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UD. 8 LA SEGUNDA
GUERRA MUNDIAL
• Arte y Segunda Guerra Mundial: un antes y un
después.
• LA ESCULTURA DE POSGUERRA:
Henry Moore y Antoine Pevsner
• CINE:
El género de “suspense: Alfred Hitchcock
La comedia ácida: Ernst Lubitsch y Charles
Chaplin
Contenidos
ARTE Y SEGUNDA GUERRA
MUNDIAL: UN ANTES Y UN
DESPUÉS.
Los conflictos
bélicos de gran
envergadura dejan
una profunda huella
en las expresiones
artísticas. La
Segunda Guerra
Mundial no solo
marcó un antes y un
después, si no que
derivó a multitud de
formas de abordar la
reflexión del
conflicto, e incluso
de huir de las
imágenes de los
horrores de la
guerra.
Antes de la guerra
hablamos de una Europa
de las vanguardias, la
que arranca a partir de
la primera mitad del siglo
XIX, donde habían
surgido una gran
cantidad de corrientes
que buscaban renovar y
transformar una visión
del arte tradicional, que
había persistido a lo
largo de siglos. Una
forma de innovar que se
continuaría con el siglo
XX, pero se encontraría
con el obstáculo de los
regímenes fascistas.
En lo que se conoce como Entartete Kunst o
arte degenerado, como contraposición a un arte
heroico y alemán, los artistas fueron tildados de
degenerados y sujetos a sanciones. Incluso se
llegó a realizar una exposición en Múnich en
1937 donde se recogían algunas de estas obras
que el Tercer Reich definía como “productos
enfermos de locura, la impertinencia y la falta de
talento”.
Una extensa lista de nombres conocidos como
Marc Chagall, Edvard Munch, Emil Nolde, e
incluso Pablo Picasso estaban bajo esa
etiqueta.
La ocupación de París por
los alemanes desde 1941 y
la persecución nazi de este
arte, supuso el
desmantelamiento de las
vanguardias.
Así, una vez finalizada la
guerra, el epicentro de
innovación artística se
desplaza de la capital
francesa hasta Nueva York
en EE.UU. que consolida su
papel en la modernidad y
donde sus artistas adoptan
aires de grandeza y
optimismo que contrastan
con la situación de
recuperación de Europa tras
la desolación.
El fin del conflicto en
1945 supondrá
también que surjan a
la luz los horrores de
la guerra. No solo la
destrucción material
realizada, sino el gran
número de pérdidas
humanas. La
existencia de los
campos de
concentración fue la
muestra de uno de los
exterminios más
despiadados que se
recuerda en la historia
de la humanidad.
Tras la guerra, una sucesión de imágenes,
fotografías y documentales mostraron la
crudeza del conflicto, y a su vez inspiró a algunos
artistas en su obra. La guerra, el rechazo del
régimen nazi, y la rebeldía de ciertos artistas,
provocaron una emigración de artistas europeos
que se desplazaron al nuevo continente.
Los aires de renovación y el rechazo de las
tradiciones y convenciones en el arte, ayudaron a
entender la abstracción como una forma
importante de expresión artística.
Así asistiremos al
nacimiento del
expresionismo
abstracto en
Estados Unidos
con artistas como
J. Pollock y su
Action Painting.
Ritmo otoñal, (1950) Jackson Pollock
LA ESCULTURA DE
POSGUERRA:
Henry Moore y
Antoine Pevsner
La escultura
después de la
segunda Guerra
Mundial también
investigará los
caminos iniciados
por la abstracción
y de la conquista
del espacio
vacío.
Oval con puntos
(1968) Henry Moore
Henri Moore
(1898-1986)
Aunque sus inicios
fueron los de un artista
académico, enseguida
buscó un lenguaje
propio. En los años
veinte se unió a la
corriente artística que
volvió su mirada hacia
las formas primitivas
(Picasso, Derain,
Brancusi…).
La escultura de
Gaudier-Brzeska, así
como las de Jacob
Epstein y las
esculturas arcaicas,
tendrán una influencia
directa en el trabajo de
Moore, que inicia en
1922 una de sus series
más célebres, Madre e
hijo.
The Rock Drill, (1914)
Jacob Epstein
Durante los años 1930
se unió al movimiento
modernista.
