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ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
Podemos decir que el Renacimiento es una vuelta al mundo clásico, un ensayo por
deshacerse definitivamente del teocentrismo medieval. El origen del término es francés y se
acuña para designar un movimiento, artístico que aparece en Italia y se desarrolla durante los
siglos XV y XVI. Con la excepción de España e Italia, no marcará una huella demasiado
profunda en el resto de países europeos.
A la hora de analizar el movimiento renacentista existen una seria de factores que
debemos de tener en cuenta:
El periodo representa una vuelta a la antigüedad grecolatina, a los clásicos de
Grecia y Roma.
La razón como medio fundamental para acceder al conocimiento, en oposición
al conocimiento medieval, manipulado ideológicamente por las enseñanzas de
la Iglesia. El hombre como centro de todas las cosas (antropocentrismo),
lugar que había ocupado Dios durante la Edad Media (Teocentrismo).
El patrocinio de las obras de arte (mecenazgo) deja de ser una actividad única y
exclusiva de la monarquía y del clero, y se convierte en algo que interesa a otros
sectores como los nobles y la burguesía.
En el Renacimiento todos los estudios fueron recogidos en obras que se
denominan tratados. Alberti escribió tres (De pictura, De scultura y De re
aedificatoria), suponían una compilación de todo el saber de la época en torno a
estas artes.
1. ARQUITECTURA RENACENTISTA EN ITALIA
1.1. Características
Al igual que el resto de las manifestaciones artísticas, la arquitectura del Renacimiento
italiano puede dividirse cronológicamente en tres etapas:
QUATTROCENTO (siglo XV).
CINQUECENTO (siglo XVI).
MANIERISMO (2º tercio del siglo XVI).
Que el nuevo estilo tenga su origen en Italia no es casualidad. Aquí ha pervivido
durante toda la Edad Media la tradición clásica. Los arquitectos florentinos inician el nuevo
movimiento en la 1ª mitad del siglo XV y se difunde por el resto de Europa a principios de
XVI.
El nuevo estilo no es una copia de los modelos clásicos greco-latinos, sino que la
visión directa que los artistas tienen de estos modelos les sirve de inspiración. El centro
artístico del período es la Florencia de los Medicis, que sirven de mecenas para los
principales artistas del momento.
Entre las características más importantes del nuevo estilo señalamos:
La arquitectura sigue la tradición de los órdenes clásicos, preferentemente el
orden corintio.
El arco utilizado preferentemente es el de medio punto.
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Las plantas más usadas: cruz latina y griega, basilical.
Las cubiertas más utilizadas son la bóveda de cañón y la cubierta de madera
con casetones, pero la principal aportación es la sistemática utilización de la
cúpula.
Otra de las características principales del Quattrocento es la riqueza
decorativa. En el exterior, los muros se decoran con almohadillados y se
colocan multitud de medallones, guirnaldas, etc. En el interior, los principales
elementos decorativos son los grutescos (figuras que se entrelazan formando un
todo), guirnaldas de flores, medallones…
Dentro de la tipología de edificios civiles, encontramos el palacio y la villa. El
palacio era el lugar en el que vivían los nobles italianos. Son edificios cerrados,
con patio interior, de tres pisos y exterior almohadillado. La villa es una
pequeña vivienda que los nobles poseían en el campo.
En el ámbito religioso se seguirán construyendo interesantes templos, con
planta de cruz latina, aunque también será frecuente encontrar plantas
centrales (circulares, cuadradas).
1.2. Arquitectura italiana del Quattrocento (Siglo XV)
La arquitectura renacentista nació, a comienzos del siglo XV en Florencia, bajo el
mecenazgo de los Gremios Mayores y de poderosas familias de comerciantes como los Medici
o los Pitti. A mediados del siglo XV comenzó su difusión por Lombardía, el Véneto y otras
regiones italianas.
Filippo BRUNELLESCHI es el auténtico creador del estilo. Trabajó en Florencia. En sus
inicios compagina la escultura, inventos de máquinas, ingeniería… con la arquitectura.
Finalizó las obras de la catedral gótica de Santa María de las Flores (1418-1420). Cubrió un
amplio espacio en el cimborrio con una cúpula de perfil apuntado de 42 m. de diámetro, tan
grande como la del Panteón romano. Brunelleschi levantó la cúpula sobre un tambor
octogonal de ocho paños y amplios ventanales circulares a modo de ojo de buey. Es el primer
ejemplo de las grandes cúpulas europeas.
Más tarde le encargaron las iglesias de San Lorenzo (1440-1445) y del Santo
Espíritu, ambas en Florencia, constituyen prototipos de iglesias renacentistas. Son iglesias de
3 naves separadas por arquerías de ½ punto y planta basilical. Otras obras de Brunelleschi
son: la capilla Pazzi o el hospital de los Inocentes, también en Florencia.
MICHELOZZO di Bartolomeo fue discípulo de Brunelleschi y autor del palacio de los
Medici-Ricardi, obra que destaca por su aspecto de fortaleza, con su paramento
almohadillado en los pisos bajos.
León Bautista ALBERTI fue arquitecto, humanista y erudito, escribió varios tratados
sobre arquitectura, escultura y pintura. Es el autor del Palacio Rucellai (1446-1451), cuyo
exterior destaca por la combinación de pilastras y órdenes clásicos (toscano en el inferior,
jónico en el segundo piso y corintio en el tercero).
Otra obra suya es la iglesia de Santa María Novella (Florencia). Su fachada se inspira
en los arcos de triunfo romano.
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1.3. Cinquecento y Manierismo (Siglo XVI)
A principios del siglo XVI el arte renacentista alcanza su máxima plenitud. Es la etapa
llamada del alto Renacimiento. La capitalidad del arte del siglo XVI pasa de Florencia a
Roma y más tarde a Venecia, siendo los Papas (Julio II y León X) los que ejercerán el
mecenazgo sobre las artes.
Donato BRAMANTE trabajó en Roma. Como buen erudito llegó a escribir dos tratados,
uno sobre arquitectura y otro sobre proporciones, que no se han conservado. Cautivado por
las ruinas antiguas, opta por una arquitectura donde prima la monumentalidad. Entre sus
principales obras destacamos:
Templete de San Pietro in Montorio (Roma, 1502-1510). Es un templete de
pequeño tamaño (4,5 m. de diámetro), inspirado en los tholoi griegos. De planta
circular, períptero, 16 columnas dóricas y cubierto de una cúpula semiesférica,
levantada sobre un tambor con nichos. La construcción del edificio fue
financiada por los Reyes Católicos y su función era honrar el lugar donde la
tradición ubicaba la crucifixión de San Pedro. En su interior, un hueco
corresponde al de la cruz del martirio de San Pedro.
Basílica de San Pedro del Vaticano (proyecto): el Papa Julio II le encomienda
el proyecto de San Pedro del Vaticano, concibiéndolo como una planta de cruz
griega, con naves de gran altura y en el centro una gran cúpula inspirada en las
de el panteón romano de Agripa y en Santa Mª de las Flores de Brunelleschi. Pero
Bramante muere sin llevar a cabo el proyecto. Siguieron con las obras el pintor
Rafael y posteriormente Miguel Ángel.
MIGUEL ÁNGEL Buonarroti representa el humanista por excelencia que practicó las
tres artes mayores. Su obra arquitectónica centra la atención en el juego de los volúmenes y
rompe con el equilibrio y la armonía del siglo anterior (tendencia clásica). Trabajó en
Florencia y en Roma. Entre sus principales obras destacamos:
La escalera de la Biblioteca Laurentiana (Florencia): realizada por encargo
del Papa Clemente VII para albergar los manuscritos de Lorenzo el Magnífico. Es
la obra más acabada de M. Ángel. Destaca el vestíbulo de la biblioteca, con su
maravillosa escalera que ocupa todo el espacio.
La plaza del Campidoglio (Roma): Es una plaza en forma de trapecio y rodeada
de palacios, en cuyo centro se encontraba la famosa estatua ecuestre de Marco
Aurelio.
Basílica de San Pedro del Vaticano (Roma, 1546): es el encargo más
importante que M. Ángel recibe cuando cuenta ya con más de 71 años de edad.
Retoma la idea de Bramante: una iglesia de cruz griega. Sobresale la cúpula, que
se levanta sobre un tambor con doble fila de columnas. Tiene doble casquete
(interior y exterior); las ventanas están decoradas siguiendo la tradición clásica
(alterna frontones y lunetos). La altura de la cúpula desde el suelo hasta la
claraboya es de 120 m.
Ya hay señales en el Vaticano de un cambio de concepción. Éste va a quedar consumado
en lo que al espacio religioso se refiere en pleno Manierismo. El artista manierista maneja
temas y formas del Clasicismo pero las ordena, relaciona y complica a su antojo hasta
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encontrar nuevas expresiones de belleza. Así, los elementos arquitectónicos se cargan de
tensión, el decorativismo se acentúa y se permiten ciertas libertades plásticas.
Un ejemplo fundamental lo podemos encontrar en la Iglesia de Gesú en Roma, obra del
arquitecto VIGNOLA (1507-1573). Discípulo de Miguel Ángel, es un teórico (“Sobre los
órdenes”) de la arquitectura y autor, entre otras, de Villa Giulia o el Palacio Farnese de
Caprarola. Sin embargo su obra de más interés es esta iglesia prototipo de los edificios
religiosos de la Contrarreforma.
Andrea PALLADIO trabajó en el Véneto. Su monumental arquitectura reivindica el uso
de la columna clásica como elemento sustentante y de la escultura ornamental, con la que
ornamenta las cornisas. Su obra más admirada es la Villa Capra, una casa de campo conocida
como La Rotonda: no cabe una simetría más pura y completa pues el cuerpo central, que es
cúbico pero cubierto con cúpula, está rodeado por cuatro pórticos que parecen fachadas de
templos romanos. En Vicenza construyó el Teatro Olímpico.
2. ESCULTURA RENACENTISTA EN ITALIA
Un arte humanista debe necesariamente desarrollar la escultura: se trata del formato
que mejor se acoge a la reproducción del cuerpo humano. Escultura quiere decir volumen,
realidad; quiere decir también que, a diferencia de la estética medieval, no se considera la
belleza como fuente de pecado. Como en la antigüedad, un cuerpo hermoso representa un
alma hermosa, es un canto a la creación de Dios lo que no hace incompatible humanismo y
religión.
2.1. Características generales
La escultura italiana fue evolucionando paulatinamente, inspirándose siempre en los
modelos clásicos. En el siglo XV, Florencia es también la cuna de la escultura renacentista.
Los materiales más utilizados son el mármol y el bronce. Entre los principales logros
de la escultura renacentista cabe citar el desarrollo del relieve y, en la escultura de bulto
redondo, la estatua ecuestre y el retrato.
La escultura renacentista se caracteriza por la proporcionalidad, retomando el canon
de 9 cabezas de época clásica, así como el contrapposto y las piernas abiertas.
2.2. El Quattrocento (Siglo XV)
Las primeras manifestaciones de la escultura renacentista vienen de la mano de dos
grandes artistas florentinos: Ghiberti y Donatello. En la segunda mitad del siglo XV nos
encontramos a los seguidores de Donatello como Della Robbia o A. Duccio, o bien al maestro
A. Verrochio.
Fue Alberti quien en 1453 formuló las características de la perspectiva artificialis de los
artistas, valiéndose de la geometría de Euclides: un punto central de convergencia y, como
consecuencia, los objetos disminuyen progresivamente.
En escultura, en el relieve, el efecto de la distancia y de la captación del espacio se
consigue acudiendo al aplastamiento del resalto: la gradual degradación del saliente. Muchas
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veces en lugar de un punto de vista hay dos o más, como ya utilizaron los romanos. Lorenzo
GHIBERTI será el gran maestro y con él se alcanza el esplendor del relieve pictórico: el
rebajamiento se va haciendo de forma continua y así si las figuras de primer plano casi son de
bulto redondo, las del fondo se convierten en meras incisiones de árboles o arquitecturas
clásicas.
En 1425 se le encargaron las puertas de bronce para el baptisterio de Florencia, en las
que trabajó hasta 1452 y que se conocen como “Las puertas del Paraíso”. En ellas, Ghiberti,
reduce el número de escenas aumentando su tamaño y adopta la forma cuadrada, muy
apropiada para conseguir un efecto pictórico. Para conseguir este resultado, el modelado
decrece hacia el fondo de las escenas y allí, se colocan árboles o arquitecturas clásicas como
pantalla.
DONATELLO es el principal escultor del Quattrocento italiano. Amigo de Brunelleschi
y habiendo estudiado en el taller de Ghiberti, conoce bien todos los caminos recorridos hasta
entonces e intuye que el nuevo espíritu consiste en tomar al hombre como razón de ser del
Universo. Su obra combina la serenidad y el equilibrio con la expresividad. Donatello poseía
un gran dominio de los diferentes materiales (piedra, mármol, bronce, madera), así como de
la técnica (bulto redondo y del relieve). De igual modo, trabajó en los más variados géneros
(retratos, cantorías, altorrelieves…).
Una de sus primeras obras será el San Jorge (1415-1417), que aparece en pie y
armado. Representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la “terribilitá”
miguelangelesca.
En El David (1435-1445), Donatello, ofrece un tipo praxitélico, siendo el primer
desnudo en bulto redondo del Renacimiento. Es una figura serena y equilibrada gracias al
contrapposto (sobre la pierna de apoyo, se encuentra alzada la cadera y caído el hombro,
mientras que las articulaciones del lado de la pierna libre, se mueven en sentido contrario). Se
trata de un adolescente que acaba de vencer sin mucho esfuerzo al gigante Goliat.
En Padua, levanta la estatua del Condottiero Gattamelata (1447-1452), que es un
verdadero análisis psicológico del guerrero, inspirándose en la estatua romana de Marco
Aurelio.
Andrea VERROCCHIO, discípulo de Donatello, fue todo un maestro del trabajo en
metal. Su obra se caracteriza por su gran expresividad a través de las acciones y gestos de los
personajes. En el condottiero Colleoni, retrato ecuestre realizado en bronce, muestra la
influencia de la estatuaria romana (retrato ecuestre de Marco Aurelio) y recuerda a un
caballero triunfador dispuesto a presentar batalla.
2.3. Escultura del Cinquecento: Miguel Ángel
La escultura del Cinquecento trata de buscar la grandiosidad y monumentalidad de las
obras. Ello es consecuencia de una ferviente actividad arqueológica que pone al descubierto
gran cantidad de obras antiguas que van a tener una profunda influencia sobre temas como el
desnudo, las representaciones heroicas, mitológicas, retratos…
MIGUEL ÁNGEL Buonarroti es el más grande escultor del siglo XVI. Trabajó en
Florencia y en Roma, al servicio de la familia Medicis. Su maestría con los distintos materiales
(mármol y bronce), lo situaron al frente de la escultura del Cinquecento.
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En sus inicios (etapa florentina) puede apreciarse la influencia de la obra de
Donatello, quien le marcó profundamente, sobre todo por el interés que este ponía en la
anatomía de sus composiciones.
Obra suya es La Piedad (1499) de la Basílica de San Pedro del Vaticano. Se trata de una
escultura de bulto redondo, realizada en mármol, que trata de representar a la Virgen como
madre de Dios, eternamente joven y bella. La figura lejos de manifestar la doliente madre,
refleja el concepto de belleza suprema. Se trata de una composición piramidal, que muestra a
Jesucristo muerto, yaciendo sin sufrimiento alguno encima de las rodillas de la Virgen.
Pronto se intensificó la monumentalidad y la tensión interna expresada en sus figuras,
como ocurre con su David (1504), esculpido para la plaza de la Signoría de Florencia. David
está estudiando a su rival en un momento de máxima concentración y energía, preparando
fuerzas para el asalto. No representa la acción, sino la tensión contenida, por eso la figura es
musculosa. Miguel Ángel rompe con el Quattrocento al colocar dos miembros del mismo lado
en movimiento y agranda otras partes del cuerpo (agigantamiento) de manos, pies, dedos…
Otras obras de Miguel Ángel son:
El Moisés (1513-1516), que constituye una de las seis estatuas que en un
principio formaban parte del monumento funerario del Papa Julio II, y es el
máximo exponente de la fuerza expresiva (terribilitá) del artista.
Los sepulcros de los Medicis en la capilla de San Lorenzo (1521-1534). Sólo se
llegaron a realizar los de Julián y Lorenzo de Medicis. Ambas figuras, están
sentadas pero concebidas con un espíritu diferente: Julián, como un general
romano; Lorenzo, que apoya la cabeza en la mano, como un pensador. A los pies
del primero, están las figuras del Día y la Noche; a los del segundo, la Aurora y el
Crepúsculo.
De su etapa final, la más dramática y cargada de pesimismo, destaca la Piedad
Rondanini, una escultura apenas esbozada, que denota la más amarga de las
expresiones.
3. PINTURA DEL RENACIMIENTO
Desde el Renacimiento, la pintura va a cobrar una especie de primacía que hasta
entonces no tenía pero que le permitirá llegar hasta nosotros como el arte rey. La
implantación (aunque no generalizada) del cuadro al óleo y sobre tela tendrá mucho que ver
en esto al igual que el talento de los artistas que comentaremos a continuación y en los que
encontraremos un estilo personal, una investigación propia.
3.1. Características generales
La pintura italiana de los siglos XV y XVI no es ni unitaria ni homogénea; se caracteriza
por la variedad, como consecuencia de la individualidad de los artistas y de la multiplicidad
de escuelas.
Tiene, sin embargo, numerosas características comunes. Las más significativas son
las siguientes:
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En general, la temática de la pintura es variada. Abundan las pinturas
religiosas, la pintura mitológica, los retratos y los temas históricos.
Emplean una gran variedad de técnicas. Además de la técnica al fresco1, sobre
muro, también se emplea la técnica del temple2 sobre tabla y el óleo3 sobre
tabla.
Es una pintura realista, que pretende la captación de la realidad. Pero no aspira
a ser una mera copia de la realidad sino a sublimarla mediante la
racionalización y la idealización.
Valoran la expresión, intentando reflejar los estados de ánimo (tristeza,
indignación, ternura…), el temperamento (emotivo, indeciso, melancólico…) y
los valores (magnanimidad, prudencia…).
Concepción unitaria. La obra constituye una unidad indivisible, que se intenta
conseguir mediante la armonía y el equilibrio de las partes. El artista no detiene
al espectador en los detalles, al contrario le obliga a abarcar simultáneamente la
totalidad de la obra. Por eso conjuga composición, luz, espacio, marco
arquitectónico, volumen, etc., en un fin común.
La perspectiva lineal fue una de las grandes aportaciones del Renacimiento. La
entendían como una forma de representar el espacio, regido por leyes
rigurosamente geométricas, y captado desde una visión monocular y estática.
En la práctica consiste en seleccionar un punto de fuga único, normalmente en
el centro del cuadro, cuya altura marca el horizonte de la visión del espectador,
y al que confluyen todas las líneas de la composición espacial. Las figuras que
aparecen en primer plano son más grandes y disminuyen progresivamente en
los planos más profundos. Se crea de este modo la ilusión óptica tridimensional
y se da unidad al cuadro. El descubrimiento de la perspectiva se debió a
Brunelleschi, quien proporcionó a los pintores los medios para crear un
espacio racional. El primero que la formuló por escrito fue Alberti. El
Quattrocento fue una época de tanteos e investigación, pero que aún adolecía de
imperfecciones. Se suele señalar a Leonardo da Vinci como el creador
definitivo de la representación del espacio: en su Tratado de la Pintura
sistematiza los logros de sus antecesores, y la perfecciona con dos nuevos
elementos, la perspectiva del color, o difuminado de los colores en relación con
la distancia, y la perspectiva menguante o pérdida de determinación de las
formas en la lejanía.
Nuevo tratamiento de la luz. Representan la luz natural, no simbólica, que se
distribuye de manera uniforme, crea volumen en las figuras y da sensación de
profundidad. El artista que mejor personifica los valores lumínicos fue Piero de
la Francesca.
1
FRESCO: pintura que se aplica directamente sobre la pared, utilizando como disolvente de los colores el agua de
cal.
