El documento resume la evolución de la escultura griega desde el período arcaico hasta el período helenístico. En el período arcaico, las esculturas como la Kore del Peplo y los Kouroi muestran rigidez y falta de naturalidad. En el período clásico, escultores como Fidias y Polícleto buscaron la belleza, armonía y equilibrio en obras como el Doríforo. En el período helenístico, Praxíteles transmitió movimiento en obras como la Venus de Cn

1. ESCULTURA GRIEGA

2. EVOLUCIÓN
KORÉ DE PEPLO AFRODITA DE CNIDO VICTORIA DE SAMOTRACIA

3. KORÉ DE PEPLO
PERÍODO ARCAICO
RIGIDEZ
POCA NATURALIDAD

4. PERÍODO CLÁSICO
SE BUSCA:
BELLEZA
ARMONÍA
EQUILIBRIO
AFRODITA DE CNIDO

5. VICTORIA DE SAMOTRACIA
PERÍODO
HELENÍSTICO
SE BUSCA
 TRANSMITIR EL
MOVIMIENTO
DRAMATISMO

6. CARACTERÍSTICAS GENERALES:
La belleza se concibe como medida, proporción
entre las partes (Canon). Ideal de belleza
antropomórfico
Romperán la frontalidad egipcia (a lo largo del
tiempo) para poder concebir la escultura como
forma que debe ser contemplada desde todos los
ángulos. Por ello la mayor parte es exenta
Materiales, en época Arcaica, piedra caliza y en E:
Clásica; mármol blanco y bronce ( a partir de la
técnica de la cera perdida)
Muchas han llegado a través de copias romanas
en mármol de originales en bronce

7. PERÍODO ARCAICO
Kouroi o kurós
jóvenes atletas
desnudos
Koré, mujeres sacerdotisas
Uniformidad de estilo
Desnudos masculinos.
Un convencionalismo del
arte griego
Representación frontal

8. Dos tipos básicos
Con peplo dórico: creaciones
simétricas, con pocos pliegues en la
túnica y muy rígidas
Con peplo jónico: Los pliegues de la
túnica conceden más dinamismo a la
figura
Son estatuas votivas pequeñas en
piedra o terracota
Poco expresivas y estáticas
Al igual que en Egipto se representa el
cabello en diferentes pisos
Hera de Samos.-
(570 a.C.)
Anónimo. Museo
de Louvre. (192
cm.). En mármol
La Kore del
Peplo.- (120
cm.) 540 a.C.
Museo de
Atenas. En
mármol
KORÉ

9. La Dama de Auxerre. Anónima.-
(Siglo VII a.C), Piedra caliza, 75
cm. Museo del Louvre. Es una de
las primeras Kores conocidas del
arte griego en el llamado estilo
Dedálico.
Su túnica o peplo dórico es liso y
recogido en la cintura con un
cinturón, lleva un manto sobre los
hombros. La falda aunque es lisa,
lleva una decoración geométrica y
debió estar coloreada. La figura se
alza sobre un zócalo con los pies
muy juntos, a diferencia de las
representaciones masculinas o
Kuoros. Acusa gran influencia
egipcia.

10. Los hermanos Cleobis y Biton.-
Polimedes de Argos.- (aprox.
615 a.C.) Museo arqueológico de
Delfos.- Estatuas tipo Kuoros o
Kurós, 218 y 216 cm de altura
AL igual que en Egipto,
rigidez, frontalidad y
monumentalidad
Disposición geométrica de
los cabellos
Ojos almendrados
Sonrisa arcaica (curvatura
de los labios hacia arriba)
Brazos pegados al cuerpo y
un pie ligeramente adelantado
Representación naturalista
Destacan los músculos, el
trabajo de las rodillas
KOUROI O KURÓS

11. El kouros es la
representación plástica
donde se refleja el ideal
de belleza masculina en la
Grecia arcaica. De clara
influencia egipcia, la figura
aparece totalmente
desnuda, hierática, frontal
y con los brazos pegados
al cuerpo. A pesar de la
rigidez del cuerpo, en el
rostro podemos apreciar
una sonrisa arcaica
KOUROS DE MILOS

12. PERIODO CLÁSICO
Mayor movimiento y libertad de posturas en las
creaciones
Artistas que vamos a estudiar:
Mirón
Polícleto
Fidias
Praxíteles

13. Mirón:realizó su obra entre el periodo anterior y éste,
en la primera mitad del s.V. Trabajó principalmente el
bronce
EL DISCÓBOLO
Hay distintas copias, en mármol, aunque
en su origen era de bronce. Refleja la
preocupación de Mirón por el movimiento,
por el estudio de la anatomía y por reflejar
la realidad. Representa el momento en el
que el atleta va a lanzar el disco, por ello
todo el cuerpo está en tensión. La cabeza
no se acaba de corresponder con el
cuerpo, ya que está demasiado tranquilo,
concentrado, pero sereno. La musculatura
está bastante marcada, aunque todavía
resulta algo plana. El cuerpo está
realizando un giro muy violento y en él se
contrapone la parte inferior con la
superior. Los brazos crean un semicírculo.