Moore realizaba varios
bocetos y dibujos para
cada escultura.
Sus primeras
esculturas mostraban
vacíos
convencionales,
producto de
extremidades
flexionadas que se
separaban y
regresaban al cuerpo.
Henry Moore dibujo grupo familiar (1944)
Mujer (1931) Henry Moore
Posteriormente
sus figuras se
volverán más
abstractas, con
vacíos que
penetran
directamente en el
cuerpo.
Por medio de este
tipo de figuras
Moore exploró
formas cóncavas y
convexas
Las secuelas de la
Segunda Guerra
Mundial, el Holocausto
y la era de la bomba
atómica infundieron en
la escultura de los
años 40 un sentimiento
de que el arte debería
regresar a sus
orígenes preculturales
y prerracionales.
Pieza atómica (1965) Henry
Moore
A finales de los años
1940, Moore
comenzó a producir
esculturas moldeando
la figura en arcilla o
yeso antes de
terminar el trabajo en
bronce usando la
técnica de la cera
perdida o en arena.
Los bronces de
Moore se volvieron
cada vez más
grandes
Mujer yacente con niño, (1975) Henry Moore
Maqueta para Family
Group (1945) Henry Moore
Moore coleccionó una
variedad de objetos
naturales: cráneos,
madera flotante,
piedras y conchas, que
le servían de
inspiración.
Para sus trabajos más
grandes Moore creaba
modelos a escala
antes de realizar el
modelo final y fundir la
pieza.
Los temas de la obra
de Moore son figuras
femeninas, reclinadas,
grupos de madre e
hijo y las
más abstractas, son
formas encajadas.
Sus esculturas
generalmente tienen
espacios vacíos y
formas onduladas.
Madre e hijo (1932)
Henry Moore
Moore en lo esencial es un escultor biomórfico. La “Abstracción Biomórfica”
recurre a formas orgánicas, inspiradas en la naturaleza biológica.
Figura Reclinada (1936) Henry Moore
Antoine Pevsner
(1888 –1962)
Escultor ruso nacido en
Orel, era hijo de un
ingeniero. Junto con su
hermano Naum Gabo
(Naum Pevsner), recibe
una primera formación
científica que le aporta el
espíritu de investigación
con el que desarrolla su
obra.
En 1911, abandona la
Academia de Bellas Artes
de San Petersburgo y
viaja a París, donde
admira los trabajos de
Delaunay, Gleizes,
Metzinger y Léger.
En una segunda visita a París
en 1913, conoció a Modigliani
y a Archipenko, que
estimularon su interés por el
cubismo. Durante la guerra
permaneció en Oslo; volvió a
Rusia en 1917 y enseñó en la
Academia de Bellas Artes de
Moscú.
En 1920, Pevsner y Gabo
publican el Manifiesto Realista,
en donde afirman que el arte
tiene un valor absolutamente
independiente y una función
que desempeñar en la
sociedad.
El gondolero (1914) Archipenko
En 1923 visitó Berlín,
donde conoció a
Duchamp.
A partir de su encuentro
con Duchamp, abandonó
la pintura y se volcó en la
escultura constructivista.
Luego se instaló
definitivamente en París,
obteniendo la ciudadanía
francesa en 1930.
En París, Pevsner
y Gabo lideraron
el grupo
constructivista
Abstracción-
Creación, un
grupo de artistas
que representaba
diversas
corrientes del arte
abstracto.
Construcción Dinámica,
(1947) – bronce-
Antoine Pevsner
Visión espectral, (1959)
-cobre y bronce oxidados-
Antoine Pevsner
Proyección en el
espacio, (1938)
Antoine Pevsner
En los años treinta,
las obras de
Pevsner se
expusieron en
Amsterdam,
Basilea, Londres,
Nueva York y
Chicago. Se
caracteriza por el
uso de nuevos
materiales y su
interés por incluir el
espacio en sus
obras.
CINE
En la etapa de posguerra, el cine vivirá una
época de esplendor en diversos países como
Italia (neorrealismo), Francia (cinèma de
qualité), Estados Unidos o Gran Bretaña,
mientras que el cine español quedará
marcado por la dictadura franquista
establecida tras la Guerra Civil.