2 TEMPLE: pintura que utiliza como aglutinante la clara de huevo mezclada con agua destilada.
3 ÓLEO: técnica pictórica que consiste en mezclar los colores con alguna sustancia oleosa (aceite).
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Interés por el movimiento. Consideran que el movimiento corporal refleja el
equilibrio interior, y por ello prefieren que sea majestuoso y equilibrado. Para
conseguir soluciones verosímiles estudian y representan escorzos: Andrea
Mantegna lleva el escorzo al extremo en obras como Cristo muerto.
El estudio compositivo se hace en función de la unidad de la obra. La
composición establece el nexo entre todos los elementos creando una
sensación de equilibrio y armonía. Los pintores aplican esquemas geométricos,
con preferencia triangulares y circulares, en los que inscriben las formas.
3.2. El Quattrocento pictórico
Al igual que el resto de las disciplinas, la pintura renacentista italiana se crea en
Florencia en el siglo XV, continuando la evolución iniciada por Giotto.
Hay diferentes escuelas con características propias, pero es la escuela florentina la
de mayor importancia, pues sintetiza las diversas corrientes que forman la pintura italiana de
este período:
La influencia de la pintura gótica a través de la pintura y la obra de Fra
Angélico.
La preocupación por el espacio y su dimensión, logrado mediante la utilización
de la perspectiva lineal y aérea (Masaccio, Piero de la Francesca).
Interés por el contenido, lo narrativo y la temática profana (Botticelli).
FRA ANGÉLICO, su obra está dotada de un fuerte componente espiritual. En ella, sobre
todo en sus conocidas Anunciaciones, se aprecian elementos de la tradición medieval (fondos
dorados, estilización de las figuras, actitud mística de los personajes…), además de un gran
sentido narrativo. Fra Angélico presenta personajes de tipos esbeltos, delicados y elegantes,
cabezas alargadas, nariz recta, envueltos en vestiduras largas, caídas con sencillez y gracia.
Trabajó sobre todo el temple sobre tabla. Entre sus obras destaca La Anunciación, del Museo
del Prado.
MASACCIO fue un pintor de temas religiosos. Centra su atención en el volumen de las
figuras, a las que dota de un tratamiento escultórico. Aplicó una luz homogénea en la
representación de los cuerpos y en las indumentarias de sus personajes, lo que unido a la
sabia utilización de la perspectiva, dio como resultado obras de gran monumentalidad. Entre
sus principales obras destacan: La Trinidad y El tributo a la moneda.
PIERO DELLA FRANCESCA logra en sus obras combinar la luz y el color en la
construcción del volumen. Destacan los retratos de personajes de la época como los de
Federico de Montefeltro y Batista Sforza.
Sandro BOTTICELLI es el pintor que abre las puertas del Bajo Renacimiento. Su vida y
su obra están íntimamente unidas a la historia de Florencia a finales del XV. Es la época de
Lorenzo el Magnífico. Botticelli se convierte en el intérprete de la belleza ideal a través de
modelos religiosos que se paganizan. Pintor de una sensibilidad exquisita, no le preocuparon
las conquistas técnicas dejándose llevar por la inspiración. Su pintura, se caracteriza por el
dibujo de líneas deliciosas y oscilantes. El movimiento que agita todas sus formas, y la tristeza
o melancolía, que asoman a los rostros que pinta, dan a su obra una extremada sensibilidad y
belleza. Sus paisajes primaverales y la glorificación del cuerpo humano desnudo, culminan los
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temas del Quattrocento. Destacó como pintor de alegorías (representaciones simbólicas de
temática mitológica o clásica), como La Primavera o El nacimiento de Venus.
3.3. Pintura del Cinquecento
Durante el Cinquecento (siglo XVI) la pintura experimenta nuevas transformaciones.
El color y la luz adquieren un nuevo matiz: el primero se maneja libremente en detrimento del
dibujo; la luz adquiere mucha importancia, al igual que la sombra, para centrarse en lo
fundamental del tema representado. Por último la composición de la pintura es muy sencilla,
en ellas se destaca una sola escena principal.
Entre los principales representantes de este periodo sobresalen Leonardo da Vinci,
que trabajó en Milán, para la familia Sforza. Leonardo fue el introductor de una nueva técnica,
el sfumato. En Roma trabajaron Rafael Sanzio y Miguel Ángel.
Al margen de estos tres grandes artistas sobresalen los de la escuela veneciana, cuyos
máximos representantes son: Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés.
a) Los grandes maestros del Clasicismo: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel
LEONARDO da Vinci es una de las figuras paradigmáticas de la historia de la cultura y
del arte. Fue pintor, escultor, matemático… Escribió un libro sobre pintura, “Tratado de
pintura”, que recoge recomendaciones, consejos e instrucciones técnicas. Nacido en Toscana,
su actividad transcurre fundamentalmente en Milán y Florencia.
Defensor de la excelencia del arte pictórico sobre las demás artes, para él la pintura es
ante todo una actividad intelectual. La misión del artista será alcanzar la belleza y recrear la
naturaleza de forma paralela. Esa belleza se manifiesta en el sfumato4.
Entre sus obras más famosas destacamos:
La Virgen de las Rocas. Tabla, transferido a lienzo (1841). Es una obra que nos
habla de la belleza ideal concebida en la Virgen como madre de Dios que
acompaña a su hijo; del sfumato y de la técnica del claroscuro. El tema es San
Juan Bautista niño, adorando a Jesús, en presencia de un ángel y de María.
La última cena. Fresco, situado en el convento de Sta. Mª de las Gracias (Milán).
Recoge el momento en el que Jesús comunica a sus discípulos que alguno de
ellos le va a entregar o a traicionar. Hay en los apóstoles tensión psicológica,
estupor, incredulidad… Memorable el tratamiento de la luz, la composición, el
juego de miradas y la incredulidad de los discípulos. Todo un compendio de
pintura y misterio.
La Gioconda. Retrato a medio camino entre la idealización y el realismo. Se
trata de una figura de difícil identificación. Presenta un sfumato de gran
refinamiento, que le da un cierto sentido de misterio, con su enigmática sonrisa
y mirada, que atraen la atención del espectador.
Los cuadros de RAFAEL Sanzio se caracterizan por la ausencia de tensión y
dramatismo y por un gran equilibrio, amabilidad y serenidad, además de la consecución de
4
Sfumato: técnica que consiste en mezclar progresivamente las tonalidades sin un transición perceptible en la
que no se definen los contornos.
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una belleza idealizada y una estudiada composición simétrica desarrollada sobre amplios
espacios de arquitectura clásica. Dentro de su producción, son de destacar los trabajos que
le encargó el Papa Julio II, para decorar las Estancias Vaticanas. Entre sus principales obras
destacamos:
Los desposorios de la Virgen. Gran profundidad de la perspectiva, cerrada por
un templo al fondo. Escalonamiento de tamaños de las figuras.
La madonna del Gran Duque. Influencia de Leonardo en la gradación suave de
las luces, en la ligera torsión de los cuerpos y en la expresión melancólica de la
Virgen.
La escuela de Atenas. La escena representa la escuela de la filosofía griega. Los
dos personajes centrales representan a Platón y Aristóteles. Algunos de los
personajes se identifican con artistas del momento, como Bramante, Miguel
Ángel, Leonardo…
La obra pictórica de MIGUEL ÁNGEL se caracteriza por un perfecto dibujo anatómico,
que realza fuertemente el volumen y la expresividad compositiva de los escorzos. Su
genialidad creativa queda demostrada a partir de 1508, cuando realizó los frescos de la
Capilla Sixtina del Vaticano. Fue un encargo hecho por el Papa Julio II. El artista dispuso
distintas composiciones en una arquitectura fingida. En la parte central representó las
escenas del Génesis rodeadas de desnudos de jóvenes, sibilas, profetas y otros personajes
bíblicos. Destaca la Creación de Adán, donde el gesto creador de Dios se proyecta a través del
contacto eléctrico de los dedos, presentándonos el acto de la creación con una grandeza jamás
igualada.
En la cabecera de la misma capilla el artista dispuso la escena del Juicio Universal
como un torbellino de cuerpos entrelazados que se mueven dinámicamente alrededor de la
figura autoritaria de Cristo juez.
b) La Escuela Veneciana: Tiziano
Venecia fue el único centro artístico capaz de rivalizar con Roma. En el siglo XV se
sentaron las bases de la escuela veneciana, caracterizada por el predominio del color en
detrimento del dibujo y por acompañar a las pinturas con un paisaje de fondo que ilumina
las escenas. Entre alguno de sus miembros más ilustres, destacan pintores de la talla de
Giorgione, Tiziano, Tintoreto y Veronés.
Pintor cortesano de fama internacional. Desarrolló tanto la temática pagana como la
religiosa. Con respecto a la primera destaca la gran sensualidad de sus desnudos,
perfectamente recreados en sus famosas alegorías: La bacanal, Venus de Urbino…
Sus retratos cortesanos, considerados entre los mejores del estilo renacentista,
destacan por su elegancia compositiva y denotan un gran estudio del personaje representado:
Carlos V en Mülberg.
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EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
La introducción de las formas renacentistas en España coincide con el momento en que
se inicia la unidad política y la creciente influencia española en Europa. El Descubrimiento de
América y la conquista de Granada en 1492 coinciden con el inicio de algunas obras
renacentistas. El auge del gótico final y la tradición mudéjar suponen, no obstante, un freno a
la plena aceptación de los sistemas renacentistas italianos, que llegan a España con bastante
retraso.
Las relaciones con Italia se hacen más directas gracias a la política de Fernando el
católico y luego del emperador Carlos V por lo que la moda italiana llega sobre todo a los
repertorios decorativos y al los exteriores.
1. ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL
El primer tercio del siglo XVI lo llena el estilo plateresco, el purismo o clasicismo se
desarrolla en los años centrales del siglo y el estilo herreriano se extiende desde 1660 hasta
finales del siglo.
a) El plateresco
El plateresco es un término derivado de la semejanza existente entre la decoración de
este período con la labor de los orfebres y plateros. Es por lo tanto, una modalidad
ornamental, que enlaza con el gusto por la riqueza y la suntuosidad decorativa dominante en
los edificios mudéjares y del gótico de los Reyes Católicos. Básicamente, lo plateresco es un
uso incontenible de los elementos decorativos: columnas abalaustradas con capiteles
corintios, pilastras recubiertas de rica decoración de grutescos (figuras humanas entrelazadas
con animales y tallos formando figuras fantásticas), medallones, escudos. Las bóvedas son aún
de crucería, pero decoradas con elementos nuevos, también se usan bóvedas de medio cañón
con casetones, se rematan los edificios con cresterías y balaustradas, muy del gusto italiano.
En los primeros momentos destaca el Colegio de la Santa Cruz de Valladolid que
incorpora el almohadillado de origen italiano y que también se utilizará en el Palacio de
Cogolludo (Guadalajara).
En Toledo destaca el Hospital de la Santa Cruz con una fachada ricamente decorada,
un patio con escalera monumental y sillares almohadillados.
En Burgos, Diego de Siloé realiza la Escalera Dorada de la catedral, inspirada en
Bramante pero recubierta de una riquísima decoración menuda.
El núcleo más destacado del plateresco es la ciudad de Salamanca con numerosos
edificios gótico-platerescos o plenamente platerescos. La fachada de la Universidad de
Salamanca, anónimo, es el más típico ejemplo de este estilo. Se trata de una fachada-
estandarte cubierta con una fina decoración. Es un gran rectángulo dividido en cinco calles
verticales y tres pisos horizontales. La decoración llena toda superficie: medallones, escudos,
divinidades paganas, pilastras decoradas con vegetación, todo rematado con una crestería
calada. Juan de Álava es autor de la Iglesia de San Esteban, de una sola nave (todavía gótica)
y cuya fachada es otro magnífico ejemplar de retablo en piedra bajo un gran arco de medio
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punto con casetones. Este autor también participa en la fachada plateresca de la Catedral de
Plasencia (Cáceres). El arquitecto más notable del plateresco salmantino es Rodrigo Gil de
Hontañón autor del Palacio de Monterrey.
b) Purismo o clasicismo
La evolución general del plateresco lleva a simplificar la excesiva carga decorativa y a
atender a los problemas puramente arquitectónicos.
Las cúpulas ovaladas o vaídas y las bóvedas de cañón con casetones van a sustituir a las
góticas de crucería. El arco es ya casi exclusivamente de medio punto y el efecto general de los
edificios es de severa monumentalidad y equilibrio frente al aspecto recargado del plateresco.
Rodrigo Gil de Hontañón es el autor de la fachada de la Universidad de Alcalá de
Henares. La fachada se divide armoniosamente en tres pisos y tres calles rematadas con un
frontón triangular y una balaustrada clásica. La decoración recuerda al plateresco, pero se
concentra en determinados lugares sin llenar toda la superficie.
Diego de Siloé se hace cargo de las obras de la Catedral de Granada, planeada en
gótico, pero que Siloé transforma en una muestra ejemplar del arte renacentista español y
sirve de modelo para las catedrales de Jaén y Málaga.
Pedro Machuca construyó en Granada, junto a la Alhambra, el Palacio de Carlos V.
En su planta se dan cita la forma cuadrada exterior y el círculo del patio, inspirándose en las
formas de Bramante. La decoración es muy simple: se utiliza el almohadillado en la fachada y
se superponen los órdenes dórico y jónico en los pisos del patio. Es el más clasicista de los
edificios renacentistas españoles.
c) Estilo herreriano
La arquitectura herreriana está ligada cronológicamente al reinado de Felipe II, y
estilísticamente a la personalidad de Juan de Herrera. Se caracteriza por:
La simplicidad geométrica, que se manifiesta en los volúmenes cúbicos, en la
regularidad y monumentalidad de las formas, en la sencillez arquitectónica, en
las ventanas adinteladas seriadas, las cubiertas de pizarra con buhardillas, los
chapiteles en las torres...
La sobriedad decorativa es absoluta con los paramentos lisos y los vanos
enmarcados por molduras planas. Únicamente hay columnas de orden gigante y
frontones en las fachadas, bolas y pirámides sobre las cornisas y algunas
estatuas.
El edificio arquetípico es el monasterio de San Lorenzo de El Escorial (1563-1583),
mandado construir por Felipe II para que sirviera de panteón y residencia reales, además de
templo, monasterio y centro de estudios (biblioteca). Conmemora el triunfo de las tropas
españolas en San Quintín, el día de san Lorenzo, por lo que su forma recuerda una parrilla, el
atributo del santo.
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2. LA ESCULTURA RENACENTISTA HISPANA
2.1. Características generales
Los escritores sacros del siglo XVI comparan al imaginero trabajando en su taller con el
predicador subido al púlpito. El artista católico, a guisa del orador, debe persuadir al pueblo
con sus tallas policromadas y llevarlo, por medio de ellas, a abrazar las cosas convenientes a la
religión. El imaginero, por tanto, debía dar mayor importancia en sus obras a la belleza del
alma sobre la corporal, labrando figuras de profunda espiritualidad.
La escultura renacentista española presenta las siguientes características: predominio
total y absoluto de lo religioso y rechazo de lo profano y pagano. Gusto por lo expresivo,
directo y realista. Supervivencia del material tradicional de la escultura gótica, la madera
policromada (frente al mármol y el bronce de Italia). De madera se construyeron enormes
retablos tan característicos del arte español. En piedra se realizan casi todos los monumentos
funerarios y la escultura decorativa y monumental unida a la arquitectura.
Dos maestros educados en Italia —el castellano Berruguete y el borgoñón Juni— van
a conducir la escultura española del siglo XVI por la senda del expresivismo. Pertenecen a
generaciones distintas y el canon de belleza que utilizan es también diferente.
2.2. Alonso Berruguete
Berruguete (1490-1561), hijo del pintor Pedro Berruguete, se educó en Italia donde
conoció personalmente a Miguel Angel. Allí se interesó además por los artistas del
Quatrocento y creó un estilo personal apasionado, expresivo y a veces incorrecto, en el que se
pueden encontrar elementos manieristas en su gusto por lo inestable, lo descoyuntado de las
figuras y un canon de proporciones alargadas.
Aunque viaja bastante, se instala en Valladolid y crea allí un gran taller con numerosos
discípulos. Sus obras maestras son el retablo de San Benito de Valladolid, en el que figura la
estatua de San Sebastián que muestra claramente la influencia renacentista italiana en
estudio del desnudo. Simultáneamente, labra el del Colegio de los Irlandeses, de Salamanca.
La sillería del Coro de la Catedral de Toledo es la culminación de su obra en los tableros de
nogal, en su color con figuras de santos y profetas en actitudes variadísimas. También labró
obras en mármol y alabastro como el sepulcro del Cardenal Tavera en Toledo.
En 1561, tras concluir este monumento funerario, fallecía en la Ciudad Imperial.
Entonces, los miembros de su taller se disgregan por Castilla y Andalucía. Tiempo atrás,
Berruguete ya había ungido a su sucesor, proclamando abiertamente ante la cerrada sociedad
vallisoletana: «No ha venido a Castilla otro mejor oficial extranjero del dicho oficio que Juan
de Juni».
2.3. Juan de Juni
Juan de Juni (1507–1577), nacido en Borgoña, y educado en Italia, se caracteriza,
frente a la incorrección de Berruguete, por el afán de perfección, la lentitud de su trabajo, que
refleja las formas anchas, amplias y musculosas, de tono miguelangelesco. De Borgoña, su
región natal, capta el dinamismo de los paños con que los escultores locales envuelven sus
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pesadas figuras y toma en préstamo la composición iconográfica que le hizo célebre: el
Entierro de Cristo en distintas versiones.
Ya en España desde 1533, deambula por varias ciudades castellanas y, en 1541 se
traslada con carácter definitivo a Valladolid. El motivo de su establecimiento en la ciudad del
Pisuerga es realizar el Entierro de Cristo en el monasterio de San Francisco, obra de un
dramatismo solemne con figuras corpulentas de gestos teatrales.
Las aportaciones de Juni se extienden al campo del retablo. En 1545 contrata el retablo
de la parroquia de la Antigua, con un manierismo muy personal.
La Virgen de los Cuchillos, interpretación de la Dolorosa, realista en la expresión del
dolor, que se convertirá en el prototipo de las vírgenes procesionales castellanas del Barroco.
El Entierro de Cristo, de la Catedral de Segovia, compuesto con un equilibrio, flanqueado por
unas figuras de guerreros oprimidos por columnas corintias.
3. LA PINTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XVI
3.1. Características generales
La pintura española del Renacimiento, como la escultura, se caracteriza ante todo por
la escasez del tema profano y su exclusiva dedicación a los temas religiosos. Los artistas
españoles, sin otra clientela que la Iglesia obsesionada por la moralidad y el decoro, tarda en
incorporarse al renacimiento. El primer tercio del siglo XVI asimila tímidamente los modos
italianos. En el segundo tercio la influencia italiana se difunde abiertamente.
En la segunda mitad la influencia de los grandes maestros italianos del Renacimiento,
junto con los manieristas, son la base artística de los pintores españoles de esa época. La
influencia de la escuela veneciana se aprecia especialmente en el Greco.
3.1. El Greco
Domenikos Theotokópoulos, «el Greco» (1541-1641), es la figura capital de la
pintura española del siglo XVI. Forma parte del reducido censo de artistas que continúa
presente en la estimación de los críticos y en el recuerdo popular. Esta fama perdurable se
debe a la arrogancia con que defendió sus pinturas y al inconfundible sello de su estilo, donde
el manierismo del alargamiento alcanza la plenitud.
Su primera formación la recibe en la isla de Creta, y lógicamente era bizantina derivada
de los iconos de los talleres griegos. Su paso por Venecia es determinante para su técnica,
suelta y libre, su colorido de gamas frías. En su paso por Roma recoge el tratamiento del
desnudo y un sentido de la composición alargada y serpenteante, deformando los cuerpos,
que procede del mundo manierista.
