VAN GOGH

ORIGEN FRANCIA
SIGLO XIX
ÉPOCA DE LAS REVOLUCIONES
BURGUESAS Y DE LA REVOLUCIÓN
INDUSTRIAL
PARÍS
Punto de encuentro de artistas e intelectuales
que se reúnen en los cafés
Importancia de los Salones -grandes salas de exposiciones-
daban validez a la obra de arte expuesta en ellos.
Aparece la figura del “marchante” que libera al artista
de la dependencia de las Academias y los Salones
Surge la “crítica de arte“ en la prensa: interés por el arte

CAMBIOS
IDEOLÓGICOS
LIBERALISMO ECONÓMICO
SINDICALISMO
SOCIALISMO
COMUNISMO
ANARQUISMO
CAMBIOS
POLÍTICOS
LA BURGUESÍA ACRECIENTA
SU PODER POLÍTICO
CAMBIOS
SOCIALES
EN LA NUEVA SOCIEDAD
INDUSTRIAL, COBRAN
PESO LA BURGUESÍA Y
EL PROLETARIADO
CAMBIOS
ECONÓMICOS
AGRICULTURA
INDUSTRIA
COMERCIO
TRANSPORTE
CAPITALISMO FINANCIERO

SIGLOS XIX Y XX EN
EUROPA OCCIDENTAL,
USA Y JAPÓN
CRECIMIENTO DEMOGRÁFICO
ÉXODO RURAL
CRECIMIENTO URBANO
DESARROLLO INDUSTRIAL
BÚSQUEDA DE
COLONIAS
MANO DE OBRA BARATA
MATERIAS PRIMAS
MERCADO
AVANCES TÉCNICOS
Y CIENTÍFICOS
NUEVAS MATERIAS PRIMAS:
ACERO, HIERRO.
NUEVA FUENTE DE ENERGÍA:
EL PETRÓLEO
MOTOR DE EXPLOSIÓN
ELECTRICIDAD
MEJORAN LOS TRANSPORTES (FERROCARRILES,
BARCOS, AUTOMÓVILES, AVIONES).
TELÉGRAFO, TELÉFONO, FOTOGRAFÍA

En 1910, Roger Fry popularizó el término “postimpresionista” para catalogar a los pintores que,
por oposición o derivación, se venían relacionando con los planteamientos del Impresionismo.
La obstinación de los impresionistas por eternizar el instante en el cuadro los había conducido
a un callejón de trastornos, promovidos por la constante mutación de la atmósfera. Entonces,
tres grandes artistas, insatisfechos por esta limitación, traspasaron sus fronteras sin renunciar a
los logros técnicos adquiridos. La síntesis que elaboran estos maestros abre de par en par las
puertas de las vanguardias históricas del siglo XX.
FRENTE AL PREDOMINIO DE LA
SENSACIÓN VISUAL, DE LA "IMPRESIÓN"
QUE CARACTERIZÓ AL MOVIMIENTO
IMPRESIONISTA
LOS POSTIMPRESIONISTAS SE INTERESAN MÁS
POR LAS SENSACIONES TÁCTILES, FORMALES,
CONSISTENTES, SE DESLIGAN DEL ARTE SENSORIAL
Y TRANSITORIO DE LOS IMPRESIONISTAS
SERÁN LOS PRECURSORES DE
LOS PRIMEROS MOVIMIENTOS
VANGUARDISTAS DEL SIGLO XX
CÉZANNE, VAN GOGH Y GAUGUIN
PRELUDIA EL CUBISMO;
EL MOVIMIENTO NABÍ Y EL FAUVISMO
, EL FAUVISMO Y EL EXPRESIONISMO

A RAÍZ DE LA REVOLUCIÓN
IMPRESIONISTA
ACELERACIÓN EN LA
EVOLUCIÓN ARTÍSTICA
EL IMPRESIONISMO ROMPE CON
TODA NORMA ACADÉMICA COMO
ELEMENTO BÁSICO DEL ARTE
ABRE UNA INESPERADA PUERTA
DE LIBERTAD A LA CREATIVIDAD
ARTÍSTICA
ACENTÚA EL ASPECTO
SUBJETIVO DE LA
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
ASÍ EL IMPRESIONISMO PAGA SU
INEVITABLE TRIBUTO AL REALISMO DEL
MISMO MODO QUE LOS GENIOS
POSTIMPRESIONISTAS PARTEN DE LA
REVOLUCIÓN IMPRESIONISTA
EL ARTISTA NUNCA PARTE DE CERO,
SUELE ESTAR CONDICIONADO -AL
MENOS EN SU SUBCONSCIENTE-
POR LO QUE LE HA PRECEDIDO

EL NUEVO ESTILO ASOCIABA LA TÉCNICA A LA CREACIÓN
ARTÍSTICA Y A LA CONTEMPLACIÓN DE LA NATURALEZA
FRENTE AL CULTO A LO
FUGAZ DEL IMPRESIONISMO
LOS POSTIMPRESIONISTAS
PROPONEN COMO ALTERNATIVA
EL ANÁLISIS DE LO PERENNE
LA LUZ
EL DIBUJO
EXPRESIVIDAD
DE LAS COSAS
O PERSONAS
ILUMINADAS
AL POSTIMPRESIONISMO LE INTERESA
LA LUZ QUE DA ESTABILIDAD, QUE
DELIMITA LAS FORMAS
AL IMPRESIONISMO LE
INTERESABA LA LUZ CAMBIANTE
QUE MODIFICA LOS OBJETOS
LA CONSTRUCCIÓN DE LA FORMA
HACE QUE RECUPEREN IMPORTANCIA

Los pintores postimpresionistas no forman un grupo homogéneo de
artistas sino que son un conjunto de individualidades. Cada artista elige
su propio camino expresivo. De cada uno de ellos, surgirán en el siglo
XX nuevos estilos artísticos:
 De y su empleo del color para
plasmar la idea, surgirá
EL MOVIMIENTO NABÍ Y EL FAUVISMO
 De y su interés en plasmar la
emoción y en el color surgirá
EL FAUVISMO Y EL EXPRESIONISMO
 De y su preocupación por el
espacio y los volúmenes surgirá
EL CUBISMO
Cada uno de los postimpresionistas descubrió una poderosa poción artística cuando
combinaron lo fundamental de los principios del impresionismo con el «lenguaje visual
de la imaginación». Ninguno llegó tan lejos en esto como el holandés Vincent van Gogh.