Una escena de la película: El Ladrón de bicicletas (1948) Vittorio De Sica
La gran ilusión, de Jean Renoir (1937)
Fruto de la Guerra Fría, en EE.UU surgirá el
macartismo o "caza de brujas" que
persiguió en el cine estadounidense (y en la
cultura en general) cualquier atisbo de
antiamericanismo o comunismo.
Mientras tanto, aparecerían otras nuevas y
pujantes cinematografías, como las de los
países nórdicos o Japón.
El macartismo (Senador McCarthy) es un término que se utiliza en referencia a
acusaciones de deslealtad, subversión o traición a la patria, sin el debido respeto a un
proceso legal justo donde se respeten los derechos del acusado
EL GÉNERO DE “SUSPENSE:
ALFRED HITCHCOCK
Alfred Hitchcock (1899-
1980) definía el suspense
en una entrevista para
televisión: «supóngase
usted, le decía al
entrevistador, que los
espectadores han visto,
antes de que usted y yo
nos sentáramos, que un
terrorista ha colocado una
bomba debajo de esta
mesa. Mientras nosotros
hablamos tranquilamente
de fútbol, ellos estarán
solamente pensando
cuándo explorará la
bomba…
(…) El suspense es la
sensación que tiene el
espectador de que está
en posesión de una
información que el actor
desconoce, de que algo
va a pasar y está
esperando que pase».
Se ha dicho con frecuencia que más que dirigir
películas, Hitchcock, dirigía a los propios espectadores.
Daba una gran importancia al subconsciente de los
espectadores y al empleo de efectos subliminales.
Para ello, el genio creativo de Hitchcock se expresa a
través de una serie de efectos visuales o auditivos,
de trucos sorprendentes destinados a hacer que el
público quedara sobrecogido.
Empleó medios no utilizados hasta su tiempo y de
manera tan creativa que se pueden considerar casi
todas sus películas como experimentales…
Fotografías trucadas, decorados extraños
(Salvador Dalí le diseñó los decorados para la
secuencia del sueño de Recuerda), montajes
sorprendentes de imagen y sonido, fantasías
elaboradas a partir de trucos ópticos,
multiplicación de lentes, superposición de
imágenes como las de Psicosis, cuando mezcla la
cara de Anthony Perkins con la calavera de su
madre…
O la utilización pionera de máquinas y
artilugios en las aves asesinas de su
película Los pájaros (1963).
Mediante todos estos tipos de efectos
provocaba la complicidad del espectador,
que quedaba preso en las redes de su
montaje…
En 1926, en El
inquilino (The
logder), una película
muda, ya usaba una
sucesión de efectos
por los que los
espectadores intuían
que alguien estaba
detrás de las cámaras
construyendo la
ficción de una forma
diferente.
El truco más conocido de la película está
destinado a mostrar la angustia de una
familia normal y corriente cuya tranquilidad
se ve perturbada por los inacabables paseos
del misterioso inquilino del piso de arriba.
Hitchcock construyó un «sonido visual», al
ser cine mudo, haciendo construir un suelo
de cristal y rodando desde abajo para que se
«vieran» los pasos del asesino…
Durante su vida como director experimentó recursos
escénicos con el fin de envolver al espectador en la trama,
ya fuera incluyendo en un diálogo confuso reiteradamente y
de forma clara la palabra «cuchillo» como en La muchacha
de Londres (Blackmail, 1929), en la que demostró que
incluso los diálogos se podían montar con creatividad; la
bombilla escondida en el vaso de leche en Sospecha
(Suspicion, 1941), el empleo del «zoom» (artilugio que
utilizan los directores de cine con poca frecuencia) en
Vértigo (1958), o colocando tras la protagonista Janeth
Leigh en Psicosis (1960) aves de presa disecadas
mientras Norman Bates/Anthony Perkins le habla con
movimientos parecidos a los de los pájaros sobre su madre,
de forma tal que introducía al espectador subliminalmente
en una atmósfera de muerte…
El público se
introducirá en la
atmósfera que crea
Hitchcock en sus
películas, gracias a
sus extraordinarias
habilidades técnicas,
cuando le entretiene
con sus bromas
macabras o con sus
apariciones rápidas en
casi todas las películas
(cameos), o contando
historias interesantes
llenas de efectos
espectaculares…
Sin embargo, los efectos de Hictchock no estaban
fuera de la trama, sobre todo tras su película
Encadenados (1946), no eran solamente efectos
esporádicos con los que atrae al espectador, pues
con frecuencia el truco marcaba toda la película,
integrándose en el argumento, como ocurre con La
ventana indiscreta (1954), en la que el
protagonista, temporalmente inválido, está presente
desde una ventana como observador en todo lo que
ocurre en el film, o el estrangulamiento en el parque
de atracciones de Extraños en un tren (1951) visto
únicamente como un reflejo en las gafas de la
víctima caídas en la hierba.