En torno a 1576 debió de trasladarse a España con la intención de servir a Felipe II en
la decoración del monasterio del Escorial. Mientras tanto, el Greco se instala en Toledo donde
el Cabildo de la Catedral le encarga, en 1577, El Expolio de Cristo. Será su «ópera prima» en la
ciudad castellana y constituye por el uso del color y del dibujo una ruptura con la escuela
pictórica española. Pero, aún siendo el lienzo un puro estallido cromático, la vista se siente
atraída por el rojo de la túnica de Jesús y su reflejo proyectado en la coraza de Longinos. En el
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ángulo inferior derecho un verdugo prepara la cruz en un escorzo forzado. En el otro ángulo,
las tres mujeres contemplan la faena. El fondo del cuadro lo llenan las figuras de los sayones
desapareciendo el paisaje.
Por fin, Felipe II le había propuesto un trabajo: la pintura de San Mauricio y la legión
tebana para el altar del santo en la basílica escurialense. El Greco se esmeró, sabedor de que
su porvenir dependía del aprovechamiento de esta oportunidad; tardó dos años en realizar el
cuadro pero la obra desagradó al rey. El pintor se había equivocado. En vez de potenciar la
decapitación de San Mauricio y sus compañeros a manos de los romanos, concentra toda la
atención en el instante previo al martirio: la discusión tras la que estos legionarios cristianos
deciden no adorar a los ídolos paganos para preservar su fe. Y este debate no provocaba
ninguna devoción al fiel que se acercaba a rezar ante el lienzo, por muy ingeniosa que fuera la
composición, muy elegante la postura de los soldados y brillante el colorido. El Greco había
violado la regla de oro de la estética contrarreformista. Otorgó primacía al estilo sobre la
iconografía, en vez de subordinar el arte a la temática religiosa.
Rechazado por el círculo cortesano, el Greco fija en 1582 su domicilio definitivo en
Toledo. Poco después realizará la obra cumbre de su catálogo y de la pintura española del
siglo XVI: El Entierro del Señor de Orgaz. Una piadosa leyenda medieval inspira la temática
del cuadro. El primer gran acierto del pintor fue fragmentar horizontalmente el cuadro en dos
espacios. En la zona inferior San Agustín y San Esteban inhuman los restos de su benefactor
toledano. A su alrededor dispone el cortejo fúnebre que acudió a la misa de réquiem, donde
retrata a sus amigos intelectuales y a la nobleza local; y aquí reside el segundo acierto del
artista: abordar el argumento de la obra como si se tratara de un tema actual con personajes
contemporáneos. La moda en la indumentaria de los testigos la traslada también a la
armadura milanesa con que se amortaja al protagonista del duelo. En el nivel superior, dos
ángeles ascienden el alma del señor de Orgaz, que es recibido en la gloria por la Deesis
bizantina: Cristo, la Virgen y San Juan Bautista. Esta pieza maestra consolidó el prestigio del
Greco en Toledo e inaugura una nueva etapa en su estilo.
En el terreno privado continúa estable su relación sentimental con doña Jerónima de la
Cueva, a quien retrató en la Dama del armiño y con la que tuvo a su único hijo, Jorge Manuel,
que será su mejor discípulo. La situación financiera que atravesará períodos de alza con otros
de endeudamiento, es en este instante boyante. Vive rodeado de lujo en una casa palacio y su
cotización sigue en aumento.
Personajes de todo tipo desfilan por su inigualable galería de retratos, como el
Caballero de la mano en el pecho. En estos personajes y en las Vistas de Toledo, el Greco
toma su particular pulso a la sociedad y a la topografía de su ciudad adoptiva. El Laocoonte y
sus hijos es el único asunto mitológico que trata el Greco.
A los 73 años, fallece el Greco entre la admiración de muchos, la crítica de unos pocos y
la indiferencia de nadie.
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PREGUNTAS PAEG:
Características generales de la arquitectura renacentista italiana.
Evolución de la arquitectura renacentista italiana: Brunelleschi, Alberti,
Bramante y Palladio.
La escultura renacentista: Donatello y Miguel Ángel.
Características generales de la pintura renacentista italiana.
Evolución de la pintura renacentista italiana. Siglo XV: Masaccio, Fra
Angélico, Piero della Francesca y Botticelli.
Evolución de la pintura renacentista italiana. Siglo XVI: Leonardo, Miguel Ángel y
Rafael. La escuela veneciana.
El Renacimiento en España. Arquitectura.
El Renacimiento en España. Escultura. Pintura: El Greco.
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DIAPOSITIVAS PAEG ARTE RENACIMIENTO
1. CÚPULA DE SANTA Mª DE LAS FLORES (BRUNELLESCHI, 1418-1420)
Se trata de un edificio gótico que hay que terminar
cubriendo un crucero de 42 metros de diámetro, lo que
suponía un reto ya que no podían utilizarse cimbras de ese
tamaño. En 1418, se falló el concurso a favor de
Brunelleschi que construye una gran cúpula que supone
una revolución técnica.
La cúpula se construye por medio de dos casquetes,
separados por un espacio hueco, con anillos concéntricos
que se autosostienen al levantar la construcción, y
utilizando materiales ligeros como el ladrillo.
El resultado al exterior es una gran cúpula sostenida sobre
un tambor octogonal, con óculo y decorado con mármol de color. La cúpula dividida por ocho
paños separados por nervios, y cubiertos con teja roja, que complementa el valor cromático
del edificio (rojo, verde y blanco).
Como remate, en 1436, Brunelleschi construye la linterna por medio de otro concurso, con
forma circular, en consonancia cromática y que permite la iluminación al interior. Una
coronación a una obra grandiosa que pretendía “dar sombra a toda la Toscana”,
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Cúpula de Santa María de las Flores de Florencia), Autor (Filippo
Brunelleschi), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores cimborrios medievales, con las
posteriores y el modelo de Miguel Ángel para San Pedro del Vaticano), Influencia obra-época
(la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
2. IGLESIA DE SAN LORENZO (BRUNELLESCHI, 1440-1445)
Iglesia encargada por 8 familias florentinas que deseaban una
capilla para cada una de ellas. Una de estas familias eran los
Médicis, que por medio de Cosme y una cantidad importante
de dinero, consiguen que la iglesia quede sólo para su familia.
Es un edificio de planta de cruz latina con un efecto visual de
centralización por la luz que entra de la cúpula. Además de
un juego geométrico de proporciones por cuadrículas de las
naves, el crucero y las capillas.
Interior: Se recuperan todos los elementos clásicos: naves
separadas por columnas y arcos de medio punto, uso de
plinto, basa, capitel corintio y entablamento sobre el arco. La cubierta es plana en la nave
central con casetones y vaídas en las laterales. La luz contribuye a la unidad y el
bicromatismo al armonioso y elegante resultado.
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No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Interior de la iglesia San Lorenzo de Florencia), Autor (Filippo
Brunelleschi), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores iglesias medievales y con las
basílicas paleocristianas derivadas de las basílicas civiles romanas), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
3. PALACIO RUCELLAI (ALBERTI, 1446-1451)
Primer encargo arquitectónico que recibió Alberti. Es un palacio
encargado por Giovanni Rucellai, comerciante, que se inserta
totalmente en el urbanismo. Proyecta un edificio de tres pisos,
en la fachada usa un almohadillado muy plano que aun así
remarca luces y sombras geométricas. Para diferenciar los
pisos, usa una superposición de órdenes como en el Coliseo, en
el inferior pilastras adosadas de orden toscano, en el segundo
orden jónico y el tercero corintio (muy modificados). Separados
por un entablamento clásico y rematado por cornisa. Las
ventanas son las típicas albertinas, divididas en dos, rematadas
con arco de medio punto con óculo, y englobadas en otro mayor.
Concebido como un rectángulo de proporciones clásicas, posteriormente su dueño lo amplió
intentando igualarlo al de los Médicis y rompiendo la concepción original.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Palacio Rucellai), Autor (Leon Battista Alberti), Situación (Florencia,
Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar
(con los palacios góticos italianos y con otros renacentistas, como el Pitti de Brunelleschi y el
Médici-Ricardi de Michelozzo), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la
cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los
cambios de la Edad Moderna en el Arte).
4. SAN PIETRO IN MONTORIO (BRAMANTE, 1502-1510)
Pequeña obra encargada por los Reyes Católicos a Bramante, para
señalar y conmemorar el lugar donde según la tradición fue
crucificado San Pedro. El templete se sitúa en el interior del claustro
de un monasterio franciscano en la colina del Gianicolo de Roma y
actualmente acoge la Real Academia de España en Roma.
Su planta es centralizada y su forma circular. Todos los espacios se
disponen en círculos concéntricos (escalinata, pórtico, muro,
cúpula…).
En el proyecto original estaba rodeado por un claustro circular que
no llegó a construirse. El edificio es períptero, con pórtico de
columnas dóricas y coronado por una balaustrada. Coronado por
una cúpula sobre tambor y linterna.
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El edificio fue muy admirado en su época, mostrando Bramante una gran madurez en el uso
del lenguaje arquitectónico renacentista, y que le sirvió de prueba para su posterior proyecto
para San Pedro. La obra no es funcional, simplemente es conmemorativo con una importante
riqueza simbólica: el círculo símbolo de la perfección.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Templete de San Pietro in Montorio), Autor (Donato Bramante),
Situación (Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la arquitectura clásica grecorromana), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
5. CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (MIGUEL ÁNGEL, 1546)
La necesidad de renovar la cristiandad fue entendida por el papado como
una renovación arquitectónica que afectaba a San Pedro. El papa Julio II
encarga el proyecto a Bramante que diseña una planta de cruz griega.
Tras su muerte en 1514, asume las obras Rafael y posteriormente
Sangallo el joven, pero sus inesperadas muertes no les permitieron llevar
a cabo sus proyectos. El papa Paulo III pone a Miguel Ángel al frente de
las obras, que retoma el proyecto inicial de Bramante.
Sobre una planta de cruz griega, eleva una cúpula de 131 metros de
altura sobre un diámetro de 42 metros. La cúpula se sostiene sobre 4
pilares, entre los que se encuentra 4 ábsides y 4 cúpulas adyacentes. Sobre un tambor circular,
con columnas de orden gigante pareadas y ventanas, se levanta la cúpula, rematada con
linterna.
En la cúpula, Miguel Ángel expresa toda su fuerza, gracias al juego de
masas, rupturas y alternancia de elementos, convirtiéndola en un
símbolo universal, que corona la tumba de San Pedro y en cuyo cinto
interior con grandes letras se puede leer la inscripción: “Tú eres Pedro, y
sobre esta Piedra edificaré mi Iglesia, y te daré las llaves del Reino de los Cielos”.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Cúpula de San Pedro del Vaticano), Autor (Miguel Ángel Buenarroti),
Situación (Ciudad del Vaticano, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores cimborrios medievales, con la
anterior renacentista de Brunelleschi y mencionar que será el modelo de todas las
posteriores), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad
Moderna en el Arte).
6. FACHADA DE UNIVERSIDAD DE SALAMANCA (Primer tercio s. XVI)
La universidad más antigua de España se presenta con esta fachada, principal símbolo del
plateresco, y última construcción del edificio, que se comienza en tiempos de los RR.CC. y
finaliza con Carlos V.
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Es construida en perspectiva para ser vista desde la calle. Formada por tres pisos separados
por frisos y rematado por una crestería. Toda la fachada está llena de personajes, objetos o
animales quiméricos junto a elementos vegetales, lo que se conoce como grutescos, propio del
plateresco. Esta decoración profusa aumenta en dirección ascendente, hasta el piso superior
mucho más recargado.
Destaca en la calle central del piso inferior, el medallón de
los RR.CC. con la inscripción “La Universidad a los Reyes, y
éstos a la Universidad”, mostrando a la monarquía
protectora de la Universidad. En el segundo piso, el escudo
de Carlos V acompañado de escudos con el águila bicéfala
imperial y el de San Juan. El piso superior destaca por su
mayor decoración.
De entre todas las figuras, destacar la rana sobre una
calavera, tal vez firma del cantero o símbolo de la lujuria
que conduce a la muerte, y que se ha convertido en una
atracción turística por sí misma.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Plateresco en
España), Título/Obra (Fachada de la Universidad de Salamanca), Autor (anónimo), Situación
(Salamanca, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del gótico isabelino del
siglo XV y la del purismo del siglo XVI, entre las que se encuentra), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial
hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior).
7. FACAHADA PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA (PEDRO MACHUCA,
1527)
Carlos V mandó construir en La Alhambra de Granada un palacio
que sería símbolo de su imperio como centro del poder universal.
Su diseño supone una gran novedad en la arquitectura palaciega
española, destacando su equilibrio y sobriedad. En planta es
cuadrado con un patio circular en el interior, espacio porticado
de 30 metros, dividido en dos niveles, toscano y jónico, separados
por un entablamento de triglifos y metopas.
La fachada repite la ordenación interior. Es cuadrada, dividida en
dos pisos, con orden toscano y dórico, y separadas por un
entablamento. A los lados, en el piso inferior aparece un tosco
almohadillado que imprime al edificio pesadez, y en el centro,
escudos y motivos alegóricos en torno al rey que es comparado
con Hércules.
Desde 1958, el edificio acoge el Museo de Bellas Artes de Granada.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Purismo en
España), Título/Obra (Palacio de Carlos V en Granada), Autor (Pedro Machuca), Situación
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(Granada, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del plateresco y
herreriano en la España del siglo XVI, entre las que se encuentra), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial
hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior).
8. SAN LORENZO DEL ESCORIAL (TOLEDO Y HERRERA, 1563-1584)
Es el proyecto artístico más importante de Felipe II, conmemorando la victoria en San Quintín
(10-8-1557), día de San Lorenzo. La idea es de un edificio que sirva como Iglesia, monasterio,
palacio del monarca, además de panteón real y una biblioteca donde se reunieran todos los
saberes de su tiempo. La construcción y decoración del edificio siempre estuvo supervisada
por el rey, y en él trabajaron gran número de personas por lo que el estilo se difundirá por
toda España.
El proyecto lo inicia Juan Bautista de Toledo, que había trabajado en Roma con Miguel Ángel,
pero muere repentinamente en 1567, pasando a dirigir las obras su discípulo Juan de Herrera
que simplificó el edificio y definió el estilo herreriano o escurialense.
La planta es rectangular sobresaliendo un fondo, quedando forma de parrilla, símbolo del
martirio de San Lorenzo. En el interior se abren patios. En el centro se sitúa la iglesia, de cruz
griega y gran cúpula, bajo ella está el panteón real.
Al exterior es una obra austera y sobria, sin ornamento, destacando el muro de granito, solo
roto por sencillas ventanas adinteladas. Su elegancia radica en las seis torres, los tejados de
pizarra a dos aguas con buhardillas, y los remates piramidales con bolas. Sólo la fachada
principal rompe la austeridad con un pórtico de dos cuerpos y la figura de San Lorenzo
cobijada en un nicho.
Al construirse el Escorial, España es la primera potencia del mundo y Felipe II el mayor
defensor de la Contrarreforma, por ello el carácter monumental del edificio.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura Herreriana en
España), Título/Obra (Monasterio de San Lorenzo de El Escorial), Autor (Juan de Herrera),
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Situación (San Lorenzo de El Escorial, Madrid, España), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista
italiana y la del estilo purista del siglo XVI y primer barroco en la España del siglo XVII, entre
las que se encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de
la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades de la España de
Felipe II en relación con todo lo anterior).
9. PUERTAS DEL PARAISO (GHIBERTI, 1425-1452)
El baptisterio de San Juan de Florencia cuenta con 3 puertas. Las
primeras fueron realizadas en 1330 por Andrea Pisano. En
1401, se decide cambiar las viejas de madera y se convoca un
concurso para el cual los artistas debían realizar una
representación en relieve del sacrificio de Isaac. El concurso lo
ganó Ghiberti.
Las segundas puertas fueron realizadas en bronce entre 1401 y
1424, constando de 20 paneles lobulados que representan
escenas de la vida de Jesús, evangelistas y profetas.
Su buen trabajo le sirvió para que le fuesen encomendadas las
terceras puertas que realizó entre 1425 y 1452, formadas por 8
escenas cuadradas sobre el Antiguo Testamento. Usando una
técnica casi pictórica para los relieves conocida como
schiacciato, que con suavidad trata la perspectiva, desde las figuras más cercanas de casi
bulto redondo hasta marcas casi imperceptibles de las más alejadas.
Con ello consigue una sensación de realidad y espacio, y un perfecto juego de luces de
claroscuro. Se tratan de relieves que retoman la técnica clásica y presentan una perfección
técnica que las llevó a ser bautizadas por Miguel Ángel como Las Puertas del Paraíso.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia), Autor (Lorenzo
Ghiberti), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y, sobre todo, con los
relieves clásicos, principalmente los históricos del Estilo Pictórico romano), Influencia obra-
época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo
y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
10. SAN JORGE (DONATELLO, 1415-1417)
Escultura de juventud de Donatello, encargada para la iglesia de Or San Michelle en Florencia
donde ensaya sus primeras grandes esculturas.
Representa al santo en mármol, después de haber matado al dragón, sereno, con la mirada
altiva del vencedor, recordando esculturas de la antigüedad. Busca la individualidad de la
figura extrayendo caracteres personales como si de un auténtico retrato se tratase. Subido en
un pedestal, bajo sus pies hay en relieve una representación de San Jorge sobre el caballo
dando muerte al dragón.
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No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura
del Quattrocento italiano), Título/Obra (San Jorge), Autor (Donatello),
Situación (Museo Nacional de Bargello en Florencia, Italia), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la
escultura clásica grecorromana, cuyas características recupera,
situando además a Donatello cronológica y estilísticamente en el
Quattrocento comparándolo también con la obra de Miguel Ángel ya
del Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento
de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva
sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
11. DAVID (DONATELLO, 1435-1445)
Segunda versión que sobre David realiza Donatello. Esta vez en bronce y
destinada en principio para el patio del Palacio de los Médicis, fue
trasladada en 1495 a la Plaza de la Signoria. Se trata de uno de los primeros
desnudos de gran tamaño de la época y destinada para un lugar público.
La escultura se inspira directamente en la antigüedad. El joven se eleva
sobre la cabeza cortada de su enemigo Goliat. Su postura describe una ligera
curva y se apoya sobre una gran espada, en reposo, sereno tras la victoria.
El joven es un adolescente desnudo, de pelo largo, algo afeminado y tocado
con un sombrero de flores como el de los campesinos de la Toscana. El
brillo del bronce destaca más las formas casi blandas de su cuerpo.
Según el relato bíblico, el gigante filisteo Goliat desafió a los israelitas a que
enviaran a uno de los suyos a luchar contra él. El derrotado convertiría a su
país en esclavo del otro. David, un joven pastor de Belén, se ofreció para luchar. Lo mató
lanzándole una piedra con su honda y cortándole después la cabeza. El tema de David se
interpreta como el joven que dirige a su pueblo a la victoria sobre el enemigo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (David), Autor (Donatello), Situación (Museo Nacional de Bargello en
Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica
grecorromana, cuyas características recupera, situando además a Donatello cronológica y
estilísticamente en el Quattrocento comparándolo también con la obra de Miguel Ángel ya del
Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina,
el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad
Moderna en el Arte).
12. CONDOTTIERE GATTAMELATA (DONATELLO, 1447-1453)
Estatua en bronce para la plaza del Santo en Padova. Inspirada en el ecuestre de Marco
Aurelio, es una de las primeras representaciones de este tipo del Renacimiento.
Erigida en honor de Erasmo de Narni, dictador en la ciudad de Pádova y mercenario al
servicio de distintas repúblicas italianas, representa al guerrero del mundo moderno, que
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sereno avanza triunfante sobre su caballo. Es un auténtico
retrato que glorifica al personaje triunfador, portando el
bastón de mando, dejando traslucir con el rostro
descubierto su propia psicología del hombre que vence no
solo por su fuerza sino también por su inteligencia.