INTERÉS POR LOS BAJOS FONDOS
PRECEDENTE DEL ART
NOUVEAU
AMBIENTES CERRADOS, ILUMINADOS
CON LUZ ARTIFICIAL, QUE LE
PERMITÍAN JUGAR CON LOS COLORES
Y ENCUADRES DE FORMA SUBJETIVA
CREACIÓN DE COMPOSICIONES
SIMPLIFICADAS Y ESTÁTICAS, BUSCANDO
LA ARMONÍA DE LAS MASAS CROMÁTICAS
ENCERRADAS EN PERFILES BIEN CEÑIDOS
UTILIZACIÓN DE COLORES
PUROS MODULADOS
INTERÉS POR LO EXÓTICO
PRECEDENTE DEL MOVIMIENTO
NABÍ Y DEL FAUVISMO
UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS
CON GRAN CARGA EMOTIVA
CREACIONES IMAGINATIVAS A BASE DE
PINCELADAS CURSIVAS QUE INTENTAN EXPRESAR
LA ANGUSTIA Y EL DESCONSUELO INTERIOR
PRECEDENTE DEL
FAUVISMO Y DEL
EXPRESIONISMO
CONCILIACIÓN ENTRE EFECTO VOLUMÉTRICO
(FRENTE AL FULGOR LUMINOSO IMPRESIONISTA
QUE CASI HABÍA DESMATERIALIZADO LAS
FORMAS) Y EL GUSTO PURAMENTE ESTÉTICO
CONCEPCIÓN DEL CUADRO A BASE DE
CUERPOS RIGUROSAMENTE GEOMÉTRICOS
EMPLEO DE COLORES CONTRASTADOS
PARA DEFINIR LOS PLANOS Y FORMAS
EFECTOS PICTÓRICOS BASADOS EN BÚSQUEDAS
ESTRUCTURALES, ESPACIALES Y CROMÁTICAS
PRECEDENTE DEL CUBISMO

“En el invierno de 1888, mientras Seurat llamaba la atención en París y Cézanne trabajaba en
Aix-en-Provence, un joven y apasionado holandés abandonó París en busca de la intensa luz y
de los colores del mediodía de Francia: se trataba de Vincent van Gogh. Nacido en Holanda, en
1853, hijo de un vicario, fue un hombre profundamente religioso, que durante su juventud había
actuado como predicador laico en Inglaterra y entre los mineros belgas. Quedó profundamente
impresionado por el arte de Millet y por su mensaje social, decidiendo hacerse pintor. Un
hermano suyo, más joven que él, Theo, que trabajaba en una tienda de arte, le puso en relación
con los pintores impresionistas. Este hermano fue un hombre notable; aunque era pobre,
siempre ayudó monetariamente a su hermano Vincent, e incluso le pagó los gastos de su viaje y
estancia en Arlés, en el sur de Francia. Van Gogh confió en que si podía trabajar allí sin ser
distraído, durante algunos años, conseguiría llegar a vender sus cuadros algún día y
recompensa a su generoso hermano Theo”. GOMBRICH

“Van Gogh es un artista amenazado, la
singularidad de su expresión lo vuelve
inadmisible para la época. Está
obstinado en que su violencia se vuelva
luz, materia pictórica.”
CLAUDIA
SCHVARTZ
“Su vida fue un continuo infortunio. Fracasó en todo lo que la
sociedad de su época consideraba importante: fue incapaz
de fundar una familia, incapaz de ganarse la vida, e incluso,
incapaz de entrar en contacto con sus semejantes.
Pero como pintor encontró un sistema de introducir un orden,
el suyo propio, frente al caos de la realidad. Su arte fue el
instrumento regulador en un mundo en el que no encajaba.
No es que quisiera escapar de la realidad, ni tampoco sufrirla
en silencio, sino hacerla comprensible, tangible. A través del
arte tenía que hacer suyo ese mundo que le era hostil.
Las famosas cartas que escribió a su hermano Theo y sus
35 autorretratos son un documento valiosísimo para conocer
su compleja personalidad.” INGO F.WALTHER
La relación que mantuvo con su hermano Theo
fue determinante en su existencia y en su
trayectoria artística. La correspondencia que
ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas
testimonia la intimidad de esta relación y las
pasiones y angustias humanas y creativas que
atormentaron a Van Gogh en sus últimos años.
Todo su desarrollo artístico se vio afectado y
limitado por sus cuadros psicóticos.
JOHN-PETER-RUSSELL: “VAN GOGH”, 1886

En las cartas discuten sobre arte, literatura e ideas, y estas son
un testimonio del modo gradual en que Vincent comenzó a
desvincularse de la naturaleza materialista del negocio del
arte: algo que tiene que ver con su creciente obsesión por el
cristianismo y la Biblia.
(…) Escribió a su hermano Theo una carta en la que decía: «Mi
tormento no es otro que este: ¿para qué valgo? ¿Es que no
puedo servir y ser útil de algún modo?». La respuesta de Theo
fue poco convencional, pero muy profética: hazte artista.
Era una sugerencia cara: a Vincent le encantó la idea y Theo
pagó por ella. Desde entonces, Theo se dedicó a mantener
económicamente a su hermano mayor. Primero Vincent pasó
cinco años de formación en Holanda, mientras que Theo se
mudó a París para trabajar en las oficinas que Goupil tenía allí.
Vincent recibió algunas clases (sufragadas por Theo), pero, a
pesar de todos sus intentos y buenos propósitos, siempre fue
autodidacta. Poco a poco comenzó a encontrar una voz
personal como artista. A mediados de la década de 1880, ya
había pintado la que se considera su primera gran obra, un
cuadro que entonces no suscitó interés alguno. Los comedores
de patatas (1885) WILL GOMPERTZ: . ¿Qué estás mirando?
“Retrato de Theo Van Gogh”, 1887

Aunque se cree por lo común que Van Gogh se
disparó en Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo
cerca de París, estudios serios sostienen que en
realidad había sido víctima de un disparo accidental.
Tras la publicación en el 2011 de una nueva biografía
se asegura que no se suicidó sino que falleció a raíz
de un disparo fortuíto de un adolescente.
Los autores, Steven Naifeh y Gregory White Smith,
sostienen que Van Gogh murió en un incidente con
René y Gaston Secrétan, dos hermanos veraneantes
en Auvers a quienes frecuentaba el pintor.
VAN GOGH: “El pintor de camino a Tarascón”, 1888
“Van Gogh murió dos años después de pintar “El pintor de camino a Tarascón”. Tenía treinta y siete años
y se encontraba en la cima de su creatividad, murió a causa de las heridas que se había provocado al
dispararse en el pecho. Tardó dos días en morir. Junto a él se encontraba su amado hermano Theo. A
los pocos meses, este moriría también a causa de un colapso mental y físico producido por la sífilis. Con
ello terminó una década de compañerismo que produjo algunas de las mejores obras de arte que haya
habido y, seguramente, que habrá”. WILL GOMPERTZ: ¿Qué estás mirando?

Su vida atormentada va a reflejarse en su pintura:
 Pinceladas cortas, vibrantes y sinuosas que en
su última etapa llegan a ser llameantes.(cipreses
que se retuercen como llamas). Factura
empastada.
 El color es fundamental en su pintura. Violencia
en los colores. Yuxtaposición y superposición de
colores puros, sin mezclar.
 Se expresa y se libera a través de la pintura, el
tema es a menudo él mismo, su propio mundo
interior. Van Gogh entendía la pintura como vía
de modificar la sociedad y como vehículo de
salvación personal.
 En la obra de Vincent los objetos adquieren un
valor simbólico cada vez más acentuado
(cipreses, girasoles... etc.). En la etapa de Arlés,
predominan las sillas desocupadas, los objetos
abandonados, las habitaciones vacías...
probablemente un símbolo de su soledad y de la
búsqueda de un ideal imposible como lo
demuestra el fracaso de su intento de formar
una colonia de artistas.