Conocedor de las claves de la percepción,
Hitchcock tenía en cuenta que el espectador sabe
que la heroína, y más si es la estrella de la
película, va a ser salvada en el último segundo de
las vías del tren en la que está atada.
Por ello el ejemplo más sorprendente es el
asesinato de Janet Leigh en Psicosis (Pycho,
1960), en la que la estrella es asesinada en la
ducha cuando pasan solamente veinte minutos
de película. Rompe los esquemas al espectador y
ya puede seguir jugando con él.
LA COMEDIA ÁCIDA:
ERNST LUBITSCH Y
CHARLES CHAPLIN
Películas que satirizan aspectos sociales o
culturales desde un punto de vista mordaz
e irónico, y siempre crítico.
La sátira conlleva una ridiculización o
burla del tema que aborda. Se diferencia
de la “parodia" en que su finalidad
principal no es tanto cómica sino crítica.
“To be or not to be”
Ernst Lubitsch.
“Ser o no ser” (1942) de Lubitsch es, junto a “El gran
dictador” (1940), de Charles Chaplin, las películas más
divertidas y sarcásticas que ha hecho el cine sobre Hitler
y el nazismo. El comienzo de la película es magistral: nos
encontramos en Varsovia, Polonia en Agosto de 1939.
Una compañía teatral promociona una obra sobre el
nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se
pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia,
sembrando el desconcierto en la población.
Ante las presiones políticas, la compañía teatral tendrá
que anular la obra teatral prevista y en su lugar, tendrán
que hacer el clásico de Shakespeare “Hamlet”. Unos
días más tarde estallará la guerra y el ejército alemán
toma el control de Polonia y cesarán las funciones
teatrales.
Lubitsch utiliza la comedia no como un género
ligero sino como un arma magistral y afilada
contra el apogeo nazi. A través de la
caricaturización del opresor, consigue
desautorizar sus actos, su ideología.
A pesar de las innumerables críticas que recibió
por este enfoque, su atrevimiento es indudable
y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que
merecía. En España, no se estrenó hasta 1971,
casi treinta años después de ser filmada.
“The Great Dictator”
Charles Chaplin
“El gran dictador” (1940) es una película
estadounidense escrita, dirigida y protagonizada por el
británico Charles Chaplin.
Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía
realizando películas mudas cuando el sonido ya
estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su
primera película sonora y la de mayor éxito.
En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía
estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya
era una feroz y controvertida condena contra el
nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras
en general. En la película, Chaplin define a los nazis
como "hombres-máquinas ".
Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador
Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler)
y el del barbero judío. Este último guarda
muchas similitudes con el personaje más
famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot.
Aunque no se especifica si se trata de él o no,
generalmente se considera que en esta película
se produce la última aparición de Charlot.
El largometraje
recibió cinco
nominaciones a los
Premios Óscar, sin
embargo no ganó
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“El gran dictador”
no se estrenó en
España hasta 1975
cuando Franco
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UD.8: LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

  • 1. UD. 8 LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
  • 2. • Arte y Segunda Guerra Mundial: un antes y un después. • LA ESCULTURA DE POSGUERRA: Henry Moore y Antoine Pevsner • CINE: El género de “suspense: Alfred Hitchcock La comedia ácida: Ernst Lubitsch y Charles Chaplin Contenidos
  • 3. ARTE Y SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: UN ANTES Y UN DESPUÉS.
  • 4. Los conflictos bélicos de gran envergadura dejan una profunda huella en las expresiones artísticas. La Segunda Guerra Mundial no solo marcó un antes y un después, si no que derivó a multitud de formas de abordar la reflexión del conflicto, e incluso de huir de las imágenes de los horrores de la guerra.