La obra, sobre un gran pedestal está diseñada para
integrase perfectamente en el urbanismo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento),
Etapa (Escultura del Quattrocento italiano), Título/Obra
(Condottiere Gattamelata, Erasmo de Narni), Autor (Donatello), Situación (Piazza del Santo en
Padua, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica
grecorromana, relacionándolo directamente con el de Marco Aurelio y situando a Donatello en
el Quattrocento, comparándolo también con el Condottiero Colleone de Verrochio), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
13. LA PIEDAD DEL VATICANO (MIGUEL ANGEL, 1499)
La Piedad representa a la Virgen con su hijo muerto
en brazos.
Esta obra es realizada por M.A. con tan sólo 23 años
y su belleza y perfección, aunando los valores
clásicos y renacentistas, lo consagran como uno de
los artistas más grandes de la Historia.
Encargada por un cardenal, el contrato especificaba,
“una Virgen María cubierta de ropaje y con el cuerpo
de Cristo muerto en sus brazos”. Las figuras forman
una pirámide. La madre, con la mirada baja sostiene
en su regazo al hijo que se desploma muerto en sus
brazos. La desnudez de Cristo contrasta con lo
profundos pliegues del ropaje de María.
Contra la tradición, M.A. representa a una María casi niña “eternamente virgen” que con
dulzura mira a su hijo, más mayor que ella.
Al finalizarla, M.A. se sintió orgulloso del resultado y firmó la obra –única vez que lo haría-
cincelando las letras “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat” en la cinta que cruza el
pecho de la virgen. La escultura se instaló en la Iglesia de Santa Petronella, lugar de
enterramiento del cardenal que la encargó, trasladada posteriormente al Vaticano.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Piedad), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (El Vaticano,
Roma, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se
encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como
escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad
Moderna en el Arte).
14. DAVID (MIGUEL ANGEL, 1504)
Recibido el encargo de tallar un gigantesco bloque de mármol
defectuoso abandonado hacía 40 años y demasiado plano, M.A.
acomete todo un reto.
La estatua colosal de más de 4 metros de altura, representa al David
bíblico, como un joven atleta, con la mirada fija esperando divisar al
gigante Goliat, y con su arma –la honda- sobre el hombro. A la
perfección clásica, M.A. une detalles que imprimen vitalidad y tensión:
las grandes dimensiones de la cabeza y manos, las marcas de huesos y
venas, el vigor de los músculos y las extremidades, demasiado pegadas
al cuerpo por su adaptación al bloque, suscitan esa terribilitá de las
obras de M.A.
Originalmente iría colocada en la fachada de la Catedral de Florencia,
pero su éxito fue tan clamoroso que sería colocada en el centro de la
Plaza de la Signoría, donde se convirtió en el símbolo político de la
ciudad de Florencia.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (David), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Galería de la
Academia en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco,
entre las que se encuentra, comparándolo con el David de Donatello y el de Bernini y situando
esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-
época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo
y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
15. MOISÉS (MIGUEL ÁNGEL, 1513-1516)
Se trata de una de las pocas figuras que talló para el proyecto del
mausoleo de Julio II, el encargo que M.A. recibió con más
entusiasmo y nunca vio concluir.
Representa el momento en el que Moisés, viendo como su pueblo
ha traicionado a Dios, enfurece y se dispone a romper las tablas
que porta en sus brazos. Es una escultura sedente de más de dos
metros, con una tremenda anatomía de grandes piernas y brazos.
La postura girada proporciona mayor realismo y emoción. Su
fuerza interior se plasma en el rostro enfurecido, su mirada y su
barba que definen mejor que ninguno de sus trabajos, esa
terribilitá.
Representado con los dos cuernos, símbolo de Moisés, se
encuentra en la iglesia de San Pedro in Vincoli de Roma, donde M.A. ideó un pequeño
mausoleo adosado a la pared para Julio II, mucho menos ambicioso que el inicial del Vaticano.
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Moisés), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Iglesia de San
Pietro in Vincoli en Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco,
entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución
estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de
la Edad Moderna en el Arte y en este caso relacionar a Miguel Ángel con los encargos
escultóricos y pictóricos para el papa Julio II).
16. SEPULCRO DE LOS MÉDICIS (MIGUEL ANGEL, 1521-1534)
El proyecto alberga las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis
en la Sacristía Nueva de San Lorenzo (Florencia), encargado por el
papa León X de la misma familia.
Los dos sepulcros se adosan a la pared y se integran con la
arquitectura. Las esculturas superiores representan a los dos
hermanos, dentro de un nicho, vestidos de modo clásico y
sedentes, novedad para una escultura funeraria. Los cuerpos son
atléticos, trabajando a la perfección la musculatura.
Los nichos presentan novedades, Lorenzo (con casco) acompañado
de las alegorías de la aurora y el crepúsculo, Giuliano flanqueado
por las de la noche y el día. Las cuatro alegorías, simbolizando el
tiempo infinito, destacan por sus cuerpos rotundos y la torsión que llevan a cabo.
Las figuras de los dos difuntos miran hacia una tercera pared donde se sitúa la Madonna de
los Médicis, estableciendo así un contacto visual de todo el conjunto.
La tumba será toda una novedad en escultura funeraria y muy admirada por los artistas de la
época.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Sepulcro de los Médicis), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación
(Sacristía Nueva de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI),
Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del
Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar
exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia
del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva
sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
17. SAN SEBASTIÁN (A. BERRUGUETE, 1527)
La escultura forma parte del retablo de San Benito el Real (Valladolid), que actualmente está
desmontado e instalado en el Museo de Escultura de la ciudad tras la desamortización. Se
trataba de una obra gigantesca con escenas de la infancia de Cristo, la vida de San Benito
además de mártires y profetas.
San Sebastián pertenecía al ejército romano en tiempos de Diocleciano, al ser descubierto
como cristiano, fue condenado a morir aseteado. La escultura de Berruguete realizada en
ARTE DEL RENACIMIENTO
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madera policromada, se apoya en un árbol, y con la inestable posición del
cuerpo, provoca la angustia del posterior martirio, la ejecución a flechazos.
Sus viajes a Italia donde estudió a Donatello y Miguel Ángel se reflejan en la
tendencia manierista de la figura y su canon alargado.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del
Renacimiento en España), Título/Obra (San Sebastián), Autor (Alonso de
Berruguete), Situación (Museo Nacional de Escultura en Valladolid,
España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y
Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la
evolución de la escultura renacentista española), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo
mención a las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad).
18. EL SACRIFICIO DE ISAAC (A. BERRUGUETE, 1527)
Perteneciente al retablo de San Benito (Valladolid), esta obra refleja
aún más la tendencia manierista del autor. La composición rompe todo
orden, la cabeza de Abraham elevada al cielo, la pierna separada sin
apoyo, la figura retorcida y asustada de Isaac. El autor busca la
inestabilidad que se acentúa con las expresiones descompuestas de
dolor.
La policromía (por medio de las técnicas de estofado para vestidos y
encarnado para la piel) resalta el realismo.
La imagen recoge el instante justo en el que Abraham se dispone a
cumplir el mandato de Dios degollando a su único hijo, Isaac, justo en el
momento que un ángel detiene la muerte. La obra influenciada por el
arte italiano y sobre todo Donatello, suponen una innovación en la
escultura española.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en
España), Título/Obra (Sacrificio de Isaac), Autor (Alonso de Berruguete), Situación (Museo
Nacional de Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y
Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la
escultura renacentista española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la
cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los
cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a las peculiaridades del
arte renacentista español por su fuerte religiosidad).
19. EL ENTIERRO DE CRISTO (JUAN DE JUNI, 1541-1545)
Es un grupo escultórico en madera policromada, encargado por Fray Guevara, obispo de
Mondoñedo (Lugo), para colocarlo en su capilla funeraria en el desaparecido convento de San
Francisco en Valladolid. Actualmente se conserva en el Museo de Escultura de Valladolid.
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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El tema iconográfico es muy
común en Italia y la Borgoña natal
de Juni, acometiendo la obra como
una gran escena teatral que se
muestra al espectador Son 6
figuras de tamaño natural en
torno a Cristo muerto. A la
derecha, Nicodemo parece
dialogar con María Magdalena,
que limpia el cuerpo del difunto.
En el centro, María se inclina
sobre su hijo muerto, siendo
consolada por Juan. Después Salomé sostiene un paño y la corona de espinas que acaba de
retirar, y por último, José de Arimatea, que muestra al espectador una espina que se clavaba
en la cabeza de Cristo, realizando una relación entre el grupo y el espectador.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en
España), Título/Obra (Entierro de Cristo), Autor (Juan de Juni), Situación (Museo Nacional de
Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y
Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la
escultura renacentista española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la
cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los
cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a las peculiaridades del
arte renacentista español por su fuerte religiosidad).
20. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO, 1430-1432)
Es la tabla central de un retablo. Las dos figuras se
disponen bajo una arquitectura propiamente
renacentista, con un rayo de luz, que parte de la mano
de Dios y la paloma del espíritu santo dirigiéndose a
María. A la izquierda aparece un jardín donde están
Adán y Eva, al ser expulsados del paraíso. La trinidad
se completa con el busto de Jesús, representado en el
medallón central.
El tema es de fuerte arraigo en Florencia. Muestra
novedades del renacimiento como la perspectiva que
da profundidad en el jardín y la habitación abierta de
María. En la predela aparecen escenas de la vida de la
Virgen.
Se trata de una obra que utiliza nuevos recursos de la pintura del renacimiento como la
perspectiva, con otros del pasado gótico como los dorados o el tratamiento del tema de la
anunciación.
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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El cuadro fue pintado para la Iglesia de Santo Domingo (Florencia). Llegó a España como
regalo al Duque de Lerma, valido de Felipe III, y actualmente se expone en el Museo del Prado.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (La Anunciación), Autor (Fra Angélico), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Fra Angélico cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
21. LA TRINIDAD (MASACCIO, 1427)
Fresco en Santa Mª Novella (Florencia) siendo una de las
primeras veces que se hace uso de la perspectiva lineal. La
composición se flanquea con dos pilastras y arco con enjutas. En
el centro, Dios-padre ofreciendo a su hijo. Jesús crucificado, y
entre ellos, la paloma del espíritu santo (completándose la
Trinidad). A los lados, San Juan y la Virgen que miran hacia fuera
de la escena. Fuera del espacio arquitectónico, dos figuras
(donantes) arrodillados, y en la zona baja, un altar con un
sarcófago y un esqueleto, símbolo de la muerte inevitable, y la
leyenda: FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS.
La obra se caracteriza por sus grandes contrastes cromáticos, la
unidad de toda la composición y el perfecto uso de la perspectiva
lineal.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (La Trinidad), Autor (Masaccio), Situación (Iglesia de Santa María
Novella en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, sobre todo con el precedente de Giotto,
situando a Masaccio cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros
pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de
la Edad Moderna en el Arte).
22. CRISTO YACENTE (MANTEGNA, 1480)
En esta obra, el pintor de Pádova demuestra un claro ejemplo de las características de sus
obras inspirado en Donatello, sus figuras son escultóricas, pétreas.
Mantegna sorprendió y escandalizó con este alarde de dominio de la perspectiva y la
proyección geométrica. Aplicando leyes matemáticas, Mantegna dibujó un cuerpo según el
canon renacentista, perfectamente proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga
central que nos muestra un violento escorzo del cadáver de Cristo. La muerte se abalanza
sobre el espectador, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies, los
pliegues del sudario, el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús, con
los labios entreabiertos y la piel amoratada.
ARTE DEL RENACIMIENTO
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A los lados, la virgen María, San Juan y un tercer rostro
anónimo lloran la muerte. Al fondo una vasija de
aceites que manifiesta el cercano entierro.
Considerada la obra maestra de Mategna se expone en
la Pinacoteca de Brera (Milán).
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento),
Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra
(Cristo yacente), Autor (Mantegna), Situación
(Pinacoteca de Brera en Milán, Italia), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Mantegna cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
23. EL NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI, 1485)
El cuadro trata sobre la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la isla de Citerea donde
llegó tras nacer de la espuma del mar, según La Metamorfosis de Ovidio. En la orilla, la
primavera, una de las estaciones, la espera para arroparla con un manto. A la izquierda, Céfiro,
el viento del Oeste, abrazado a su esposa Flora, diosa de las flores perpetuas soplan el viento
que arranca las rosas.
La belleza es un don divino, el mito se
convierte en expresión del
neoplatonismo, según el cual el ser
humano debe buscar la unidad de la
belleza, el amor y la verdad que en el
cuadro se identifican con los tres
elementos (tierra, mar y aire) y la unidad
en la figura de Venus que metafóricamente
llega a Florencia.
Pero no es solo una exaltación pagana de la belleza femenina; entre sus significados implícitos
se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de Venus desde el
agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del bautismo. La belleza
que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no física.
La obra destaca por sus colores suaves, la luz uniforme y los contornos nítidos. Las 4 figuras
se interrelacionan. El viento sopla sobre Venus, que se desplaza hacia el abrazo de la
Primavera. El paisaje es un marco idealizado con la belleza de la diosa.
La obra supuestamente encargada por los Médicis, decoró la Villa de Castelo en Florencia.
Actualmente se expone en la Galería de los Uffizi.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Nacimiento de Venus), Autor (Sandro Botticelli), Situación (Galería de
los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Botticelli cronológica y
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
24. ENTREGA DE LAS LLAVES A SAN PEDRO (PERUGINO, 1480-1481)
Su gran fama lo llevó a ser llamado por el Vaticano para decorar con frescos los muros
laterales de la capilla Sixtina, donde actuaron otros autores como Botticelli o Ghirlandaio, con
temas sobre la vida de Moisés y la de Cristo.
Perugino realiza este pasaje del evangelio de
Mateo en el que Pedro, arrodillado frente a
Cristo, recibe las llaves del reino de los
cielos, símbolo de la soberanía y del primer
vicario de Dios en la tierra. En el fondo para
dar profundidad, el templo de Jerusalén con
formas renacentistas y dos arcos del triunfo
que imitan al de Constantino. En segundo
plano se hallan descritos otros dos episodios
evangélicos: el pago del tributo y la tentativa de lapidación de Cristo. En el personaje con la
gorra negra y melena oscura se ha querido ver un autorretrato del autor.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (Entrega de las llaves a San Pedro), Autor (Il Perugino), Situación
(Capilla Sixtina en El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Perugino
cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento y
con la obra de Rafael, ya del Cinquecento, principalmente los Desposorios de la Virgen),
Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo,
el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el
Arte).
25. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO, 1483-1486)
Se trata de la primera versión que sobre el tema hace Leonardo
(posteriormente en 1492, realizará una nueva versión que se
conserva en la National Gallery de Londres) destinada para la
Iglesia de San Francisco el Grande de Milán y que hoy se conserva
en el Louvre (París).
Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, englobando las
figuras en una composición triangular (considerada la más perfecta
de la época), cuyo vértice es la Virgen, a sus lados Jesús y San Juan
niños, y al lado el ángel Uriel que señala quién es el Mesías.
En esta obra se desarrolla ya perfectamente el sfumato, lo que se
une a la luz tenebrosa de la cueva, creando ese ambiente
característico de luces difusas y contornos que se difuminan que
ARTE DEL RENACIMIENTO
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dan una mayor y más realista profundidad. Al uso de la perspectiva aérea, añadir la depurada
y virtuosa técnica del autor, como el trabajo magistral para la mano de María.
Además es interesante por la relación psicológica y gestual de todos los personajes y que
redondea ese realismo que se buscaba.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Virgen de las Rocas), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo
del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos
genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad
surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
26. LA GIOCONDA (LEONARDO, 1503-1505)
Tal vez el retrato más famoso del mundo, representa a la esposa de
Francesco del Giocondo, llamada Lisa y más conocida como Mona
Lisa, aunque no está clara su verdadera identidad.
Es un típico retrato renacentista de busto que se prolonga hasta
los brazos, con una composición triangular, tocada con un velo
(símbolo de castidad propia de las esposas) pero algunos
elementos lo hace muy distintos.
Primero el uso del sfumato que envuelve a la figura en un halo de
misterio. El paisaje que lo enmarca es inquietante, parece
independiente del retrato ya que la línea de horizonte no coincide
a ambos lados creando dos planos de visión. Además la expresión
ha dado al cuadro su fama mundial, el claroscuro en los ojos y la
comisura de los labios le imprimen una ambigüedad como si el tiempo se hubiera detenido en
su misteriosa sonrisa.
El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que Leonardo llegara a entregarlo, ya que
siguió retocándolo durante años. Adquirida por el rey Francisco I de Francia, actualmente se
conserva en el Museo del Louvre.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (Gioconda o Monna Lisa), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo
del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos
genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad
surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
27. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO, 1494-1497)
Fresco para decorar el refectorio de la iglesia de Santa Mª delle Grazie (Milán) encargado por
Ludovico el Moro. Desgraciadamente, Leonardo experimentó con óleo sobre yeso y de ahí su
gran deterioro.
ARTE DEL RENACIMIENTO
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Representa una escena horizontal de gran teatralidad. En el centro Jesús, y sus lados, seis y
seis apóstoles, agrupados de tres en tres. Destaca el primer grupo a la derecha de Jesús,
formado por Pedro que se inclina sobre San Juan, y Judas Iscariote que termina de formar el
grupo. La composición, que puede parecer casual, está muy estudiada, destacando Jesús en el
centro con composición triangular y con espacio entre los apóstoles que lo hacen una figura
aislada y destacada.
El momento es dramático, justo después de anunciar Jesús que va a ser traicionado por uno de
ellos.
Usa una arquitectura y ventanas por las que se aprecia el paisaje para dar profundidad, pero
la escena está iluminada por una luz artificial y uniforme en la que usa el sfumato.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Última Cena), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Santa Mª delle
Grazie en Milán, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos
genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad
surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
28. MADONNA DEL GRAN DUQUE (RAFAEL, 1504)
Al poco tiempo de llegar a Florencia, Rafael pinta una serie de vírgenes con niño entre las que
destaca ésta, encargada por los Médicis. En el cuadro, aparece la Virgen con vestido rojo y
manto azul, de pie, sosteniendo al niño, sobre un fondo totalmente negro. Se trata de una de
las obras más sencillas del autor, donde sólo los cuerpos en una ligera rotación se
contraponen.
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En Florencia, Rafael había aprendido el sfumato de Leonardo y lo
aplica en el cuadro, que junto a su maestría en el modelado, dan a
sus personajes verdadera apariencia divina.
La obra fue adquirida en 1799 por Fernando III, Gran Duque de la
Toscana, que jamás se separaría de él en vida y pasó a formar parte
de la colección del Palacio Pitti, donde se expone en la actualidad.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa
(Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Madonna del Gran
Duque), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Palacio Pitti en Florencia,
Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del
Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento,
Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de
la Edad Moderna en el Arte).
29. LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL, 1510-1511)
Forma parte de los frescos que Julio II encarga para decorar las estancias del Vaticano, en
concreto la Signatura, biblioteca privada del Papa. En ella, pinta La Disputa del sacramento y la
Escuela de Atenas.
La obra representa la filosofía, justo en la
pared donde se situaban los libros de esta
materia. El espíritu del Renacimiento en
búsqueda de la verdad, representando a
los sabios de la Antigüedad e
identificándolos con los artistas del
Renacimiento, dignificando su labor.
La escena se desarrolla en un marco
arquitectónico inspirado en los proyectos
de Bramante para San Pedro, con una
perfecta perspectiva. En el centro las
figuras de Platón (retrato de Leonardo) sosteniendo el Timeo y Aristóteles con la Ética.
Alrededor, grupos de personajes entre los que destacan Miguel Ángel como Heráclito,
pensativo sobre un bloque de piedra.
Pitágoras (matemática y música) que escribe sobre una tabla, Diógenes que había renunciado
a todos los bienes, se despereza sobre la escalera. Sócrates explica sus teorías a su discípulo,
Alejandro Magno. Ptolomeo, de espalda sosteniendo el globo terráqueo, y junto a él, mirando
al espectador, el propio Rafael, junto a su maestro Perugino, de blanco.