“(…) Pero pintar según la naturaleza no significa copiar el objeto, sino realizar sensaciones cromáticas.
(…) Existe una verdad puramente pictórica de las cosas. (…) ¡Qué difícil es, sin embargo, acercarse a la
naturaleza sin prejuicios! Uno tendría que ser capaz de ver como un recién nacido. Intenté copiar la
naturaleza y no lo conseguí, por cualquier lado que la abordase. Pero quedé contento conmigo mismo,
una vez que descubrí que uno debe representarla a través de algo muy diferente, a través del color
como tal. No se debe representar la naturaleza, sino realizarla. ¿Por medio de qué? Por medio de
equivalentes cromáticos estructuradores. hay un camino para reproducirlo todo, para traducirlo todo: el
color. El color, diría yo, es biológico: sólo él da vida a las cosas.” VAN GOGH
VAN GOGH, PASIÓN POR EL COLOR …
“Para un pintor, lo único verdadero son los
colores. Un cuadro no representa ante todo
y no debe representar, nada más que
colores. Historia, psicología, etc., se
inmiscuyen a pesar de todo, porque los
pintores no son estúpidos. Existe una lógica
en los colores y el pintor debe obedecerla, y
no a la lógica del cerebro. Cuando se pierde
en ésta, también él está perdido. Con los
ojos tiene que perderse. La pintura es una
óptica, y el contenido de nuestro arte
reside en primer lugar en lo que piensan
nuestros ojos.” VAN GOGH
“Pintar significa registrar y organizar sensaciones
cromáticas. En el pintar, ojo y cerebro deben
prestarse mutuo apoyo: es preciso trabajar para su
recíproca formación, a través de la lógica evolución
de sensaciones coloreadas. Entonces los cuadros
serán construcciones que se enfrentan con la
naturaleza. […] En la naturaleza, todo se modela
según la esfera, el cono y el cilindro. Hay que
aprender a pintar sobre la base de estas formas
simples, y entonces podrá uno hacer todo lo que
desea. No es lícito aislar el dibujo del color: es
como si quisieras pensar sin palabras, solamente
con números y signos.” VAN GOGH

A unos metros de distancia, algunas de sus obras adquieren una cualidad tridimensional. Cuando
uno se acerca, se da cuenta de que Van Gogh ha vertido palas y palas de colores brillantes al óleo sobre
su lienzo. Lo embadurna de pintura como si fuera una drag-queen un sábado por la noche, aplica y da
forma a las capas no con un pincel, sino con una espátula y con los dedos. La técnica no era nueva:
tanto Velázquez como Rembrandt se habían servido ya del impasto, pero en manos de Van Gogh sus
efectos consiguen un dramatismo mayor. No quería que la pintura fuera un medio para la
representación, sino que se convirtiera en parte sustancial de la obra. Si los impresionistas buscaban
exponer una verdad pintando lo que veían con rigurosa objetividad, Van Gogh quería llegar más lejos y
poner delante verdades profundas acerca de la condición humana. Por ello su acercamiento es
subjetivo: no pintaba lo que veía, sino cómo se sentía acerca de lo que veía. Comenzó a distorsionar las
imágenes para transmitir sus emociones, exagerando tanto como un dibujante de viñetas. Si pintaba un
viejo olivo, enfatizaba su edad retorciendo el tronco y desfigurando sus ramas hasta que pareciera una
anciana llena de arrugas: sabia, pero implacablemente deformada por la carga de los años. Además
aplicaba grumos de pintura para acentuar ese efecto, convirtiendo un cuadro de dos dimensiones en
una épica tridimensional: un cuadro que pasaba a ser una escultura. Van Gogh, refiriéndose a un amigo
común que había puesto en tela de juicio su apostasía de la representación fidedigna, escribió a su
hermano Theo: «Dile a Serret que me desesperaría si mis figuras fueran correctas [...] Dile que anhelo
esa incorrección, esas desviaciones, remodelaciones, cambios en la realidad. Puede que se conviertan
en mentiras, vale, pero en mentiras más verdaderas que la verdad literal». Con ello, Van Gogh sirvió de
inspiración a uno de los movimientos artísticos más duraderos y significativos del siglo XX: el
expresionismo. WILL GOMPERTZ: ¿Qué estás mirando?

“La noche
estrellada”
1889

“Marina en Saintes-Maries”, 1888

“Siento un interés apasionado por las leyes de los colores... ¡si nos las hubieran enseñado en nuestros años
juveniles! (…) Porque no hay la menor duda de que las leyes del color -que Delacroix fue el primero en
determinar- trajeron una luz. Los verdaderos pintores son los que no emplean colores locales (…). He aquí las
grandes verdades sobre el color en las que creía Delacroix.” VAN GOGH
“La llanura de La Crau cerca de Arles con Montmayour al fondo”, 1888

“Boulevard de Clichy”, 1887“El 14 de julio en París”, 1886
“Vista de Paris frente a Vincent's
Room en la Rue Lepic, Spring”, 1887
“Paseo en el Jardín de Luxemburgo”, 1886
“La casa amarilla en Arlés”, 1888

“Campo de Trigo con Cipreses”, 1889 “Jardín en Arles”, 1888
“Campo con el sol naciente”,1889
“Campo con amapolas”, 1889
“Iglesia de Auvers-sur-Oise, 1890
“El viñedo rojo”, 1880
Mujer caminando por un jardín. 1887 “Trigal con cuervos”, 1890

“Puente Langlois en Arles”, Verano de1888“Paisajes marinos en Saintes-
Maries-de-la-Mer”, 1888
“Barcos de pesca en antes-maries2, 1888
“El canal La Roubine du Roi
con lavanderas”, 1888
“Muelle del Ródano”, 1888
“A orillas del Oise en Auvers”, 1890

“Lo que me
apasiona mucho
más que todo el
resto de mi oficio
es el retrato, el
retrato moderno.
Lo busco en
colores, y
seguramente no
soy el único que
lo busca. Me
gustaría ser
capaz de hacerlo,
me gustaría
pintar retratos
que aparecieran
después de un
siglo y poblaran
la vida como
apariciones”.
VAN GOGH
“Retrato de la madre
del artista”, 1888
“Retrato del cartero
Joseph Roulin”, 1888
“Retrato de Trabuc, un asistente
del Saint-Paul Hospital” 1889
“Joven campesina con
sombrero de paja”, 1890
“El doctor Gachet, 1890
“Retrato de Père
Tanguy, 1887-88

“Autorretrato, con sombrero
gris de fieltro” 1888
“Autorretrato,” 1889
“Autorretrato,” 1889
“Autorretrato frente
al caballete,” 1888
“Autorretrato, con
sombrero de paja” 1887
“Autorretrato de oriental”, 1887

“Naturaleza muerta con manzanas,
peras, limones y uvas”, 1887
“Naturaleza muerta con
cerámica y dos botellas”, 1885
“Naturaleza muerta: florero
con cinco Girasoles”,
1888
“Lirios”, 1889
“Ramas de almendro en flor”, 1890
“Un par de zuecos”, Arlés, 1888

 Su punto de partida se encuentra en pintores realistas franceses: COURBET,
DAUMIER, MILLET, DELACROIX …
 Desde el punto de vista conceptual recibió la influencia de la literatura
francesa, E. Zola le apasionaba.
 Le marcó mucho el barroco holandés a partir de su estancia en Amberes.
Tuvo un claro referente en REMBRANDT y en FRANK HALS en cuanto al
cromatismo.
 ADRIAEN VAN DE VELDE, especialista barroco en pintura de marinas en las
que combinaba paisajes con personas correteando por la orilla fue en aquel
momento para van Gogh como un canon.
 Basándose en observaciones de EUGÈNE DELACROIX, se plantea el
problema de cómo dominar en la pintura las variaciones de color que
presenta un objeto al observarlo desde una cierta lejanía o bajo distintas
incidencias de la luz.
 LAS ESTAMPAS JAPONESAS también fueron fuente de inspiración
 Recibió influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los
simbolistas. Sin embargo, no adoptó plenamente ninguna, sino que las
adaptó para conseguir una personal forma de expresión.