  • 5. Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias, la que arranca a partir de la primera mitad del siglo XIX, donde habían surgido una gran cantidad de corrientes que buscaban renovar y transformar una visión del arte tradicional, que había persistido a lo largo de siglos. Una forma de innovar que se continuaría con el siglo XX, pero se encontraría con el obstáculo de los regímenes fascistas.
  • 6. En lo que se conoce como Entartete Kunst o arte degenerado, como contraposición a un arte heroico y alemán, los artistas fueron tildados de degenerados y sujetos a sanciones. Incluso se llegó a realizar una exposición en Múnich en 1937 donde se recogían algunas de estas obras que el Tercer Reich definía como “productos enfermos de locura, la impertinencia y la falta de talento”. Una extensa lista de nombres conocidos como Marc Chagall, Edvard Munch, Emil Nolde, e incluso Pablo Picasso estaban bajo esa etiqueta.
  • 7.
  • 8.
  • 9. La ocupación de París por los alemanes desde 1941 y la persecución nazi de este arte, supuso el desmantelamiento de las vanguardias. Así, una vez finalizada la guerra, el epicentro de innovación artística se desplaza de la capital francesa hasta Nueva York en EE.UU. que consolida su papel en la modernidad y donde sus artistas adoptan aires de grandeza y optimismo que contrastan con la situación de recuperación de Europa tras la desolación.
  • 10. El fin del conflicto en 1945 supondrá también que surjan a la luz los horrores de la guerra. No solo la destrucción material realizada, sino el gran número de pérdidas humanas. La existencia de los campos de concentración fue la muestra de uno de los exterminios más despiadados que se recuerda en la historia de la humanidad.
  • 11. Tras la guerra, una sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraron la crudeza del conflicto, y a su vez inspiró a algunos artistas en su obra. La guerra, el rechazo del régimen nazi, y la rebeldía de ciertos artistas, provocaron una emigración de artistas europeos que se desplazaron al nuevo continente. Los aires de renovación y el rechazo de las tradiciones y convenciones en el arte, ayudaron a entender la abstracción como una forma importante de expresión artística.
  • 12. Así asistiremos al nacimiento del expresionismo abstracto en Estados Unidos con artistas como J. Pollock y su Action Painting.
  • 13. Ritmo otoñal, (1950) Jackson Pollock
  • 14. LA ESCULTURA DE POSGUERRA: Henry Moore y Antoine Pevsner
  • 15. La escultura después de la segunda Guerra Mundial también investigará los caminos iniciados por la abstracción y de la conquista del espacio vacío. Oval con puntos (1968) Henry Moore
  • 17. Aunque sus inicios fueron los de un artista académico, enseguida buscó un lenguaje propio. En los años veinte se unió a la corriente artística que volvió su mirada hacia las formas primitivas (Picasso, Derain, Brancusi…).
  • 18. La escultura de Gaudier-Brzeska, así como las de Jacob Epstein y las esculturas arcaicas, tendrán una influencia directa en el trabajo de Moore, que inicia en 1922 una de sus series más célebres, Madre e hijo. The Rock Drill, (1914) Jacob Epstein
  • 19.
  • 20. Durante los años 1930 se unió al movimiento modernista. Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura. Sus primeras esculturas mostraban vacíos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo. Henry Moore dibujo grupo familiar (1944)
  • 22. Posteriormente sus figuras se volverán más abstractas, con vacíos que penetran directamente en el cuerpo. Por medio de este tipo de figuras Moore exploró formas cóncavas y convexas
  • 23. Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la era de la bomba atómica infundieron en la escultura de los años 40 un sentimiento de que el arte debería regresar a sus orígenes preculturales y prerracionales. Pieza atómica (1965) Henry Moore
  • 24. A finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de la cera perdida o en arena. Los bronces de Moore se volvieron cada vez más grandes
  • 25. Mujer yacente con niño, (1975) Henry Moore
  • 26. Maqueta para Family Group (1945) Henry Moore Moore coleccionó una variedad de objetos naturales: cráneos, madera flotante, piedras y conchas, que le servían de inspiración. Para sus trabajos más grandes Moore creaba modelos a escala antes de realizar el modelo final y fundir la pieza.
  • 27. Los temas de la obra de Moore son figuras femeninas, reclinadas, grupos de madre e hijo y las más abstractas, son formas encajadas. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas. Madre e hijo (1932) Henry Moore
  • 28. Moore en lo esencial es un escultor biomórfico. La “Abstracción Biomórfica” recurre a formas orgánicas, inspiradas en la naturaleza biológica.
  • 29. Figura Reclinada (1936) Henry Moore
  • 31. Escultor ruso nacido en Orel, era hijo de un ingeniero. Junto con su hermano Naum Gabo (Naum Pevsner), recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que desarrolla su obra. En 1911, abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger.
  • 32. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la guerra permaneció en Oslo; volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú. En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. El gondolero (1914) Archipenko
  • 33. En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Duchamp. A partir de su encuentro con Duchamp, abandonó la pintura y se volcó en la escultura constructivista. Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930.
  • 34. En París, Pevsner y Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción- Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto. Construcción Dinámica, (1947) – bronce- Antoine Pevsner
  • 35. Visión espectral, (1959) -cobre y bronce oxidados- Antoine Pevsner
  • 36. Proyección en el espacio, (1938) Antoine Pevsner En los años treinta, las obras de Pevsner se expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago. Se caracteriza por el uso de nuevos materiales y su interés por incluir el espacio en sus obras.
  • 37. CINE
  • 38. En la etapa de posguerra, el cine vivirá una época de esplendor en diversos países como Italia (neorrealismo), Francia (cinèma de qualité), Estados Unidos o Gran Bretaña, mientras que el cine español quedará marcado por la dictadura franquista establecida tras la Guerra Civil.
  • 39. Una escena de la película: El Ladrón de bicicletas (1948) Vittorio De Sica
  • 40. La gran ilusión, de Jean Renoir (1937)
  • 41. Fruto de la Guerra Fría, en EE.UU surgirá el macartismo o "caza de brujas" que persiguió en el cine estadounidense (y en la cultura en general) cualquier atisbo de antiamericanismo o comunismo. Mientras tanto, aparecerían otras nuevas y pujantes cinematografías, como las de los países nórdicos o Japón.
  • 42. El macartismo (Senador McCarthy) es un término que se utiliza en referencia a acusaciones de deslealtad, subversión o traición a la patria, sin el debido respeto a un proceso legal justo donde se respeten los derechos del acusado
  • 43. EL GÉNERO DE “SUSPENSE: ALFRED HITCHCOCK
  • 44. Alfred Hitchcock (1899- 1980) definía el suspense en una entrevista para televisión: «supóngase usted, le decía al entrevistador, que los espectadores han visto, antes de que usted y yo nos sentáramos, que un terrorista ha colocado una bomba debajo de esta mesa. Mientras nosotros hablamos tranquilamente de fútbol, ellos estarán solamente pensando cuándo explorará la bomba…
  • 45. (…) El suspense es la sensación que tiene el espectador de que está en posesión de una información que el actor desconoce, de que algo va a pasar y está esperando que pase».
  • 46. Se ha dicho con frecuencia que más que dirigir películas, Hitchcock, dirigía a los propios espectadores. Daba una gran importancia al subconsciente de los espectadores y al empleo de efectos subliminales. Para ello, el genio creativo de Hitchcock se expresa a través de una serie de efectos visuales o auditivos, de trucos sorprendentes destinados a hacer que el público quedara sobrecogido. Empleó medios no utilizados hasta su tiempo y de manera tan creativa que se pueden considerar casi todas sus películas como experimentales…
  • 47. Fotografías trucadas, decorados extraños (Salvador Dalí le diseñó los decorados para la secuencia del sueño de Recuerda), montajes sorprendentes de imagen y sonido, fantasías elaboradas a partir de trucos ópticos, multiplicación de lentes, superposición de imágenes como las de Psicosis, cuando mezcla la cara de Anthony Perkins con la calavera de su madre…
  • 48.
  • 49.
  • 50. O la utilización pionera de máquinas y artilugios en las aves asesinas de su película Los pájaros (1963). Mediante todos estos tipos de efectos provocaba la complicidad del espectador, que quedaba preso en las redes de su montaje…
  • 51.
