intento de llegar a la esencia a través de
un lenguaje plástico objetivo y universal.
Los neoplasticistas huyeron de las referencias
figurativas naturales y recurrieron a:
- dos formas geométricas básicas, el cuadrado y
el rectángulo
- líneas verticales y horizontales, sin ilusión de
profundidad
- los colores primarios y el blanco y el negro
para dar contraste.

PIET MONDRIAN
Partiendo del cubismo
depuró su pintura,
utilizando formas
rigurosamente ortogonales.
La inspiración de Mondrian
surgió también en el taller
de Picasso, en 1912. A partir
de su visita al taller de
Picasso su paleta empezó a
cambiar y dos años después
ya había creado su nuevo
movimiento artístico, con el
objetivo de que fuera la
forma más pura de arte
abstracto creado hasta
entonces.
ATARDECER, ÁRBOL ROJO EL ÁRBOL GRIS
MANZANO EN FLOR
CUADRO Nº 2/COMPOSICIÓN VII

Para Mondrian las líneas verticales y
horizontales expresan las tensiones que
surgen entre los polos opuestos de la
vida: masculino-femenino, bueno-malo,
negativo-positivo, conciencia-
inconsciencia, cuerpo-alma, claro-oscuro,
discordancia-armonía, ying-yang… Donde
se cruzan las líneas, se establecen
relaciones entre ambos polos y se forman
cuadrados o rectángulos. Mondrian
atribuía a la línea vertical la sensación de
vitalidad y a la horizontal la de reposo. Su
propósito era lograr cuadros que tuvieran
un equilibrio dinámico, tensión, igualdad.
Sus composiciones eran siempre
asimétricas, lo que le ayudaba a crear el
movimiento y a buscar el equilibrio.
Ningún color domina sobre los otros,
porque Mondrian buscaba equilibrar
todos los elementos y unificar las
relaciones generadas entre todos los
elementos individuales.
COMPOSICIÓN EN GRIS Y AMARILLO CLARO

COMPOSICIÓN Nº3 COMPOSICIÓN DE DAMERO EN COLORES
OSCUROS

Para él, el arte no debía ser
figurativo y la representación debía
limitarse a dos dimensiones,
eliminado toda referencia a la
profundidad.
COMPOSICIÓN EN ROJO, AMARILLO, AZUL
Y NEGRO
COMPOSICIÓN Nº 10
TABLEAU II

BROADWAY BOOGIE-WOOGIE
VICTORY BOOGIE- WOOGIE

Mondrian ha sido uno de los pintores más
influyentes del S.XX, trascendiendo el ámbito
de la pintura y extendiéndose al diseño,
decoración, moda, arquitectura…

Abogaba por un arte simplificado y geométrico, en el que
la pintura, la arquitectura y el diseño estuviesen
plenamente integrados. Realizó pintura abstracta, diseñó
edificios, vidrieras, objetos de decoración para las casas y
también se dedicó a la decoración de interiores. Van
Doesburg defendía que las líneas verticales y
horizontales pudiesen ser coloreadas y que se
introdujesen diagonales para aportar más dinamismo.
Esto llevó a discrepancias con Mondrian y a su separación
en 1924.
THEO VAN DOESBURG
COMPOSICIÓN CABEZA DE MUJER
ABSTRACCIÓN DE UNA VACA

COMPOSICIÓN VII
CONTRACOMPOSICIÓN DE DISONANCIAS, XVI

En 1926 recibió el encargo de
redecorar el interior de un edificio del
S.XVIII en Estrasburgo y
transformarlo en el Café Aubette. En
el diseño colaboraron también Jean
Arp y Sophie Tauber. En él empleó
líneas diagonales y grises, además de
los colores primarios y diseñó los
ceniceros, carteles e incluso los
anuncios luminosos de neón de la
fachada.

El arquitecto y diseñador Gerrit Rietveld se
unió al grupo De Stijl en 1918. Sus fuentes de
inspiración provenían de la arquitectura
angular de Frank Lloyd Wright y del
mobiliario diseñado por Charles Rennie
Mackintosh, especialmente sus sillas de
respaldo alto. En 1918 diseñó su silla con
brazos y en 1923 realizó su segunda versión,
su Silla roja-azul, usando los colores
primarios, que parece una pintura
tridimensional de Mondrian.
En 1924 diseñó la llamada Casa Schroeder
en Utrecht, en estrecha colaboración con su
clienta Truus Schroeder, que quería una casa
amplia y muy abierta, sin paredes, no dividida
en compartimentos estancos, sino que los
diferentes espacios se relacionaran. El cristal
tiene gran protagonismo en la casa, que
presenta los característicos colores primarios
del neoplasticismo. Este edificio es un claro
precedente de la arquitectura de la Bauhaus.
GERRIT RIETVELD
SILLA ROJA-AZUL

Primeras vanguardias: futurismo, pintura metafísica, dadaísmo, abstracción, suprematismo, constructivismo y neoplasticismo

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