ÉMILE BERNARD: “Mujeres bretonas”, agosto 1888
GAUGUIN: “Visión después del sermón”, verano de 1888
VAN GOGH: “Mujeres bretonas y niños” noviembre 1888
VAN GOGH: “Recuerdos del jardín de Etten”, 1888
Bernard,
amigo de Van
Gogh, influirá
tanto en
Gauguin
como en el
mismo
Vincent en
cuanto a la
aplicación de
un estilo que
se basa en la
utilización de
colores
planos con
perfiles muy
nítidos y
marcados.

 Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el
movimiento expresionista. en expresionistas como GUSTAV KLIMT, EGON
SCHIELE, ERNST LUDWIG KIRCHNER Y MAX PECHSTEIN. Ese impacto
se manifestó no sólo en el empleo de una vibrante pincelada
postimpresionista, una paleta de colores vivos y formas definidas por
una línea, sino también en la manera de representar ciertos géneros,
como el autorretrato, el retrato y el paisaje. Los expresionistas admiraron
las cualidades formales de la pintura de Van Gogh, pero también la
intensidad y pasión de su visión artística y su dramática historia de vida,
marcada por problemas mentales, que le llevaron a cortarse una oreja y,
más tarde, le condujeron al suicidio.
 EMIL NOLDE, LUDWIG MEIDNER Y KARL SCHMIDT-ROTTLUFF también
se inspiraron en los autorretratos de Van Gogh
 Van Gogh no sólo es ampliamente reconocido como el pionero de lo que
después se conocería como Expresionismo, sino que ha tenido una gran
influencia en otros movimientos modernos del siglo XX, como el FAUVISMO
Y EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

VLAMINCK: “La casa azul”, 1906
“Quise más a Van Gogh que a
mi propio padre” VLAMINCK
Tras contemplar una exposición de
Van Gogh, durante un breve período
de tiempo fue el más digno heredero
del artista. Con colores puros y
pinceladas planas, su madurez salvaje
dio como resultado algunos de los
cuadros más potentes del momento.
VAN GOGH: “Casas en Auvers”, mayo 1890

Vicent van Gogh fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin. No decidió
dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años
de edad. Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística, su vocación
era tan fuerte que ese tiempo realizó más de 800 cuadros, y numerosos
dibujos. Fue en el 1879 cuando comenzó a pintar de modo vehemente.
Empezó a rellenar álbumes copiando del natural.
:

Arlés 1888 -1889
Primeras obras hasta 1886
París 1886 - 1888
Saint-Rémy 1889 -1890
Auvers-sur-Oyse 1890
Auvers
París
Arlés
Saint-Rèmy
Saintes-
Maries
Borinage
La Haya
Drente

En 1869 Vincent van Gogh comenzó a trabajar en la compañía Goupil & Cie.,
empresa de vendedores de arte en La Haya. La familia Van Gogh estuvo durante
mucho tiempo relacionada con el arte: los tíos de Vincent, Cornelis ("Tio Cor") y Vincent
("Tio Cent"), fueron vendedores de arte. Theo, su hermano, desarrolló su vida de adulto
trabajando como vendedor de arte, por lo que tuvo una tremenda influencia durante la
última etapa de la vida artística de Vincent.
En 1873 es trasladado a la sucursal en Londres, donde rápidamente se enamoró del
clima cultural de Inglaterra. También allí experimentará la primera sensación de soledad.
Vincent van Gogh permaneció dos años en Londres. Durante ese tiempo visitó la mayor
cantidad de galerías y museos que tuvo oportunidad, y llegó a ser un gran admirador de
escritores británicos como George Eliot (Mary Anne Evans) yCharles Dickens y de los
grabadores británicos.
En 1880 la decisión de Van Gogh de hacerse pintor fue definitiva. A través de su
trabajo en las diversas filiales de la galería parisina Goupil & Cie., adquirió un profundo
conocimiento de los movimientos artísticos clásicos y contemporáneos, pudiendo ya
durante sus estudios, y sobre todo en la estremecedora época como predicador en
Borinage, expresar sus problemas con dibujos. Después del fracaso en sus ocupaciones
burguesas, y también del rechazo que halló ante sus ambiciones teológicas y sociales, se
aferró a lo que, por tener más cerca, conocía ya en teoría y práctica. También le dieron un
apoyo adicional su hermano Theo, que trabajaba en Goupil, y su primo Anton Mauve, que
era pintor en La Haya.

Vincent Van Gogh ha sido uno de los artistas menos afortunados de
todos los tiempos. Su obra quedó en manos de su querido hermano
Theo, el único apoyo con que contó en su vida. Hoy, sin embargo, es uno
de los artistas más cotizados.
Cuadros como “Los girasoles”, ”La habitación de Arlés”, “La noche
estrellada” y alguno de los retratos que pintó se harían populares a
través de reproducciones en color, pudiendo encontrárselos en algunas
habitaciones modestas. Esto fue exactamente lo que deseaba Van Gogh:
que sus cuadros poseyeran los efectos vigorosos y directos de las
estampas japonesas que tanto admiró. Ambicionó un arte sin
adulteraciones, que llegara no solamente al rico coleccionista sino a
cualquier ser humano para proporcionarle placer y consuelo.

“Playa de Scheveningen”, 1882
“Estación de Eindhoven”, 1884
“Busto de campesina, 1885
“Retrato de un anciano”, 1885
Sus primeras obras reflejan el influjo del realismo
holandés y tienen, por su temática, una clara
intención de denuncia social. Cultivó temas de
clases populares: campesinos, tejedores y
mineros Pone de manifiesto, con realismo, su
vida cotidiana. Se acerca con dignidad a una
situación de abandono social. Sus gamas en este
momento son oscuras, los entornos pobremente
iluminados y con tensiones de luces y sombras.

“Playa de Scheveningen”, 1882

Única obra de Van Gogh vendida en vida. La obra se exhibió por primera vez en la exposición anual de Los XX, en
1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (710 € actuales) a Anna Boch,1 pintora impresionista, miembro del
grupo de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.2 Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista
y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888.
“El viñedo rojo”, 1880

“Mujer cosiendo” 1881
En 1880 se va a vivir a Bruselas,
entablando amistad con el pintor
Anton van Rappard. Lo primero que
hace son dibujos, bocetos de detalles
y muchos estudios basándose en los
cuadros de Jean-Francois Millet,
cuyo realismo algo acaramelado le
ofrece temas a los que se siente
vinculado: sobre todo el de los
campesinos trabajando, cuadros de
género de una tonalidad oscura que
rezuman melancolía.