  • 52. En 1926, en El inquilino (The logder), una película muda, ya usaba una sucesión de efectos por los que los espectadores intuían que alguien estaba detrás de las cámaras construyendo la ficción de una forma diferente.
  • 53. El truco más conocido de la película está destinado a mostrar la angustia de una familia normal y corriente cuya tranquilidad se ve perturbada por los inacabables paseos del misterioso inquilino del piso de arriba. Hitchcock construyó un «sonido visual», al ser cine mudo, haciendo construir un suelo de cristal y rodando desde abajo para que se «vieran» los pasos del asesino…
  • 54.
  • 55. Durante su vida como director experimentó recursos escénicos con el fin de envolver al espectador en la trama, ya fuera incluyendo en un diálogo confuso reiteradamente y de forma clara la palabra «cuchillo» como en La muchacha de Londres (Blackmail, 1929), en la que demostró que incluso los diálogos se podían montar con creatividad; la bombilla escondida en el vaso de leche en Sospecha (Suspicion, 1941), el empleo del «zoom» (artilugio que utilizan los directores de cine con poca frecuencia) en Vértigo (1958), o colocando tras la protagonista Janeth Leigh en Psicosis (1960) aves de presa disecadas mientras Norman Bates/Anthony Perkins le habla con movimientos parecidos a los de los pájaros sobre su madre, de forma tal que introducía al espectador subliminalmente en una atmósfera de muerte…
  • 56.
  • 57.
  • 58.
  • 59.
  • 60.
  • 61. El público se introducirá en la atmósfera que crea Hitchcock en sus películas, gracias a sus extraordinarias habilidades técnicas, cuando le entretiene con sus bromas macabras o con sus apariciones rápidas en casi todas las películas (cameos), o contando historias interesantes llenas de efectos espectaculares…
  • 62. Sin embargo, los efectos de Hictchock no estaban fuera de la trama, sobre todo tras su película Encadenados (1946), no eran solamente efectos esporádicos con los que atrae al espectador, pues con frecuencia el truco marcaba toda la película, integrándose en el argumento, como ocurre con La ventana indiscreta (1954), en la que el protagonista, temporalmente inválido, está presente desde una ventana como observador en todo lo que ocurre en el film, o el estrangulamiento en el parque de atracciones de Extraños en un tren (1951) visto únicamente como un reflejo en las gafas de la víctima caídas en la hierba.
  • 63.
  • 64.
  • 65.
  • 66. Conocedor de las claves de la percepción, Hitchcock tenía en cuenta que el espectador sabe que la heroína, y más si es la estrella de la película, va a ser salvada en el último segundo de las vías del tren en la que está atada. Por ello el ejemplo más sorprendente es el asesinato de Janet Leigh en Psicosis (Pycho, 1960), en la que la estrella es asesinada en la ducha cuando pasan solamente veinte minutos de película. Rompe los esquemas al espectador y ya puede seguir jugando con él.
  • 67.
  • 68.
  • 69. LA COMEDIA ÁCIDA: ERNST LUBITSCH Y CHARLES CHAPLIN
  • 70. Películas que satirizan aspectos sociales o culturales desde un punto de vista mordaz e irónico, y siempre crítico. La sátira conlleva una ridiculización o burla del tema que aborda. Se diferencia de la “parodia" en que su finalidad principal no es tanto cómica sino crítica.
  • 71. “To be or not to be” Ernst Lubitsch.
  • 72.
  • 73. “Ser o no ser” (1942) de Lubitsch es, junto a “El gran dictador” (1940), de Charles Chaplin, las películas más divertidas y sarcásticas que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo. El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Ante las presiones políticas, la compañía teatral tendrá que anular la obra teatral prevista y en su lugar, tendrán que hacer el clásico de Shakespeare “Hamlet”. Unos días más tarde estallará la guerra y el ejército alemán toma el control de Polonia y cesarán las funciones teatrales.
  • 74.
  • 75.
  • 76.
  • 77. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.
  • 79.
  • 80. “El gran dictador” (1940) es una película estadounidense escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general. En la película, Chaplin define a los nazis como "hombres-máquinas ".
  • 81.
  • 82. Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, generalmente se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot.
  • 83.
  • 84.
  • 85. El largometraje recibió cinco nominaciones a los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno. “El gran dictador” no se estrenó en España hasta 1975 cuando Franco murió.