14. La obra, muy posiblemente
estuvo en la esquina noroeste
del Partenón. Refleja el
momento en que la diosa arroja
la flauta al descubrir que
deforma sus mejillas y Marsias
retrocede en un vivo movimiento
que revela al mismo tiempo
sorpresa y anhelo de acercarse
a recoger el instrumento que ha
embelesado sus oídos. Ambas
figuras forman una composición
en uve con vértice en la flauta y
sus movimientos, pausado y
contenido el de la diosa, y
abierto e instantáneo el del
sátiro, se articulan en un
equilibrio perfecto.
¿Recordáis el mito de Atenea y Marsias?. La
diosa orgullosa porque ha creado la flauta y al
ver reflejado su rostro deformado al tocarla, la
tira muy lejos y es Marsias quien la recoge y
después reta a Apolo?
Atenea y Marsias

15. Es el representante de la
escuela de Argos. Teórico de la
anatomía humana, escribió “EL
Kanon”: las dimensiones de la
cabeza representan 1/7 parte
del cuerpo. Pare él la belleza
reside en la armonía (simetría)
del cuerpo humano
La figura humana que recrea
Polícleto está en distintas
actitudes, pero siempre en
calma, armonía, con proporción
y equilibrio.
POLÍCLETO

16. EL DORÍFORO
También llamado "El Canon" porque es la
escultura que mejor representa la armonía
y proporción que buscaba Policleto. Es
llamado así porque es el portador de la
lanza, se encuentra en actitud de marcha.
Hay quien dice que era Aquiles, pero en
todo caso es un atleta. Mide poco más de
siete cabezas y la cabeza está dividida en
tres partes iguales: la frente, el espacio
que hay de la frente a la nariz y el que hay
de la nariz a la barbilla. Hay una cierta
geometrización. Otra característica típica
de Policleto es que marca mucho los
pliegues torácicos y de las ingles, que
forman segmentos casi semicirculares
cuyo centro es el ombligo. La cabeza está
girada, el pelo está demasiado pegado la
cabeza, recordando un poco la época
anterior, pero en todo caso hay una
individualización y una gran riqueza.

17. Fidias:
Vivió en el s.V a.C. Era
ateniense y es, en Atenas,
donde hizo la gran mayoría de
sus obras, muchas veces por
encargo de Pericles y en
relación con la Acrópolis, como
las tres Ateneas.
Es autor de la decoración
escultórica y de la gran
estatua criselefantina deAtenea
Partenos que estaba situada
como pieza central del templo
(medía doce metros de altura y
para su elaboración se
necesitaron 1.200 kilogramos de
oro).
Maneja tanto el bronce como el
mármol y también realiza
algunas esculturas
criselefantinas, de marfil y oro.
EL Partenón
El diseño del Partenón estuvo
condicionado inicialmente para
albergar la imagen de oro y marfil de
Atenea Parthenos, esculpida por
Fidias.

18. El historiador antiguo Pausanias da una descripción de la
estatua:
“ ...La estatua en sí está hecha de marfil y oro. En el centro de
su casco hay una figura parecida a la Esfinge... y a cada lado
del yelmo hay grifos en relieve. ... La estatua de Atenea es de
pie, con una túnica hasta los pies, y sobre su pecho la cabeza
de Medusa está tallada en marfil. Sostiene una Victoria de
aproximadamente cuatro codos y en la otra mano una lanza;
a sus pies yace un escudo y cerca de la lanza hay una
serpiente. Esta serpiente podría ser Erictonio. Sobre el
pedestal está el nacimiento de Pandora en relieve.”
Atenea Parthenos