Con esta obra, Rafael cambia su estilo, su luz es diáfana, colores suaves y sus composiciones
son más dinámicas, con grupos de personajes que se mueven y adoptan incluso posiciones
forzadas que caminan hacia el manierismo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Escuela de Atenas), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Estancias
ARTE DEL RENACIMIENTO
HISTORIA DEL ARTE
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Vaticanas, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos
genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad
surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).
30. LA CREACIÓN DE ADÁN (CAPILLA SIXTINA, MIGUEL ÁNGEL, 1508-1512)
Encargo de Julio II para la capilla levantada por Sixto IV, que ya estaba decorada en los muros
laterales con dos ciclos: La historia desde Moisés hasta Cristo y la historia a partir de Cristo.
Para la bóveda Miguel Ángel concibe la historia desde la Creación hasta Moisés para
completar el ciclo narrativo.
Divide la bóveda de cañón con arcos fajones simulados en 9 tramos con escenas del Antiguo
Testamento, además dos falsas cornisas que dan resultado de recuadros con temas
secundarios (profetas y sibilas).
La escena más famosa es la Creación de Adán, representa el momento justo anterior, Dios
desde el cielo, envuelto en una nube de ángeles, se acerca Adán, que desde la tierra, levanta su
mano débil, para recibir la vida. Es una escena conmovedora que ha pasado a la Historia como
la imagen universal de Dios.
A pesar de no recibir el encargo con agrado, M.A. dedicó en exclusiva 4 años de su vida.
Realizó numerosos bocetos para imprimir a sus figuras la terribilitá de su escultura, figuras
forzadas, desequilibrantes, y volviendo triunfante al desnudo de la Antigüedad. Utilizó colores
manieristas, fuertes y luminosos, con pinceladas libres y enérgicas.
Miguel Ángel logró una obra descomunal, cumbre de la pintura de todos los tiempos.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Creación de Adán), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación
(Capilla Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos
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Renacimiento

  • 1. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 1 de 52 ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA Podemos decir que el Renacimiento es una vuelta al mundo clásico, un ensayo por deshacerse definitivamente del teocentrismo medieval. El origen del término es francés y se acuña para designar un movimiento, artístico que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XV y XVI. Con la excepción de España e Italia, no marcará una huella demasiado profunda en el resto de países europeos. A la hora de analizar el movimiento renacentista existen una seria de factores que debemos de tener en cuenta: El periodo representa una vuelta a la antigüedad grecolatina, a los clásicos de Grecia y Roma. La razón como medio fundamental para acceder al conocimiento, en oposición al conocimiento medieval, manipulado ideológicamente por las enseñanzas de la Iglesia. El hombre como centro de todas las cosas (antropocentrismo), lugar que había ocupado Dios durante la Edad Media (Teocentrismo). El patrocinio de las obras de arte (mecenazgo) deja de ser una actividad única y exclusiva de la monarquía y del clero, y se convierte en algo que interesa a otros sectores como los nobles y la burguesía. En el Renacimiento todos los estudios fueron recogidos en obras que se denominan tratados. Alberti escribió tres (De pictura, De scultura y De re aedificatoria), suponían una compilación de todo el saber de la época en torno a estas artes. 1. ARQUITECTURA RENACENTISTA EN ITALIA 1.1. Características Al igual que el resto de las manifestaciones artísticas, la arquitectura del Renacimiento italiano puede dividirse cronológicamente en tres etapas: QUATTROCENTO (siglo XV). CINQUECENTO (siglo XVI). MANIERISMO (2º tercio del siglo XVI). Que el nuevo estilo tenga su origen en Italia no es casualidad. Aquí ha pervivido durante toda la Edad Media la tradición clásica. Los arquitectos florentinos inician el nuevo movimiento en la 1ª mitad del siglo XV y se difunde por el resto de Europa a principios de XVI. El nuevo estilo no es una copia de los modelos clásicos greco-latinos, sino que la visión directa que los artistas tienen de estos modelos les sirve de inspiración. El centro artístico del período es la Florencia de los Medicis, que sirven de mecenas para los principales artistas del momento. Entre las características más importantes del nuevo estilo señalamos: La arquitectura sigue la tradición de los órdenes clásicos, preferentemente el orden corintio. El arco utilizado preferentemente es el de medio punto.
  • 2. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 2 de 52 Las plantas más usadas: cruz latina y griega, basilical. Las cubiertas más utilizadas son la bóveda de cañón y la cubierta de madera con casetones, pero la principal aportación es la sistemática utilización de la cúpula. Otra de las características principales del Quattrocento es la riqueza decorativa. En el exterior, los muros se decoran con almohadillados y se colocan multitud de medallones, guirnaldas, etc. En el interior, los principales elementos decorativos son los grutescos (figuras que se entrelazan formando un todo), guirnaldas de flores, medallones… Dentro de la tipología de edificios civiles, encontramos el palacio y la villa. El palacio era el lugar en el que vivían los nobles italianos. Son edificios cerrados, con patio interior, de tres pisos y exterior almohadillado. La villa es una pequeña vivienda que los nobles poseían en el campo. En el ámbito religioso se seguirán construyendo interesantes templos, con planta de cruz latina, aunque también será frecuente encontrar plantas centrales (circulares, cuadradas). 1.2. Arquitectura italiana del Quattrocento (Siglo XV) La arquitectura renacentista nació, a comienzos del siglo XV en Florencia, bajo el mecenazgo de los Gremios Mayores y de poderosas familias de comerciantes como los Medici o los Pitti. A mediados del siglo XV comenzó su difusión por Lombardía, el Véneto y otras regiones italianas. Filippo BRUNELLESCHI es el auténtico creador del estilo. Trabajó en Florencia. En sus inicios compagina la escultura, inventos de máquinas, ingeniería… con la arquitectura. Finalizó las obras de la catedral gótica de Santa María de las Flores (1418-1420). Cubrió un amplio espacio en el cimborrio con una cúpula de perfil apuntado de 42 m. de diámetro, tan grande como la del Panteón romano. Brunelleschi levantó la cúpula sobre un tambor octogonal de ocho paños y amplios ventanales circulares a modo de ojo de buey. Es el primer ejemplo de las grandes cúpulas europeas. Más tarde le encargaron las iglesias de San Lorenzo (1440-1445) y del Santo Espíritu, ambas en Florencia, constituyen prototipos de iglesias renacentistas. Son iglesias de 3 naves separadas por arquerías de ½ punto y planta basilical. Otras obras de Brunelleschi son: la capilla Pazzi o el hospital de los Inocentes, también en Florencia. MICHELOZZO di Bartolomeo fue discípulo de Brunelleschi y autor del palacio de los Medici-Ricardi, obra que destaca por su aspecto de fortaleza, con su paramento almohadillado en los pisos bajos. León Bautista ALBERTI fue arquitecto, humanista y erudito, escribió varios tratados sobre arquitectura, escultura y pintura. Es el autor del Palacio Rucellai (1446-1451), cuyo exterior destaca por la combinación de pilastras y órdenes clásicos (toscano en el inferior, jónico en el segundo piso y corintio en el tercero). Otra obra suya es la iglesia de Santa María Novella (Florencia). Su fachada se inspira en los arcos de triunfo romano.
  • 3. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 3 de 52 1.3. Cinquecento y Manierismo (Siglo XVI) A principios del siglo XVI el arte renacentista alcanza su máxima plenitud. Es la etapa llamada del alto Renacimiento. La capitalidad del arte del siglo XVI pasa de Florencia a Roma y más tarde a Venecia, siendo los Papas (Julio II y León X) los que ejercerán el mecenazgo sobre las artes. Donato BRAMANTE trabajó en Roma. Como buen erudito llegó a escribir dos tratados, uno sobre arquitectura y otro sobre proporciones, que no se han conservado. Cautivado por las ruinas antiguas, opta por una arquitectura donde prima la monumentalidad. Entre sus principales obras destacamos: Templete de San Pietro in Montorio (Roma, 1502-1510). Es un templete de pequeño tamaño (4,5 m. de diámetro), inspirado en los tholoi griegos. De planta circular, períptero, 16 columnas dóricas y cubierto de una cúpula semiesférica, levantada sobre un tambor con nichos. La construcción del edificio fue financiada por los Reyes Católicos y su función era honrar el lugar donde la tradición ubicaba la crucifixión de San Pedro. En su interior, un hueco corresponde al de la cruz del martirio de San Pedro. Basílica de San Pedro del Vaticano (proyecto): el Papa Julio II le encomienda el proyecto de San Pedro del Vaticano, concibiéndolo como una planta de cruz griega, con naves de gran altura y en el centro una gran cúpula inspirada en las de el panteón romano de Agripa y en Santa Mª de las Flores de Brunelleschi. Pero Bramante muere sin llevar a cabo el proyecto. Siguieron con las obras el pintor Rafael y posteriormente Miguel Ángel. MIGUEL ÁNGEL Buonarroti representa el humanista por excelencia que practicó las tres artes mayores. Su obra arquitectónica centra la atención en el juego de los volúmenes y rompe con el equilibrio y la armonía del siglo anterior (tendencia clásica). Trabajó en Florencia y en Roma. Entre sus principales obras destacamos: La escalera de la Biblioteca Laurentiana (Florencia): realizada por encargo del Papa Clemente VII para albergar los manuscritos de Lorenzo el Magnífico. Es la obra más acabada de M. Ángel. Destaca el vestíbulo de la biblioteca, con su maravillosa escalera que ocupa todo el espacio. La plaza del Campidoglio (Roma): Es una plaza en forma de trapecio y rodeada de palacios, en cuyo centro se encontraba la famosa estatua ecuestre de Marco Aurelio. Basílica de San Pedro del Vaticano (Roma, 1546): es el encargo más importante que M. Ángel recibe cuando cuenta ya con más de 71 años de edad. Retoma la idea de Bramante: una iglesia de cruz griega. Sobresale la cúpula, que se levanta sobre un tambor con doble fila de columnas. Tiene doble casquete (interior y exterior); las ventanas están decoradas siguiendo la tradición clásica (alterna frontones y lunetos). La altura de la cúpula desde el suelo hasta la claraboya es de 120 m. Ya hay señales en el Vaticano de un cambio de concepción. Éste va a quedar consumado en lo que al espacio religioso se refiere en pleno Manierismo. El artista manierista maneja temas y formas del Clasicismo pero las ordena, relaciona y complica a su antojo hasta
  • 4. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 4 de 52 encontrar nuevas expresiones de belleza. Así, los elementos arquitectónicos se cargan de tensión, el decorativismo se acentúa y se permiten ciertas libertades plásticas. Un ejemplo fundamental lo podemos encontrar en la Iglesia de Gesú en Roma, obra del arquitecto VIGNOLA (1507-1573). Discípulo de Miguel Ángel, es un teórico (“Sobre los órdenes”) de la arquitectura y autor, entre otras, de Villa Giulia o el Palacio Farnese de Caprarola. Sin embargo su obra de más interés es esta iglesia prototipo de los edificios religiosos de la Contrarreforma. Andrea PALLADIO trabajó en el Véneto. Su monumental arquitectura reivindica el uso de la columna clásica como elemento sustentante y de la escultura ornamental, con la que ornamenta las cornisas. Su obra más admirada es la Villa Capra, una casa de campo conocida como La Rotonda: no cabe una simetría más pura y completa pues el cuerpo central, que es cúbico pero cubierto con cúpula, está rodeado por cuatro pórticos que parecen fachadas de templos romanos. En Vicenza construyó el Teatro Olímpico. 2. ESCULTURA RENACENTISTA EN ITALIA Un arte humanista debe necesariamente desarrollar la escultura: se trata del formato que mejor se acoge a la reproducción del cuerpo humano. Escultura quiere decir volumen, realidad; quiere decir también que, a diferencia de la estética medieval, no se considera la belleza como fuente de pecado. Como en la antigüedad, un cuerpo hermoso representa un alma hermosa, es un canto a la creación de Dios lo que no hace incompatible humanismo y religión. 2.1. Características generales La escultura italiana fue evolucionando paulatinamente, inspirándose siempre en los modelos clásicos. En el siglo XV, Florencia es también la cuna de la escultura renacentista. Los materiales más utilizados son el mármol y el bronce. Entre los principales logros de la escultura renacentista cabe citar el desarrollo del relieve y, en la escultura de bulto redondo, la estatua ecuestre y el retrato. La escultura renacentista se caracteriza por la proporcionalidad, retomando el canon de 9 cabezas de época clásica, así como el contrapposto y las piernas abiertas. 2.2. El Quattrocento (Siglo XV) Las primeras manifestaciones de la escultura renacentista vienen de la mano de dos grandes artistas florentinos: Ghiberti y Donatello. En la segunda mitad del siglo XV nos encontramos a los seguidores de Donatello como Della Robbia o A. Duccio, o bien al maestro A. Verrochio. Fue Alberti quien en 1453 formuló las características de la perspectiva artificialis de los artistas, valiéndose de la geometría de Euclides: un punto central de convergencia y, como consecuencia, los objetos disminuyen progresivamente. En escultura, en el relieve, el efecto de la distancia y de la captación del espacio se consigue acudiendo al aplastamiento del resalto: la gradual degradación del saliente. Muchas
  • 5. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 5 de 52 veces en lugar de un punto de vista hay dos o más, como ya utilizaron los romanos. Lorenzo GHIBERTI será el gran maestro y con él se alcanza el esplendor del relieve pictórico: el rebajamiento se va haciendo de forma continua y así si las figuras de primer plano casi son de bulto redondo, las del fondo se convierten en meras incisiones de árboles o arquitecturas clásicas. En 1425 se le encargaron las puertas de bronce para el baptisterio de Florencia, en las que trabajó hasta 1452 y que se conocen como “Las puertas del Paraíso”. En ellas, Ghiberti, reduce el número de escenas aumentando su tamaño y adopta la forma cuadrada, muy apropiada para conseguir un efecto pictórico. Para conseguir este resultado, el modelado decrece hacia el fondo de las escenas y allí, se colocan árboles o arquitecturas clásicas como pantalla. DONATELLO es el principal escultor del Quattrocento italiano. Amigo de Brunelleschi y habiendo estudiado en el taller de Ghiberti, conoce bien todos los caminos recorridos hasta entonces e intuye que el nuevo espíritu consiste en tomar al hombre como razón de ser del Universo. Su obra combina la serenidad y el equilibrio con la expresividad. Donatello poseía un gran dominio de los diferentes materiales (piedra, mármol, bronce, madera), así como de la técnica (bulto redondo y del relieve). De igual modo, trabajó en los más variados géneros (retratos, cantorías, altorrelieves…). Una de sus primeras obras será el San Jorge (1415-1417), que aparece en pie y armado. Representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la “terribilitá” miguelangelesca. En El David (1435-1445), Donatello, ofrece un tipo praxitélico, siendo el primer desnudo en bulto redondo del Renacimiento. Es una figura serena y equilibrada gracias al contrapposto (sobre la pierna de apoyo, se encuentra alzada la cadera y caído el hombro, mientras que las articulaciones del lado de la pierna libre, se mueven en sentido contrario). Se trata de un adolescente que acaba de vencer sin mucho esfuerzo al gigante Goliat. En Padua, levanta la estatua del Condottiero Gattamelata (1447-1452), que es un verdadero análisis psicológico del guerrero, inspirándose en la estatua romana de Marco Aurelio. Andrea VERROCCHIO, discípulo de Donatello, fue todo un maestro del trabajo en metal. Su obra se caracteriza por su gran expresividad a través de las acciones y gestos de los personajes. En el condottiero Colleoni, retrato ecuestre realizado en bronce, muestra la influencia de la estatuaria romana (retrato ecuestre de Marco Aurelio) y recuerda a un caballero triunfador dispuesto a presentar batalla. 2.3. Escultura del Cinquecento: Miguel Ángel La escultura del Cinquecento trata de buscar la grandiosidad y monumentalidad de las obras. Ello es consecuencia de una ferviente actividad arqueológica que pone al descubierto gran cantidad de obras antiguas que van a tener una profunda influencia sobre temas como el desnudo, las representaciones heroicas, mitológicas, retratos… MIGUEL ÁNGEL Buonarroti es el más grande escultor del siglo XVI. Trabajó en Florencia y en Roma, al servicio de la familia Medicis. Su maestría con los distintos materiales (mármol y bronce), lo situaron al frente de la escultura del Cinquecento.
  • 6. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 6 de 52 En sus inicios (etapa florentina) puede apreciarse la influencia de la obra de Donatello, quien le marcó profundamente, sobre todo por el interés que este ponía en la anatomía de sus composiciones. Obra suya es La Piedad (1499) de la Basílica de San Pedro del Vaticano. Se trata de una escultura de bulto redondo, realizada en mármol, que trata de representar a la Virgen como madre de Dios, eternamente joven y bella. La figura lejos de manifestar la doliente madre, refleja el concepto de belleza suprema. Se trata de una composición piramidal, que muestra a Jesucristo muerto, yaciendo sin sufrimiento alguno encima de las rodillas de la Virgen. Pronto se intensificó la monumentalidad y la tensión interna expresada en sus figuras, como ocurre con su David (1504), esculpido para la plaza de la Signoría de Florencia. David está estudiando a su rival en un momento de máxima concentración y energía, preparando fuerzas para el asalto. No representa la acción, sino la tensión contenida, por eso la figura es musculosa. Miguel Ángel rompe con el Quattrocento al colocar dos miembros del mismo lado en movimiento y agranda otras partes del cuerpo (agigantamiento) de manos, pies, dedos… Otras obras de Miguel Ángel son: El Moisés (1513-1516), que constituye una de las seis estatuas que en un principio formaban parte del monumento funerario del Papa Julio II, y es el máximo exponente de la fuerza expresiva (terribilitá) del artista. Los sepulcros de los Medicis en la capilla de San Lorenzo (1521-1534). Sólo se llegaron a realizar los de Julián y Lorenzo de Medicis. Ambas figuras, están sentadas pero concebidas con un espíritu diferente: Julián, como un general romano; Lorenzo, que apoya la cabeza en la mano, como un pensador. A los pies del primero, están las figuras del Día y la Noche; a los del segundo, la Aurora y el Crepúsculo. De su etapa final, la más dramática y cargada de pesimismo, destaca la Piedad Rondanini, una escultura apenas esbozada, que denota la más amarga de las expresiones. 3. PINTURA DEL RENACIMIENTO Desde el Renacimiento, la pintura va a cobrar una especie de primacía que hasta entonces no tenía pero que le permitirá llegar hasta nosotros como el arte rey. La implantación (aunque no generalizada) del cuadro al óleo y sobre tela tendrá mucho que ver en esto al igual que el talento de los artistas que comentaremos a continuación y en los que encontraremos un estilo personal, una investigación propia. 3.1. Características generales La pintura italiana de los siglos XV y XVI no es ni unitaria ni homogénea; se caracteriza por la variedad, como consecuencia de la individualidad de los artistas y de la multiplicidad de escuelas. Tiene, sin embargo, numerosas características comunes. Las más significativas son las siguientes:
  • 7. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 7 de 52 En general, la temática de la pintura es variada. Abundan las pinturas religiosas, la pintura mitológica, los retratos y los temas históricos. Emplean una gran variedad de técnicas. Además de la técnica al fresco1, sobre muro, también se emplea la técnica del temple2 sobre tabla y el óleo3 sobre tabla. Es una pintura realista, que pretende la captación de la realidad. Pero no aspira a ser una mera copia de la realidad sino a sublimarla mediante la racionalización y la idealización. Valoran la expresión, intentando reflejar los estados de ánimo (tristeza, indignación, ternura…), el temperamento (emotivo, indeciso, melancólico…) y los valores (magnanimidad, prudencia…). Concepción unitaria. La obra constituye una unidad indivisible, que se intenta conseguir mediante la armonía y el equilibrio de las partes. El artista no detiene al espectador en los detalles, al contrario le obliga a abarcar simultáneamente la totalidad de la obra. Por eso conjuga composición, luz, espacio, marco arquitectónico, volumen, etc., en un fin común. La perspectiva lineal fue una de las grandes aportaciones del Renacimiento. La entendían como una forma de representar el espacio, regido por leyes rigurosamente geométricas, y captado desde una visión monocular y estática. En la práctica consiste en seleccionar un punto de fuga único, normalmente en el centro del cuadro, cuya altura marca el horizonte de la visión del espectador, y al que confluyen todas las líneas de la composición espacial. Las figuras que aparecen en primer plano son más grandes y disminuyen progresivamente en los planos más profundos. Se crea de este modo la ilusión óptica tridimensional y se da unidad al cuadro. El descubrimiento de la perspectiva se debió a Brunelleschi, quien proporcionó a los pintores los medios para crear un espacio racional. El primero que la formuló por escrito fue Alberti. El Quattrocento fue una época de tanteos e investigación, pero que aún adolecía de imperfecciones. Se suele señalar a Leonardo da Vinci como el creador definitivo de la representación del espacio: en su Tratado de la Pintura sistematiza los logros de sus antecesores, y la perfecciona con dos nuevos elementos, la perspectiva del color, o difuminado de los colores en relación con la distancia, y la perspectiva menguante o pérdida de determinación de las formas en la lejanía. Nuevo tratamiento de la luz. Representan la luz natural, no simbólica, que se distribuye de manera uniforme, crea volumen en las figuras y da sensación de profundidad. El artista que mejor personifica los valores lumínicos fue Piero de la Francesca. 1 FRESCO: pintura que se aplica directamente sobre la pared, utilizando como disolvente de los colores el agua de cal. 2 TEMPLE: pintura que utiliza como aglutinante la clara de huevo mezclada con agua destilada. 3 ÓLEO: técnica pictórica que consiste en mezclar los colores con alguna sustancia oleosa (aceite).