“Joven de Scheveningen tejiendo”, 1881 “La mujer de Scheveningen”, 1881

El 1 de enero
de 1882 van
Gogh se fue
a vivir a La
Haya,
ocupando un
estudio
financiado
por su
hermano
Theo. Allí
aparecen los
primeros
óleos bajo la
dirección de
Mauve. Uno
de ellos:
“En la playa de Scheveningen” de agosto de 1882, muestra la fuerte influencia de la Escuela de La
Haya, a la que pertenecía Mauve. Esta escuela, muy comprometida con la tradición, intenta,
especialmente en los paisajes, revivir la Edad de Oro de la pintura barroca holandesa.
“En la playa de Scheveningen”, 1882

“Cuando haga paisajes, siempre habrá alguna figura en ellos” VAN GOGH
“Vista del mar en Scheveningen”, 1882. Óleo sobre lienzo
Van Gogh acomodó la tradición artística a su propio concepto de la pintura. A pesar de ello el cuadro contiene
elementos que, haciendo autónomos el color y la forma - el modo pastoso de extender la pintura, la manera en
que parecen resaltar las zonas paralelas del cuadro, dan ya la idea de una básica tendencia a la abstracción.

“Mujeres con sacos de carbón”, 1882
En 1879, Van Gogh marchó al Borinage, una región minera de Bélgica donde los trabajadores vivían
en condiciones miserables. Impulsado por una fuerte vocación religiosa, había logrado que le dieran
un cargo de seis meses en la Escuela Evangelista de Bruselas, pero, por causa de un celo que rozaba
el fanatismo, no se le renovó su mandato. Vincent había decidido compartir plenamente su vida con
los mineros, viviendo en una barraca, durmiendo en el suelo y ayunando, e incluso bajaba a predicar
a la mina. Esta obra muestra la intensidad del que ha asistido personalmente a estas escenas.

“Oficina de loteria”, La Haya, 1882
El arte del pueblo y para el pueblo: una máxima que marcó el impulso social de su obra.
Cuadros como “Lotería estatal” o “Plantando de patatas” son un buen ejemplo de ello. Las
figuras centrales de estas obras son seres anónimos del pueblo, labriegos y obreros tan
dignos de protagonismo como antes lo fueron los gloriosos héroes de la Historia y la Mitología.

“Taller de carpintería visto desde la habitación de Vincent”, 1882

“Anciano con las manos en la cabeza”, 1882
“Bajo la lluvia”, 1882

En septiembre de 1883 finaliza su estancia en La Haya. Van Gogh se marcha, solo, a la provincia
de Drente al noreste de los Países Bajos. Esta marcha fue precedida por la ruptura con Mauve, su
mentor artístico. El motivo de la separación se debió a desavenencias fundamentales sobre la
pintura. Bajo el punto de vista de Vincent, Mauve era justo una muestra de un concepto académico
del arte imbuido de normas, reglas y un riguroso canon estético que, de forma intolerable,
descuidaba la expresión individual y los problemas sociales del momento.
“Barco de turba con dos figuras”, Drente: octubre, 1883
Cualquier tipo de autoridad había sido siempre para él como una provocación,
y las estrictas opiniones de Mauve sobre la pintura parecían haberle hecho
recordar fatalmente la mojigatería calvinista de la casa paterna.
“Campesina quemando hierbas”, 1883

“Dos campesinas recogiendo turba”, 1883

“Campos de flores en Holanda”, 1883

“Transportando madera en la nieve”, 1884
“Campesinos plantando patatas”, Nuenen,1884
En Nuenen Van Gogh se
mostró como un gran
artista. Muchas de las
pinturas de esta etapa
representan a
campesinos trabajando
en el campo. Tema
recurrente en Van
Gogh. Esta obras
muestran un mayor
dominio de la
técnica. La estancia de
Van Gogh en Nuenen
resultó ser una
experiencia de
aprendizaje formidable
en la cual el artista trató
de definir su estilo
único. Muchos de los
retratos de campesinos
anticipan la que será su
primera gran obra: “Los
comedores de patatas”

“Alameda a la puesta de sol”, 1884 “Congregación saliendo de la iglesia reformada en Nuenen”, 1884

“Casa de campo con campesina cavando”, 1884

Abstraído en su trabajo, el tejedor sentado ante su telar y, en primer plano, el monumental
mecanismo domina la totalidad del cuadro. Da la impresión de ser como un marco de
gigantescas dimensiones que, con su enrejado de líneas horizontales y verticales, parece
absorber el flaco cuerpo del tejedor, haciéndolo formar parte de su propia máquina.
“Tejedor en el telar”, 1884

“Tejedor en el telar”, 1884
“Estos telares
me van a dar
todavía muchos
quebraderos de
cabeza, pero
son unos temas
tan hermosos,
toda esa vieja
madera de
encina contra
una pared
grisácea; estoy
plenamente
convencido de
que es bueno
pintarlos.”
VAN GOGH

(…) Van Gogh había desarrollado precisamente en estos cuadros algo así como su
propio canon de belleza, buscando la inspiración en las gentes de su entorno,
seres que, sin ser en efecto bellos, personificaban su concepto de la autenticidad.
En las
representacion
es conjuntas
del obrero y su
instrumento de
trabajo queda
excluido todo
lo pintoresco y
todo lo
anecdótico. Se
muestra no
sólo la dureza y
el esfuerzo,
sino también la
dignidad de la
vida del
trabajador.
“Tejedor”, 1884

A finales de noviembre de 1885 llega van Gogh a Amberes. Este puerto
internacional belga sólo será el escenario de un breve entreacto en el
camino de Vincent a la capital del siglo XIX: París. No obstante, esta
estancia será decisiva para su obra posterior, pues en Amberes comienza
la época de los experimentos. Al abandonar el estricto hogar calvinista y
desvincularse de los lazos que, muy a pesar suyo, le unían con fuerza a
un entorno conocido, su ímpetu creador se desborda. Mientras que la
primera etapa de su obra estaba impregnada del oscuro y melancólico
mundo de los campesinos, en los años siguientes Vincent probará todas
las formas artísticas de expresión, lo que para aquel tiempo se podría
calificar de poco frecuente, avanzado y vanguardista.
Los campesinos de Van Gogh fueron, por única vez, tema y público al
mismo tiempo. Con la ayuda de su hermano hizo imprimir veinte
litografías de «Los comedores de patatas» que la gente de los
alrededores pudo comprar a precio asequible. Este cuadro, de mayo de
1885, representa un compendio de su primera época. En la frugal comida
que comparten las cinco figuras, enjutas y agotadas por el trabajo, se
trasluce un ambiente de compañerismo y pobreza.

Temática social.
Alusión a la religión.
Hay tres versiones
Fuerte claroscuro.
Contornos agitados, con trazos caricaturescos, deformados.
Paleta muy reducida y apagada: marrones y pardos, oscuros

«He puesto mi mayor empeño en que, al
contemplar el cuadro, se piense que esa gente
bajo la lámpara, que come sus patatas metiendo
las manos en el plato, ha trabajado también con
esas manos la tierra; mi cuadro exalta, pues, el
trabajo manual y el alimento que ellos mismos se
han ganado con toda honestidad ... Pero el que
prefiera ver aldeanos almibarados, allá él con sus
pensamientos.» Vincent a su hermano Theo
Por esa época quería ser un pintor de la «vida campesina» y generar documentos
sociales, como el novelista Charles Dickens. Sus campesinos no están idealizados,
resultan naturales: a través de su paleta y del tratamiento de las figuras, Van Gogh logra
representar su vida humilde y su precaria dieta. El resultado es una obra a base de ocres
sombríos, grises y azules, con campesinos cuyas manos tienen el color de la tierra y
dedos tan rudos como las patatas que comen. Con pocos trazos basta para evocar la
imagen de una familia que está agotada, pero que aún no ha sido vencida por completo.

“Los comedores de patatas”, 1885

“Me sorprendió vivamente el cuadro de unas pobres gentes comiendo en una choza
lúgubre bajo la mortecina luz de una lámpara. Lo tituló 'Los comedores de patatas'. A
su manera, era de una fealdad grandiosa y estaba lleno de una vida inquietante.”
ÈMILE BERNARD

“Cabeza de mujer”, 1884-85

(…) Theo le sugirió por carta: «¿Por qué no vienes a París?». En 1886, Vincent llegó a
la capital francesa y... vive la différence! Theo le dio a conocer las obras de los
impresionistas y Vincent tuvo una revelación. En sus ojos se encendió la luz: de
repente empezó a ver colores, muchos colores. Escribió entonces a un amigo
diciéndole que «estaba buscando contrastes a través del naranja y el azul, el rojo y
el verde, el amarillo y el violeta; buscando tonos quebrados o neutros para
armonizar los extremos. Es una búsqueda para conseguir que el color sea intenso,
no para lograr una armonía opaca». Estaba listo. Vincent puso en práctica la técnica
impresionista de la pincelada rápida, tuvo sus primeros escarceos con el impasto -una
técnica en la que la pintura se aplica bastante espesa en el lienzo, con determinación,
de modo que produce un efecto tridimensional- y se dio cuenta de que la mayoría de
los artistas de vanguardia parisinos compartían su amor por los grabados japoneses.
Era demasiado intenso y Vincent comenzaba a tambalearse. Theo sugirió que se
tomara unas vacaciones en el campo, en el sur de Francia, y a Vincent le pareció muy
buena idea. Soñaba con tener un estudio allí: una especie de colonia artística que
rivalizara con la que su amigo Gauguin tenía en Bretaña, en el norte de Francia.

El descubrimiento del Impresionismo supuso en nuestro artista una gran decepción y un duro golpe
porque es ahora cuando se da cuenta de que su pintura no tiene vigencia, se sintió marginado y
fuera de onda. El conocimiento del Impresionismo supuso un estímulo para su cambio:
 Aclara su paleta, usa una gama luminosa. Por lo general usa colores puros en pincelada de
pequeños toques que puede recordar al Puntillismo.
 Primeros escarceos con el impasto.
 Abandona argumentos pictóricos, decantándose por el paisaje y el retrato.
Se inscribe en el Taller de Cormont, allí conoce a E.Bernard, y a T.Lautrec, Gauguin... Allí perderá su
afición por los temas sobre campesinos y trabajadores. A través de Theo conoce también a Paul
Gauguin y al gran maestro del Impresionismo, Camille Pissarro, que ya contaba 60 años. A todos
ellos los considerará amigos suyos.
En la Real Academia se dedica a copiar modelos en yeso de esculturas antiguas, si bien, como
ya le ocurrió en La Haya, sigue sintiendo aversión por los dogmas de la belleza clásica y por
esta reducción del carácter personal a una imitación mecánica. Para él será mucho más
importante el descubrimiento de los cuadros de Peter Paul Rubens, el viejo maestro del
Barroco que había tenido su estudio en Amberes. Su alegre colorido, las formas robustas y los
exuberantes volúmenes, característicos de la pintura barroca de origen católico, se le abren
como una alternativa necesaria frente a la retraída y controlada severidad del arte holandés.

AUTORRETRATO, 1886
“Colina de Montmartre”, 1886
“Tres pares de zapatos”, París, 1886
“Las pinturas tienen una vida propia
que nace del alma del pintor”
VAN GOGH

VAN GOGH: “El 14 de
julio en París”, 1886
MONET: ”Rue Montorgueil
con banderas”, 1886
DOS INTERPRETACIONES
DEL ACONTECIMIENTO
HISTÓRICO

"Lo encontré en Asnières y en Saint-Ouen; pintaba en los ribazos, comía en el merendero y
regresaba a París andando, por las avenidas de Saint-Ouen y de Clichy. Vestía el mono azul de los
trabajadores del zinc, con manchas de puntos de colores que había pintados en las mangas.
Pegado junto a mí caminaba gritando, gesticulando y blandiendo su gran tela con la pintura aún
fresca, manchándose de pintura él mismo y a los transeúntes que pasaban.“ PAUL SIGNAC
Rivera con barcas, 1887

También aquí nos ofrece una visión típicamente impresionista. El rojo suave de las hojas de los
árboles que se van tiñendo de otoño, los bancos casi vacíos en primer plano, la imagen de los
cenadores esbozados con parcas pinceladas cristalizan un momento de apacible vida cotidiana,
expresan la instantánea de una escena superficial. El que en algunos puntos la aplicación del color sea
pastosa y el colorido local de ciertas zonas recónditas contraste con el tono ocre del otoño no cambia
en absoluto los hechos. En estos cuadros van Gogh hace sus experimentos con el Impresionismo
“Merendero «La Guinguette» en Montmartre”, París,1886

Van Gogh sumerge su impresión del “Montmartre”, 1886, en un gris invernal, en el velado ambiente de
una niebla que se levanta. La fría atmósfera del invierno, ya cercano, concuerda con los cuadros
impresionistas de temática similar. También el aspecto neutro de lo que sucede, los transeúntes
apresurados y de aire ausente, la óptica fragmentada del cuadro cruzado por la plataforma desde la
que se divisa el paisaje, se hallan plenamente en la tradición de un Claude Monet o un Auguste Renoir.
“Boulevard de Clichy”
1887

“El Restaurante de la Sirene en Asnieres”, 1887

“Le moulin de la Galette”, 1887“Terraza y observatorio Deck
en el molino de Blute-Fin,1887

«Y no me extrañaría mucho que dentro de un
tiempo los impresionistas se pusieran a criticar
mi manera de trabajar, más bien fecundada por
las ideas de Delacroix que por las suyas. Pues
en lugar de reproducir con exactitud lo que tengo
delante de los ojos, prefiero servirme
arbitrariamente del color para expresarme con
más fuerza.»
VINCENT VAN GOGH
“Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero
reproducir exactamente lo que tengo delante de
los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del
color para expresarme con más fuerza.”
VINCENT A THEO