19. Atenea Parthenos

21. En el friso corrido
Se representa la procesión de las Panateneas, en donde se
conmemoraba la celebración de las jóvenes que estaban todo
el año tejiendo en peplos de Atenea y se lo ofrecen a la diosa
en medio de grandes fiestas.
Las jóvenes van acompañadas por multitud de otras gentes,
como jóvenes llevando animales para ofrendas, personajes
públicos, etc. Arranca de la esquina suroeste para llegar a la
noreste donde acaba el friso con una asamblea de los dioses,
que están sentados. El relieve también es ático, pero al ser un
friso corrido, las figuras van unas delante de otras sin
interrupción y hay distintos planos, con lo que hay alto, medio
y bajorrelieve que dan un muy buen sentido del volumen. Hay
una gran variedad de posturas y actitudes, pese a que van
todos andando. Además, hay un estudio muy realista del
desnudo, de las telas y también de animales, tanto los que
van a ser ofrendados como los caballos que también van en la
procesión.

22. Praxíteles:
Representa a los dioses como seres humanos
Utiliza: La llamada curva praxiteliana
El esfumato sobre todo en el rostro
puliendo ojos y cejas
Obras a estudiar:
• Hermes con Dionisio niño
• La Venus de Cnido
• La Venus de Arlés

23. HERMES CON DIONISIO NIÑO
La obra representa a Hermes en el acto
de transportar a Dionisio niño, desde el
Olimpo hasta la mansión de las ninfas
encargadas de su crianza. El dios
mensajero hace un alto en la ruta y
ofrece al niño sediento un racimo de
uvas (perdido hoy, en la mano derecha).
Así el grupo adquiere esa humanidad
característica en las representaciones
praxitelianas de los dioses.
Su tendencia al naturalismo puede
observarse en el tratamiento de los
detalles, caso por ejemplo del rostro o el
cabello. La expresión eso sí, mantiene
cierta sensación de distante lejanía,
sólo amenizada por la actitud
espontánea del niño.

24. La Venus de Cnido, Afrodita de Cnido o
Afrodita Cnidea es una de las más
célebres esculturas del escultor griego
Praxíteles y una de sus primeras obras,
realizada en Atenas en torno al año 360 a. C.
La escultura representa a la diosa griega del
amor, la belleza y la fertilidad femenina de
Afrodita, prestándose a realizar, o tras
haberlo efectuado, el baño ritual de las
Eleusiadas. Tal escultura estaba destinada a
exornar el naos de un pequeño templo de
dos aberturas a lo largo de un mismo eje, o
quizá para ubicarse en un templete
monóptero en la ciudad helénica de Cnido
(en Caria, Anatolia). Se la llamó Knidia o
Cnidia porque fueron los habitantes de esta
ciudad quienes adquirieron la estatua
después de que los de la ciudad de Cos la
rechazaran y compraran a Praxíteles una
versión en la cual, la diosa estaba vestida de
forma «más púdica y severa».

25. La Venus de Arles atribuida a
Praxíteles muestra una actitud
distante, así como un fuerte
convencionalismo en el tratamiento
de las telas, por lo que se trataría
de una de sus primera obras,
anterior, sin duda, a la Afrodita de
Cnido. Sin embargo, presenta ya
una importantísima novedad que
se aparta por completo de la
tradición clásica: la total desnudez
de la diosa.

26. PERIODO HELENÍSTICO
 Se pierde la unidad estilística. Diversos centros
como Atenas, Rodas, Alejandría, Pérgamo…
 Se funde la tradición clásica y el orientalismo
creando un nuevo concepto de la vida
 Obras barrocas con gran movimiento y tensión
 Algunos artistas conservan el clasicismo
 Los temas a representar son más variados

27. Las Venus
Venus de Milo
Atribuida a Alexandro.
Museo de Louvre
(150-100 a. C.)
Descubierta en 1820
Ejemplo máximo de
clasicismo ecléctico

28. Más Venus

29. OTROS TEMAS
Estatua de bronce helenística, datada
alrededor del siglo I, que se exhibe en
losMuseoS Capitolinos de Roma.
Representa a un muchacho sentado
mientras se quita una espina de la planta
del pie izquierdo.
Existen varias versiones posteriores del
mismo tema: una estatua de
mármol romana que forma parte de
la colección Uffizi deFlorencia, que fue
copiada por Brunelleschi para incluir la
figura en su célebre Sacrificio de Isaac para
el concurso de la puerta norte del baptistero
de Florencia de 1401; otra copia de mármol
que se encuentra en el Louvre, y otra de
bronce en el museo Pushkin de Moscú.
EL ESPINARIO

30. Original en bronce
del s.II. Se conserva
muy bien, quizá
porque se encontró
en el fondo del mar.
Se encontró también
parte del caballo y
se ha reconstruido.
Muestra un gran
movimiento y un
excelente estudio
anatómico.
EL NIÑO JINETE

31. EL HERMAFRODITA DORMIDO
Es un tema que no gustaba en la época clásica pero en
esta sí. La cara y la espalda son femeninas, mientras
que los órganos genitales son masculinos.