  • 8. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 8 de 52 Interés por el movimiento. Consideran que el movimiento corporal refleja el equilibrio interior, y por ello prefieren que sea majestuoso y equilibrado. Para conseguir soluciones verosímiles estudian y representan escorzos: Andrea Mantegna lleva el escorzo al extremo en obras como Cristo muerto. El estudio compositivo se hace en función de la unidad de la obra. La composición establece el nexo entre todos los elementos creando una sensación de equilibrio y armonía. Los pintores aplican esquemas geométricos, con preferencia triangulares y circulares, en los que inscriben las formas. 3.2. El Quattrocento pictórico Al igual que el resto de las disciplinas, la pintura renacentista italiana se crea en Florencia en el siglo XV, continuando la evolución iniciada por Giotto. Hay diferentes escuelas con características propias, pero es la escuela florentina la de mayor importancia, pues sintetiza las diversas corrientes que forman la pintura italiana de este período: La influencia de la pintura gótica a través de la pintura y la obra de Fra Angélico. La preocupación por el espacio y su dimensión, logrado mediante la utilización de la perspectiva lineal y aérea (Masaccio, Piero de la Francesca). Interés por el contenido, lo narrativo y la temática profana (Botticelli). FRA ANGÉLICO, su obra está dotada de un fuerte componente espiritual. En ella, sobre todo en sus conocidas Anunciaciones, se aprecian elementos de la tradición medieval (fondos dorados, estilización de las figuras, actitud mística de los personajes…), además de un gran sentido narrativo. Fra Angélico presenta personajes de tipos esbeltos, delicados y elegantes, cabezas alargadas, nariz recta, envueltos en vestiduras largas, caídas con sencillez y gracia. Trabajó sobre todo el temple sobre tabla. Entre sus obras destaca La Anunciación, del Museo del Prado. MASACCIO fue un pintor de temas religiosos. Centra su atención en el volumen de las figuras, a las que dota de un tratamiento escultórico. Aplicó una luz homogénea en la representación de los cuerpos y en las indumentarias de sus personajes, lo que unido a la sabia utilización de la perspectiva, dio como resultado obras de gran monumentalidad. Entre sus principales obras destacan: La Trinidad y El tributo a la moneda. PIERO DELLA FRANCESCA logra en sus obras combinar la luz y el color en la construcción del volumen. Destacan los retratos de personajes de la época como los de Federico de Montefeltro y Batista Sforza. Sandro BOTTICELLI es el pintor que abre las puertas del Bajo Renacimiento. Su vida y su obra están íntimamente unidas a la historia de Florencia a finales del XV. Es la época de Lorenzo el Magnífico. Botticelli se convierte en el intérprete de la belleza ideal a través de modelos religiosos que se paganizan. Pintor de una sensibilidad exquisita, no le preocuparon las conquistas técnicas dejándose llevar por la inspiración. Su pintura, se caracteriza por el dibujo de líneas deliciosas y oscilantes. El movimiento que agita todas sus formas, y la tristeza o melancolía, que asoman a los rostros que pinta, dan a su obra una extremada sensibilidad y belleza. Sus paisajes primaverales y la glorificación del cuerpo humano desnudo, culminan los
  • 9. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 9 de 52 temas del Quattrocento. Destacó como pintor de alegorías (representaciones simbólicas de temática mitológica o clásica), como La Primavera o El nacimiento de Venus. 3.3. Pintura del Cinquecento Durante el Cinquecento (siglo XVI) la pintura experimenta nuevas transformaciones. El color y la luz adquieren un nuevo matiz: el primero se maneja libremente en detrimento del dibujo; la luz adquiere mucha importancia, al igual que la sombra, para centrarse en lo fundamental del tema representado. Por último la composición de la pintura es muy sencilla, en ellas se destaca una sola escena principal. Entre los principales representantes de este periodo sobresalen Leonardo da Vinci, que trabajó en Milán, para la familia Sforza. Leonardo fue el introductor de una nueva técnica, el sfumato. En Roma trabajaron Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Al margen de estos tres grandes artistas sobresalen los de la escuela veneciana, cuyos máximos representantes son: Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés. a) Los grandes maestros del Clasicismo: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel LEONARDO da Vinci es una de las figuras paradigmáticas de la historia de la cultura y del arte. Fue pintor, escultor, matemático… Escribió un libro sobre pintura, “Tratado de pintura”, que recoge recomendaciones, consejos e instrucciones técnicas. Nacido en Toscana, su actividad transcurre fundamentalmente en Milán y Florencia. Defensor de la excelencia del arte pictórico sobre las demás artes, para él la pintura es ante todo una actividad intelectual. La misión del artista será alcanzar la belleza y recrear la naturaleza de forma paralela. Esa belleza se manifiesta en el sfumato4. Entre sus obras más famosas destacamos: La Virgen de las Rocas. Tabla, transferido a lienzo (1841). Es una obra que nos habla de la belleza ideal concebida en la Virgen como madre de Dios que acompaña a su hijo; del sfumato y de la técnica del claroscuro. El tema es San Juan Bautista niño, adorando a Jesús, en presencia de un ángel y de María. La última cena. Fresco, situado en el convento de Sta. Mª de las Gracias (Milán). Recoge el momento en el que Jesús comunica a sus discípulos que alguno de ellos le va a entregar o a traicionar. Hay en los apóstoles tensión psicológica, estupor, incredulidad… Memorable el tratamiento de la luz, la composición, el juego de miradas y la incredulidad de los discípulos. Todo un compendio de pintura y misterio. La Gioconda. Retrato a medio camino entre la idealización y el realismo. Se trata de una figura de difícil identificación. Presenta un sfumato de gran refinamiento, que le da un cierto sentido de misterio, con su enigmática sonrisa y mirada, que atraen la atención del espectador. Los cuadros de RAFAEL Sanzio se caracterizan por la ausencia de tensión y dramatismo y por un gran equilibrio, amabilidad y serenidad, además de la consecución de 4 Sfumato: técnica que consiste en mezclar progresivamente las tonalidades sin un transición perceptible en la que no se definen los contornos.
  • 10. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 10 de 52 una belleza idealizada y una estudiada composición simétrica desarrollada sobre amplios espacios de arquitectura clásica. Dentro de su producción, son de destacar los trabajos que le encargó el Papa Julio II, para decorar las Estancias Vaticanas. Entre sus principales obras destacamos: Los desposorios de la Virgen. Gran profundidad de la perspectiva, cerrada por un templo al fondo. Escalonamiento de tamaños de las figuras. La madonna del Gran Duque. Influencia de Leonardo en la gradación suave de las luces, en la ligera torsión de los cuerpos y en la expresión melancólica de la Virgen. La escuela de Atenas. La escena representa la escuela de la filosofía griega. Los dos personajes centrales representan a Platón y Aristóteles. Algunos de los personajes se identifican con artistas del momento, como Bramante, Miguel Ángel, Leonardo… La obra pictórica de MIGUEL ÁNGEL se caracteriza por un perfecto dibujo anatómico, que realza fuertemente el volumen y la expresividad compositiva de los escorzos. Su genialidad creativa queda demostrada a partir de 1508, cuando realizó los frescos de la Capilla Sixtina del Vaticano. Fue un encargo hecho por el Papa Julio II. El artista dispuso distintas composiciones en una arquitectura fingida. En la parte central representó las escenas del Génesis rodeadas de desnudos de jóvenes, sibilas, profetas y otros personajes bíblicos. Destaca la Creación de Adán, donde el gesto creador de Dios se proyecta a través del contacto eléctrico de los dedos, presentándonos el acto de la creación con una grandeza jamás igualada. En la cabecera de la misma capilla el artista dispuso la escena del Juicio Universal como un torbellino de cuerpos entrelazados que se mueven dinámicamente alrededor de la figura autoritaria de Cristo juez. b) La Escuela Veneciana: Tiziano Venecia fue el único centro artístico capaz de rivalizar con Roma. En el siglo XV se sentaron las bases de la escuela veneciana, caracterizada por el predominio del color en detrimento del dibujo y por acompañar a las pinturas con un paisaje de fondo que ilumina las escenas. Entre alguno de sus miembros más ilustres, destacan pintores de la talla de Giorgione, Tiziano, Tintoreto y Veronés. Pintor cortesano de fama internacional. Desarrolló tanto la temática pagana como la religiosa. Con respecto a la primera destaca la gran sensualidad de sus desnudos, perfectamente recreados en sus famosas alegorías: La bacanal, Venus de Urbino… Sus retratos cortesanos, considerados entre los mejores del estilo renacentista, destacan por su elegancia compositiva y denotan un gran estudio del personaje representado: Carlos V en Mülberg.
  • 11. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 11 de 52 EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA La introducción de las formas renacentistas en España coincide con el momento en que se inicia la unidad política y la creciente influencia española en Europa. El Descubrimiento de América y la conquista de Granada en 1492 coinciden con el inicio de algunas obras renacentistas. El auge del gótico final y la tradición mudéjar suponen, no obstante, un freno a la plena aceptación de los sistemas renacentistas italianos, que llegan a España con bastante retraso. Las relaciones con Italia se hacen más directas gracias a la política de Fernando el católico y luego del emperador Carlos V por lo que la moda italiana llega sobre todo a los repertorios decorativos y al los exteriores. 1. ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL El primer tercio del siglo XVI lo llena el estilo plateresco, el purismo o clasicismo se desarrolla en los años centrales del siglo y el estilo herreriano se extiende desde 1660 hasta finales del siglo. a) El plateresco El plateresco es un término derivado de la semejanza existente entre la decoración de este período con la labor de los orfebres y plateros. Es por lo tanto, una modalidad ornamental, que enlaza con el gusto por la riqueza y la suntuosidad decorativa dominante en los edificios mudéjares y del gótico de los Reyes Católicos. Básicamente, lo plateresco es un uso incontenible de los elementos decorativos: columnas abalaustradas con capiteles corintios, pilastras recubiertas de rica decoración de grutescos (figuras humanas entrelazadas con animales y tallos formando figuras fantásticas), medallones, escudos. Las bóvedas son aún de crucería, pero decoradas con elementos nuevos, también se usan bóvedas de medio cañón con casetones, se rematan los edificios con cresterías y balaustradas, muy del gusto italiano. En los primeros momentos destaca el Colegio de la Santa Cruz de Valladolid que incorpora el almohadillado de origen italiano y que también se utilizará en el Palacio de Cogolludo (Guadalajara). En Toledo destaca el Hospital de la Santa Cruz con una fachada ricamente decorada, un patio con escalera monumental y sillares almohadillados. En Burgos, Diego de Siloé realiza la Escalera Dorada de la catedral, inspirada en Bramante pero recubierta de una riquísima decoración menuda. El núcleo más destacado del plateresco es la ciudad de Salamanca con numerosos edificios gótico-platerescos o plenamente platerescos. La fachada de la Universidad de Salamanca, anónimo, es el más típico ejemplo de este estilo. Se trata de una fachada- estandarte cubierta con una fina decoración. Es un gran rectángulo dividido en cinco calles verticales y tres pisos horizontales. La decoración llena toda superficie: medallones, escudos, divinidades paganas, pilastras decoradas con vegetación, todo rematado con una crestería calada. Juan de Álava es autor de la Iglesia de San Esteban, de una sola nave (todavía gótica) y cuya fachada es otro magnífico ejemplar de retablo en piedra bajo un gran arco de medio
  • 12. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 12 de 52 punto con casetones. Este autor también participa en la fachada plateresca de la Catedral de Plasencia (Cáceres). El arquitecto más notable del plateresco salmantino es Rodrigo Gil de Hontañón autor del Palacio de Monterrey. b) Purismo o clasicismo La evolución general del plateresco lleva a simplificar la excesiva carga decorativa y a atender a los problemas puramente arquitectónicos. Las cúpulas ovaladas o vaídas y las bóvedas de cañón con casetones van a sustituir a las góticas de crucería. El arco es ya casi exclusivamente de medio punto y el efecto general de los edificios es de severa monumentalidad y equilibrio frente al aspecto recargado del plateresco. Rodrigo Gil de Hontañón es el autor de la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares. La fachada se divide armoniosamente en tres pisos y tres calles rematadas con un frontón triangular y una balaustrada clásica. La decoración recuerda al plateresco, pero se concentra en determinados lugares sin llenar toda la superficie. Diego de Siloé se hace cargo de las obras de la Catedral de Granada, planeada en gótico, pero que Siloé transforma en una muestra ejemplar del arte renacentista español y sirve de modelo para las catedrales de Jaén y Málaga. Pedro Machuca construyó en Granada, junto a la Alhambra, el Palacio de Carlos V. En su planta se dan cita la forma cuadrada exterior y el círculo del patio, inspirándose en las formas de Bramante. La decoración es muy simple: se utiliza el almohadillado en la fachada y se superponen los órdenes dórico y jónico en los pisos del patio. Es el más clasicista de los edificios renacentistas españoles. c) Estilo herreriano La arquitectura herreriana está ligada cronológicamente al reinado de Felipe II, y estilísticamente a la personalidad de Juan de Herrera. Se caracteriza por: La simplicidad geométrica, que se manifiesta en los volúmenes cúbicos, en la regularidad y monumentalidad de las formas, en la sencillez arquitectónica, en las ventanas adinteladas seriadas, las cubiertas de pizarra con buhardillas, los chapiteles en las torres... La sobriedad decorativa es absoluta con los paramentos lisos y los vanos enmarcados por molduras planas. Únicamente hay columnas de orden gigante y frontones en las fachadas, bolas y pirámides sobre las cornisas y algunas estatuas. El edificio arquetípico es el monasterio de San Lorenzo de El Escorial (1563-1583), mandado construir por Felipe II para que sirviera de panteón y residencia reales, además de templo, monasterio y centro de estudios (biblioteca). Conmemora el triunfo de las tropas españolas en San Quintín, el día de san Lorenzo, por lo que su forma recuerda una parrilla, el atributo del santo.
  • 13. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 13 de 52 2. LA ESCULTURA RENACENTISTA HISPANA 2.1. Características generales Los escritores sacros del siglo XVI comparan al imaginero trabajando en su taller con el predicador subido al púlpito. El artista católico, a guisa del orador, debe persuadir al pueblo con sus tallas policromadas y llevarlo, por medio de ellas, a abrazar las cosas convenientes a la religión. El imaginero, por tanto, debía dar mayor importancia en sus obras a la belleza del alma sobre la corporal, labrando figuras de profunda espiritualidad. La escultura renacentista española presenta las siguientes características: predominio total y absoluto de lo religioso y rechazo de lo profano y pagano. Gusto por lo expresivo, directo y realista. Supervivencia del material tradicional de la escultura gótica, la madera policromada (frente al mármol y el bronce de Italia). De madera se construyeron enormes retablos tan característicos del arte español. En piedra se realizan casi todos los monumentos funerarios y la escultura decorativa y monumental unida a la arquitectura. Dos maestros educados en Italia —el castellano Berruguete y el borgoñón Juni— van a conducir la escultura española del siglo XVI por la senda del expresivismo. Pertenecen a generaciones distintas y el canon de belleza que utilizan es también diferente. 2.2. Alonso Berruguete Berruguete (1490-1561), hijo del pintor Pedro Berruguete, se educó en Italia donde conoció personalmente a Miguel Angel. Allí se interesó además por los artistas del Quatrocento y creó un estilo personal apasionado, expresivo y a veces incorrecto, en el que se pueden encontrar elementos manieristas en su gusto por lo inestable, lo descoyuntado de las figuras y un canon de proporciones alargadas. Aunque viaja bastante, se instala en Valladolid y crea allí un gran taller con numerosos discípulos. Sus obras maestras son el retablo de San Benito de Valladolid, en el que figura la estatua de San Sebastián que muestra claramente la influencia renacentista italiana en estudio del desnudo. Simultáneamente, labra el del Colegio de los Irlandeses, de Salamanca. La sillería del Coro de la Catedral de Toledo es la culminación de su obra en los tableros de nogal, en su color con figuras de santos y profetas en actitudes variadísimas. También labró obras en mármol y alabastro como el sepulcro del Cardenal Tavera en Toledo. En 1561, tras concluir este monumento funerario, fallecía en la Ciudad Imperial. Entonces, los miembros de su taller se disgregan por Castilla y Andalucía. Tiempo atrás, Berruguete ya había ungido a su sucesor, proclamando abiertamente ante la cerrada sociedad vallisoletana: «No ha venido a Castilla otro mejor oficial extranjero del dicho oficio que Juan de Juni». 2.3. Juan de Juni Juan de Juni (1507–1577), nacido en Borgoña, y educado en Italia, se caracteriza, frente a la incorrección de Berruguete, por el afán de perfección, la lentitud de su trabajo, que refleja las formas anchas, amplias y musculosas, de tono miguelangelesco. De Borgoña, su región natal, capta el dinamismo de los paños con que los escultores locales envuelven sus
  • 14. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 14 de 52 pesadas figuras y toma en préstamo la composición iconográfica que le hizo célebre: el Entierro de Cristo en distintas versiones. Ya en España desde 1533, deambula por varias ciudades castellanas y, en 1541 se traslada con carácter definitivo a Valladolid. El motivo de su establecimiento en la ciudad del Pisuerga es realizar el Entierro de Cristo en el monasterio de San Francisco, obra de un dramatismo solemne con figuras corpulentas de gestos teatrales. Las aportaciones de Juni se extienden al campo del retablo. En 1545 contrata el retablo de la parroquia de la Antigua, con un manierismo muy personal. La Virgen de los Cuchillos, interpretación de la Dolorosa, realista en la expresión del dolor, que se convertirá en el prototipo de las vírgenes procesionales castellanas del Barroco. El Entierro de Cristo, de la Catedral de Segovia, compuesto con un equilibrio, flanqueado por unas figuras de guerreros oprimidos por columnas corintias. 3. LA PINTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XVI 3.1. Características generales La pintura española del Renacimiento, como la escultura, se caracteriza ante todo por la escasez del tema profano y su exclusiva dedicación a los temas religiosos. Los artistas españoles, sin otra clientela que la Iglesia obsesionada por la moralidad y el decoro, tarda en incorporarse al renacimiento. El primer tercio del siglo XVI asimila tímidamente los modos italianos. En el segundo tercio la influencia italiana se difunde abiertamente. En la segunda mitad la influencia de los grandes maestros italianos del Renacimiento, junto con los manieristas, son la base artística de los pintores españoles de esa época. La influencia de la escuela veneciana se aprecia especialmente en el Greco. 3.1. El Greco Domenikos Theotokópoulos, «el Greco» (1541-1641), es la figura capital de la pintura española del siglo XVI. Forma parte del reducido censo de artistas que continúa presente en la estimación de los críticos y en el recuerdo popular. Esta fama perdurable se debe a la arrogancia con que defendió sus pinturas y al inconfundible sello de su estilo, donde el manierismo del alargamiento alcanza la plenitud. Su primera formación la recibe en la isla de Creta, y lógicamente era bizantina derivada de los iconos de los talleres griegos. Su paso por Venecia es determinante para su técnica, suelta y libre, su colorido de gamas frías. En su paso por Roma recoge el tratamiento del desnudo y un sentido de la composición alargada y serpenteante, deformando los cuerpos, que procede del mundo manierista. En torno a 1576 debió de trasladarse a España con la intención de servir a Felipe II en la decoración del monasterio del Escorial. Mientras tanto, el Greco se instala en Toledo donde el Cabildo de la Catedral le encarga, en 1577, El Expolio de Cristo. Será su «ópera prima» en la ciudad castellana y constituye por el uso del color y del dibujo una ruptura con la escuela pictórica española. Pero, aún siendo el lienzo un puro estallido cromático, la vista se siente atraída por el rojo de la túnica de Jesús y su reflejo proyectado en la coraza de Longinos. En el
  • 15. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 15 de 52 ángulo inferior derecho un verdugo prepara la cruz en un escorzo forzado. En el otro ángulo, las tres mujeres contemplan la faena. El fondo del cuadro lo llenan las figuras de los sayones desapareciendo el paisaje. Por fin, Felipe II le había propuesto un trabajo: la pintura de San Mauricio y la legión tebana para el altar del santo en la basílica escurialense. El Greco se esmeró, sabedor de que su porvenir dependía del aprovechamiento de esta oportunidad; tardó dos años en realizar el cuadro pero la obra desagradó al rey. El pintor se había equivocado. En vez de potenciar la decapitación de San Mauricio y sus compañeros a manos de los romanos, concentra toda la atención en el instante previo al martirio: la discusión tras la que estos legionarios cristianos deciden no adorar a los ídolos paganos para preservar su fe. Y este debate no provocaba ninguna devoción al fiel que se acercaba a rezar ante el lienzo, por muy ingeniosa que fuera la composición, muy elegante la postura de los soldados y brillante el colorido. El Greco había violado la regla de oro de la estética contrarreformista. Otorgó primacía al estilo sobre la iconografía, en vez de subordinar el arte a la temática religiosa. Rechazado por el círculo cortesano, el Greco fija en 1582 su domicilio definitivo en Toledo. Poco después realizará la obra cumbre de su catálogo y de la pintura española del siglo XVI: El Entierro del Señor de Orgaz. Una piadosa leyenda medieval inspira la temática del cuadro. El primer gran acierto del pintor fue fragmentar horizontalmente el cuadro en dos espacios. En la zona inferior San Agustín y San Esteban inhuman los restos de su benefactor toledano. A su alrededor dispone el cortejo fúnebre que acudió a la misa de réquiem, donde retrata a sus amigos intelectuales y a la nobleza local; y aquí reside el segundo acierto del artista: abordar el argumento de la obra como si se tratara de un tema actual con personajes contemporáneos. La moda en la indumentaria de los testigos la traslada también a la armadura milanesa con que se amortaja al protagonista del duelo. En el nivel superior, dos ángeles ascienden el alma del señor de Orgaz, que es recibido en la gloria por la Deesis bizantina: Cristo, la Virgen y San Juan Bautista. Esta pieza maestra consolidó el prestigio del Greco en Toledo e inaugura una nueva etapa en su estilo. En el terreno privado continúa estable su relación sentimental con doña Jerónima de la Cueva, a quien retrató en la Dama del armiño y con la que tuvo a su único hijo, Jorge Manuel, que será su mejor discípulo. La situación financiera que atravesará períodos de alza con otros de endeudamiento, es en este instante boyante. Vive rodeado de lujo en una casa palacio y su cotización sigue en aumento. Personajes de todo tipo desfilan por su inigualable galería de retratos, como el Caballero de la mano en el pecho. En estos personajes y en las Vistas de Toledo, el Greco toma su particular pulso a la sociedad y a la topografía de su ciudad adoptiva. El Laocoonte y sus hijos es el único asunto mitológico que trata el Greco. A los 73 años, fallece el Greco entre la admiración de muchos, la crítica de unos pocos y la indiferencia de nadie.
