1. Verónica Zegbe Domínguez

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1.- LA COMPOSICIÓN.
Componer es organizar los elementos gráficos y plásticos en el espacio, ya sea
en dos o tres dimensiones, de forma que la expresión visual tenga una coherencia
formal y una lectura comprensible.
1.1.- El Formato (soporte)
La forma y orientación de la superficie de trabajo (soporte), influyen
directamente en la composición de la obra y en las sensaciones que puede transmitir.
Vertical: equilibrio y elevación. Movimiento ascendente
Horizontal: estabilidad, afirmación y continuidad.
Cuadrada: centra la visión. Equilibrio visual
Circular: movimiento envolvente. Suspensión
Ovalada: sosiego
Triangular: presión

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1.2.- La línea visual
• El formato determina la disposición de las formas, que se agrupan y relacionan, formando la
línea visual.
• La línea visual mantiene la atención dentro de los límites de la composición.

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1.3.- Las formas
- Las formas son figurativas cuando representan algo tangible. Las formas que
no tienen un referente objetual son formas abstractas.
Composición figurativa Composición abstracta

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1.3.- Las formas
-Las formas cerradas están definidas por líneas visibles
que delimitan los contornos de los diferentes elementos,
aislando unos de otros y permitiendo ver sus estructuras
por separado.
- Las formas abiertas se estructuran con pinceladas y
manchas que se extienden y se integran en otras formas,
globalizando los elementos de una composición.

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2.- EL ESQUEMA COMPOSITIVO.
Es el conjunto de líneas maestras sobre el que se estructuran los elementos más importantes de
una composición.
Generalmente está formado por:
• figuras geométricas: polígonos, círculos, óvalos ...
• redes modulares simples y complejas
• líneas rectas y curvas relacionada entre sí.
A veces, la complejidad organizativa de una obra hace casi imposible deducir su esquema
compositivo.

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ESQUEMAS COMPOSITIVOS MÁS HABITUALES:

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2.1.- El Equilibrio compositivo en el campo visual (Distribución de Pesos.)
• Peso por posición: Cualquier elemento incrementa su peso visual según se aleja del centro de la
composición
• Peso por tamaño: Cuanto mayor sea el tamaño de los elementos compositivos, mayor será su peso visual
• Peso por color: Los colores cálidos, los oscuros y los tonos tierra resultan más pesados, mientras que los
colores fríos y claros parecen más ligeros y livianos.
•Peso por configuración y textura: Las manchas de colores o texturas, compactos y densos, además de las
configuraciones geométricas, resultan más pesadas que las formas de configuración libre y textura porosa que
dejen entrever la superficie del soporte.

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2.2.- Criterios y leyes Compositivos.
Simetría axial: Los elementos se
disponen a los lados de un eje imaginario
que divide el soporte en dos partes
iguales. Para que exista equilibrio, el
peso visual de los elementos debe ser el
mismo.
Simetría radial: La obra está
estructurada en torno a varios ejes que
parten de un punto situado en el centro
geométrico de la composición, como si
fueran los radios de una rueda.

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Ley de la balanza: La estructura compositiva se
asemeja a la de una balanza, en la que la figura más
importante ocupa el centro jerárquico y visual, siendo
el principal foco de atención de la obra. A ambos lados
de ella se disponen otras figuras, de carácter
secundario y semejante peso visual, que hacen de
contrapunto a la figura principal.
Ley de compensación de masas: El elemento
principal de la composición se sitúa en un lateral del
cuadro y se descentra. Para compensar el
desequilibrio producido, se colocan otras formas o
manchas con suficiente peso visual para contrarrestar
el efecto del descentrado.

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Uniformidad de masas: Los pesos
visuales de todos los elementos, formas
o manchas, de la obra son semejantes y
equilibrados, por lo que la composición
resulta coherente y equilibrada. No
existe un elemento principal que domine
a los demás de forma jerárquica, todas
las formas tienen la misma categoría e
importancia. Lo que domina es una
composición armónica y coherente de
formas, texturas y color.

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La sección áurea: proporción relacionada con una fórmula matemática, que permite dividir la
composición en partes proporcionalmente armónicas, con la relación más estética posible entre
sus elementos, consiguiendo una mayor elegancia visual

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3.- Forma y fondo en la composición.
 El campo visual está delimitado por el
formato y, sobre él, se distribuyen las formas y el
fondo:
• Formas: primer plano; protagonistas
• Fondo: planos secundarios
 Para destacar una forma respecto al resto de
los elementos de una composición, se pueden
variar su tamaño, textura, contorno, color, etc.
 Para integrar unos elementos con otros se
busca semejanza de colores, formas y tamaños.

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Se considera que:
• Toda la superficie rodeada tiende a convertirse en figura, lo restante actuara como fondo.
• Nunca los limites pertenecen a ambos campos, siempre pertenecen a la figura.
• El fondo pasa detrás de la figura.
• La figura es, por lo general, de menor tamaño. El fondo es mas grande y simple.
• El color es más denso y compacto en la figura que en el fondo.
• El fondo puede percibirse como plano o espacio.
• La figura presenta mayor estabilidad, claridad, precisión; siempre esta mas cerca del
observador.
• Todo lo relativo a la figura se recuerda mejor.

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4.- La luz
Es un elemento fundamental para destacar los valores de una escena:
• Concentrando en una imagen el centro de interés.
• Proyectando sentimientos de alegría, tristeza, misterio, emoción
• Modificando formas con la creación del contraste (claroscuro)
• Difuminando contornos y modelando superficies.