32. ESCUELA DE RODAS
La Victoria de Samotracia
Es del s. II y su autor no se conoce.
Su antecedente es la victoria de
Paionos de Mende. Es una victoria
que acaba de posarse en la proa de
un barco, de ahí el estudio del cuerpo
y de las telas. Hay un gran
movimiento en distintas direcciones.
La tela es muy fina y está pegada al
cuerpo, permite observar la anatomía
perfectamente, pero también hay
zonas en las que se arremolina con
numerosos pliegues y líneas en
diagonal. Las plumas de las alas
también son muy reales.

33. Laocoonte y sus Hijos
Sus autores fueron Agesandros,
Polidoros y Atenodoros. Se
encontró bastante deteriorada y
fue restaurada en numerosas
ocasiones, en el Renacimiento
por ejemplo, por Miguel Ángel.
Representa el castigo que se le
dio a un sacerdote troyano por
dudar del caballo de Troya,
matando tanto a él como a sus
hijos con serpientes marinas. Hay
quien dice que el castigo no fue
por esta razón sino por casarse y
tener hijos y no dedicarse
totalmente a Zeus. Capta el dolor
físico pero, sobre todo, el dolor
interno y moral al ver morir a sus
hijos. Son cuerpos en tensión
intentando librarse de las
serpientes.

34. El Toro Farnesio o el Castigo de Dirce
Fue realizado por Apolonios y Tauriscos. Actualmente se encuentra en el museo
de Nápoles, pero antes era un monumento público y por ello tenía estructura
piramidal. Representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden
castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un
toro hasta morir. Museo de Nápoles

35. ESCUELA DE PÉRGAMO
GÁLATA MORIBUNDOLOS GÁLATAS
No se conserva el original.
Reconstrucción del posible
monumento

36. Los Gálatas
Fue mandado realizar por Atalo I tras vencer a los gálatas. Era un
monumento público y por ello se dispone el grupo en una composición
triangular o piramidal. El grupo está formado por el jefe de los gálatas,
que está de pie sujetando a su mujer, que está a un nivel un poco más
bajo, y a su alrededor hay cuatro figuras malheridas tumbadas.
La parte central es la del jefe con su mujer. Están perfectamente
entrelazados pero en posturas contrapuestas para dar distintos puntos
de vista. Hay un contraste entre la mujer vestida ya muerta y
desplomándose y el hombre desnudo, todavía vivo y de pie. La pesadez
de la mujer se deja ver, así como la fuerza que está haciendo su marido
para sujetarla. La mujer tiene los brazos formando un semicírculo y con
la cabeza totalmente caída. El hombre lleva un brazo hacia abajo para
sujetarla mientras el otro está hacia arriba clavándose la daga en un
gesto de desafío. Ya está saliendo sangre de la herida que se está
haciendo. El gesto es muy expresivo frente al de su mujer, ya sin vida.
Galo moribundo: tiene una herida del costado y la daga en el suelo.
Está haciendo grandes esfuerzos para no caer, esto se ve en los
brazos. Tiene una extremidad rígida, la otra doblada. Está cerrado en sí
mismo, con la mirada hacia abajo. El cabello tiene un sentido
claramente pictórico.

37. Altar de Zeus en Pérgamos
La escultura se encuentra en el friso corrido y está en altorrelieve. El tema es el de la
gigantomaquia, la lucha de los dioses contra los gigantes. Mide algo más de 100 metros
y hay figuras de hasta dos metros de altura. Hay una gran riqueza de actitudes y
posturas. Los dioses están agrupados de cierta manera: Atenea y Zeus en oriente, los
dioses del día en el lado sur y en el lado norte los relacionados con la noche y la
oscuridad. A los dioses se les da un tratamiento clasicista, mientras que los gigantes se
les trata de una manera más humana, por lo que se refleja la fealdad, etc. Hay una
influencia clara de Escopas ya que se deja ver claramente el pathos con los ojos
hundidos y las bocas abiertas. Estaba bastante deteriorado pero se reconstruyó.