  • 16. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 16 de 52 PREGUNTAS PAEG: Características generales de la arquitectura renacentista italiana. Evolución de la arquitectura renacentista italiana: Brunelleschi, Alberti, Bramante y Palladio. La escultura renacentista: Donatello y Miguel Ángel. Características generales de la pintura renacentista italiana. Evolución de la pintura renacentista italiana. Siglo XV: Masaccio, Fra Angélico, Piero della Francesca y Botticelli. Evolución de la pintura renacentista italiana. Siglo XVI: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. La escuela veneciana. El Renacimiento en España. Arquitectura. El Renacimiento en España. Escultura. Pintura: El Greco.
  • 17. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 17 de 52 DIAPOSITIVAS PAEG ARTE RENACIMIENTO 1. CÚPULA DE SANTA Mª DE LAS FLORES (BRUNELLESCHI, 1418-1420) Se trata de un edificio gótico que hay que terminar cubriendo un crucero de 42 metros de diámetro, lo que suponía un reto ya que no podían utilizarse cimbras de ese tamaño. En 1418, se falló el concurso a favor de Brunelleschi que construye una gran cúpula que supone una revolución técnica. La cúpula se construye por medio de dos casquetes, separados por un espacio hueco, con anillos concéntricos que se autosostienen al levantar la construcción, y utilizando materiales ligeros como el ladrillo. El resultado al exterior es una gran cúpula sostenida sobre un tambor octogonal, con óculo y decorado con mármol de color. La cúpula dividida por ocho paños separados por nervios, y cubiertos con teja roja, que complementa el valor cromático del edificio (rojo, verde y blanco). Como remate, en 1436, Brunelleschi construye la linterna por medio de otro concurso, con forma circular, en consonancia cromática y que permite la iluminación al interior. Una coronación a una obra grandiosa que pretendía “dar sombra a toda la Toscana”, No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Cúpula de Santa María de las Flores de Florencia), Autor (Filippo Brunelleschi), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores cimborrios medievales, con las posteriores y el modelo de Miguel Ángel para San Pedro del Vaticano), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 2. IGLESIA DE SAN LORENZO (BRUNELLESCHI, 1440-1445) Iglesia encargada por 8 familias florentinas que deseaban una capilla para cada una de ellas. Una de estas familias eran los Médicis, que por medio de Cosme y una cantidad importante de dinero, consiguen que la iglesia quede sólo para su familia. Es un edificio de planta de cruz latina con un efecto visual de centralización por la luz que entra de la cúpula. Además de un juego geométrico de proporciones por cuadrículas de las naves, el crucero y las capillas. Interior: Se recuperan todos los elementos clásicos: naves separadas por columnas y arcos de medio punto, uso de plinto, basa, capitel corintio y entablamento sobre el arco. La cubierta es plana en la nave central con casetones y vaídas en las laterales. La luz contribuye a la unidad y el bicromatismo al armonioso y elegante resultado.
  • 18. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 18 de 52 No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Interior de la iglesia San Lorenzo de Florencia), Autor (Filippo Brunelleschi), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores iglesias medievales y con las basílicas paleocristianas derivadas de las basílicas civiles romanas), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 3. PALACIO RUCELLAI (ALBERTI, 1446-1451) Primer encargo arquitectónico que recibió Alberti. Es un palacio encargado por Giovanni Rucellai, comerciante, que se inserta totalmente en el urbanismo. Proyecta un edificio de tres pisos, en la fachada usa un almohadillado muy plano que aun así remarca luces y sombras geométricas. Para diferenciar los pisos, usa una superposición de órdenes como en el Coliseo, en el inferior pilastras adosadas de orden toscano, en el segundo orden jónico y el tercero corintio (muy modificados). Separados por un entablamento clásico y rematado por cornisa. Las ventanas son las típicas albertinas, divididas en dos, rematadas con arco de medio punto con óculo, y englobadas en otro mayor. Concebido como un rectángulo de proporciones clásicas, posteriormente su dueño lo amplió intentando igualarlo al de los Médicis y rompiendo la concepción original. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Palacio Rucellai), Autor (Leon Battista Alberti), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con los palacios góticos italianos y con otros renacentistas, como el Pitti de Brunelleschi y el Médici-Ricardi de Michelozzo), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 4. SAN PIETRO IN MONTORIO (BRAMANTE, 1502-1510) Pequeña obra encargada por los Reyes Católicos a Bramante, para señalar y conmemorar el lugar donde según la tradición fue crucificado San Pedro. El templete se sitúa en el interior del claustro de un monasterio franciscano en la colina del Gianicolo de Roma y actualmente acoge la Real Academia de España en Roma. Su planta es centralizada y su forma circular. Todos los espacios se disponen en círculos concéntricos (escalinata, pórtico, muro, cúpula…). En el proyecto original estaba rodeado por un claustro circular que no llegó a construirse. El edificio es períptero, con pórtico de columnas dóricas y coronado por una balaustrada. Coronado por una cúpula sobre tambor y linterna.
  • 19. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 19 de 52 El edificio fue muy admirado en su época, mostrando Bramante una gran madurez en el uso del lenguaje arquitectónico renacentista, y que le sirvió de prueba para su posterior proyecto para San Pedro. La obra no es funcional, simplemente es conmemorativo con una importante riqueza simbólica: el círculo símbolo de la perfección. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Templete de San Pietro in Montorio), Autor (Donato Bramante), Situación (Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura clásica grecorromana), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 5. CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (MIGUEL ÁNGEL, 1546) La necesidad de renovar la cristiandad fue entendida por el papado como una renovación arquitectónica que afectaba a San Pedro. El papa Julio II encarga el proyecto a Bramante que diseña una planta de cruz griega. Tras su muerte en 1514, asume las obras Rafael y posteriormente Sangallo el joven, pero sus inesperadas muertes no les permitieron llevar a cabo sus proyectos. El papa Paulo III pone a Miguel Ángel al frente de las obras, que retoma el proyecto inicial de Bramante. Sobre una planta de cruz griega, eleva una cúpula de 131 metros de altura sobre un diámetro de 42 metros. La cúpula se sostiene sobre 4 pilares, entre los que se encuentra 4 ábsides y 4 cúpulas adyacentes. Sobre un tambor circular, con columnas de orden gigante pareadas y ventanas, se levanta la cúpula, rematada con linterna. En la cúpula, Miguel Ángel expresa toda su fuerza, gracias al juego de masas, rupturas y alternancia de elementos, convirtiéndola en un símbolo universal, que corona la tumba de San Pedro y en cuyo cinto interior con grandes letras se puede leer la inscripción: “Tú eres Pedro, y sobre esta Piedra edificaré mi Iglesia, y te daré las llaves del Reino de los Cielos”. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Cúpula de San Pedro del Vaticano), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Ciudad del Vaticano, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con los anteriores cimborrios medievales, con la anterior renacentista de Brunelleschi y mencionar que será el modelo de todas las posteriores), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 6. FACHADA DE UNIVERSIDAD DE SALAMANCA (Primer tercio s. XVI) La universidad más antigua de España se presenta con esta fachada, principal símbolo del plateresco, y última construcción del edificio, que se comienza en tiempos de los RR.CC. y finaliza con Carlos V.
  • 20. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 20 de 52 Es construida en perspectiva para ser vista desde la calle. Formada por tres pisos separados por frisos y rematado por una crestería. Toda la fachada está llena de personajes, objetos o animales quiméricos junto a elementos vegetales, lo que se conoce como grutescos, propio del plateresco. Esta decoración profusa aumenta en dirección ascendente, hasta el piso superior mucho más recargado. Destaca en la calle central del piso inferior, el medallón de los RR.CC. con la inscripción “La Universidad a los Reyes, y éstos a la Universidad”, mostrando a la monarquía protectora de la Universidad. En el segundo piso, el escudo de Carlos V acompañado de escudos con el águila bicéfala imperial y el de San Juan. El piso superior destaca por su mayor decoración. De entre todas las figuras, destacar la rana sobre una calavera, tal vez firma del cantero o símbolo de la lujuria que conduce a la muerte, y que se ha convertido en una atracción turística por sí misma. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Plateresco en España), Título/Obra (Fachada de la Universidad de Salamanca), Autor (anónimo), Situación (Salamanca, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del gótico isabelino del siglo XV y la del purismo del siglo XVI, entre las que se encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior). 7. FACAHADA PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA (PEDRO MACHUCA, 1527) Carlos V mandó construir en La Alhambra de Granada un palacio que sería símbolo de su imperio como centro del poder universal. Su diseño supone una gran novedad en la arquitectura palaciega española, destacando su equilibrio y sobriedad. En planta es cuadrado con un patio circular en el interior, espacio porticado de 30 metros, dividido en dos niveles, toscano y jónico, separados por un entablamento de triglifos y metopas. La fachada repite la ordenación interior. Es cuadrada, dividida en dos pisos, con orden toscano y dórico, y separadas por un entablamento. A los lados, en el piso inferior aparece un tosco almohadillado que imprime al edificio pesadez, y en el centro, escudos y motivos alegóricos en torno al rey que es comparado con Hércules. Desde 1958, el edificio acoge el Museo de Bellas Artes de Granada. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Purismo en España), Título/Obra (Palacio de Carlos V en Granada), Autor (Pedro Machuca), Situación
  • 21. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 21 de 52 (Granada, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del plateresco y herreriano en la España del siglo XVI, entre las que se encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior). 8. SAN LORENZO DEL ESCORIAL (TOLEDO Y HERRERA, 1563-1584) Es el proyecto artístico más importante de Felipe II, conmemorando la victoria en San Quintín (10-8-1557), día de San Lorenzo. La idea es de un edificio que sirva como Iglesia, monasterio, palacio del monarca, además de panteón real y una biblioteca donde se reunieran todos los saberes de su tiempo. La construcción y decoración del edificio siempre estuvo supervisada por el rey, y en él trabajaron gran número de personas por lo que el estilo se difundirá por toda España. El proyecto lo inicia Juan Bautista de Toledo, que había trabajado en Roma con Miguel Ángel, pero muere repentinamente en 1567, pasando a dirigir las obras su discípulo Juan de Herrera que simplificó el edificio y definió el estilo herreriano o escurialense. La planta es rectangular sobresaliendo un fondo, quedando forma de parrilla, símbolo del martirio de San Lorenzo. En el interior se abren patios. En el centro se sitúa la iglesia, de cruz griega y gran cúpula, bajo ella está el panteón real. Al exterior es una obra austera y sobria, sin ornamento, destacando el muro de granito, solo roto por sencillas ventanas adinteladas. Su elegancia radica en las seis torres, los tejados de pizarra a dos aguas con buhardillas, y los remates piramidales con bolas. Sólo la fachada principal rompe la austeridad con un pórtico de dos cuerpos y la figura de San Lorenzo cobijada en un nicho. Al construirse el Escorial, España es la primera potencia del mundo y Felipe II el mayor defensor de la Contrarreforma, por ello el carácter monumental del edificio. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura Herreriana en España), Título/Obra (Monasterio de San Lorenzo de El Escorial), Autor (Juan de Herrera),
  • 22. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 22 de 52 Situación (San Lorenzo de El Escorial, Madrid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del estilo purista del siglo XVI y primer barroco en la España del siglo XVII, entre las que se encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades de la España de Felipe II en relación con todo lo anterior). 9. PUERTAS DEL PARAISO (GHIBERTI, 1425-1452) El baptisterio de San Juan de Florencia cuenta con 3 puertas. Las primeras fueron realizadas en 1330 por Andrea Pisano. En 1401, se decide cambiar las viejas de madera y se convoca un concurso para el cual los artistas debían realizar una representación en relieve del sacrificio de Isaac. El concurso lo ganó Ghiberti. Las segundas puertas fueron realizadas en bronce entre 1401 y 1424, constando de 20 paneles lobulados que representan escenas de la vida de Jesús, evangelistas y profetas. Su buen trabajo le sirvió para que le fuesen encomendadas las terceras puertas que realizó entre 1425 y 1452, formadas por 8 escenas cuadradas sobre el Antiguo Testamento. Usando una técnica casi pictórica para los relieves conocida como schiacciato, que con suavidad trata la perspectiva, desde las figuras más cercanas de casi bulto redondo hasta marcas casi imperceptibles de las más alejadas. Con ello consigue una sensación de realidad y espacio, y un perfecto juego de luces de claroscuro. Se tratan de relieves que retoman la técnica clásica y presentan una perfección técnica que las llevó a ser bautizadas por Miguel Ángel como Las Puertas del Paraíso. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia), Autor (Lorenzo Ghiberti), Situación (Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y, sobre todo, con los relieves clásicos, principalmente los históricos del Estilo Pictórico romano), Influencia obra- época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 10. SAN JORGE (DONATELLO, 1415-1417) Escultura de juventud de Donatello, encargada para la iglesia de Or San Michelle en Florencia donde ensaya sus primeras grandes esculturas. Representa al santo en mármol, después de haber matado al dragón, sereno, con la mirada altiva del vencedor, recordando esculturas de la antigüedad. Busca la individualidad de la figura extrayendo caracteres personales como si de un auténtico retrato se tratase. Subido en un pedestal, bajo sus pies hay en relieve una representación de San Jorge sobre el caballo dando muerte al dragón.