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5.- El color.
Al igual que la luz, el color es un elemento modificador
de los aspectos estructurales de una obra plástica.
• colores armónicos: tranquilidad, seriedad, serenidad
...
• colores contrastados: nerviosismo, emoción.
• colores cálidos: emoción, pasión.
• colores fríos: profundidad, tristeza.
Los colores armónicos o análogos ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda
de colores o círculo cromático. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de
combinaciones es frecuente en la naturaleza.

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Colores complementarios o contrastados
Los colores complementarios se encuentran en puntos opuestos del
círculo cromático. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera
que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla
asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos
para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte
impacto a través del color.
complementarios divididos
En lugar de utilizar un par de complementarios, se utilizan los
situados en posiciones inmediatamente adyacentes. El contraste en
este caso no es tan marcado.
Doble armonía de complementarios
Utiliza un par de asociaciones de colores complementarios.
Tríadas o armonía de tres colores
Se eligen tres colores equidistantes en el círculo cromático.

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Definición de los colores cálidos y fríos.
Se llaman colores cálidos aquellos que van
del rojo al amarillo y los colores fríos son
las gradaciones del azul al verde. Esta
división de los colores en cálidos y fríos,
radica simplemente en la sensación y
experiencia humana. La calidez y la
frialdad atienden a sensaciones térmicas.
Los colores, de alguna manera, nos
pueden llegar a transmitir estas
sensaciones. Un color frío y uno cálido, o
un color primario y uno compuesto, se
complementan.

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 Los colores cálidos parecen atraernos, mientras que los fríos nos mantienen a distancia.
Pero las propiedades de calidez y frialdad no se refieren solamente a las reacciones del
observador. Caracterizan también al objeto.
 Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso,
soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía,
reserva, misterio, depresión y pesadez.
 El tono cálido parece mas extenso y el frío mas pequeño de lo que realmente es.
 Los tonos cálidos avanzan sobre los tonos fríos, como los oscuros producen una impresión
de mayores pesos, son utilizados los colores claros agrisados para las partes superiores de
los edificios elevados, porque así expresan una mayor altura.
 Los colores cálidos, son los mejores para formas y detalles que son vistos a poca distancia,
los fríos, que tienen un enfoque menos definido, se prestan mejor para masas amplias y
áreas grandes.

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21. Verónica Zegbe Domínguez
Doménikos Theotokópoulos (EL GRECO)
Julián Romero de las Azanas y San Julián
1587-1597, óleo sobre lienzo, (207x127 cm.)
Museo del Prado, Madrid.
Estilo: Manierista

22. Verónica Zegbe Domínguez
Diego Rodríguez de Silva y VELÁZQUEZ
Las Meninas(1656)
óleo sobre lienzo (3,18 x 2,76 m.)
Museo del Prado, Madrid.
Estilo: Barroco

23. Verónica Zegbe Domínguez
Francisco de Goya
Los Fusilamientos de la
Moncloa (1814)
óleo sobre lienzo (3,45x 2,66 m.)
Museo del Prado, Madrid.
Estilo: Barroco

24. Verónica Zegbe Domínguez
FRANCESCO DEL COSSA
La Crucifixión (1470)
Óleo y temple sobre tabla (64 cm.)
National Gallery of Art. Washington
Estilo: Renacimiento

25. Verónica Zegbe Domínguez
FRANCISCO DE ZURBARÁN
Apoteosis de santo Tomás de Aquino
(1470)
Óleo sobre lienzo (486 x 385 cm)
Museo de Bellas Artes. Sevilla
Estilo: Barroco

26. Verónica Zegbe Domínguez
GONZALO BILBAO
Las Cigarreras (1915)
óleo sobre lienzo (305x 402 cm.)
Museo de Bellas Artes, Sevilla.
Estilo: Romanticismo

27. Verónica Zegbe Domínguez
JEAN-FRANÇOISE MILLET
Las Cosechadoras (1857)
Óleo sobre lienzo (110 x 83,5 cm)
Museo D’Orsay, Paris
Estilo: Realismo

28. Verónica Zegbe Domínguez
CLAUDE MONET
Londres, el parlamento (1904)
Óleo sobre lienzo (92x 81 cm)
Museo D’Orsay, Paris
Estilo: Impresionismo

29. Verónica Zegbe Domínguez
VINCENT VAN GOGH
La Iglesia de Auvers-sur-Oise (1890)
Óleo sobre lienzo (74 x 84 cm)
Museo D’Orsay, Paris
Estilo: Postimpresionismo

30. Verónica Zegbe Domínguez
EUGENE DELACROIX
La Libertad guiando al pueblo (1830)
Óleo sobre lienzo (325 x 260 cm)
Museo del Louvre, Paris
Estilo: Romanticismo

31. Verónica Zegbe Domínguez
REMBRANDT VAN RIJN
Lección de Anatomía (1632)
Óleo sobre lienzo (169 x 216 cm)
Galeria Mauritshuis. La Haya
Estilo: Barroco

32. Verónica Zegbe Domínguez
GIOVANNI ANTONIO CANALETTO
Plaza de San Marco (1723)
Óleo sobre lienzo (142 x 205 cm)
Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid
Estilo: Barroco

33. Verónica Zegbe Domínguez
JEAN AUGUSTE INGRES
La gran Odalisca (1723)
Óleo sobre lienzo (91 x 162 cm)
Museo del Louvre. Paris
Estilo: Romanticismo

34. Verónica Zegbe Domínguez
ALBERTO DURERO
Adoración de los Magos (1504)
Óleo sobre tabla (100 x 114 cm)
Gallería degli Uffizi. Florencia
Estilo: Renacimiento