El exótico atractivo de lo que se representa, el estrambótico peinado, el vestido folklórico, el abanico sobre la
silla y las xilografías japonesas en la pared del fondo, es mucho más determinante para el mensaje
transmitido que la atmósfera enrarecida por el humo de un tabernucho cualquiera que tanto había fascinado
a Degas en su obra “La bebedora de ajenjo”, y en la cual Van Gogh evidentemente se había inspirado. Los
grandes ojos melancólicos de la mujer en ese lugar extraño dan al cuadro un ambiente especial y exactamente
premeditado, todo lo contrario de la atmósfera anónima que tanto gustaba a los impresionistas.
La “Mujer en el Café
du Tambourin" de
1887 no representa a
una bebedora
anónima y
desamparada en una
taberna cualquiera
sino que es una
imagen concreta.
Se trata de la italiana
Agostina Segatori,
antigua modelo de
pintores como Camille
Corot y Edgar Degas y
ahora propietaria del
café, llevada al lienzo
mientras está sentada
a una mesa. “Mujer en el Café du Tambourin”, 1887 DEGAS: “La bebedora de ajenjo”, 1876

“Nunca recibí una ayuda tan
eficaz (por parte de un
modelo) como de esta mujer
fea y ajada. Para mi es
hermosa, y encuentro en ella
precisamente lo que
necesito. La vida pasó sobre
ella, y el sufrimiento y un
destino adverso la dibujaron;
ahora puedo yo hacer algo
con ella. Cuando la tierra no
está arada, nada puedes
sembrar en ella. Esa mujer
está arada... por eso
encuentro más en ella que
en una multitud de mujeres
intactas.” VAN GOGH

“Parejas en el parque Voyer d'Argenson en Asniéres”, París, junio,1887

“Cuatro flores marchitas aparecen enormes en primer plano, pendiendo de tallos resecos cortados hace tiempo. Como
si quisieran rebelarse contra la inminente descomposición, extienden sus pequeñas hojas hacia afuera como lenguas
de fuego, anticipando la llamarada sublime de los últimos cipreses de Van Gogh. En manos de Vincent, este motivo
banal y totalmente corriente adquiere una fuerza de expresión casi existencial; los objetos se convierten en símbolos,
son como signos ocultos de una dolencia que habrá que buscar en el propio artista.” INGO F.WALTHER
“Cuatro girasoles”, 1887

Surge a partir del contacto con la cultura japonesa, a mediados del siglo XIX
(relaciones comerciales entre Japón y Occidente, viajes de numerosos críticos
e historiadores por tierras japonesas y la Exposición Universal de París en
1878 en la que el pabellón japonés había tenido un enorme éxito
En una nueva tendencia de apertura hacia otras culturas se despertó la
admiración por el exotismo de lo lejano y por el evidente alto grado de
civilización de la cultura asiática. Acababa de nacer una auténtica moda.
La reacción en las artes plásticas no se hizo esperar mucho tiempo. Xilografías
procedentes del Japón, reimpresas a bajo precio o cuidadosamente
importadas, marcaron de repente el estilo a seguir. Sus contornos delimitados
fueron la respuesta adecuada a la dispersión de las formas en el
Impresionismo, y su decorativo colorido una reacción a la triste escenificación
de la miseria tan propia del Naturalismo.
“En cuanto a lo de quedarme aquí en el Midi, aunque sea más caro, veamos: nos gusta
la pintura japonesa, hemos experimentado su influencia, todos los impresionistas
tienen eso en común, y ¿no iríamos a Japón, es decir, al equivalente del Japón, el Midi?
Creo, pues, que, después de todo, el futuro del nuevo arte está todavía en el Midi…
Los japoneses dibujan rápido, muy rápido, como el rayo, y es porque sus nervios son
más finos, su sentido más simple.” VAN GOGH, extracto de una carta a THEO

El anciano Tanguy de frente, casi simétrico, sentado
en primer plano y con un aspecto monumental. Esta
imagen simplista contrasta con la complicada
estructura del fondo cuya pared está empapelada de
estampas japonesas. Todo el conjunto acusa una
enorme falta de profundidad, de perspectiva; Van
Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y
empastada, que será su marca identificativa en
adelante.
En la pincelada y el uso del color se deja notar la
influencia divisionista que conoció directamente de
Seurat y Signac. La línea roja del contorno de Tanguy
contrasta con los verdes que predominan en el
contorno.
También en las manos y barba hay toques de verde.
Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en
beneficio de la expresión del artista también será
constante a lo largo de su obra.“Retrato de Père Tanguy”, 1887-88
En el comercio de Père Tanguy, Van Gogh compraba
los útiles de pintura. En una habitación contigua
Tanguy había instalado una pequeña galería,
totalmente desapercibida al gran público. Père
Tanguy es casi una figura clave del arte moderno, no
en vano en su cuarto trasero expusieron sus obras
van Gogh, Seurat, Gauguin y Paul Cézanne, es decir,
precisamente los cuatro artistas a los que más tarde
se calificará de precursores del siglo XX.

VAN GOGH: “la cortesana, 1887
Una importante fuente de inspiración fueron las estampas
japonesas grabadas en madera, que el mismo artista
coleccionaba. De hecho, Van Gogh copió en algunos cuadros
estas impresiones; en otras obras, su influencia se refleja en
peculiares composiciones, colores vivos y contornos marcados.
KEISAI EISEN: La cortesana, Nishiki-e“,1820

ANDO HIROSIGE: “Gente en el puente sorprendida por la lluvia”
VAN GOGH: “Puente sobre el río”, 1887
Frente a la textura lisa y extendida por zonas de Hiroshige, el colorido pastoso
de Van Gogh acentúa un sello personal que no puede equipararse al original.

“Envidio a los japoneses por la increíble y
limpia claridad de la que están impregnados
todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos
ni dan la impresión de haberse realizado a la
ligera... Su estilo es tan sencillo como
respirar. Son capaces de hacer una figura con
unos pocos trazos seguros, y que parezca tan
fácil como abotonarse el chaleco.”
VINCENT VAN GOGH
Inspirados en obras de Hiroshige, uno de los últimos maestros famosos en la técnica de la
xilografía. Van Gogh europeizó los temas que le servían de modelo, los adaptó a su propio
lenguaje pictórico hasta conseguir que correspondieran a la tendencia del momento.
“Ciruelo en flor”, 1887
1856-58 1887

La etapa parisina fue la más importante para su aprendizaje, y a
pesar de rechazar los academicismos, a medida que el arte se
convertía en su razón de vivir, más conocimientos asimilaba en
aquel entorno enteramente dedicado al cultivo de las artes. De
este modo se sentía dispuesto a emprender el camino que, como
Cézanne, tantos habían seguido antes que él. Quería irse al sur,
donde la naturaleza, tan necesaria para sus estudios, era más
agradable, la luz más clara y los colores más intensos.
El 20 de febrero de 1888 Vincent van Gogh tomó el tren que le
llevaría a Arles.

En febrero de 1888 se traslada a Arlés. Marchó allí animado por
Lautrec, buscando lo apacible. En Arlés encontró una primavera plácida
y de equilibrio, que cambió en la navidad del mismo año al contactar
con Gauguin. Se instaló en una pequeña pensión, encima del café de la
estación. Alquila la famosa Casa Amarilla, donde pensó establecer el
refugio de sus amigos.
Allí la pintura de Van Gogh evoluciona hacia lo que será totalmente
característico de su pintura: la exaltación del color, que se convierte
en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del
color el artista se expresa con una pincelada continua, fuerte y
agresiva, aplicando un color abundante y pastoso. Sus problemas
psíquicos hacen que su pintura sea cada vez más exaltada, reflejo de su
atormentada vida interior.
Arlés 1888-1889

Vincent pensaba que había entendido el color en París, pero eso no era nada
comparado con la intensidad tonal sobre los campos de Provenza. Todo parecía
más acentuado. Vincent había visto la luz. En los catorce meses que pasó en
Arlés, pintó cerca de doscientos cuadros, entre los cuales hay obras maestras
como La casa amarilla (1888), Naturaleza muerta con plato de cebollas (1889), El
sembrador (1888), Café nocturno (1888), Girasoles en un jarrón (1888), Noche
estrellada sobre el Ródano (1888) y La habitación (1888). Dijo por entonces:
«Quiero llegar al punto en que la gente diga de mi trabajo: “Este hombre siente
profundamente”».
Quería que todo en él representara descanso: los colores, la composición, la luz,
la atmósfera y el mobiliario.
Arlés fue la ciudad favorita de Van Gogh: le parecía que evocaba la sencillez y la
belleza del mundo que presentan las estampas japonesas. En 1888 escribió a
Theo: «Envidio la extremada claridad con la que los japoneses hacen sus obras.
Nunca resulta aburrido y nunca parece que haya prisa. Es tan sencillo como
respirar y hacen una figura con un par de trazos certeros con la misma facilidad
con la que coserían un botón».

“Café de Noche”, 1888
“Barcos en Santes-Maries”, 1888 “Puente de Langlois con Lavanderas”, 1888 “Mediodía: final del trabajo”, 1889-90
“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, 1888 “Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888
“La habitación de Arlés”, 1888 “La casa amarilla”, 1888 “El sembrador”, 1888

“Viniendo de las oscuras tonalidades de su patria, Holanda, cuando
finalmente llega al sur de Francia, a Arlés, pinta los verdaderos colores del
Mediodía bajo ese sol que quema incluso la razón.
(…) Pintor, Vincent se transfigura cuando expresa la necesidad de una ética
del artista, a quien sueña abandonando la mundanidad estéril del París para
entregarse místicamente a la búsqueda del color, la verdadera luz, lo que el
ojo no puede ver. Quiere crear un atelier comunitario en Arlés y con bastante
sensatez sueña utopías como transformar las desoladas salas del hospicio
en un taller con comida barata para pintores. ” CLAUDIA SCHVARTZ

Desde la soledad por él escogida de Arlés, Van Gogh confió
en sus “Cartas a Theo”, que pueden leerse como un diario
ininterrumpido, todas sus ideas y esperanzas. Estas cartas
escritas por un hombre humilde, un artista casi autodidacta,
que no tenía idea de la fama que iba a alcanzar, figuran entre
las más emocionantes y sugestivas de toda la literatura.
Muestran claramente cómo su actividad artística iba
progresivamente dominando su concepto de la realidad. En
ellas podemos percibir sus luchas y sus triunfos, su
desesperada soledad y su anhelo de camaradería, así como
llegar a darnos cuenta del inmenso esfuerzo que desarrolló
trabajando con febril energía. Por otro lado documentan
también el alto nivel teórico con el que trabajaba.THEO VAN GOGH
Cartas y cuadros forman, dentro de su obra, una paradójica unidad en la
que una enternecedora e ingenua falta de comprensión por el mundo que le
rodea va acompañada y completada por una enorme facultad de reflexión.

“Les Alyscamps. La caída de las hojas en otoño”, octubre,1888

Para la decoración de
la casa amarilla,
Vincent realizará en
octubre una serie de
jardines otoñales,
influidos por
el Impresionismo al
interesarse por
conceptos lumínicos
que recuerdan
a Pissarro o Monet.
Las sombras se
distribuyen por la
superficie
contrastando con los
espacios soleados
donde los colores
resaltan su brillantez.
Las pinceladas
rápidas dominan el
conjunto.
“Pareja en el parque de Arlés”, octubre,1888

“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, junio, 1888
 La carreta ocupa
el lugar central de
la composición
(destaca con
tonos azules).
 Multiplicidad de
elementos
distribuidos en un
espacio de gran
profundidad.
 Punto de vista y
línea de horizonte
elevados.
 Armonía
cromática:
naranjas y ocres,
evolucionando
hacia el amarillo y
azul del fondo.
“Una campiña infinita y llana -contemplada desde lo alto de una colina a vista de pájaro-,
viñedos, campos de trigo segados. Todo ello se multiplica hasta el infinito y se extiende
como un mar hasta el horizonte, limitado por las colinas de Crau...” VINCENT VAN GOGH

“Avenida con plátanos cerca de la estación de Arlés”, 1888

“Jardín florido en Arlés”, 1888

“Pareja en Arlés”, 1888
"Tengo dos nuevos
modelos, una arlesiana y
un viejo labriego (...)
debe expresarse el amor
de dos que se quieren
mediante la unión de dos
colores complementarios,
mediante la integración y
mediante la misteriosa
vibración de dos tonos
afines“ VAN GOGH

VAN GOGH: “La silla de Vincent, con pipa”, 1888 VAN GOGH: “La silla de Gauguin”, 1888
El artista utiliza para su propia silla colores claros y luminosos, para la de Gauguin se vale de tonalidades oscuras y fuertes. Prevalecen
los colores fríos: el verde y el azul, aunque mitigados por la combinación con el amarillo de los libros y la lámpara y por las pinceladas
que avivan el pavimento; el marrón de la silla no es especialmente alegre y contribuye al tono oscuro del conjunto. La de Van Gogh es
una simple silla de paja, la de Gauguin es una especie de poltrona, con asiento más grande y brazos. Para simbolizar al ocupante,
Vincent ha representado libros y una vela. La iluminación de la estancia se consigue con una lámpara de petróleo colgada de la pared.

“La casa amarilla”, 1888
Durante su estancia en Arlés,
Van Gogh soñaba con convertir
su casa, la Casa Amarilla, en un
"Estudio o Taller del Sur",
donde los pintores pudieran
acudir y vivir en comunidad
artística y económica, así como
mantener un enriquecedor
intercambio de ideas.
La casa amarilla estaba situada
en la Plaza Lamartine, número
dos, en el extremo norte de la
ciudad, cerca de la estación de
ferrocarriles, al lado de los
muelles del río Ródano y
próxima a una zona donde
abundaban los prostíbulos.

“La cúpula del cielo, sobre todas las cosas y por todas partes, es de un magnífico azul; el
resplandor del sol es de un pálido amarillo azufre, y es tan suave y delicioso como la
combinación de azules cielo y amarillos de las obras de Vermeer de Delft” VAN GOGH
“La casa amarilla”, 1888

“Barcos de pesca en Santes-Maries”, 1888
“He pasado una
semana en Saintes-
Maries.
En la lisa playa de
arena fondeaban
pequeñas barcas
verdes, rojas y
azules, de formas y
colores tan bellos
que hacían pensar
en flores.
Un solo hombre las
maneja. Son tan
pequeñas que casi
nunca van a alta
mar. Salen cuando
no hace viento y
regresan a tierra
cuando éste sopla
con demasiada
fuerza.”
VAN GOGH

“Barcas con arena”, 1888
«Los
pescadores
saben que el
mar es peligroso
y la tormenta,
terrible. Pero
eso no les
impide hacerse
a la mar.»
VAN GOGH

VAN GOGH

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