  • 23. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 23 de 52 No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento italiano), Título/Obra (San Jorge), Autor (Donatello), Situación (Museo Nacional de Bargello en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica grecorromana, cuyas características recupera, situando además a Donatello cronológica y estilísticamente en el Quattrocento comparándolo también con la obra de Miguel Ángel ya del Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 11. DAVID (DONATELLO, 1435-1445) Segunda versión que sobre David realiza Donatello. Esta vez en bronce y destinada en principio para el patio del Palacio de los Médicis, fue trasladada en 1495 a la Plaza de la Signoria. Se trata de uno de los primeros desnudos de gran tamaño de la época y destinada para un lugar público. La escultura se inspira directamente en la antigüedad. El joven se eleva sobre la cabeza cortada de su enemigo Goliat. Su postura describe una ligera curva y se apoya sobre una gran espada, en reposo, sereno tras la victoria. El joven es un adolescente desnudo, de pelo largo, algo afeminado y tocado con un sombrero de flores como el de los campesinos de la Toscana. El brillo del bronce destaca más las formas casi blandas de su cuerpo. Según el relato bíblico, el gigante filisteo Goliat desafió a los israelitas a que enviaran a uno de los suyos a luchar contra él. El derrotado convertiría a su país en esclavo del otro. David, un joven pastor de Belén, se ofreció para luchar. Lo mató lanzándole una piedra con su honda y cortándole después la cabeza. El tema de David se interpreta como el joven que dirige a su pueblo a la victoria sobre el enemigo. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento italiano), Título/Obra (David), Autor (Donatello), Situación (Museo Nacional de Bargello en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica grecorromana, cuyas características recupera, situando además a Donatello cronológica y estilísticamente en el Quattrocento comparándolo también con la obra de Miguel Ángel ya del Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 12. CONDOTTIERE GATTAMELATA (DONATELLO, 1447-1453) Estatua en bronce para la plaza del Santo en Padova. Inspirada en el ecuestre de Marco Aurelio, es una de las primeras representaciones de este tipo del Renacimiento. Erigida en honor de Erasmo de Narni, dictador en la ciudad de Pádova y mercenario al servicio de distintas repúblicas italianas, representa al guerrero del mundo moderno, que
  • 24. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 24 de 52 sereno avanza triunfante sobre su caballo. Es un auténtico retrato que glorifica al personaje triunfador, portando el bastón de mando, dejando traslucir con el rostro descubierto su propia psicología del hombre que vence no solo por su fuerza sino también por su inteligencia. La obra, sobre un gran pedestal está diseñada para integrase perfectamente en el urbanismo. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Condottiere Gattamelata, Erasmo de Narni), Autor (Donatello), Situación (Piazza del Santo en Padua, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica grecorromana, relacionándolo directamente con el de Marco Aurelio y situando a Donatello en el Quattrocento, comparándolo también con el Condottiero Colleone de Verrochio), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 13. LA PIEDAD DEL VATICANO (MIGUEL ANGEL, 1499) La Piedad representa a la Virgen con su hijo muerto en brazos. Esta obra es realizada por M.A. con tan sólo 23 años y su belleza y perfección, aunando los valores clásicos y renacentistas, lo consagran como uno de los artistas más grandes de la Historia. Encargada por un cardenal, el contrato especificaba, “una Virgen María cubierta de ropaje y con el cuerpo de Cristo muerto en sus brazos”. Las figuras forman una pirámide. La madre, con la mirada baja sostiene en su regazo al hijo que se desploma muerto en sus brazos. La desnudez de Cristo contrasta con lo profundos pliegues del ropaje de María. Contra la tradición, M.A. representa a una María casi niña “eternamente virgen” que con dulzura mira a su hijo, más mayor que ella. Al finalizarla, M.A. se sintió orgulloso del resultado y firmó la obra –única vez que lo haría- cincelando las letras “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat” en la cinta que cruza el pecho de la virgen. La escultura se instaló en la Iglesia de Santa Petronella, lugar de enterramiento del cardenal que la encargó, trasladada posteriormente al Vaticano. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Piedad), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (El Vaticano, Roma, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
  • 25. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 25 de 52 humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 14. DAVID (MIGUEL ANGEL, 1504) Recibido el encargo de tallar un gigantesco bloque de mármol defectuoso abandonado hacía 40 años y demasiado plano, M.A. acomete todo un reto. La estatua colosal de más de 4 metros de altura, representa al David bíblico, como un joven atleta, con la mirada fija esperando divisar al gigante Goliat, y con su arma –la honda- sobre el hombro. A la perfección clásica, M.A. une detalles que imprimen vitalidad y tensión: las grandes dimensiones de la cabeza y manos, las marcas de huesos y venas, el vigor de los músculos y las extremidades, demasiado pegadas al cuerpo por su adaptación al bloque, suscitan esa terribilitá de las obras de M.A. Originalmente iría colocada en la fachada de la Catedral de Florencia, pero su éxito fue tan clamoroso que sería colocada en el centro de la Plaza de la Signoría, donde se convirtió en el símbolo político de la ciudad de Florencia. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento italiano), Título/Obra (David), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Galería de la Academia en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, comparándolo con el David de Donatello y el de Bernini y situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra- época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 15. MOISÉS (MIGUEL ÁNGEL, 1513-1516) Se trata de una de las pocas figuras que talló para el proyecto del mausoleo de Julio II, el encargo que M.A. recibió con más entusiasmo y nunca vio concluir. Representa el momento en el que Moisés, viendo como su pueblo ha traicionado a Dios, enfurece y se dispone a romper las tablas que porta en sus brazos. Es una escultura sedente de más de dos metros, con una tremenda anatomía de grandes piernas y brazos. La postura girada proporciona mayor realismo y emoción. Su fuerza interior se plasma en el rostro enfurecido, su mirada y su barba que definen mejor que ninguno de sus trabajos, esa terribilitá. Representado con los dos cuernos, símbolo de Moisés, se encuentra en la iglesia de San Pedro in Vincoli de Roma, donde M.A. ideó un pequeño mausoleo adosado a la pared para Julio II, mucho menos ambicioso que el inicial del Vaticano.
  • 26. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 26 de 52 No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Moisés), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte y en este caso relacionar a Miguel Ángel con los encargos escultóricos y pictóricos para el papa Julio II). 16. SEPULCRO DE LOS MÉDICIS (MIGUEL ANGEL, 1521-1534) El proyecto alberga las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo (Florencia), encargado por el papa León X de la misma familia. Los dos sepulcros se adosan a la pared y se integran con la arquitectura. Las esculturas superiores representan a los dos hermanos, dentro de un nicho, vestidos de modo clásico y sedentes, novedad para una escultura funeraria. Los cuerpos son atléticos, trabajando a la perfección la musculatura. Los nichos presentan novedades, Lorenzo (con casco) acompañado de las alegorías de la aurora y el crepúsculo, Giuliano flanqueado por las de la noche y el día. Las cuatro alegorías, simbolizando el tiempo infinito, destacan por sus cuerpos rotundos y la torsión que llevan a cabo. Las figuras de los dos difuntos miran hacia una tercera pared donde se sitúa la Madonna de los Médicis, estableciendo así un contacto visual de todo el conjunto. La tumba será toda una novedad en escultura funeraria y muy admirada por los artistas de la época. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Sepulcro de los Médicis), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Sacristía Nueva de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 17. SAN SEBASTIÁN (A. BERRUGUETE, 1527) La escultura forma parte del retablo de San Benito el Real (Valladolid), que actualmente está desmontado e instalado en el Museo de Escultura de la ciudad tras la desamortización. Se trataba de una obra gigantesca con escenas de la infancia de Cristo, la vida de San Benito además de mártires y profetas. San Sebastián pertenecía al ejército romano en tiempos de Diocleciano, al ser descubierto como cristiano, fue condenado a morir aseteado. La escultura de Berruguete realizada en
  • 27. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 27 de 52 madera policromada, se apoya en un árbol, y con la inestable posición del cuerpo, provoca la angustia del posterior martirio, la ejecución a flechazos. Sus viajes a Italia donde estudió a Donatello y Miguel Ángel se reflejan en la tendencia manierista de la figura y su canon alargado. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en España), Título/Obra (San Sebastián), Autor (Alonso de Berruguete), Situación (Museo Nacional de Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad). 18. EL SACRIFICIO DE ISAAC (A. BERRUGUETE, 1527) Perteneciente al retablo de San Benito (Valladolid), esta obra refleja aún más la tendencia manierista del autor. La composición rompe todo orden, la cabeza de Abraham elevada al cielo, la pierna separada sin apoyo, la figura retorcida y asustada de Isaac. El autor busca la inestabilidad que se acentúa con las expresiones descompuestas de dolor. La policromía (por medio de las técnicas de estofado para vestidos y encarnado para la piel) resalta el realismo. La imagen recoge el instante justo en el que Abraham se dispone a cumplir el mandato de Dios degollando a su único hijo, Isaac, justo en el momento que un ángel detiene la muerte. La obra influenciada por el arte italiano y sobre todo Donatello, suponen una innovación en la escultura española. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en España), Título/Obra (Sacrificio de Isaac), Autor (Alonso de Berruguete), Situación (Museo Nacional de Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad). 19. EL ENTIERRO DE CRISTO (JUAN DE JUNI, 1541-1545) Es un grupo escultórico en madera policromada, encargado por Fray Guevara, obispo de Mondoñedo (Lugo), para colocarlo en su capilla funeraria en el desaparecido convento de San Francisco en Valladolid. Actualmente se conserva en el Museo de Escultura de Valladolid.
  • 28. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 28 de 52 El tema iconográfico es muy común en Italia y la Borgoña natal de Juni, acometiendo la obra como una gran escena teatral que se muestra al espectador Son 6 figuras de tamaño natural en torno a Cristo muerto. A la derecha, Nicodemo parece dialogar con María Magdalena, que limpia el cuerpo del difunto. En el centro, María se inclina sobre su hijo muerto, siendo consolada por Juan. Después Salomé sostiene un paño y la corona de espinas que acaba de retirar, y por último, José de Arimatea, que muestra al espectador una espina que se clavaba en la cabeza de Cristo, realizando una relación entre el grupo y el espectador. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en España), Título/Obra (Entierro de Cristo), Autor (Juan de Juni), Situación (Museo Nacional de Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad). 20. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO, 1430-1432) Es la tabla central de un retablo. Las dos figuras se disponen bajo una arquitectura propiamente renacentista, con un rayo de luz, que parte de la mano de Dios y la paloma del espíritu santo dirigiéndose a María. A la izquierda aparece un jardín donde están Adán y Eva, al ser expulsados del paraíso. La trinidad se completa con el busto de Jesús, representado en el medallón central. El tema es de fuerte arraigo en Florencia. Muestra novedades del renacimiento como la perspectiva que da profundidad en el jardín y la habitación abierta de María. En la predela aparecen escenas de la vida de la Virgen. Se trata de una obra que utiliza nuevos recursos de la pintura del renacimiento como la perspectiva, con otros del pasado gótico como los dorados o el tratamiento del tema de la anunciación.
  • 29. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 29 de 52 El cuadro fue pintado para la Iglesia de Santo Domingo (Florencia). Llegó a España como regalo al Duque de Lerma, valido de Felipe III, y actualmente se expone en el Museo del Prado. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (La Anunciación), Autor (Fra Angélico), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Fra Angélico cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 21. LA TRINIDAD (MASACCIO, 1427) Fresco en Santa Mª Novella (Florencia) siendo una de las primeras veces que se hace uso de la perspectiva lineal. La composición se flanquea con dos pilastras y arco con enjutas. En el centro, Dios-padre ofreciendo a su hijo. Jesús crucificado, y entre ellos, la paloma del espíritu santo (completándose la Trinidad). A los lados, San Juan y la Virgen que miran hacia fuera de la escena. Fuera del espacio arquitectónico, dos figuras (donantes) arrodillados, y en la zona baja, un altar con un sarcófago y un esqueleto, símbolo de la muerte inevitable, y la leyenda: FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS. La obra se caracteriza por sus grandes contrastes cromáticos, la unidad de toda la composición y el perfecto uso de la perspectiva lineal. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (La Trinidad), Autor (Masaccio), Situación (Iglesia de Santa María Novella en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, sobre todo con el precedente de Giotto, situando a Masaccio cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 22. CRISTO YACENTE (MANTEGNA, 1480) En esta obra, el pintor de Pádova demuestra un claro ejemplo de las características de sus obras inspirado en Donatello, sus figuras son escultóricas, pétreas. Mantegna sorprendió y escandalizó con este alarde de dominio de la perspectiva y la proyección geométrica. Aplicando leyes matemáticas, Mantegna dibujó un cuerpo según el canon renacentista, perfectamente proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga central que nos muestra un violento escorzo del cadáver de Cristo. La muerte se abalanza sobre el espectador, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies, los pliegues del sudario, el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús, con los labios entreabiertos y la piel amoratada.
  • 30. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 30 de 52 A los lados, la virgen María, San Juan y un tercer rostro anónimo lloran la muerte. Al fondo una vasija de aceites que manifiesta el cercano entierro. Considerada la obra maestra de Mategna se expone en la Pinacoteca de Brera (Milán). No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Mantegna), Situación (Pinacoteca de Brera en Milán, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Mantegna cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 23. EL NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI, 1485) El cuadro trata sobre la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la isla de Citerea donde llegó tras nacer de la espuma del mar, según La Metamorfosis de Ovidio. En la orilla, la primavera, una de las estaciones, la espera para arroparla con un manto. A la izquierda, Céfiro, el viento del Oeste, abrazado a su esposa Flora, diosa de las flores perpetuas soplan el viento que arranca las rosas. La belleza es un don divino, el mito se convierte en expresión del neoplatonismo, según el cual el ser humano debe buscar la unidad de la belleza, el amor y la verdad que en el cuadro se identifican con los tres elementos (tierra, mar y aire) y la unidad en la figura de Venus que metafóricamente llega a Florencia. Pero no es solo una exaltación pagana de la belleza femenina; entre sus significados implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del bautismo. La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no física. La obra destaca por sus colores suaves, la luz uniforme y los contornos nítidos. Las 4 figuras se interrelacionan. El viento sopla sobre Venus, que se desplaza hacia el abrazo de la Primavera. El paisaje es un marco idealizado con la belleza de la diosa. La obra supuestamente encargada por los Médicis, decoró la Villa de Castelo en Florencia. Actualmente se expone en la Galería de los Uffizi. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Nacimiento de Venus), Autor (Sandro Botticelli), Situación (Galería de los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Botticelli cronológica y
  • 31. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 31 de 52 estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 24. ENTREGA DE LAS LLAVES A SAN PEDRO (PERUGINO, 1480-1481) Su gran fama lo llevó a ser llamado por el Vaticano para decorar con frescos los muros laterales de la capilla Sixtina, donde actuaron otros autores como Botticelli o Ghirlandaio, con temas sobre la vida de Moisés y la de Cristo. Perugino realiza este pasaje del evangelio de Mateo en el que Pedro, arrodillado frente a Cristo, recibe las llaves del reino de los cielos, símbolo de la soberanía y del primer vicario de Dios en la tierra. En el fondo para dar profundidad, el templo de Jerusalén con formas renacentistas y dos arcos del triunfo que imitan al de Constantino. En segundo plano se hallan descritos otros dos episodios evangélicos: el pago del tributo y la tentativa de lapidación de Cristo. En el personaje con la gorra negra y melena oscura se ha querido ver un autorretrato del autor. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Entrega de las llaves a San Pedro), Autor (Il Perugino), Situación (Capilla Sixtina en El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Perugino cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento y con la obra de Rafael, ya del Cinquecento, principalmente los Desposorios de la Virgen), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 25. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO, 1483-1486) Se trata de la primera versión que sobre el tema hace Leonardo (posteriormente en 1492, realizará una nueva versión que se conserva en la National Gallery de Londres) destinada para la Iglesia de San Francisco el Grande de Milán y que hoy se conserva en el Louvre (París). Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, englobando las figuras en una composición triangular (considerada la más perfecta de la época), cuyo vértice es la Virgen, a sus lados Jesús y San Juan niños, y al lado el ángel Uriel que señala quién es el Mesías. En esta obra se desarrolla ya perfectamente el sfumato, lo que se une a la luz tenebrosa de la cueva, creando ese ambiente característico de luces difusas y contornos que se difuminan que
  • 32. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 32 de 52 dan una mayor y más realista profundidad. Al uso de la perspectiva aérea, añadir la depurada y virtuosa técnica del autor, como el trabajo magistral para la mano de María. Además es interesante por la relación psicológica y gestual de todos los personajes y que redondea ese realismo que se buscaba. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Virgen de las Rocas), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 26. LA GIOCONDA (LEONARDO, 1503-1505) Tal vez el retrato más famoso del mundo, representa a la esposa de Francesco del Giocondo, llamada Lisa y más conocida como Mona Lisa, aunque no está clara su verdadera identidad. Es un típico retrato renacentista de busto que se prolonga hasta los brazos, con una composición triangular, tocada con un velo (símbolo de castidad propia de las esposas) pero algunos elementos lo hace muy distintos. Primero el uso del sfumato que envuelve a la figura en un halo de misterio. El paisaje que lo enmarca es inquietante, parece independiente del retrato ya que la línea de horizonte no coincide a ambos lados creando dos planos de visión. Además la expresión ha dado al cuadro su fama mundial, el claroscuro en los ojos y la comisura de los labios le imprimen una ambigüedad como si el tiempo se hubiera detenido en su misteriosa sonrisa. El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que Leonardo llegara a entregarlo, ya que siguió retocándolo durante años. Adquirida por el rey Francisco I de Francia, actualmente se conserva en el Museo del Louvre. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Gioconda o Monna Lisa), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 27. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO, 1494-1497) Fresco para decorar el refectorio de la iglesia de Santa Mª delle Grazie (Milán) encargado por Ludovico el Moro. Desgraciadamente, Leonardo experimentó con óleo sobre yeso y de ahí su gran deterioro.
  • 33. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 33 de 52 Representa una escena horizontal de gran teatralidad. En el centro Jesús, y sus lados, seis y seis apóstoles, agrupados de tres en tres. Destaca el primer grupo a la derecha de Jesús, formado por Pedro que se inclina sobre San Juan, y Judas Iscariote que termina de formar el grupo. La composición, que puede parecer casual, está muy estudiada, destacando Jesús en el centro con composición triangular y con espacio entre los apóstoles que lo hacen una figura aislada y destacada. El momento es dramático, justo después de anunciar Jesús que va a ser traicionado por uno de ellos. Usa una arquitectura y ventanas por las que se aprecia el paisaje para dar profundidad, pero la escena está iluminada por una luz artificial y uniforme en la que usa el sfumato. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Última Cena), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Santa Mª delle Grazie en Milán, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 28. MADONNA DEL GRAN DUQUE (RAFAEL, 1504) Al poco tiempo de llegar a Florencia, Rafael pinta una serie de vírgenes con niño entre las que destaca ésta, encargada por los Médicis. En el cuadro, aparece la Virgen con vestido rojo y manto azul, de pie, sosteniendo al niño, sobre un fondo totalmente negro. Se trata de una de las obras más sencillas del autor, donde sólo los cuerpos en una ligera rotación se contraponen.
  • 34. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 34 de 52 En Florencia, Rafael había aprendido el sfumato de Leonardo y lo aplica en el cuadro, que junto a su maestría en el modelado, dan a sus personajes verdadera apariencia divina. La obra fue adquirida en 1799 por Fernando III, Gran Duque de la Toscana, que jamás se separaría de él en vida y pasó a formar parte de la colección del Palacio Pitti, donde se expone en la actualidad. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Madonna del Gran Duque), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Palacio Pitti en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 29. LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL, 1510-1511) Forma parte de los frescos que Julio II encarga para decorar las estancias del Vaticano, en concreto la Signatura, biblioteca privada del Papa. En ella, pinta La Disputa del sacramento y la Escuela de Atenas. La obra representa la filosofía, justo en la pared donde se situaban los libros de esta materia. El espíritu del Renacimiento en búsqueda de la verdad, representando a los sabios de la Antigüedad e identificándolos con los artistas del Renacimiento, dignificando su labor. La escena se desarrolla en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de Bramante para San Pedro, con una perfecta perspectiva. En el centro las figuras de Platón (retrato de Leonardo) sosteniendo el Timeo y Aristóteles con la Ética. Alrededor, grupos de personajes entre los que destacan Miguel Ángel como Heráclito, pensativo sobre un bloque de piedra. Pitágoras (matemática y música) que escribe sobre una tabla, Diógenes que había renunciado a todos los bienes, se despereza sobre la escalera. Sócrates explica sus teorías a su discípulo, Alejandro Magno. Ptolomeo, de espalda sosteniendo el globo terráqueo, y junto a él, mirando al espectador, el propio Rafael, junto a su maestro Perugino, de blanco. Con esta obra, Rafael cambia su estilo, su luz es diáfana, colores suaves y sus composiciones son más dinámicas, con grupos de personajes que se mueven y adoptan incluso posiciones forzadas que caminan hacia el manierismo. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Escuela de Atenas), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Estancias
  • 35. ARTE DEL RENACIMIENTO HISTORIA DEL ARTE Página 35 de 52 Vaticanas, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 30. LA CREACIÓN DE ADÁN (CAPILLA SIXTINA, MIGUEL ÁNGEL, 1508-1512) Encargo de Julio II para la capilla levantada por Sixto IV, que ya estaba decorada en los muros laterales con dos ciclos: La historia desde Moisés hasta Cristo y la historia a partir de Cristo. Para la bóveda Miguel Ángel concibe la historia desde la Creación hasta Moisés para completar el ciclo narrativo. Divide la bóveda de cañón con arcos fajones simulados en 9 tramos con escenas del Antiguo Testamento, además dos falsas cornisas que dan resultado de recuadros con temas secundarios (profetas y sibilas). La escena más famosa es la Creación de Adán, representa el momento justo anterior, Dios desde el cielo, envuelto en una nube de ángeles, se acerca Adán, que desde la tierra, levanta su mano débil, para recibir la vida. Es una escena conmovedora que ha pasado a la Historia como la imagen universal de Dios. A pesar de no recibir el encargo con agrado, M.A. dedicó en exclusiva 4 años de su vida. Realizó numerosos bocetos para imprimir a sus figuras la terribilitá de su escultura, figuras forzadas, desequilibrantes, y volviendo triunfante al desnudo de la Antigüedad. Utilizó colores manieristas, fuertes y luminosos, con pinceladas libres y enérgicas. Miguel Ángel logró una obra descomunal, cumbre de la pintura de todos los tiempos. No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Creación de Adán), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos