Una Visita Guiada al MURAC
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Primera presentación en público del proyecto MURAC en el ciclo de conferencias sobre Arte Contemporáneo de la Escuela Superior de Arte y Diseño de Logroño (La Rioja). 13 Mayo. 2008
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Una Visita Guiada al MURAC
- 229. Autor desconocido (México 2006)
- 240. Autor desconocido
Notas del editor
- Introducción David
- Dibujo mapa Entrada - museo Sala 1- Artivismo Sala 2- fake Sala 3- Identidad múltiple Sala 4- Etiquetar Sala 5- LO COTIDIANO INSOLITO CAMBIO DE LA REALIDAD Salida
- MUSEO CONTENEDOR _____________________ Murac es una contraconvocatoria o contrapropuesta a los museos existentes, establecidos por sistema e inercia en las ciudades en crecimiento como respuesta al intento de exportar una imagen moderna como reclamo turístico, convirtiendo el “museo” en objeto-contenedor a la manera de un parque temático , anulando las posibilidades que tiene el “museo” de reflejar las políticas artísticas de dicha ciudad como elemento a exportar, anulando las posibilidades que tiene un museo de construir un discurso museístico propio y único de la comunidad en que se erige, anulando así toda posibilidad de convertirse en creador de vida cultural y lo que es más importante de vida pública. (Img. de museos-contenedor característicos)
- Murac cree que no se puede crear un museo de arte contemporáneo, por aprovechar y dar uso a un maravilloso edificio (I. torreón ) usando sus paredes como un almacén de pintura y escultura, (I. de las obras colgadas) con ausencia total de un discurso museístico y con ausencia total de posibilidad alguna de crear vida cultural y vida pública en el lugar y la comarca. (I. del segurata, datos sobre el nº de visitantes, etc.)
- Los “museos-contenedor” son en demasiadas ocasiones una herramienta de utilización política en su insaciable y sospechosa ansia de recabar votos. Esto dificulta enormemente la posibilidad de crear un discurso museístico propio y de interés general que vaya más allá de exponer cuadros y esculturas en sus salas, que estudie e investigue las propuestas artísticas que se producen en el momento en que se erige.
- Son en demasiadas ocasiones una herramienta para las políticas turísticas de revitalización económica de un lugar, en desprecio por apostar por políticas artísticas que revitalicen culturalmente un lugar. (Ejm. de revitalización cultural de un lugar “Evento SantaLuciadeOcón) (Ejm. de revitalización económico-turística Guggenheim, LaRiojaTierraAbierta, escandaloso caso de museo Cantabria [Tanta es la rentabilidad política de los centro de arte que ya se publicitan incluso antes de poner la primera piedra.
- El Efecto guggenheim “fotocopiado” en toda España
- (Ejm. de revitalización cultural de un lugar “Evento SantaLuciadeOcón) (Ejm. de revitalización económico-turística Guggenheim, LaRiojaTierraAbierta, escandaloso caso de museo Cantabria [Tanta es la rentabilidad política de los centro de arte que ya se publicitan incluso antes de poner la primera piedra.
- (Ejm. de revitalización cultural de un lugar “Evento SantaLuciadeOcón) (Ejm. de revitalización económico-turística Guggenheim, LaRiojaTierraAbierta, escandaloso caso de museo Cantabria [Tanta es la rentabilidad política de los centro de arte que ya se publicitan incluso antes de poner la primera piedra.
- El caso más paradigmático es el del Museo de Cantabria, del que no existe más que la maqueta. En la Dirección de Cultura autonómica sólo saben que albergará un museo de arte contemporáneo y otro de prehistoria. No hay ni director ni proyecto museístico. Faltan años para verlo en pie pero ya se ha presentado en Arco y ¡hasta sale en los anuncios televisivos de promoción turística! ] )
- ESCULTURA PÚBLICA ______________________ Pero por desgracia estas políticas artísticas (erróneas) no se llevan a cabo sólo en la construcción de museos sino que son más evidentes en la resolución que dan los ayuntamientos a la escultura pública instalada en sus espacios urbanos. Estas esculturas públicas denominadas así únicamente por su ubicación, << hacen patente lo que hay detrás de lo visible y de cómo se construyen las decisiones que están detrás de las imágenes >>, hacen patente las políticas artísticas de los ayuntamientos y en ocasiones hacen patente la ausencia de estas.
- Alicia Murria (¿foto d Alicia?) dice sobre este tema: (también podemos decir este texto como nuestro) << (…) ninguna intervención en el espacio urbano es inocua o gratuita, siempre responde a determinados intereses. Lo que podría denominarse como neo-monumentos , tan apreciados por nuestras administraciones públicas a la vista de su propliferación, se convierte en la suma de diferentes intenciones: adopción de signos de modernidad depositados preferentemente en las formas “ abstractas ” y geométricas (aquí la foto de una escultura de Logroño) búsqueda de la actuación de orden “cultural”, si el ciudadano no está interesado en acudir al museo qué mejor forma de buscar su atención hacia el arte que colocar un elemento de grandes proporciones que asalte su mirada mientras se desplaza en su quehaceres cotidianos ( aquí la foto de una escultura de Logroño) ; de otro lado un innegable interés decorativo (aquí la foto de una escultura de Logroño) , ornamental (aquí la foto de una escultura de Logroño) , de embellecimiento de las duras plazas sin árboles (aquí la foto de una escultura de Logroño) y del no menos duro asfalto (aquí la foto de una escultura de Logroño) abundando en la idea, de nuevo, de sacar el arte del museo a la calle (aquí la foto de una escultura de Logroño) con el objeto de estetizar el espacio público ( aquí la foto de una escultura de Logroño) . (…) a menudo la intervención artística en el espacio urbano cumple intenciones correctoras respecto a la arquitectura o procura suavizar errores de planificación; todo ello sin olvidar o menospreciar el objetivo último y fundamental que no es otro que el elemento en cuestión, llámesele neo-monumento o pura y simple escultura –siempre de gran tamaño-, cumpla el papel que ha ostentado desde siempre: ser emblema propagandístico del poder (ya sea político o económico, o ambas cosas a la vez)>> (aquí la foto de una escultura de Logroño)
- La idea del Murac de escultura y arte público de llevar el arte a la calle va por otros derroteros, pasa por la participación y función social (Imagen de obras del Murac en este sentido: YoCreo,…). Murac halla el arte en los pequeños gestos estéticos y así lo refleja en su “colección permanente” y en sus “ artciones ”. Murac ensaya dar respuesta a las prácticas de representación contemporáneas surgidas de forma espontánea en la ciudad. Por eso decimos que las obras no están dentro del museo, sino que el museo está donde se encuentre la obra. (Img. de obras del Murac) Murac se muestra contra la utilización de la escultura pública-monumento como imagen del poder, que no cumpla ninguna función social útil para los ciudadanos en su relación con el entorno: la ciudad. Murac se muestra por un arte reconciliador entre la ciudad y sus habitantes y por el papel del arte público. Murac en sus arciones actúa como mediador entre las instituciones riojanas (sin políticas artísticas) y las personas que las soportan: Así cuando fue invitado a exponer por el Ayuntamiento de Logroño en una semana cultural (que no nombraré) lo que hizo fue comisariar una exposición de unos jovenes artístas a los que previamente había impartido unas nociones de autorretrato y pintura. (subsanando así un error del ayuntamiento que nunca había invitado antes a estos jóvenes a expresarse en esa semana cultural) [luego lo presento a la muestra] Otra vez fue invitado por una escuela de arte y diseño a pintar una pizarra y lo que produjo fue una tabla didáctica en la que los estudiantes podían aprender los pasos a seguir para convertirse en artistas en esta ciudad. Durante la muestra joven saco las cajas de envalar de las obras a la calle, como el lugar que ocupaba en esa exposición.
- La idea del Murac de escultura y arte público de llevar el arte a la calle va por otros derroteros, pasa por la participación y función social (Imagen de obras del Murac en este sentido: YoCreo,…). Murac halla el arte en los pequeños gestos estéticos y así lo refleja en su “colección permanente” y en sus “ artciones ”. Murac ensaya dar respuesta a las prácticas de representación contemporáneas surgidas de forma espontánea en la ciudad. Por eso decimos que las obras no están dentro del museo, sino que el museo está donde se encuentre la obra. (Img. de obras del Murac) Murac se muestra contra la utilización de la escultura pública-monumento como imagen del poder, que no cumpla ninguna función social útil para los ciudadanos en su relación con el entorno: la ciudad. Murac se muestra por un arte reconciliador entre la ciudad y sus habitantes y por el papel del arte público. Murac en sus arciones actúa como mediador entre las instituciones riojanas (sin políticas artísticas) y las personas que las soportan: Así cuando fue invitado a exponer por el Ayuntamiento de Logroño en una semana cultural (que no nombraré) lo que hizo fue comisariar una exposición de unos jovenes artístas a los que previamente había impartido unas nociones de autorretrato y pintura. (subsanando así un error del ayuntamiento que nunca había invitado antes a estos jóvenes a expresarse en esa semana cultural) [luego lo presento a la muestra] Otra vez fue invitado por una escuela de arte y diseño a pintar una pizarra y lo que produjo fue una tabla didáctica en la que los estudiantes podían aprender los pasos a seguir para convertirse en artistas en esta ciudad. Durante la muestra joven saco las cajas de envalar de las obras a la calle, como el lugar que ocupaba en esa exposición.
- La idea del Murac de escultura y arte público de llevar el arte a la calle va por otros derroteros, pasa por la participación y función social (Imagen de obras del Murac en este sentido: YoCreo,…). Murac halla el arte en los pequeños gestos estéticos y así lo refleja en su “colección permanente” y en sus “ artciones ”. Murac ensaya dar respuesta a las prácticas de representación contemporáneas surgidas de forma espontánea en la ciudad. Por eso decimos que las obras no están dentro del museo, sino que el museo está donde se encuentre la obra. (Img. de obras del Murac) Murac se muestra contra la utilización de la escultura pública-monumento como imagen del poder, que no cumpla ninguna función social útil para los ciudadanos en su relación con el entorno: la ciudad. Murac se muestra por un arte reconciliador entre la ciudad y sus habitantes y por el papel del arte público. Murac en sus arciones actúa como mediador entre las instituciones riojanas (sin políticas artísticas) y las personas que las soportan: Así cuando fue invitado a exponer por el Ayuntamiento de Logroño en una semana cultural (que no nombraré) lo que hizo fue comisariar una exposición de unos jovenes artístas a los que previamente había impartido unas nociones de autorretrato y pintura. (subsanando así un error del ayuntamiento que nunca había invitado antes a estos jóvenes a expresarse en esa semana cultural) [luego lo presento a la muestra] Otra vez fue invitado por una escuela de arte y diseño a pintar una pizarra y lo que produjo fue una tabla didáctica en la que los estudiantes podían aprender los pasos a seguir para convertirse en artistas en esta ciudad. Durante la muestra joven saco las cajas de envalar de las obras a la calle, como el lugar que ocupaba en esa exposición.
- VALIDADOR _________________ Decía Dubuffet que quería alejarse del “ clan de los intelectuales profesionales ” y de los “ tanatorios del embalsamamiento ” como llamaba a los museos, nosotros lo que queremos es convertirnos en uno de ellos. Los museos, centros de arte y galerías ostentan actualmente la exclusividad de validación de las prácticas artísticas. Los museos como intermediarios son los poseedores de la validación, el registro y la catalogación del arte, de ahí que nos constituyamos como museo provocando heredar estos poderes de validación en favor de nuestros intereses Y lo hacemos a través de la imagen, a través de la apariencia. Ya lo harían otros antes:
- _Ya lo harían otros antes, como Marcel BROODTHAERS en 1968 o Sandra Gamarra en 1972 EL MUSEO COMO FICCION-ANTECEDENTES DE MUSEOS FICTICIOS Una página web , un catálogo ficticio de su colección (souvenir y visita guiada) validan la existencia del LiMac (Museo de arte contemporáneo de Lima) , un museo sin identidad espacial o física creado por Sandra Gamarra , cuya estrategia, “su crítica hacia la fiebre de los museos sufridas por numerosas ciudades contemporáneas, incluye un toque de sátira, una negación de la realidad que es sustituida por la virtualidad: el souvenir en lugar de la obra de arte, la visita guiada en lugar de la visita al museo. El Li-Mac, un simulacro en el sentido semántico que Jean Baudrillard le dió al término, una copia sin original, puede ser interpretado como una corrupción del “sentido de autoría” y de la unicidad del objeto de “alto arte”, validando la multiplicidad de la reproducción como la Boite en Valise de Duchamp, los Múltiples de Beuys o las Merdas d artista de Manzoni. En este sentido se trata además de una crítica al mundo de la producción artística, tras la elocuente paradoja de una institución que confía exclusivamente en su cara mediática, mas interesada en su merchandising corporativo que en cualquier noción de dispersión cultural”. A.Minima.p.57 En esta ocasión el LiMAC , los objetos (libros, postales, camisetas, catálogos) que habitualmente crean su propia “exposición itinerante”, recordando la idea de “museo portátil”, son ahora (junto a reproducciones de objetos pertenecientes a otros museos) apropiados, copiados y comercializados en un “circuito alternativo de venta y difusión” ( Manta Museum ), multiplicando las relaciones de ambigüedad entre lo real y lo ficticio, lo legal y lo ilegal y aumentando sus posibilidades de estar a disposición del comprador para “satisfacer sus ansias de posesión y de recuerdo”. Wendy Navarro LiMac , es un proyecto iniciado por la artista Sandra Gamarra (Lima, 1972) en 2003, como una plataforma virtual y de exposición física en espacios de arte contemporáneo, que se propone como un museo conceptual de arte contemporáneo, indicando la ausencia de un espacio similar en la ciudad de Lima. El proyecto se encuentra permanentemente activo en la Web, incrementando su colección, y ha sido expuesto internacionalmente en el MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España, 2005), ARCO (Madrid, 2005), la Fundación Marcelino Botín (España, 2006), la Galería Lucía de la Puente (Lima, 2007), la Galería Leme (Sao Paulo, 2007) y la Galería Juana de Aizpuru en Madrid http :// www .li- mac . org -MARCEL BROODTHAERS. Museo de arte moderno - departamento de las águilas. […]su Museum d'Art Moderne, Départemente d'Aingles, formado por fichas, cajas y tarjetas postales con los que propone una nueva mirada a las formas institucionales de hacer en el mundo del arte. Era un museo que no tenía colección y que no organizaba exposiciones temporales. Estaba organizado en &quot;secciones&quot;. La particularidad principal era que creó la pieza en su casa y la concibió como si de un museo itinerante se tratara. Pero de lo que se trataba realmente era de presentar la posibilidad de repensar la idea de museo y hacerlo desde la opción de la ficción. El museo como ficción. La pieza creció, fue mostrada en la Documenta de Kassel en la que se expuso la última &quot;sección&quot;, que sería llamada Musèe d'Art Ancien, Départemente des Aigles, Galerie du XX Siècle. http://www.elcultural.es/Historico_articulo.asp?c=22472 ¿Qué es arte?, ¿Cuál es el papel del artista?, ¿Cuál es la función social de un museo? Marcel Broodthaers, figura protagónica de la historia del arte del siglo XX, exploró estas fundamentales interrogantes. En 1968, Broodthaers fundó el Museo de Arte Moderno, Departamento de Águilas aludiendo al “museo como ficción” con el propósito de redefinir las fronteras de los modelos dominantes de representación en el arte y la crítica de aquellos años. http://www.manifesta.es/cas/artistas/artistas/broodthaers.htm En 1968, Broodthaers fundó el Museo de Arte Moderno, Departamento de Águilas aludiendo al “museo como ficción” con el propósito de redefinir las fronteras de los modelos dominantes de representación en el arte y la crítica de aquellos años. Así, en 1968, funda el Museo de arte moderno, departamento de las Águilas, formado por fichas, cajas y tarjetas postales, mediante el cual cuestiona el funcionamiento de las instituciones artísticas. Broodthaers, Marcel Saint – Gilles (Bruselas), 1924 – Colonia, 1976 No faltan, por supuesto, referencias a uno de sus trabajos más celebrados, su Museum d'Art Moderne, Départemente d'Aingles, formado por fichas, cajas y tarjetas postales con los que propone una nueva mirada a las formas institucionales de hacer en el mundo del arte. Era un museo que no tenía colección y que no organizaba exposiciones temporales. Estaba organizado en &quot;secciones&quot;. La particularidad principal era que creó la pieza en su casa y la concibió como si de un museo itinerante se tratara. Pero de lo que se trataba realmente era de presentar la posibilidad de repensar la idea de museo y hacerlo desde la opción de la ficción. El museo como ficción. La pieza creció, fue mostrada en la Documenta de Kassel en la que se expuso la última &quot;sección&quot;, que sería llamada Musèe d'Art Ancien, Départemente des Aigles, Galerie du XX Siècle . Marcel Broodthaers centra en el ámbito del museo su estudio sobre las definiciones del arte y sus sistemas de circulación, partiendo del rechazo del marco tradicional de la institución. En su obra juega con la estabilidad de las categorías artísticas, y subvierte las relaciones tradicionales entre el objeto artístico y los sistemas de presentación y recepción. Interroga al museo a partir de las relaciones de la obra y el entorno social; es decir, interroga a la función misma de la obra y del público. Utiliza mecanismos de descontextualización y de acumulación que le permiten abordar diferentes niveles de ficción de la obra y de la exposición: el décor [decorado] es una ilusión, la artificialidad del hecho artístico llevada a las últimas consecuencias, en contraposición con la idea de verdad del objeto artístico tradicional. IMG._Marcel Broodthaers. (Belgian, 1924-1976). Museum-Museum . 1972. Screenprint on two sheets, composition: 33 x 46 1/2&quot; (83.9 x 118.2 cm); sheet (each): 33 x 23 1/4&quot; (83 x 59.1 cm). Publisher: Edition Staeck, Heidelberg, Germany. Printer: Gerhard Steidl, Göttingen, Germany, Goettingen, Germany. Edition: 100. The Associates Fund. © 2008 Artists Rights Society (ARS), New York / SABAM, Brussels IMG._Marcel Broodthaers. (Belgian, 1924-1976). The Fishes . 1975. Painted and printed unstretched canvas, in nine parts, Each 31 1/4 x 39 1/4&quot; (79.4 x 99.8 cm); overall 8' 1 5/8&quot; x 10' 1 5/8&quot; (248 x 309 cm). Kay Sage Tanguy Fund. © 2008 Artists Rights Society (ARS), New York / SABAM, Brussels IMG._Broodthaers Musée d'Art Moderne Département des Aigles- Section XVII Siècle, Anversa, 1969. L'interno del museo si presenta come in corso di allestimento con una serie di casse d'imballaggio dislocate in vari spazi. IMG._Marcel Broodthaers e Jürgen Harten, Section XIXe Siècle (bis), Städtische Kunsthalle, Düsseldorf, 14-15 febbraio 1970. Invitato alla mostra &quot;between 4&quot; in qualità di direttore del Musée d'Art Moderne département des Aigles Broodthaers presenta la Section XIXe siècle (bis) con otto quadri di pittori tedeschi del XIX secolo della scuola di Düsseldorf, mentre sulla parete opposta espone la documentazione della precedenteSection XIXe Siècle di Bruxelles. IMG._ Marcel Broodthaers, &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles, Section Publicité&quot; 1968-72. Mixed-media installation. 10.000 FRANCOS DE RECOMPENSA (EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO VIVO MUERTO) Del 15 al 18 de diciembre de 2006 Proyecto dirigido por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España-ADACE y organizado por el Ministerio de Cultura, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior-SEACEX y la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento. Sede Antonio Machado de Baeza de la Universidad Internacional de Andalucía. Palacio de Jabalquinto. Plaza de Santa Cruz s/n, Baeza (Jaén) 10.000 francos de recompensa es el título de una entrevista que, en 1974, Marcel Broodthaers concedió a Irmeline Lebeer. En ella, el artista belga criticaba el hecho de que el arte fuese prisionero de sus propios fantasmas, adornara los espacios de las instituciones como signo de poder y deambulara como sombras por los recovecos de la Historia. Claramente, Broodthaers se distanciaba de la posición modernista por la que el museo, como repositorio de las esencias artísticas, tenía que hacer visible de un modo inmanente una realidad universal que debía ser capaz de transformar la sociedad. IMG._ MARCEL BROODTHAERS - Em 1968 fundou o seu &quot;Musée d'Art Moderne. Département des Aigles&quot;, que, segundo as suas próprias palavras era &quot;uma estrutura fictícia, ... uma mentira, um engano que prevaleceu durante quatro anos nas mais diversas formas e manifestações&quot;. Foundation of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; in his home, Rue de la Pépinière, Brussels. Presentation of several sections of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; as discussion of the term museum and its function IMG._1972 Last section and ending of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; as contribution to documenta 5 in Kassel http://images.google.es/imgres?imgurl=http://exteril.com/1pagina/projecto/arte_portatil/Marcel_Broodthaers.jpg&imgrefurl=http://exteril.com/1pagina/projecto/arte_portatil.html&h=480&w=357&sz=23&hl=es&start=257&um=1&tbnid=IXW7B2DT_NsHeM:&tbnh=129&tbnw=96&prev=/images%3Fq%3DMarcel%2Bbroodthaers%26start%3D248%26ndsp%3D18%26um%3D1%26hl%3Des%26lr%3Dlang_es%26sa%3DN
- _Ya lo harían otros antes, como Marcel BROODTHAERS en 1968 o Sandra Gamarra en 1972 EL MUSEO COMO FICCION-ANTECEDENTES DE MUSEOS FICTICIOS Una página web , un catálogo ficticio de su colección (souvenir y visita guiada) validan la existencia del LiMac (Museo de arte contemporáneo de Lima) , un museo sin identidad espacial o física creado por Sandra Gamarra , cuya estrategia, “su crítica hacia la fiebre de los museos sufridas por numerosas ciudades contemporáneas, incluye un toque de sátira, una negación de la realidad que es sustituida por la virtualidad: el souvenir en lugar de la obra de arte, la visita guiada en lugar de la visita al museo. El Li-Mac, un simulacro en el sentido semántico que Jean Baudrillard le dió al término, una copia sin original, puede ser interpretado como una corrupción del “sentido de autoría” y de la unicidad del objeto de “alto arte”, validando la multiplicidad de la reproducción como la Boite en Valise de Duchamp, los Múltiples de Beuys o las Merdas d artista de Manzoni. En este sentido se trata además de una crítica al mundo de la producción artística, tras la elocuente paradoja de una institución que confía exclusivamente en su cara mediática, mas interesada en su merchandising corporativo que en cualquier noción de dispersión cultural”. A.Minima.p.57 En esta ocasión el LiMAC , los objetos (libros, postales, camisetas, catálogos) que habitualmente crean su propia “exposición itinerante”, recordando la idea de “museo portátil”, son ahora (junto a reproducciones de objetos pertenecientes a otros museos) apropiados, copiados y comercializados en un “circuito alternativo de venta y difusión” ( Manta Museum ), multiplicando las relaciones de ambigüedad entre lo real y lo ficticio, lo legal y lo ilegal y aumentando sus posibilidades de estar a disposición del comprador para “satisfacer sus ansias de posesión y de recuerdo”. Wendy Navarro LiMac , es un proyecto iniciado por la artista Sandra Gamarra (Lima, 1972) en 2003, como una plataforma virtual y de exposición física en espacios de arte contemporáneo, que se propone como un museo conceptual de arte contemporáneo, indicando la ausencia de un espacio similar en la ciudad de Lima. El proyecto se encuentra permanentemente activo en la Web, incrementando su colección, y ha sido expuesto internacionalmente en el MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España, 2005), ARCO (Madrid, 2005), la Fundación Marcelino Botín (España, 2006), la Galería Lucía de la Puente (Lima, 2007), la Galería Leme (Sao Paulo, 2007) y la Galería Juana de Aizpuru en Madrid http :// www .li- mac . org -MARCEL BROODTHAERS. Museo de arte moderno - departamento de las águilas. […]su Museum d'Art Moderne, Départemente d'Aingles, formado por fichas, cajas y tarjetas postales con los que propone una nueva mirada a las formas institucionales de hacer en el mundo del arte. Era un museo que no tenía colección y que no organizaba exposiciones temporales. Estaba organizado en &quot;secciones&quot;. La particularidad principal era que creó la pieza en su casa y la concibió como si de un museo itinerante se tratara. Pero de lo que se trataba realmente era de presentar la posibilidad de repensar la idea de museo y hacerlo desde la opción de la ficción. El museo como ficción. La pieza creció, fue mostrada en la Documenta de Kassel en la que se expuso la última &quot;sección&quot;, que sería llamada Musèe d'Art Ancien, Départemente des Aigles, Galerie du XX Siècle. http://www.elcultural.es/Historico_articulo.asp?c=22472 ¿Qué es arte?, ¿Cuál es el papel del artista?, ¿Cuál es la función social de un museo? Marcel Broodthaers, figura protagónica de la historia del arte del siglo XX, exploró estas fundamentales interrogantes. En 1968, Broodthaers fundó el Museo de Arte Moderno, Departamento de Águilas aludiendo al “museo como ficción” con el propósito de redefinir las fronteras de los modelos dominantes de representación en el arte y la crítica de aquellos años. http://www.manifesta.es/cas/artistas/artistas/broodthaers.htm En 1968, Broodthaers fundó el Museo de Arte Moderno, Departamento de Águilas aludiendo al “museo como ficción” con el propósito de redefinir las fronteras de los modelos dominantes de representación en el arte y la crítica de aquellos años. Así, en 1968, funda el Museo de arte moderno, departamento de las Águilas, formado por fichas, cajas y tarjetas postales, mediante el cual cuestiona el funcionamiento de las instituciones artísticas. Broodthaers, Marcel Saint – Gilles (Bruselas), 1924 – Colonia, 1976 No faltan, por supuesto, referencias a uno de sus trabajos más celebrados, su Museum d'Art Moderne, Départemente d'Aingles, formado por fichas, cajas y tarjetas postales con los que propone una nueva mirada a las formas institucionales de hacer en el mundo del arte. Era un museo que no tenía colección y que no organizaba exposiciones temporales. Estaba organizado en &quot;secciones&quot;. La particularidad principal era que creó la pieza en su casa y la concibió como si de un museo itinerante se tratara. Pero de lo que se trataba realmente era de presentar la posibilidad de repensar la idea de museo y hacerlo desde la opción de la ficción. El museo como ficción. La pieza creció, fue mostrada en la Documenta de Kassel en la que se expuso la última &quot;sección&quot;, que sería llamada Musèe d'Art Ancien, Départemente des Aigles, Galerie du XX Siècle . Marcel Broodthaers centra en el ámbito del museo su estudio sobre las definiciones del arte y sus sistemas de circulación, partiendo del rechazo del marco tradicional de la institución. En su obra juega con la estabilidad de las categorías artísticas, y subvierte las relaciones tradicionales entre el objeto artístico y los sistemas de presentación y recepción. Interroga al museo a partir de las relaciones de la obra y el entorno social; es decir, interroga a la función misma de la obra y del público. Utiliza mecanismos de descontextualización y de acumulación que le permiten abordar diferentes niveles de ficción de la obra y de la exposición: el décor [decorado] es una ilusión, la artificialidad del hecho artístico llevada a las últimas consecuencias, en contraposición con la idea de verdad del objeto artístico tradicional. IMG._Marcel Broodthaers. (Belgian, 1924-1976). Museum-Museum . 1972. Screenprint on two sheets, composition: 33 x 46 1/2&quot; (83.9 x 118.2 cm); sheet (each): 33 x 23 1/4&quot; (83 x 59.1 cm). Publisher: Edition Staeck, Heidelberg, Germany. Printer: Gerhard Steidl, Göttingen, Germany, Goettingen, Germany. Edition: 100. The Associates Fund. © 2008 Artists Rights Society (ARS), New York / SABAM, Brussels IMG._Marcel Broodthaers. (Belgian, 1924-1976). The Fishes . 1975. Painted and printed unstretched canvas, in nine parts, Each 31 1/4 x 39 1/4&quot; (79.4 x 99.8 cm); overall 8' 1 5/8&quot; x 10' 1 5/8&quot; (248 x 309 cm). Kay Sage Tanguy Fund. © 2008 Artists Rights Society (ARS), New York / SABAM, Brussels IMG._Broodthaers Musée d'Art Moderne Département des Aigles- Section XVII Siècle, Anversa, 1969. L'interno del museo si presenta come in corso di allestimento con una serie di casse d'imballaggio dislocate in vari spazi. IMG._Marcel Broodthaers e Jürgen Harten, Section XIXe Siècle (bis), Städtische Kunsthalle, Düsseldorf, 14-15 febbraio 1970. Invitato alla mostra &quot;between 4&quot; in qualità di direttore del Musée d'Art Moderne département des Aigles Broodthaers presenta la Section XIXe siècle (bis) con otto quadri di pittori tedeschi del XIX secolo della scuola di Düsseldorf, mentre sulla parete opposta espone la documentazione della precedenteSection XIXe Siècle di Bruxelles. IMG._ Marcel Broodthaers, &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles, Section Publicité&quot; 1968-72. Mixed-media installation. 10.000 FRANCOS DE RECOMPENSA (EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO VIVO MUERTO) Del 15 al 18 de diciembre de 2006 Proyecto dirigido por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España-ADACE y organizado por el Ministerio de Cultura, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior-SEACEX y la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento. Sede Antonio Machado de Baeza de la Universidad Internacional de Andalucía. Palacio de Jabalquinto. Plaza de Santa Cruz s/n, Baeza (Jaén) 10.000 francos de recompensa es el título de una entrevista que, en 1974, Marcel Broodthaers concedió a Irmeline Lebeer. En ella, el artista belga criticaba el hecho de que el arte fuese prisionero de sus propios fantasmas, adornara los espacios de las instituciones como signo de poder y deambulara como sombras por los recovecos de la Historia. Claramente, Broodthaers se distanciaba de la posición modernista por la que el museo, como repositorio de las esencias artísticas, tenía que hacer visible de un modo inmanente una realidad universal que debía ser capaz de transformar la sociedad. IMG._ MARCEL BROODTHAERS - Em 1968 fundou o seu &quot;Musée d'Art Moderne. Département des Aigles&quot;, que, segundo as suas próprias palavras era &quot;uma estrutura fictícia, ... uma mentira, um engano que prevaleceu durante quatro anos nas mais diversas formas e manifestações&quot;. Foundation of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; in his home, Rue de la Pépinière, Brussels. Presentation of several sections of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; as discussion of the term museum and its function IMG._1972 Last section and ending of the &quot;Musée d'Art Moderne, Département des Aigles&quot; as contribution to documenta 5 in Kassel http://images.google.es/imgres?imgurl=http://exteril.com/1pagina/projecto/arte_portatil/Marcel_Broodthaers.jpg&imgrefurl=http://exteril.com/1pagina/projecto/arte_portatil.html&h=480&w=357&sz=23&hl=es&start=257&um=1&tbnid=IXW7B2DT_NsHeM:&tbnh=129&tbnw=96&prev=/images%3Fq%3DMarcel%2Bbroodthaers%26start%3D248%26ndsp%3D18%26um%3D1%26hl%3Des%26lr%3Dlang_es%26sa%3DN
- (Imagen del murac). (Imagen de Brea con logo murac) José Luís Brea dice a este respecto: << En España, nada forma parte del sistema del arte que no pertenezca a su interioridad institucionalizada. (…) El nuestro es el país en el que los museos y centros de arte se han apropiado impunemente de toda esa tarea, con la excusa parapsimpática de que si no fuera por ellos nadie la haría con sentido “crítico”: desde entonces pretenden que les pertenezca la totalidad presuntamente válida de la formación, la fuerza editorial, la elaboración discursiva, la “única” historiografía real e incluso la “crítica”. (…) [José L. Brea “Re-construyendo un afuera]>> (en tono irónico:) Y si lo dice Brea va a misa, así que Murac como museo ostenta impunemente toda tarea crítica, formativa, editorial, discursiva, historiográfica y validadora del arte riojano contemporáneo.
- Pero Murac no se queda solo en la apariencia de museo, sino en manipular la noción de museo Murac, en su autoproclamada situación de validador, regionaliza el patrimonio histórico-artístico de esta región y lo hace accesible, incluso en el ámbito del comisariado. Asume de forma vinculante la educación artística de los ciudadanos riojanos ( después de ver la gestión de las instituciones riojanas en este campo ), acogiendo las estrategias de los intermediarios ya establecidos, los museos.
- Murac utiliza el poder que tiene el museo como validador de lo que es arte como arma para validar lo que le interesa. Y cree que es necesaria una reinvención de la noción de museo:
- EL MUSEO QUE VIENE _____________________ Murac es una contra-convocatoria con función y espíritu museístico, no demasiado de acuerdo con el concepto de élite que arrastra el arte contemporáneo y con la idea de que cualquiera puede desarrollar prácticas artísticas que revitalicen su vida en la ciudad y regeneren la relación del arte con la comunidad a través de una experiencia que hemos llamado “lo cotidiano insólito”. Murac es un museo sin límites que da respuesta a una colección significativa de prácticas artísticas, a la necesidad de su conservación y divulgación. Dice Antonio Cerveira Pinto : << Es necesaria una reflexión teórico-práctica que incida en la necesaria adaptación de la institución museológica a los desafíos de esa omnipresente cultura bio-tecnológica a cuya expansión acelerada estamos todos adaptandonos. (…) paso del museo material a un museo inmaterial (en realidad, un bio-museo), elevación del público a la categoría de actor curatorial y transformación del lugar arquitectónico en una topología avanzada de democracia, urbanidad y vida multimodal. (…)Si el arte contemporáneo es el resultado de un acto de libertad personal, no tiene sentido aceptar el mercado como presupuesto de su propia supervivencia. Ni mucho menos creer que, sin la precedencia mercantil, dejaría de haber condiciones para garantizar su existencia y su sentido cultural. La actual diseminación de la creatividad artística por la tecnosfera implica dejar atrás varios modelos y prácticas. Una de ellas es, precisamente, el actual mercado del arte, con sus galerías, ferias y subastas. El camino a recorrer tendrá que ser necesariamente otro. >> << Es necesaria una reflexión teórico-práctica que incida en la necesaria adaptación de la institución museológica (…) paso del museo material a un museo inmaterial, elevación del público a la categoría de actor curatorial y transformación del lugar arquitectónico en una topología avanzada de democracia, urbanidad y vida multimodal. (…)Si el arte contemporáneo es el resultado de un acto de libertad personal, no tiene sentido aceptar el mercado como presupuesto de su propia supervivencia. Ni mucho menos creer que, sin la precedencia mercantil, dejaría de haber condiciones para garantizar su existencia y su sentido cultural. La actual diseminación de la creatividad artística por la tecnosfera implica dejar atrás varios modelos y prácticas. Una de ellas es, precisamente, el actual mercado del arte, con sus galerías, ferias y subastas. El camino a recorrer tendrá que ser necesariamente otro. >>
- Y que no debe esta revisión no puede consistir en hacer visitas virtuales a través de Internet de un museo físico: Como hace el Thyssen o El Guggenheim Sino que debe estar mas cerca de propuestas como META.morfosis (institucional) O Vvord (autogestionada) El proyecto META.morfosis reúne la obra de hasta 26 destacados autores cuyo trabajo se ha distinguido en los nuevos ámbitos de la creación y el arte digital, además de las 17 propuestas de arquitectura destinadas a replantear (sobre el espacio concreto del MEIAC), la función del museo de arte y su entorno urbano en el siglo XXI . El arte conceptual generativo, el netart, el hacktivismo, y el bioarte. Por otra parte, el amplio solar donde se ubica el MEIAC es usado como campo de pruebas para ensayar una reflexión que pretende la mejora de las prestaciones sociales del museo y su mas completa integración en la ciudad, proyectando su futuro comportamiento en el entorno de una sociedad en crecimiento, diversificada y exigente. Al mismo tiempo que una amplia panorámica abierta a las más recientes creaciones del arte digital; o una propuesta de reflexión sobre la función del museo de arte del siglo XXI , el esfuerzo que converge en la realización de META.morfosis propone repensar el propio espacio del museo, su sostenibilidad, su más amigable y formativa relación con el público y su plena integración en el entorno urbano como centro de excelencia creativa y buenas prácticas culturales. O Vvord (autogestionada) [vvork.com Esta plataforma on-line presenta contenidos a un ritmo salvaje, partiendo de las coordenadas que genera la propia red y alejándose de dinámicas institucionales. ( Si hemos visto libros que beben del estilo de escritura de la red, era evidente que también este modus operandi (flexible, sin límites, viral, pirata, grupal) acabaría afectando la práctica del comisariado, así como los modelos institucionales) Vvork.com es una de las páginas de más éxito relacionadas con el arte contemporáneo. Sin institución que la sustente. El principio es simple: una serie de personas, van colgando fotos, enlaces a vídeos o audio de aquello que les interesa artísticamente . Los intereses no se justifican con textos y todo destaca por su inmediatez. Cada día hay algo nuevo. La selección no viene firmada por cada uno de los responsables del proyecto sino que, será al cabo de un tiempo de consumo de la web, que se podrán intuir las distintas líneas de actuación de cada autor. Desde abril del 2006 y a un ritmo espasmódico vvork.com presenta indiscriminadamente trabajos considerados de alto nivel dentro del arte contemporáneo más oficial en paralelo a aquello que encuentran en la red y despierta su curiosidad artística. Todo vale. Pero el &quot;todo vale&quot; se justifica precisamente por su acumulación y por la subjetividad , que acaba mostrando un perfil de lectura, puntos de vista y opiniones frente al linchamiento de imágenes al que estamos sometidos. Podríamos decir que vvork.com ofrece una lectura curatorial frente a la naturaleza de la red. Pero al mismo tiempo hay una elección, una decisión, se marcan unos formatos y unos ritmos, se genera un interés y existe una apuesta. Un momento crítico de vvork.com llegó en su salto al espacio físico. Las coordenadas de la red las tienen absolutamente bajo control (trabajando bajo los supuestos principios de la web2.0, esa bonita actualización &quot;social&quot; de un mercado pujante) pero decidieron acercarse al contexto galerístico. La galería West de La Haya presentó una exposición comisariada por los miembros de vvork.com. La selección de los trabajos siguió la lógica de la web y no se justificó demasiado, el título de la exposición no era más que el listado de los artistas seleccionados. Las normas del espacio físico no son las mismas que las de la red, el tiempo tampoco. Pero después del paso por la galería, el trabajo en la red sigue igual, al mismo ritmo, rompiendo esquemas sobre cómo se tiene que trabajar con arte contemporáneo, sobre qué capacidad de absorción tiene el usuario, sobre el uso de materiales ajenos, prescindiendo de las estructuras institucionales que legitiman el trabajo y mostrando sin complejos aquello que les interesa y encuentran cada día en sus paseos por la red [*MURAC] Sorprendentemente, o no, vvork.com ya se ha convertido en un espacio legitimizador. Al ser un espacio de visitas miles y trabajar bajo los principios de la red, aquellos a quien los miembros de vvork.com destacan descubren enormes subidas de visitantes en sus propias páginas web. Las dinámicas de legitimación clásicas del estamento artístico no funcionan del mismo modo en la red . No estamos frente a un museo con tradición, tampoco es una propuesta con un enorme capital que le sustente. Simplemente se trata de la acción decidida de una serie de personas que deciden tirar adelante un proyecto que, ahora, parece evidentemente necesario, Con la de centros de arte que no estaría mal que desaparecieran.]
- Gracias su falta de edificio: Murac se ofrece como un altavoz, por lo que no necesita un edificio desde el que trabajar, sino un embudo desde el que chillar y patalear, algo que nos permite muy eficazmente Internet. No tener edificio es una virtud del Murac que lo convierte irremediablemente en una institución de carácter altruista y con el ¿único? interés de convertirse en validador artístico, validador del contenido del museo y con ello validor del propio museo.
- Buenas tardes a todos Nos encontramos en la sala 1. La exposición de esta sala lleva por título, “el artivismo”.
- El término artivismo es un neologismo surgido de la fusión de las palabras arte y activismo, y se utiliza para referirse a las obras que participan de ambos intereses. Así pues, se podrían definir como artivistas los proyectos artísticos alternativos con intención socializadora y los espacios críticos que cuestionan distintos aspectos sociales y culturales desde una posición eminentemente artística.
- Como todos sabéis el aburrimiento es una de las sensaciones que todos albergamos en nuestro interior cuando llegamos a un museo, después de un dilatado viaje y tras unas cuantas vueltas a la ciudad buscando aparcamiento por fin llegamos a la puerta y después de hacer una larga cola para entrar, nos obligan a dejar nuestras preciadas pertenencias, sobre todo si llevamos una mochila, ¡parece que tienen miedo de que robemos alguna de las sobrevaloradas obras que componen su colección!, o ¡peor aun que les colemos una de las nuestras en su inmaculado museo de perfección y belleza!. En esta primera sala de nuestro museo vamos a mostrarles porque el *MuRAC es un museo diferente, ya que siempre alberga un componente de sorpresa por su aproximación al vandalismo, al atentado o a otros elementos próximos al límite de lo legal, de lo artístico, de lo estético, etc.
- En el video acabáis de ver al famoso grafitero londinense que se hace llamar Banksy colándose en cuatro importantes museos y colocando entre las obras de arte cuatro creaciones suyas. Con estas acciones pretendía lanzar un mensaje contra la guerra y el efecto del miedo al terrorismo. El mismo asegura que lo que le impulsó a realizar estas acciones fue que un día pensó que no quería esperar a estar muerto para llegar a ser un artista famoso. En marzo de 2005, en un solo día coló sus obras en cuatro museos neoyorquinos: el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno (MOMA), el Museo Americano de Historia Natural, y en el Museo de Brooklin, siempre sin el conocimiento del personal que vigilaba estos espacios. En la imagen estáis viendo la obra que colgó en el Museo Metropolitano de Arte, &quot;Usted tiene unos bellos ojos”.
- En esta otra obra de banksy que fue colocada en el Museo de Brooklyn podemos ver a un soldado de la época colonial sujetando un bote de spray con el acaba de pintar en la pared un graffiti que dice &quot;No a la guerra”
- En el museo de Historia Natural de Nueva York. Coloco este escarabajo armado hasta las antenas con misiles y parabólica. Además de colocar estas obras, ponía junto a ellas una cartela con el nombre del autor y la explicación. Al parecer, en algunos de los casos la obra permaneció mas de tres días sin ser quitada. Museo Americano de Historia Natural “ Withus Oragainstus’ Escarabajo muerto con misiles pegados y antena parabólica instalado el 13 de marzo de 2005
- Su trabajo más famoso es probablemente &quot;una pintura rupestre&quot; &quot; El cavernícola se va de compras &quot;, Banksy colgó una piedra en el Museo Británico de Londres con un dibujo de un hombre primitivo que empuja un carrito de supermercado, (junto a hallazgos de Gran Bretaña romana). En este caso Las autoridades del museo, se enteraron de su la adquisición después de que Banksy lo anunciase en su página web. Museo Británico de Londres &quot; El cavernícola se va de compras &quot;, pintura rupestre Agosto 2005
- Ahora pasamos a un ejemplo de este tipo de intervenciones mucho mas cercano para nosotros. Torbellino de amor es uno de los cuadros que los visitantes del Museo Guggenheim de Bilbao admiraron el 21 de enero de 2003. Pero en realidad era un intruso. Unos desconocidos consiguieron introducirlo y colgarlo en la paredes del museo. Los demás lo admiraron. Mas tarde se descubrió que estos desconocidos eran miembros de la Mike Nedo Fundazioa. Con esta acción, plantean la eterna polémica que gira alrededor del arte contemporáneo y el valor que la sociedad le otorga. En unas declaraciones de Mike Nedo a la prensa dijo: <<Me ha sorprendido el exagerado interés que la acción ha suscitado en los medios informativos, lo que comienza a demostrar que vivimos en una sociedad ridícula, más interesada en el ruido que en las nueces>> A continuación vamos a ver el video documental que crearon para demostrar como desinforman los llamados medios de comunicación.
- Los dirigentes del Guggenheim Bilbao quitaron el cuadro de la exposición y se lo quedaron, el pintor de Torbellino de Amor escribió al Guggenheim pidiendo que le devolvieran el cuadro. Los abogados de la fundación del Museo Guggenheim escribieron al pintor explicándole que no aconsejaban a su cliente que el cuadro le sea devuelto al pintor. El pintor de Torbellino de Amor envía un burofax al museo advirtiendo que si no le devuelven la pintura denunciará su desaparición. L os abogados de la fundación del Museo Guggenheim Bilbao explicaron que ni siquiera tenían el cuadro cuando respondieron al pintor por primera vez, ya que se lo acababan de entregar a la Ertzaintza el día 20 de marzo como prueba adjunta en la denuncia que efectuaron por la ocupación de su pared con Torbellino de Amor . La Ertzainetxea de Bilbao confirmo que habia recibido el cuadro de manos del Guggenheim y asegura que habia sido reencviado al Juzgado de guardia de Bilbao Tras ir de un juzgado a otro y varios tramites burocráticos el 15 de Marzo de 2007 mas de cuatro años después de su aparición publica, el cuadro es devuelto a sus autores.
- Para entonces Mike Nedo llevaba tres años muerto. Ya que el proyecto Mike Nedo se planteo de manera que el artista solo viviría 12 meses, realizando una obra de arte al mes. Estas son algunas de las frases que dejo par su epitafio: <<He mostrado en diciembre la que será mi última obra, “Autorretrato”. Sólo me queda despedirme porque está demostrado que únicamente cuando alguien muere se presta más atención a su mensaje y menos a la persona.>> <<El arte es un término abstracto que no puede cuantificarse. Lo mismo que cualquiera puede ser amante, cualquiera puede ser artista.>> <<Mike Nedo puede ser cualquiera.>>
- Una artista británica realiza lo contrario que lo que acabamos de ver en los dos artistas anteriores, Pintó ilegalmente sus paisajes romanticistas realizados con óleo a plena luz del día, en los más extraños lugares de la ciudad de Nueva YOrk
- En sus imágenes que demuestran un perfecto dominio de la técnica miniaturista, dejó pequeñas pinturas de estilo anticuado, en sitios tradicionalmente utilizados por graffiteros.
- Por su pequeño tamaño, 5 x 7 pulgadas, eran muy difíciles de localizar en el entorno urbano, por lo que la artista documentó todas las ubicaciones, en un completo mapa. En el mapa identifica en color gris las obras destruidas, dañadas o inaccesibles. Ellen Harvey utiliza los códigos y reglas del arte urbano pero crea obras de estética tradicional que el publico asocia con el arte de los museos. Seguramente si viéramos su obra en una galería de arte, no le prestaríamos ninguna atención. Lo que verdaderamente aporta interés a estas pinturas es que están sacadas de contexto.
- Otros prefieren intentar sacarlo de la ciudad sacarlo de la ciudad…, es el caso de “prisoner of art”, es una intervención realizada en los alrededores de la Documenta 12. La Documenta es el mayor referente del arte mundial que desde 1955 acontece cada cinco años en Kassel, Alemania. Por su duración también la llaman el museo de los 100 días. En la ultima documenta celebrada entre el 16 de junio y el 23 de septiembre de 2007 , un poco más abajo de la carretera general de Friedrichsplatz de Kassel, una tienda de ropa coloco en el cristal de sus puertas dos carteles con la frase “prisoner of art”, 100 days left, “prisioneros del arte, quedan 100 días&quot; y usando el logo de la documenta con el numero 12 que recuerda las marcas del preso contando los días que llevan privados de libertad, queriendo mostrar que cuentan los días para que acabe el suplicio de la Documenta.
- El 19 de octubre de 2007 un desconocido arrojó un cubo de colorante a la famosa Fontana di Trevi de Roma, que rápidamente se tiñó por completo de color rojo. El vándalo logró escapar ocultándose entre la ingente multitud de turistas que cada día visitan el importante monumento de Bernini. Diversos folletos en los que la asociación autodenominada 'Ftm Acción futurista 2007' reivindicaba la acción y en el que se incluía un claro ataque contra la Fiesta del Cine que había comenzado el día anterior en Roma. En el panfleto se leía 'vosotros sólo una alfombra roja, nosotros una ciudad entera de color rojo', asimismo, el texto contiene alusiones a la precariedad laboral y anuncia la irrupción de un 'nuevo milenio' futurista caracterizado por 'nuevas formas de expresión' y 'una renovación total'.
- Los medios de comunicación romanos se hicieron eco de este hecho y citaron las opiniones de algunos famosos sobre el asunto como Oliviero Toscani, que dijo: << es bello, es una maravilla, una fontana roja, de un rojo que no es sangre, no es violencia, es una acción muy futurista, no cabe duda, Roma tiene ahora la menstruación, Roma no tiene la menopausia, aún puede tener hijos, es aún fértil.>> En la imagen estáis viendo una viñeta de Nico Pillinini, Fontana di Trevi. Vignetta. 2007. La Gazzetta del Mezzogiorno. &quot;La dolce vita&quot;, de Federico Fellini, con Marcello Mastroianni e Anita Ekberg inmersos en el agua de la Fontana di trevi coloreada de rojo En otros lugares como Logroño, el color rojo es símbolo de cultura, en este caso de cultura milagrosa, el milagro de San Mateo, en Logroño el vino mana de las fuentes.
- Esta es una intervención artística realizada por nuestros políticos con motivo de las pasadas fiestas mateas, como podéis observar hay acciones que pueden ser arte o delito según quien las realice y en que contexto se den. La acción se planteo como artística desde antes de su comienzo ya que al inicio de las fiestas se Ángel Varea avanzó: <<El domingo se producirá el milagro de San Mateo&quot;. Dicho y hecho, a las 12 horas, y entre la curiosidad de decenas de ciudadanos que se acercaron a ese punto del centro de Logroño, los chorros de la fuente se fueron tiñendo de rojo cereza.
- Como ejemplo de artivismo llevado al extremo nos encontramos con Splasher. Es un protestante o protestantes anónimos que los propios medios han bautizado como &quot;The Splasher” por la forma en la que realiza sus obras.
- Están cubriendo los graffiti de Nueva York lanzando “bombas” de pintura sobre las piezas de artistas callejeros que al parecer critican por haberse “vendido” y que hoy en día tienen fama mundial.
- En cada pieza bombardeada dejan manifiestos con frases escritas tales como: “Destruyan los museos, en las calles y en todas partes”.
- En lo carteles que pega junto a sus intervenciones puede leerse: Peligro: quitar este documento puede producir heridas, el pegamento esta mezclado con trozos de cristal.
- Y después de ver Acción de estas obras de artivismo, vamos a ver como el *MuRAC surge como respuesta a la ausencia de museos en nuestro entorno, y como medio gracias al cual suplir tenuemente la carencia de referentes y actividades que hasta el momento había que buscar en otras ciudades.
- El nombre y el proyecto *MuRAC están registrados en el Registro de la propiedad intelectual y sus componentes dados de alta en el IAE en el epígrafe de profesionales- bibliotecas y museos. En la imagen estáis viendo la página web del*MuRAC la dirección es www.museomurac.com
- El Murac esta formado por 5 personas que no ocultan sus identidades, pero tampoco las manifiestan, porque no dan importancia a la publicidad de sus personas sino a la imagen del museo.
- El *MuRAC esta reconocido por los organismos oficiales, como podéis ver en la intervención de hoy, enmarcada dentro del ciclo de conferencias “arte contemporáneo 2008” que patrocinadas por Cultural Rioja (compuesto por el Gobierno de La Rioja, el Ayuntamiento de Logroño e Ibercaja).
- De cómo la ficción es una herramienta aún más potente que la realidad Como el ARTE sirve de DIFUMINADOR del limite entre cotidianeidad y la ficción Como en los últimos años se viene utilizando la ficción como un modo de artivismo.
- EJEMPLO PRADIGMATICO: Se observa un gabinete gubernamental en la siguiente la misma foto ya no muestra a varios de los componentes, una vez que éstos fueron ejecutados por discrepar con Stalin.
- Se muestran un cartel de un comercio que anuncia “Relojes de oro y plata” y una bandera roja. En la siguiente los rótulos del cartel se han convertido en una consigna revolucionaria que dice: “Luchando conseguirás tus derechos” y la bandera roja en una pancarta que dice “Abajo la Monarquía”:
- FICCIÓN SOBRE LA FICCIÓN Dentro de sus diferentes estudios sobre la ficción y la fotografía, quizás esta sea la serie mas significativa dado que trabaja sobre la ficción que previamente creo STALIN Nombre del Astronauta: Ivan Istochnikov http://www.fundacion.telefonica.com/at/sputnik.html &quot;SPUTNIK. LA ODISEA DEL SOYUZ 2&quot; Del 21 de mayo al 20 de julio de 1997
- Las fotografias se apoyan en toda una serie de Textos ficcticios de supuestos especialistas rusos y americanos estudiando diferentes aspectos de la vida de Ivan Istochnikov . Aun así, en cada una de las paginas de estos textos siempre incluye una frase en la que advierte de que : TODO ES FICCIÓN.
- Comparar la fecha del proyecto Sputnik (1997) con la emision de este video del 2006 (9 años despues) Lo interesante de este video: Una de las interferencias más atractivas de una obra de arte en los medios de comunicación (la vida real). Los medios de comunicación dan carta de veracidad a una FICCIÓN. Todos aquellos que no conozcan el proyecto de Fontcuberta han tomado una MENTIRA artística por verdad gracias al papel que tienen los medios de comunicación como VALIDADORES de la realidad.
- Por parte del artista: El mentir supone mayora actividad cerebral que el decir la verdad, se recurre a la creatividad (derecha) y no a la memoria ( izquierda) Por parte del espectador : Nuestro cerebro nos engaña. Es un dispositivo fruto de la selección natural y está dedicado al servicio de un organismo vivo. La meta de todo organismo vivo es la SUPERVIVENCIA. Nuestro cerebro busca la supervivencia a toda costa, y algunas veces es capaz de suplirla información que le falta por fantasías y fabulaciones. Para el cerebro Lo importante es que la información no nos falte aunque parte de ella sea inexacta. lo importante es que la realidad se nos presente con un sentido completo y coherente , Para nuestro cerebro es mas importante contarnos una historia consistente que contarnos una historia verdadera. El mundo real es menos importante que el mundo que necesitamos.
- La guerra de los mundos (1938) Orson welles Zeli g (Woody Allen,1983) This Is Spinal Tap (Rob Reiner, 1984) Forgotten Silver (Peter Jackson, 1995) O pération Lune (William Krael, 2002) Cravan vs Cravan ( Isaki Lacuesta , 2002) Holocausto caníbal (Ruggero Deodato 1980) Contrabando entre la frontera de la realidad y la ficc ión
- y la utilizacion del lenguaje de los medios para simular veracidad Metodología de cómo funciona el murac DESTACAR QUE LA FICCIÓN DEPENDE TAMBIEN DEL MEDIO DE DIFUSION: al exponerse dentro de galerías su credibilidad merma… pero que pasaria se vieras estas imagnes en prensa ?
- Hasta que punto esa frontera entre realidad y ficción en los medios de comunicación (cronistas de la realidad) se rompe y es el propio espectador el que se ve en la obligación de preguntarse si lo que percibe es real o es ficción. DONDE DEPOSITAR LA CREDIBILIDAD---- ???????????????????????? Imagen de kate moss esnifando de verdad ¿Quién diría que esta imagen es Falsa?
- ¿Quién iba a decir que estas imagen es cierta? ????????????????? Fecha y lugar Ante la duda del espectador El medio de comunicación es el único VALIDADOR de que estas imágenes son verdaderas Los intermediarios son los que dan la carta de veracidad.
- A ESTE RESPECTO hay una corriente del activismo tanto politico como en el mundo del arte que utiliza la ficción con la clara intención de poner en evidencia los medios del sistema utilizando sus propios canales. Es lo que viene a ser denominado FAKE
- Evidenciar el poder de la ficción http://www.0100101110101101.org/home/darko_maver/intro.html En 1999 el controvertido artista serbio Darko Maver (nombre de un famoso criminologo ruso). fue seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, exponiendo algunas de sus obras. Éstas consistían en maniquíes de tamaño real que simulaban cadáveres mutilados y cubiertos de sangre. Debido a la censura estatal, en ese momento se encontraba en prisión con cargos por conducta antisocial. En Roma y Bolonia se realizaron exposiciones con imágenes de sus trabajos, prestigiosas revistas culturales publicaron un llamamiento de solidaridad y algunos críticos incluso afirmaron que lo habían conocido personalmente. Antes de la apertura de la muestra, se anunció su muerte bajo un bombardeo de la OTAN y se publicaron fotos en Internet de su cadáver. En la Bienal decidieron llevar adelante la exposición como galería póstuma. La verdad se reveló y fue reivindicada por Luther Blisser unas semanas después del Seppuku. Las “obras” eran imágenes de cadáveres reales encontradas en rotten.com y las fotos de Darko Maver pertenecían a un miembro siciliano del LBP. Fue la última gran burla del LBP y el debut de un nuevo grupo: 0100101110101101.org
- “ Chi l´ha visto?” y Harry Kipper HARRY KIPPER, artista conceptual inglés, desaparece en la frontera ítalo-yugoeslava mientras viajaba por Europa en una mountain-bike, supuestamente con el propósito de trazar la palabra 'ART' en el mapa del continente. La víctima de la burla es Chi l'ha visto , un famoso programa que busca personas desaparecidas, transmitido en horario central en el tercer canal de la televisión nacional italiana. El equipo del programa se lanza sobre las huellas del artista-ciclista y despilfarra el dinero de los contribuyentes para buscar una persona inexistente, llegando incluso hasta Londres y haciendo el ridículo, pero evitando salir al aire por un desperfecto en los auriculares; ese mismo día &quot;Luther Blissett&quot; reivindica la chacota.
- Ejemplo de disyuntiva del poder de la ficción que hace dudar de la propia realidad Pipa Bacca “Brides on tour” Abril 2008 l a performancia desborda el terreno de la ficción y se inscribe en la vida misma . Al mismo tiempo como la realidad imita a la ficción Su obra consistía en recoger una serie de testimonios, principalmente fotográficos del recorrido, para luego ser expuestos en la galería Byblos de Verona. El recorrido era posible gracias al autostop , donde ella podía viajar y establecer una alianza con desconocidos. Práctica que ella ya había utilizado en otros performances. Hasta hace poco menos de dos semanas, cuando ella abordó el automóvil de quien sería su victimario. Su performace basado en la confianza hacia el otro, devela en sí mismo, lo trágico de esta intención, sobre todo en pueblos donde la desconfianza hacia el otro, es algo grande y donde el papel de la mujer es extremadamente denigrable.
- se está recolectando firmas y adhesiones online con el fin de impedir la repetición de dicho acto en la próxima Bienal Centroamiercana a realizarse en Tegucigalpa, Honduras en septiembre próximo.
- La aparinecia de museo CONVENCIONAL Representación de la oficialidad de un museo : cualquiera que haya catalogado una obra para nuestro museo puede poner en su curriculum que tiene obra adquirida por el Museo Riojano De Arte Contemporáneo ( y no miente).
- La ficci ón crea una virtualidad en la que las posibilidades se multiplican y lo que parece una debilidad se convierte en una potencia. Alter ego , Robbie Cooper Con Alter ego , el fotógrafo Robbie Cooper propone un actualísimo debate sobre la identidad en la era digital. Millones de personas de todo el mundo interactúan en internet a través de juegos on-line y mundos paralelos como Second Life. Lo hacen representados por figuras digitales que ellos mismos crean y modifican a su gusto. Se las conoce como avatares, palabra que proviene del sánscrito y que se usaba originalmente para denominar a las formas visibles que adoptaban los dioses hindúes para aparecer en la Tierra. &quot;It seemed really fascinating that there were people interacting in these environments and getting to know each other through avatars,&quot; Mr Cooper explained to BBC News Online. &quot;They did not actually see each other, they were interacting with a likeness of a character they played or something that wasn't real.&quot; (From BBC)
- ¿Qué tienen en común todas estas películas? Que todas han sido dirigidas por Alan Smithee. Así hasta más de 40 títulos. Una carrera muy productiva, que se entiende mejor si decimos que Ana Smithee es un seudónimo. E el seudónimo que utilizan los directores de cine cuando no quieren aparecer en los créditos de sus películas (generalmente, porque no estaban satisfechos con el producto final o habían tenido diferencias creativas con la directiva). Por qué “Alan Smithee”. Quizá por ser el anagrama de “The Alias Men”
- Este seudónimo se utilizó por primera vez en el 67. Robert Totten estaba dirigiendo “Ciudad sin ley”, y fue despedido a finales del rodaje por diferencias con la producción. Lo reeemplazaron por Don Siegel, al terminar la película ninguno quería firmarla porque no se sentían sus responsables. Así que acudieron a la Asociación de Directores de America y crearon el seudónimo. Sentado el precedente cualquiera que no quisiera aparecer , solicitaba a la Asociación el uso del seudónimo, que no siempre se concedía Con el paso del tiempo, no solo firmaría por directores, sino también por actores, productores, montadores… inclusó dio el salto del cine para aparecer como autor de cómic o director de varios videoclips. Así que cualquiera podía ser en un momento dado Alan Smithee
- En el 98, Arthur Hiller rodó ¡Arder Hollywood! donde contaba la vida de un director llamado Alan Smithee. Como era de esperar, Hiller firmó con el sudónimo, y la película fue tan mal recibida que desde entonces se asoció a películas pésimas. Así que la Asociación de directores lo enterró para pasar a usar otros seudónimos. Por ejemplo Thomas Lee Aunque, pese a estar “oficialmente” muerto, siguió realizando títulos, ya que la Asociación de Directores, no puede meter mano en películas que no sean de Estados Unidos.
- La Identidad Múltiple es &quot;un nombre que cualquiera puede utilizar” en un momento dado. Es un personaje imaginario en el que se encarnan unos valores. Se va construyendo con las distintas aportaciones de personas reales que en ciertos momentos actúan bajo su identidad. Entonces el personaje va ganando peso hasta convertirse en un sujeto activo. Se diferencia del anónimo en que este…. propone el uso del nombre como un colectivo de iguales, y múltiples personalidades hablan a través de él, en una especie de tácito acuerdo, para fortalecer así un determinado tipo de discurso Históricamente, esta estrategia ha sido utilizada por los oprimidos sin-nombre. Por ejemplo, las insurrecciones campesinas del sur de Alemania a pricipios del siglo XVI (1514) donde apareció la figura del “Pobre Conrado” (der arme Konraó) o En la Inglaterra de principios del siglo XIX, el nombre múltiple del &quot;General Ludd&quot; representaba a los oprimidos en las luchas sociales de la revolución industrial. En ambos casos se intentaba eliminar a la resistencia. pero era imposible, ya que sin diferenciar mediante nombres, el poder no podía dividir y aislar a las masas revolucionarias.
- A nivel artístico, Los nombres multiusos fueron desarrollados y popularizados en los años setenta y ochenta en círculos artísticos alternativos como el Arte postal y el Neoismo. Por un lado, El arte postal (o mail art), que había surgido de la necesidad de generar vías alternativas a los canales mediatizados y controlados de la institución artística Buscaba la liberación del productor, en este caso el artista, de la cadena artística de producción, que había convertido el arte en una mercancía. De ahí la insistencia de los mail-artistas a hacer exposiciones sin jurado, es decir, eliminar los intermediarios. Y por otro lado, el Neoísmo, que nació por el influjo del propio arte postal , el dadaísmo, o de Fluxus, que intentaban disolver el arte en lo cotidiano, escapar de la &quot;prisión del arte&quot; y &quot;cambiar el mundo&quot;. Asociado al Neoismo aparece el PLAGIARISMO que rechaza expresamente el monopolio y el Copyright, en el que manipulaban conscientemente elementos ya existentes para crear una realidad diferente a la dictada por el poder, una forma de negación que implicaba re-inventar el lenguaje de aquellos que nos controlan, mediante la creación de nuevos significados. Experimentan con conceptos como: medios de comunicación y las nociones de propiedad y verdad. Ese experimento tenía que ser práctico y por lo tanto existencial.
- El propósito era que diferentes revistas y personas utilicen el mismo nombre, crear una situación en la que nadie en particular sea responsable. La utilización de un nombre múltiple como nombre artístico excluye la adjudicación de una obra a un autor individual, para cuestionar así la &quot;marca&quot; del artista (su firma, la genialidad asociada a su nombre, el fetiche). Era un rechazo explícito hacia &quot;la máquina de hacer celebridades&quot; que convierte al autor en una estrella. Así que sugirieron la abolición de la identidad del artista t ransformando, por ejemplo, nombres artísticos como Harry Kipper en nombres múltiples y creando otros, basados o no, en nombres reales, como: Geoffrey Cohen, Omar Ravenhurst, Monty Cantsin y Karen Eliot Lo mismo ocurrió con la revista SMILE que pudo ser editada por quien quisiera en cualquier parte del mundo. Finalmente debemos mencionar la creación del mito colectivo Luther Blissett como una de las obras artísticas más importantes de la era postsituacionista. El accionismo estético es vírico y no bélico, se incuba en el cuerpo social durante años, despues se manifiesta corroyendo tejidos y canales y se transmite gracias a la promiscuidad de los medios.
- Luther Blisset apareció en el 94, en el entorno de lo que se denominó el “Luther Blisset Project”. Unos jóvenes activistas de Bolonia se dedicaron a firmar textos con la identidad creada y jugar elaboradas burlas a los medios de comunicación como una forma de arte. Querían así poner en cuestión la infalible verdad difundida por los medios,con el sabotaje desde dentro, con las mismas armas (la tergiversación, la manipulación, la no contrastación de fuentes) que tan a menudo les sirven a los propios mass media para construir la realidad a su antojo y conveniencia.
- La primera batalla de renombre ganada por este originario foco de acción de Luther Blisset en su guerrilla mediática se libró en el programa de televisión Chi l’ha visto , (95) versión italiana y más morbosa de Quién sabe donde , en el que una llamada a nombre de Luther Blisset denunció la presunta desaparición del presunto ex-artista punky Harry Kipper, cerca de Udine, mientras viajaba en una bicicleta de montaña con la intención de trazar la palabra “ARTE”. Pero el fenómeno fue enseguida más allá de esos furtivos fraudes mediáticos. Inmerso en el despegue de Internet, Luther Blisset encontró en la Red su medio ambiente ideal para crecer y multiplicarse. Internet fue el cauce perfecto para miles de nuevas travesuras y nuevos textos rubricados por Blisset, perfilándose así definitivamente la naturaleza múltiple de la identidad del personaje.
- Mientras esto pasaba en Internet, los cuatro creadores del Luther Blisset original, convencieron a la importante editorial Mondadori para publicar Q , una novela histórica sobre el sentido de las grandes revoluciones sociales. (1999) Además, anticipándose a las licencias cretaive commons, no sólo autorizaba en el pie de imprenta a la manipulación y a la reproducción total o parcial de la novela, siempre y cuando fuera sin ánimo de lucro, sino que se alentaba a fotocopiarla
- Hubo más acciones destacables de Luther Blisset, como los sacrificios satánicos en Viterbo, donde elaboraron una acción donde simulaban sacrificios y rituales en los montes cercanos. Los periódicos locales comenzaron a denunciar los hechos agregando algunos detalles, hasta que derivó emitiendo un falso vídeo en un programa en la televisión en horario central, generando Una psicosis colectiva. Luther Blisset reivindicó la acción, de cómo introduciéndo una dosis controlada de falsedad en los medios, se acabó generando un pánico sin razón. Demostrando la falta de profesionalidad de la mayoría de los periodistas. . El bulo fue elogiado y analizado por estudiantes y expertos en medios, y fue caso de estudio en publicaciones científicas.
- Otra acción. En junio de 1995 se anuncia que en la Bienal de Venecia de Artes Contemporáneas se expondrían cuadros de Loota, una chimpancé que había sido víctima de sádicos experimentos en un laboratorio farmacéutico. Tras haber sido rescata por un grupo comando del Frente de Liberación Animal, la misma se había convertido en una talentosa artista. Algunos periódicos italianos anunciaron el evento. Pero Loota, lamentablemente, nunca había existido. También tenemos el caso de Darko Maver, que lo hemos visto en la anterior sala.
- Otra de las acciones, esta vez de otros Luther Blisset, fué el secuestro de cuatro figuras “del niño Jesús” de diversas iglesias de la costa de Calabria (Italia), una zona deprimida socialmente, donde pedían a la iglesia un rescate de 100 millones de Liras, o su equivalente en alimentos, que tendrían que repartir entre los pobres de la zona en las siguientes 48 horas. Luther Blisset otiginal mostró su apoy, animando a más acciones similares de otros Luther Blisset.
- Y en Diciembre de 1999 se señaló el fin del Plan Quinquenal: los veteranos se &quot;suicidaron&quot; de manera colectiva y simbólica mediante un ritual japonés llamado sepukku.. Querían de esta forma, no hacer que el personaje se convirtiera en una estrella mediática, y acabar así convirtiéndose en lo criticaban en sus orígenes.
- Después de la muerte de Luther Blisset por el grupo original. Sus autores siguierion actuando bajo otros nombres, como “Wu Ming”, que significa anónimo en chino. También es una firma común entre los ciudadanos chinos que exigent democracia y libertad de expresión). Este colectivo está más volcado al ámbito literario, aunque mantiene la misma filosofía del grupo anterior en cuanto a que privilegia la importancia de la obra y no la fama de quién la produce, y en cuanto a la reproducción libre sin intereses comerciales (Creative Commons y Copyleft).
- Sin embargo, el final del LBP no implicó el final del seudónimo colectivo, que resurge continuamente en el debate cultural y sigue siendo una firma frecuente en el web. Por ejemplo, En Enero de 2008 Se realiza el robo de la enseña nacional del Castillo de Santa Bárbara en Alicante y su sustitución por una bandera pirata por parte del grupo Luther Blissett para mostrar «el verdadero estandarte de los dirigentes de este territorio».
- Ya hemos visto como la identidad múltiple conlleva la la participación pública, en el que se pasa de mero espectador a actor. Ya hemos dicho que los neoístas intentaban disolver el arte en lo cotidiano y escapar de la prisión del arte. Otra forma en la que se puede apreciar como se mezclan esos conceptos, junto con el de la participación Múltiple, son las “Flashmob”. (multitud instantánea) Son acciones organizadas en las que se concentra un gran número de personas de repente en un sitio público, realiza algo inusual y luego se dispersa rápidamente. Unas de las más populares son las “guerras de almohadas”, en las que se convoca a los participantes a través de internet y mensajes de móvil en un sitio concreto y a una hora para ejecutar la acción.
- Este fenómeno, aunque surgió en Nueva York (más o menos hacia el año 2003), se da a nivel mundial, ya que al usar internet como medio, las distancias y tiempos, se han reducido al mínimo. Aquí tenemos una Flashmob, en la Estación Central (Gran Central Station) de Nueva York, en la que 207 personas participan en un proyecto en el que se mezclan con el resto de pasajeros y a una señal, se quedan congelados.
- Existe algún grupo, como “terrorismo artístico”, en Madrid, que han convocado diversas acciones, como ponerse un disfraz o una nariz de payaso en el Museo del Prado o leer todos a la vez una poesía en una calle.
- Esas 133 Comisarios actúan como una sola identidad múltiple : el MURAC El asterisco sirve para difuminar la Identidad corpórea. Todos somos Murac
- Foto d cuadro con punto rojo galeria torres u otras Pegatina elemento rapido genera un residuo menos vandálico
- La verdad es que viendo las fotos no hace falta mucha retórica para explicar las virtudes y los defectos de este soporte publicitario que bien se podría enmarcar dentro del ámbito del marketing de guerrilla. El Handvertising , skin advertising… Algo tan sencillo como estampar mensajes publicitarios en la piel. El precedente más notorio fue el del usuario de eBay que subastó su cabeza como soporte publicitario (mediante un tatuaje escogido por el anunciante) y que finalmente resultó ser una campaña de publicidad viral realizada por la agencia barcelononesa seisgrados. Ahora, diversos blogs recogen unas “ejecuciones “ más viables de este nuevo soporte publicitario. Y esta vez no es una campaña, es real como la vida misma. Imagen nuestra con el sello del murac
- 5. Etiquetar Dar unos límites a algo para destacarlo, delimitarlo, dramatizarlo, llamar atención, Similitud con “marcar” a un animal, sentido de pertenencia o identidad cuando se aplica a firma Similitud con tratar de describir o catalogar /clasificar determinada persona, evento, grupo de música, comportamiento Etiqueta Para otros usos de este término véase Etiqueta (desambiguación) . Una etiqueta es un elemento que se adhiere a otro elemento para identificarlo o describirlo; por extensión, una etiqueta también puede ser una o más palabras que se asocian a algo con el mismo fin. Las palabras empleadas para etiquetarlo pueden referirse a cualquier característica o atributo que se considere apropiado. Función [ editar ] En primer término, las etiquetas sirvieron para describir el contenido de los envases lo que facilitaba su gestión en el comercio . La forma y fabricación del envase podían insinuar su contenido (ánforas, vasijas, etc.) pero no era algo cierto por lo que se hicieron necesarios algunos mensajes externos. Otra de las funciones importantes consistía en la decoración u ornamentación del envase ya que se tiene que presentar al consumidor con la mejor imagen posible en lo relativo a formas, imágenes o colores. A finales de 1950, el envase se convierte en un instrumento promocional conteniendo información sobre concursos , regalos , ofertas , etc. Todo ello, sin olvidar los mensajes principales: marca, procedencia, contenido, ingredientes, etc. Actualmente, otro elemento imprescindible en toda etiqueta comercial es el código de barras que almacena información cifrada sobre el producto lo que resulta necesario para la gestión automática de almacenes y puntos de venta. Obra de JANA Sterback En la industria textil las etiquetas internas son de tela y se sitúan en el interior de la prenda . Contienen información sobre la talla , composición y forma recomendada de lavado y planchado . Las etiquetas externas se utilizan para promover la marca, el logotipo del fabricante o sirven como adorno para realzar la prenda. Normalmente son de plástico y se fabrican mediante alta frecuencia o micro inyección vulcanizada (plastisol). 1. tr. Poner una etiqueta a algo o a alguien: no me gusta etiquetar a nadie antes de conocerlo bien. ' etiquetar ' también aparece en estas entradas: catalogar catalogar 1. tr. Apuntar, registrar o clasificar un objeto según unas normas de ordenación: aún quedan por catalogar todas las publicaciones periódicas. 2. Encasillar, etiquetar a una persona: les han catalogado de perdedores y eso está perjudicando su carrera. ♦ Se conj. como llegar . etiqueta 1. f. Conjunto de los estilos, normas, usos y costumbres que se debe guardar en los actos públicos o solemnes: olvidó la etiqueta emborrachándose en casa ajena. 2. Adorno, señal o rótulo que se adhiere a los equipajes para identificar a su dueño. 3. P. ext., marca o señal que se coloca en los productos para su identificación, valoración, clasificación, etc.: en la etiqueta de este traje no viene el país de fabricación. 4. P. ext., calificación identificadora de una persona en cuanto a su carácter, dedicación, profesión, ideología, etc.: etiqueta de racista, de abogado. de etiqueta loc. adj. De gala, elegante, sobre todo referido al vestido apropiado para los actos solemnes y públicos: se ruega ir de etiqueta
- Manzoni L'altra operazione spaesante di Manzoni fu la nota esposizione di scatolette sigillate contenenti la &quot;merde d'artiste&quot;, che con un'intenzionalità ironica e caustica, giocava a conferire la connotazione di opera d'arte ad un oggetto improbabile. Derisione sfacciata del delirio da superuomo raggiunto dall'artista contemporaneo. In Manzoni c'era tutta la volontà di demistificare il concetto di arte, il tentativo azzardato e visionario di esprimere l'inesprimibilità dell'arte. La lata de conservas que Piero Manzoni, artista conceptual, facturó en 1961 con la etiqueta «Mierda de artista» contiene sólo yeso, ha revelado su amigo y compañero de fatigas artísticas Agostino Bonalumi en un artículo publicado hoy por el diario Corriere della Sera. Bonalumi cuenta el fracaso que cosechó ese año una exposición en Milán de Manzoni, él y un tercer amigo, Enrico Castellani, los tres hartos del arte figurativo. Al acabar la exposición y tras intentar vender sin éxito a un coleccionista, Manzoni exclamó: «Estos imbéciles de burgueses milaneses sólo quieren mierda». Meses más tarde, Manzoni les llamó a su estudio y les mostró su última obra: una lata de conservas con un contenido neto de 30 gramos de sus heces y a la que puso la famosa etiqueta. En total, Manzoni preparó noventa latas de este tipo , que luego fueron a parar a museos, como la galería Tate Modern de Londres, y por los que se han llegado a pagar 124.000 de euros . Siempre se ha tenido por seguro que en el interior de las latas se encontraban los excrementos del artista e, incluso, hubo la denuncia de un coleccionista a un museo por habérsela devuelto en mal estado, lo que habría provocado la exhalación de mal olor de la conserva. Bonalumi señala que en los últimos decenios mucha gente se ha preguntado que es lo que había dentro de la lata y declara como seguro «que no es materia orgánica ». «Si así fuera, antes o después, el metal se habría corrompido provocando su salida», sostiene. «Puedo tranquilamente afirmar que se trata sólo de yeso», añade Bonalumi, que invita a abrir la lata al que quiera a comprobarlo, aunque afirma que no será él quien lo haga. Todo se cambia en arte cuando es tocado por Manzoni. Un objeto común y cotidiano como un huevo, puede hacerse una preciosa reliquia , si está autenticada por el artista. La obra de más éxito de Piero Manzoni, la Mierda de artista (&quot;Merda d'artista&quot;, 1961), demuestra que la personalidad del autor es en grado de transformar en arte también sus rechazos biológicos. Una crítica irónica al mercado del arte, dispuesto a comprar todo, a condición que sea firmado. Mierda de artista El cuerpo mágico del artista El 12 de agosto de 1961, en ocasión de una exposición en la Galleria Pescetto de Albisola Marina, Piero Manzoni presentó por primera vez en público las cajitas de &quot; Merda d’artista &quot; (&quot;contenido neto 30 gramos, conservada al natural, producida y enlatada en el mayo de 1961&quot;). El precio establecido por el artista por las 90 cajitas (rigurosamente numeradas) correspondía al valor corriente del oro. Las cajitas de Manzoni tienen numerosos precedentes en el arte del Novecientos, desde el urinario de Duchamp (&quot;Fontaine&quot;, 1917) hasta las coprolalias surrealistas. Salvador Dalí, Georges Bataille y antes que nada Alfred Jarry con &quot;Ubu Roi&quot; (1896) habían dado dignidad literaria a la palabra &quot;mierda&quot;. La asociación entre analidad y obra de arte (y entre oro y heces) es un tema recurrente en la la literatura psicoanalistica que Manzoni puede haber recibido por la lectura de Jung. La novedad de Manzoni esta en haber conexionado estas sugestiones a una reflexión sobre la función del artista frente a la autoreferencialidad de la obra de arte. El cierre tautológico del Achrome (una superficie que no manifiesta ningún sentido, ni exibe una manipulación de la materia) y la invisibilidad la Línea , escondida en un contenedor sellado, crean una especular autoreferencialidad del cuerpo del artísta. Privado del objeto, y aún encantado por el recuerdo de su status heróico de artéfice y productor, el artista encuentra una compensación por la pérdida invadiendo el espacio tradicionalmente asignado por el proceso comunicativo al obra. El mismo cuerpo del artista se ofrece al público como una obra de arte, y las vestigias del cuerpo se convierten en reliquias. Así nace la Mierda de artista (vendida a peso de oro), el Aliento de artista (&quot;Fiato d'artista&quot;, las globos inflados por el aliento vital del autor) y el proyecto de la Sangre de artista (&quot;Sangue d'artista&quot;). El público protagonista: la Consumición del arte Los efectos del cierre del sentido de la obra de arte (que no tiene más un &quot;mensaje&quot; de comunicar, sino sí misma), caen también sobre otro extremo del proceso comunicativo: el polo ocupado por las destinatarios de la comunicación. También el público es llamado a ser una obra de arte, siguiendo las huellas del artista y participando a la naturaleza mágica de su cuerpo. El 21 de junio de 1960, en en el curso de la performance Consumición del arte dínamica del público devorar el arte (&quot;Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte&quot;), Piero Manzoni imprime la huella de su pulgar sobre algunos huevos duros ofreciéndoles al público para comer. A través del huevo – reliquia consagrada por el contacto con el cuerpo del artista, el público participa del arte, entra en comunión con la misma fisicidad (mágica, heróica) del artista. ------------------------------------------------------------------------- Las Líneas (&quot;Linee&quot;) están trazadas sobre tiras de papel, enrolladas y encerradas en cilindros de cartón etiquetados y firmados. La Línea de Herning (m.7.200), realizada en Dinamarca en 1960, es la primera de un proyecto mundial: líneas enterradas en las mayores metrópolis del mundo, para igualar con su largo la circunferencia terrestre. La Línea de Largo infinita (&quot;Linea di lunghzza infinita&quot;) lleva a consecuencias extremas este ideal artístico: un cilindro de madera sin aperturas encierra idealmente una linea que existe sólo como puro concepto. Las Líneas La obra escondida Muchas obras de Piero Manzoni exigen el escondimento de la obra de arte. Fue el caso de las Líneas (&quot;Linee&quot;), que el artista realizó en ejemplares de diversa longitud (desde m. 1,76 hace 7.200) entre el 1959 y el 1961. La obra consiste una sóla línea trazada sobre una hoja de papel, enrrollada y puesta al interior de un cilindro de cartón etiquetado . En las intenciones del autor, el contenedor sellado, nunca se habría debido abrir. La obra de arte así queda apartada a la mirada del espectador y del adquisidor, cerrada en el estuche y – metafóricamente – cerrada en sí misma (un cierre análogo a la autoreferencialidad del Achrome). La existencia de la Línea, evocada solamente por la intervención del artista (que ha firmado la etiqueta, asegurando en lo largo, el mes y el año de la realización) puede ser visualizada por el público sólo a través de una mirada interior, mental. Este mecanismo está exhibido de manera manifiesta en la Línea de largo infinita (&quot;Linea di lunghezza infinita&quot;): el contenedor – un cilindro de madera sin aperturas, encierra, idealmente, una linea que existe sólo como puro concepto. La Línea de Herning y la Base del mundo El 4 de julio de 1960, desde las 4 hacia las 6,55 de la tarde, Piero Manzoni llegó a término , en una tipografía de Herning (Dinamarca) a la Línea metros 7.200 . Sellada en un cilindro de cinc y enterrada en los jardines del Herning Kunstmuseum, la línea de Herning había debido ser la primera de una sucesión de líneas sepultadas en las principales ciudades del mundo para igualar con la suma total de su largo, la entera circunferencia del globo. Un análogo proyecto hipotizaba una línea blanca larga come el meridiano de Greenwich. Mapa Imprimir Enviar Biografía de Piero Manzoni Introducción Piero Manzoni nació el 13 de julio de 1933 en Soncino (cerca Cremona, en el centro de la Llanura Padana). Creció en Milán, y las vacaciones veraniegas las transcurrió a Albisola Marina, en Liguria, donde la familia frecuentaba Lucio Fontana, el fundador del Spazialismo. En 1956 debutó en la &quot;Fiera Mercato&quot; del Castello Sforzesco de Soncino. El año sucesivo participó a la exposición &quot;Movimento arte nucleare&quot;, en la Galleria San Fedele de Milán: pintó siluetas antropomorfas y cuadros con huellas de objetos . Además realizó los primeros Achromes (&quot;Superfici acrome&quot;, 1957), grandes superficies blancas embebidas de cola y caolino (una arcilla blanca empleada por la producción de la cerámica). En 1958 expuso con Lucio Fontana y Enrico Baj. Empezó la colaboración con Enrico Castellani y Agostino Bonalumi. En 1959 fundó el periódico &quot;Azimuth&quot; y la Galleria Azimut. El estilo de Manzoni se volvió siempre más radical. Superó la superficie del cuadro y propuso una serie de obras provocatorias, intolerantes respecto a la tradición: las Líneas (&quot;Linee&quot;) trazadas sobre tiras de papel, enrolladas y encerradas en un tubo de cartón (la más larga mide 7.200 m. y fue creada a Herning , en Dinamarca, en 1960, gracias al mecenazgo de Aage Damgaard); los Cuerpos de aire (&quot;Corpi d'aria&quot;) y el Aliento de artista (&quot;Fiato d'artista&quot;), globos que quitan el aliento de Manzoni; los Huevos escultura , autenticados con las impresiones digitales por el artista; las Bases mágicas , pedestales encima de las cuales cualquiera que se ponga puede volverse una obra de arte; nuevos Achromes realizados con los materiales más variados, desde la fibra de vidrio hasta los panes plastificados , algunos rigurosamente blancos , otros de colores fosforescentes . El 21 de julio de 1960, Piero Manzoni presentó en la galería Azimut una de las performance más afamadas: la Consumición del arte dinámica del público devorar el arte (&quot;Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte&quot;). El artista firmó con la huella del pulgar algunos huevos duros que vendrán consumidos en el lugar mismo por el público. En 1961, Piero Manzoni, firma por primera vez algunos seres humanos transformandoles en Esculturas vivientes (&quot;Sculture viventi&quot;) y puso en venta las 90 cajitas de Mierda de artista (&quot;Merda d'artista&quot;). Al año siguente projectó con el editor Jes Petersen un libro da las páginas blancas: &quot;Piero Manzoni. La vida y los trabajos&quot;. El 6 de febrero de 1963, Manzoni murió de repente por infarto en Milán, en su taller.
- The streets of Hamburg is the venue of an upcoming international award exhibition called Stickersafari. As the name suggests, Stickersafari is dedicated to sticker-art and in the spirit of the medium, it takes place outdoor in Marktstraße in Hamburg from October 7 - November 7. More than 5000 stickers from all over the world, have been submitted to the exhibition, which is organised by NO GALLERY – a gallery without space, showing contemporary art in unusual places. • www . stickersafari . net ABOUT THE STICKER PHENOMENON When passing through our urban surroundings there is a tiny colored phenomenon visible on surfaces like spouts, windows, doorways, toilets, public transport, etc. – somehow stickers have been always there and are a little more than small notes. It seems that urban communication has seen a shift in responsibility: after years of occupation of our cities by huge commercial advertising campaigns resulting in a pictorial flood of billboards, ever-present sponsoring of communal and public facilities the corporates seemed to have won the fight for the urban decoration and logoization of our everyday life. Young activists all over the world learned how easy it is to create their own signs and logos which are able to subvert the existing semiotic system by using the known signs, changing them and putting them into a new context – the context of eduction (in the meaning of Kants Aufklärung) and appropriation. We know the movement called graffiti, but unlike grafitti these infantile little stickers don’t have the gesture of destruction inherent in their form – rather the gesture of connotation and satiric annotation. Those interventions are much more representative for a critical mind seeking to contribute to the social urban interexchange, without doubting the principle of defacing private property. The urban semiotic system is no longer a hierarchical system of guidance through a consumeristic cosmos promising happiness, love, fulfillment and enlightenment by buying characterless fetishes of mass production. It has changed from an emitter-acceptor principle to an open, democratic playground – a world that is ready for your comment. The first international sticker award was launched on January 2005 and had over 2500 submissions of graphics and photos from all over the world. This year already more than 5000 sticker works arrived – and we will continue to focus on the collection and exhibition of international stickers and want to encourage you to take action yourself by making your everyday surrounding into one that suits you best and one that represents you and your individual ideas at the highest level. No compromises.
- Para pillarse bien, este proyecto gringo con el que la gente señala referencias urbanas y se reúnen comentarios de gente que quiera compartir su recuerdo, su experiencia o algo que esa flecha amarilla comience a significar. La vaina también llegó a Alemania y toda la web. Se valen un recurso tecnológico cotidiano, &quot;simplemente&quot; es saber empatar las herramientas de conexión personales vigentes. (Pa' que vena que se puede hacer mucho con los mensajes de texto... no solo participar en los concursos y trivias del canal caracol y RCN) The Yellow Arrow project is making waves in NYC, LA, Chi town, and San Francisco, reports Clippings . &quot;The way it works is “participants place arrows pointing at the locations and things that count most to them, their most cherished views of the city, the subway stations they frequent daily, their favorite bodegas and neighborhood parks. When placing an arrow, a participant sends a text message to YellowArrow.org with the sticker?s ID number and a brief story about why this location is important. When another person encounters an arrow in the city, he or she sends a message with the arrow's ID number to YellowArrow.org and immediately receives the short message associated with it on their phone.” way it works is “participants place arrows pointing at the locations and things that count most to them, their most cherished views of the city, the subway stations they frequent daily, their favorite bodegas and neighborhood parks. When placing an arrow, a participant sends a text message to YellowArrow.org with the sticker?s ID number and a brief story about why this location is important. When another person encounters an arrow in the city, he or she sends a message with the arrow’s ID number to YellowArrow.org and immediately receives the short message associated with it on their phone.” Pretty simple, and pretty effective for a country that is just getting used to SMS messaging! At least it’s much better than the project DodgeBall , which was invented about 10 years ago in Europe and is called “Muti-Recipient SMS”. Another thing I’ve learned from living in Europe, if it’s not in the mainstream US press, it hasn’t been invented yet.
- Otra iniciativa con algo más de enjundia es el proyecto Yellow Arrow , en el que cada participante sale a la calle con flechas de papel amarillo. Estas pegatinas, que compran en la web del proyecto, les sirven para marcar sus lugares, aquellos con alguna connotación especial, que les gustan, que les recuerdan a alguien, que les sugiere o que les hacen reír... Cuando dejan las pegatinas, tienen que mandar un sms con la localización exacta de la flecha y lo que el sitio representa para ellos. Así, cada participante crea su propio mapa personal, con pensamientos, recorridos, gustos... Al encontrar las pegatinas de otros, pueden recibir mensajes explicativos de lo que representa para quién la puso. Además puedes compartir tus espacios con el resto de la comunidad, mediante la web. Es una buena manera de conocer itinerarios alternativos de gente que ha querido compartir sus gustos personales con los demás. A este tipo de proyecto se le llama M.A.A.P (Massively Authored Artistic Publication) una especie de red social que va extendiéndose con la incorporación de gente de otros sitios del mundo. La información completa se puede encontrar en su web. A mí, por pedir, me gustaría que hicieran algo parecido con la publicidad exterior un proyecto donde se pudiera opinar abiertamente sobre lo que gusta y lo que molesta. Pero habría que inventar algún método que no ensuciara aún más la ciudad.
- Estamos cada vez más convencido de que nuestra opinión cuenta y es que nos lo dicen a todas horas, la tele, las instituciones, la web 2.0,las marcas, you tube... nosotros, nos lo tomamos a pecho y vamos encantados a ejercer ese derecho, por el que la mayoría de las veces acabamos pagamos un dineral. De este modo, todos tan contentos, alguien recauda mucho dinero, otro se libera de la responsabilidad de una decisión polémica y nosotros nos lanzamos de cabeza al reclamo, por eso de &quot;estar en nuestro derecho&quot;. De esta manera, aunque el resultado final se resienta, es lo de menos, lo importante es participar... y así están las cosas en este momento. Algunos miembros del colectivo artístico ya han sufrido en sus carnes esta &quot;democrática&quot; modalidad de evaluar lo que es bueno y lo que es malo, ahora les ha tocado a los artistas urbanos someterse al juicio del respetable. Brandon Baunach de DesignCrack ha ideado un proyecto, que pretende facilitar la labor de todos los que deseen expresar su opinión, sobre la calidad artística de los graffiti y cualquier tipo de arte urbano que se encuentre en la vía pública. Para ello, ha diseñado unas pegatinas con forma de flecha y que en formato pdf te puedes descargar de su página. En ellas hay que rellenar unos datos sobre la obra, localización, fecha... también expresar tu opinión y dejarla al lado de la obra. Después, se hace una foto y se manda a la página de Flick Graffiti Report Card para así compartir la experiencia con los demás miembros del proyecto, que por ahora nos son muchos que digamos. En este proyecto, flojo para mi gusto, veo algo de ese humor y crítica que los artista urbano saben bien como emplear. Además pretende ser interactivo, como las webs por donde este tipo de arte se mueve, pero con un método más tradicional como es el papel y el pegamento. Este proyecto tiene sus antecedentes en otro de Drew Heffron llamado Graffiti Critique del que está prácticamente copiado. Espero que los artistas se tomen bien las criticas, que ellos utilizan constantemente en su trabajo. Personalmente eso de dejar pegatinas por las paredes no me hace ni pizca de gracia. Me imagino como quedaría Malasaña si a unos cuantos les diera por expresar su opinión a base de pegatinas, con lo saturados que están los muros... Participacipación colectiva, cualquiera puede participar
- Banksy Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre &quot; Robin Banks &quot; y &quot; robbing banks &quot; (&quot; robando bancos &quot; en inglés). Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años. 1 Guardian Unlimited fue una de las pocas personas en entevistarlo cara a cara, lo describe como &quot;una mescla entre Jimmy Nail y el rapero ingles Mike Skinner&quot; y &quot;un hombre de 28 años que se presento en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata&quot; Carrera [ editar ] Inició su obra en las calles de Bristol, la que parece ser, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado &quot; daño criminal &quot; puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje). Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV , y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas. Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc. 2005 [ editar ] En agosto de 2005, Banksy ha realizado murales sobre el Muro de Cisjordania construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén , Ramala y Abu Dis ), combinando varias técnicas. Opiniones de su obra [ editar ] En 2004 el colectivo de anarquitectos Space Hijackers repartió octavillas frente a una exposición de Banksy para resaltar el irónico uso que el artista hace del imaginario anticapitalista y de protesta, mientras trabaja para grandes empresas y galerías de arte. Peter Gibson, portavoz de la campaña Keep Britain tidy , considera que su obra, como la de otros grafiteros es mero vandalismo. Diane Shakespeare, oficial de la misma organización, manifestó: &quot; Nos preocupa que Banksy glorifica el arte de la calle lo que es esencialmente el vandalismo &quot; También se critica que plasme mensajes anti-sistema en barrios y edificios cuyos habitantes no los comparten.
- Perjaume Desde una perspectiva más cercana, Perejaume (Sant Pol de mar, 1957) hace uso del metalenguaje para vertebrar toda su obra. Perejaume transita por la sutil y ambigua frontera que divide artes visuales y creación literaria. Perejaume investiga sobre el mito de la escritura y su influencia en el arte, revisando elementos del pasado desde una aproximación vanguardista. La naturaleza, materializada en el género paisajístico, se convierte en un elemento recurrente de su producción, como referente temático que le aproxima a la estética del Romanticismo y en torno al cual elabora un discurso poético. Los cuadros aparecen desligados de su papel pasivo de objeto observado, pasando a intervenir activamente en la construcción del espacio que ocupan. La relación del lienzo con su contenido temático aparece trastocada, de forma que el paisaje se presenta como contenedor de su propio soporte físico. En la serie de las Pinacotecas de finales de los ochenta, Perejaume imagina y representa un mundo totalmente recubierto de pinturas, de imágenes emmarcadas. El artista pintaba sobre fotografías de fragmentos de paredes de museos en las cuales se podían ver cuadros emmarcados cuyas imágenes interiores eran anuladas, borradas o repintadas. Después es el mundo entero el que deviene una pinacoteca inacabable, infinita. Otro autor que otorga a la superficie pictórica las propiedades del terreno que pisamos, es Perejaume. Sin ir más lejos, en “Cima del Catiu D´or”, donde situa en ese monte un marco dorado que encuadra un fragmento del terreno de dicho monte, adaptándose a su orografía . Perejaume juega con los elementos de la pintura más tradicional, especialmente de la pintura de paisajes, para cuestionarlos, abriendo nuevas sendas, dejando claro que el arte todavía puede seguir hablando de sí mismo, y que no se han agotado las posibilidades del ready-made. . Como la construcción con marcos dorados, sin nada en su interior, que Perejaume situara en paneles verticales sobre el campo. Una vez situados, desde el interior de la misma, podemos ver a través de dichos marcos el paisaje que nos rodea, y según nos vamos moviendo dentro de ella el fragmento de paisaje que selecciona cada marco va cambiando con la dirección de nuestra mirada. Por cada uno de los marcos podemos ver un fragmento de suelo, o de montaña, o de cielo, según sea nuestra posición. El marco-ventana con el que juega aquí Perejaume, establece un curioso paralelismo con la peana del mundo de P. Manzoni. Perejaume aludió también a la función del marco dentro de la creación artística, metáfora que indica la frontera entre la realidad y la representación También la obra de Perejaume, compuesta por un marco dorado que forma un ángulo con un rail, traslada la obra de arte a lo que suele ser precisamente su envoltorio.
- Santa's Ghetto es un evento artístico organizado por jóvenes creadores, en una galería improvisada de Londres y que intenta sacar a los amantes del arte del algodonoso ambiente navideño. Pero este año Santa's Ghetto se ha movido un poco más allá de los confines de Soho, de Londres y de Europa y se han trasladado a una tienda de pollos, en la Plaza del Pesebre de Belén, frente a la Iglesia de la Natividad. Esto les sitúa a una milla detrás del muro de seguridad, en una parte del mundo asolada por los conflictos bélicos, la pobreza y la frustración. Según ellos, no son aliados de ninguna raza, credo, religión o partido político, cada uno tienen sus propias ideas y lo único que quieren es acercarse a esa gente ordinaria que vive en una situación tan extraordinaria.
- jueves, enero 24, 2008 at 01:19. Matta Clark pensaba que todos podíamos y debíamos hacer arte. Si eso es posible... también podemos convertirnos de la noche a la mañana en curators, que para el que no lo sepa, son unos tipos con mucho poder en el mundo del arte que dicen lo que se tiene que programar o no en los museos. Últimamente han salido del anonimato y están más de moda que los propios artistas. Pues esa es la personalidad que ha adoptado UrbanCurators , un grupo de ¿activistas?, ¿artistas? bueno, dejémoslo en jóvenes estudiantes preocupados por el estado de su ciudad, Providence en Rhode Island. El grupo se lanza a la calle, armado exclusivamente con marcos, de esos que se cuelgan en las paredes y que de alguna manera están indicando que lo que hay en su interior tiene valor, bueno, eso antes de que apareciera Ikea. Los que portan estos curators, están vacíos y preparados para encontrar en la calle el objeto escena o decorado que según su criterio, sea digno de ser enmarcado. Y lo que les interesa es todo aquello que demuestra la decadencia de la ciudad, allí donde hay grietas, oxido, destrucción, caos, abandono... allí aparecen esos cuadro, incidiendo sobre estos aspectos desagradables de la ciudad, que casi nadie quiere ver. Así, al utilizar marcos que uno podría esperar encontrar en un museo o galería de arte, los espectadores se ven obligados a hacer conexiones entre el paisaje urbano y el de un museo y no tiene por menos que tomar consciencia de la realidad que le rodea. Al igual que al hombre siempre le ha atraído las ruinas de antiguas civilizaciones, el proyecto de estos curators urbanos propone que deberíamos apreciar también las ruinas contemporáneas, que reflejan el consumismo y la industrialización a que está sometida la ciudad. Los cuadros se cuelgan con cinta de doble cara y se pueden despegar fácilmente. Con esto se consigue un componente necesario del proyecto, la temporalidad, porque aunque la idea haya partido del grupo, su desarrollo requiere la participación espontánea de los ciudadanos que pueden mover y reubicar dichos marcos a su antojo, sin dañar el entorno. El proyecto se inició auspiciado por 6 escuelas de diseño de Rhode Island, pero quieren que se extienda por todas partes y proporcionan la información necesaria para que cualquiera pueda emprender un movimiento similar en su ciudad. Divertida manera de que los estudiantes salgan a la calle y se enfrenten a la realidad de su entorno, dialogando, colaborando con los compañeros y relacionándose con los habitantes. Además la idea da para más, porque si a alguien particularmente le apetece ser curator por un día, también puede readaptar la idea a su gusto, incluso puede dedicarse a enmarcar cosa bonitas que encuentre por las calles que aunque parezca que no, también las hay, muchas y buenas, yo las he visto. Desde UrbanCurators . com : Declaración de Misión &quot;El objetivo del proyecto es Curadores Urbanos para lograr la participación del público en la celebración de la decadencia del medio ambiente urbano, reco-nizing sus cualidades estéticas inherentes, así como el importante papel que desempeña dentro de nuestro hábitat cultural. El proyecto logra su objetivo de elevar Común, pasa por alto los objetos y los espacios dentro de la ciudad de Providence, Rhode Island a la categoría de gran arte. El proyecto alcanza esta elevación por literalmente colgando de oro, galería de cuadros de estilo en espacios abandonados dentro de la ciudad, la elaboración de objetos y opiniones que son de valor estético o cultural. Al utilizar marcos que uno podría esperar encontrar en un museo o galería de arte, los espectadores se ven obligados a hacer conexiones entre el paisaje urbano y el medio ambiente museo. Los televidentes también se anima a reconsiderar sus anteriores concepciones de la belleza y el valor, la comprensión de que la espontaneidad de la decadencia estética ofrece una alternativa a un exceso de diseño. Los seres humanos han buscado por siglos la grandeza de las ruinas que alguna vez fueron el orgullo de las culturas antiguas, reconociéndolas como ventanas en la vida de las civilizaciones pasadas. El proyecto propone Curadores Urbanos que debemos también apreciar las ruinas que reflejan los tiempos modernos y el consumismo-ialization industrializados, como la realización de los vehículos por los que podemos obtener una perspectiva de nuestra propia sociedad. Los cuadros se cuelgan a sí mismos con la doble cara de hardware de cinta y son fácilmente eliminados sin perjudicar a los espacios en que se encuentran. Si bien este es un componente necesario del proyecto, que también significa que cada cuadro se colgará sólo temporalmente. Debido a la naturaleza transitoria del proyecto, su éxito requiere tiempo y esfuerzo no sólo de los Curadores Urbanos equipo, sino de la comunidad en su conjunto. Si bien el proyecto fue originalmente nacido por seis Rhode Island School of Design estudiantes, que no puede continuar sin la contribución y participación de los demás-ipation. Esperamos que la comunidad se van a encontrar con el proyecto - la búsqueda de nuestros cuadros, la eliminación de ellos, la reubicación de los mismos, y la instalación de sus propios &quot;. The goal of the Urban Curators project is to engage the public in the celebration of the decaying urban environment, recognizing its inherent aesthetic qualities as well as the important role that it plays within our cultural habitat. The project achieves its goal by elevating common, overlooked objects and spaces within the city of Providence, Rhode Island to the level of high art. Literally hanging gold, gallery-style frames in derelict spaces within the city, we are framing objects and views that are of aesthetic or cultural value. By utilizing frames that one might expect to find in an art museum or gallery, viewers are forced to make connections between the urban landscape and the museum environment. Viewers are likewise encouraged to reconsider their prior conceptions of beauty and worth, understanding that the spontaneity of decay offers an alternative aesthetic to excessive design. Humans have for centuries sought after the grandeur of ruins that were once the glory of ancient cultures, recognizing them as windows into the lives of past civilizations. The Urban Curators project proposes that we should likewise cherish those ruins that reflect modern-day consumerism and industrialization, realizing them as vehicles by which we can gain insight into our own society. The frames themselves are hung with double-sided hardware tape and are easily removed without harm to the spaces in which they are placed. While this is a necessary component of the project, it likewise means that each frame will hang only temporarily. Due to the transient nature of the project, its success requires time and effort from not only the Urban Curators team, but from the community as a whole. While the project was originally born by six Rhode Island School of Design students, it cannot continue without input and participation from others. We hope that the community will interact with the project – finding our frames, removing them, relocating them, and installing their own. En este caso no hay participación pública DESTACAR
- bp2.blogger.com/_zzGVYfJOitM/RyKJEtrATII/AAAA...
- A few people have written in asking where they can buy the acte-deco vinyl wall stickers . I emailed Stéphanie of Atelier Deco in France and they can ship small items like the wall stickers to the US. Send an email to contact@atelierdeco.fr to find out about shipping costs.
- L U N E S 1 8 D E S E P T I E M B R E D E 2 0 0 6 Alejandro Lecuna , diseñador grafico residente en Berlín, es el creador de está singular manera de hacer que la población tome conciencia sobre la necesidad de mantener limpia la ciudad. Berlín Ohne Scheiss , que significa &quot;Berlín sin excremento&quot;, consiste en una planchuela-afiche con cuatro elementos de troquel que una vez desprendidos se colocan en el suelo creando una señal de alerta para el transeúnte.
- Chapapote personas que lo destacan para que no sea pisado,acción en espacio público, buscar imagen
- INTERVENIR LA CIUDAD Un taller para un foro alternativo y una ciudad panza arriba En Febrero y en Sevilla hubo una conferencia euromediterranea de ciudades sostenibles, de las ciudades tenemos nuestra propia opinion, pero lo de la conferencia resultaba del todo insostenible, aunque mas no sea por la absoluta falta de consideracion y participacion hacia cualquier colectivo de vecin@s, cualquier movimiento social que pudiera contrastar la imagen de una convocatoria cuyas conclusiones ya estaban escritas de antemano: Todo va muy bien. Se trataba, como suele suceder de trabajar sobre un medio ya saturado de señales, de reclamos, todo lo cual, como es sabido aumenta la vulnerabilidad de los locuaces emisores. En el taller se hizo especial énfasis en la importancia de dotar de una imagen común a las intervenciones a realizar, fue un taller muuy práctico, en que desde el primer día se pusieron las manos &quot;en la masa&quot;: En varios tipos de masa, vaya. Las banderitas reproducían la imagen corporativa del Ayuntamiento de Sevilla, solo que levemente invertido, dado que donde quiera que ellos ponen NO -madeja- DO, nosotros jugamos con el indiscutible SI madeja DO, ante el muy sevillano jolgorio del vecindario y el personal en general. Esta intervención sobre escatologías urbano-perrunas, preparo muy bien el terreno para una serie de intervenciones y acciones posteriores en que se recurrió también al SI-madeja-DO. A esas alturas ya la gente del taller, estudiantes de arquitectura muchos de ellos, vecinos del barrio, participantes en el foro alternativo, ya iban viendo claras las posibilidades de movilización y cuestionamiento que podían echarse adelante con relativa facilidad. Había que ser permeables al barrio, unificar registros y preocupaciones. La gente ya comentaba que los barrenderos empezaban a venir al barrio después de no haberse dejado caer por allí en años, se decía que era por los banderines y la gente nos pedía ejemplares para fijarlos ellos también. Se debatía sobre el abandono y la inercia que genera, sobre todo en lo que a basura en rincones y mierdas de perro se refiere, pero la mierda que a nosotros más nos interesaba estaba en otra parte y hacia ahí fuimos yendo:
- TODO POR LA PRAXIS. (TxP) se presenta como ‘laboratorio' donde ensayar proyectos de prácticas artísticas-activistas enfocadas a la amplificación estética-efectiva de los ciclos de lucha social. TxP se genera de la confluencia inevitable entre las prácticas artísticas-activistas, la praxis arquitectónica como proceso de interconexión entre espacio público y multitud, y la etnografía de la comunicación social enfocada a la constitución de espacios de intercambio inmaterial de oposición. Es una materialización epistemológica del capital cultural-social que las diferentes redes sociales de oposición a la hegemonía han ido tejiendo durante el último cuarto del siglo XX en las metrópolis post-industriales; un laboratorio teórico-metodológico cuya función, en última instancia, es la investigación sobre los procesos de resistencia ontológicos de las subjetividades antagonistas. En TxP se presentan a Madrid Abierto dos ejes de investigación.... Empty World Agencia Inmobiliaria de Vivienda Vacía. Frente al problema de acceso a la vivienda de amplios sectores sociales, se contrapone un mercado inmobiliario sobredimensionado que obvia el patrimonio residencial existente, y que se encuentra abandonado o forma parte de los procesos especulativos. El móvil de este fenómeno es la ganancia especulativa obtenida a través del cambio sufrido en el valor del suelo entre la fase de abandono de la zona y su posterior revalorización. El análisis de estos procesos es el fin de Empty World. Los/as vecinos/as del barrio son invitados a realizar una campaña de señalización -mediante pegatinas con el logotipo de Empty World (EW)- de las viviendas vacías en sus inmuebles/manzanas. Se establece una Oficina de la Agencia Inmobiliaria de Vivienda Vacía -Empty World- en el espacio de Liquidación Total. En el escaparate se reproduce la iconografía de las agencias inmobiliarias tradicionales y se ofertan viviendas vacías a potenciales inquilinos/as a través de un ‘catálogo' (un registro de inmuebles desocupados) visual de las viviendas disponibles existentes en el barrio. El proyecto incluye unas jornadas de trabajo en torno al fenómeno de la ‘gentrificación' y de la especulación inmobiliaria.
- b Demos contra Cracia Publicado por Democracia el 4 de Marzo de 2008 a las 12:42 PM en la sección Autobombo En el marco del proyecto InterACCIONES ELECTORALES, estamos desarrollando una contracampaña en la que bajo el slogan Demos Contra Cracia se oponen los conceptos de la sociedad civil crítica frente a la sociedad política. Convocar la conciencia del demos, del pueblo, contra la kratía, el poder que se ha establecido (por decirlo con las palabras de JL Corazón) También se están distribuyendo pegatinas, como esta fotografiada por la gente de La Plataforma en un cabina telefónica vandalizada durante los disturbios del 29 de febrero en Tirso de Molina y Lavapiés.
- Pegatina en un cabina telefónica vandalizada durante los disturbios del 29 de febrero en Tirso de Molina y Lavapiés (2008)
- Foto d cuadro con punto rojo galeria torres u otras Pegatina elemento rapido genera un residuo menos vandálico
- Ilustrativo: ¿todo lo que hay en En la calle es arte, todas las Intervenciones en la calle son arte?
- 19 de septiembre de 2007 Informe. &quot;Push Button For Luck&quot; New York 2007 en Vernon Blvd., Long Island. La entrada de hoy es obviamente breve. Obviamente, digo, porque la fotografía y la obra lo dicen ya todo. Por explicarlo un poco, se trata de una de esas intervenciones que jugando con el contexto y las convenciones, convierten sutilmente lo habitual en algo con un significado diferente y a menudo, como decirlo, humorístico. Sobre esta pegatina, comentan en JamesWagner . com : &quot; Me alegro de que alguien le haya encontrado un uso honesto a esos malditos botones que podemos encontrar por toda la ciudad. El Departamento de Transporte los instala para hacer creer a los peatones que el DOT se preocupa por ellos, pero yo entiendo (basándome sólo en parte en mi propia experiencia) que en realidad no están conectados a nada .&quot; En realidad, supongo que esto resume un poco uno de los principales significados de la intervención. Esta en concreto la encontramos al regreso de nuestra visita al Socrates Sculpture Park (de visita obligada en NY si se tiene un mínimo de tiempo), en Long Island, Queens, yendo por Vernon Blvd. y antes de llegar al Queensborough Bridge.
- The Billboard Liberation Front Joins Trial Lawyers in the American Dream &quot;First thing we do, let's hire all the lawyers.&quot; While some may argue that the American Dream is &quot;Mom, baseball, and apple pie&quot;, Real Americans know that it's about something more than that; it's about getting paid millions of dollars after losing your eye to a defective rectal thermometer, and eating delicious flourless cakes. Today the BLF took an important stand against Corporate America and the Anti-Torte Lobby by defending the public's right to trade their appendages for large cash settlements while eating tasty baked sweets. It is certainly true that it is every American Corporation's God-given right to skimp on safety or save on costs by dumping their toxic sludge in the neighborhood swimming hole, this should never be allowed to stand in the way of our common hope of winning the lottery by being maimed by an electric foot massager. Without such dreams, what do Real Americans have to strive for? And what will happen to our economy when consumers are stripped of their prime motivation to buy home leg-waxing kits or buy property near nuclear power plants? And what can possibly be accomplished by restricting our access to exquisitely dense chocolate decadence? Finally, how can we turn our backs on the tiny percentage of attorneys who daily sacrifice themselves in the brave and noble pursuit of the deep pocket? Do we really want to live in a nation where ambulances go unchased? Visit the BLF's improvements at TWO separate locations: 15th St @ Mission and Noe St @18th. The new BLF - working twice as hard to improve your perceptions on advertising. -Fred Demara
- The Spanish BLF Strike! Olè! Hi mates, The COPE is the Catholic Church Official Radio Station. As we have a progressive government, they try to remark their freedom of speech with billboards which say ‘SOMOS LIBRES’ (english ‘WE ARE FREE’). These billboards are specially offensive for those that are being attacked publicly (thru radio waves) for deffending Muslims’ rights or methods of birth control such as condoms. So some members of the recently founded Iniciativa Illuminati decided to liberate this particular bill (Industry Street, Avilés, Asturias, Spain) by simply drawing, cutting out, sticking and varnish grey cards (letters) to it. We added ‘vosotros no’ (english ‘you aren’t'). So now you can read:
- PRESS RELEASE The pro-bono clients in this campaign were all technology companies, with a sector focus on the endangered and much maligned &quot;dot-coms&quot;. Billboards in the target sector were graphically enhanced by the addition of large-format warning labels, in the style of a standard computer error message, bearing the bold copy: &quot;FATAL ERROR - Invalid Stock Value Abort/Retry/Fail&quot;.
- Con la salida del nuevo Windows Vista han surgido muchas noticias a cerca del mismo, y mas que todo de los problemas que se dan con este, cosa que ya se ha vuelto un poco normal con la salida de cada nueva edición de windows. Jeremiah P tuvo la gran idea de aprovechar un mensaje de error del windows vista, el cual muestra un raro mensaje que dice lo siguiente: Jeremiah P “Error. The Operation Completed Successfully.” (Error. La operación se completo satisfactoriamente), para crear stickers que pueden ser pegados principalmente en los lugares donde hay publicidad de windows vista, mas que todo a forma de burla. Para descargar la imagen de los stickers hagan click en el siguiente enlace: Windows Vista Stickers , ahora ya solo tienen que imprimirlos y pegarlos en las calles y por supuesto en la publicidad de windows vista los hackers checos han desarrollado stickers con errores de windows que pegan sobre la estática de microsoft con mensajes del tipo “Error. The instalation completly succesfully”. enorme, me encanta.
- El resto de resultados del taller de arte urbano incluyen el proyecto Santiago Cortizo &quot;Cerrar Ventana&quot;, de, que creo haber visto reflejado ya en algún que otro blog. Una muestra: -Cerrar Ventana-
- DosJotas , a quien conocemos fundamentalmente en Escritoenlapared por sus sombras y sus &quot;máscaras&quot; (ya siempre entre comillas), ha estado en Nueva York, desafortunadamente en unas coordenadas temporales que no me han permitido cruzarme en vivo con su trabajo. El resultado de su estancia allí y los trabajos llevados a cabo en la calle y en el metro de Nueva York se pueden ver en su blog . Especialmente interesante me parece su intervención en los carteles que anuncian las paradas en los andenes del metro (la tipografía está clavada), que me hace pensar inevitablemente en aquello de &quot; Tieso de Molina &quot;. Las otras intervenciones corresponden a intervenciones que DosJotas ya ha realizado en Madrid, las de las &quot;máscaras&quot; y las de las sombras.
- 25 de noviembre de 2007 Dosjotas. Prohibiciones y relieves en Gran Vía de San Francisco, Plaza de España y Callao, Madrid. [ no pensar, no crear, no errar, no amar, no luchar, no sentir, no soñar, no dudar, no ser ] Ser, pensar, sentir, amar, luchar, soñar, errar… acciones propias de las personas. Lo que nos hace humanos tan perfectos como imperfectos, tan sensitivos como racionales. Sin embargo al ser prohibidas, somos negados, convertidos en seres dedicados a una función especifica, dirigidos por un camino y sin posibilidades de escape. La última parada, a la que llego con [con perdón] Humbert Humbert berreándome su última entrega de punk raro , es Plaza de España . Las prohibiciones se agolpan y conviven con placas que han guardado su mensaje original ( no pisar el césped, perros no ) e incluso encontramos una ausencia: la prohibición de &quot;no dudar&quot; ha sido arrancada, no sabemos si por alguien que la supo apreciar demasiado (o en su justa medida) o si fue un acto de esos que llamamos institucionales (podéis ver la placa aquí ). Empezando por el reflejo de esa ausencia, la batería de nuevas prohibiciones se extiende a &quot;no crear&quot;, &quot;no luchar&quot;, &quot;no sentir&quot; y &quot;no ser&quot;.
- , Mark Daye es un estudiante de diseño que ha realizado este proyecto para su tesis, no se trata de una campaña de publicidad encubierta, ni siquiera para una ONG. Para su iniciativa, Mark Daye , Homeless Sings in Toronto ha colocado falsas señales de trafico, imitando las que existen en la ciudad de Toronto y las utiliza como soporte para lanzar mensajes subversivos que llaman la atención sobre la vida de los vagabundos en la ciudad. El objetivo según su autor es captar el interés de los ciudadanos a través del diseño gráfico, y para ello lo que hace es deconstruir las señales viales y volverlas a codificar con mensajes subversivos que hablan del, tristemente ignorado, colectivo urbano que forman los sin techo. Con este cambio de los mensajes en las señales, trata de informar a a la gente que va con la guardia baja y que lee las señales con respeto pues les asigna un valor oficial y autoritario. Y si si esa voz oficial habla de cuestiones humanitarias... pues entonces hay que hacerles caso. Con mensajes aparentemente gubernamentales como: &quot;Quiet, Homeless Sleeping&quot; &quot;Please keep our streets clean 818 people have to sleep on them.&quot; &quot;Approximalely 5052 homeless living in Toronto as of April 2006&quot; &quot;Please have change ready for homeless&quot;, &quot;Homeless has nothing to do withlack of shelter&quot;, es difícil no tomar consciencia de una realidad por la que todos los días pasamos de puntillas para no ensuciarnos. Mark Daye, “Homeless Sings in Toronto” (2006)
- From Torontoist back in December: &quot;The strange plaques were part of the grand Gestures installation by the 640 480 Video Collective, which aimed to memorialize inconsequential events captured on video at ten spots around the city. Each marker was placed in September and describes the unexciting details of a YouTube-sourced video shot at that particular location (like the ones above at left and at right).... 640 480 takes its name from the original 4:3 aspect ratio of video screens, and the group has an obvious affinity for the rapidly disappearing magnetic tape format. Memorial lapel ribbons made from videotape were also part of the grand Gestures installation, and taped copies of the videos are to be converted into an artificial diamond, signifying the preservation of memories from an increasingly obsolete format into an everlasting state.&quot; Most of the bronze plaques bolted to the city's historically designated sites and monuments commemorate some virtually forgotten piece of minor Toronto history—but take a stroll along Queen Street West and some familiar round medallions might particularly pique your interest. The strange plaques were part of the grand Gestures installation by the 640 480 Video Collective, which aimed to memorialize inconsequential events captured on video at ten spots around the city. Each marker was placed in September and describes the unexciting details of a YouTube-sourced video shot at that particular location (like the ones above at left and at right). &quot;Hunched at a table, she self-consciously pulled at her black sleeves and used her two straws like chopsticks to eat the slush of her iced coffee,&quot; reads one plaque, which also includes the YouTube tags inscribed in tiny text below [video]. Another sign affixed outside the Museum of Contemporary Canadian Art proclaims, &quot;Couples walked by holding umbrellas. A blonde girl complained, yet her boyfriend urged her on as someone yelled, 'MOCCA! MOCCA! MOCCA!'&quot; [video] 640 480 takes its name from the original 4:3 aspect ratio of video screens, and the group has an obvious affinity for the rapidly disappearing magnetic tape format. Memorial lapel ribbons made from videotape were also part of the grand Gestures installation, and taped copies of the videos are to be converted into an artificial diamond, signifying the preservation of memories from an increasingly obsolete format into an everlasting state. What makes the plaques so brilliant is how, by marking prosaic events in such an overstated manner, they become infinitely more interesting. Still, someone obviously thought such barely noteworthy moments were important enough to upload to YouTube in the first place, which is perhaps more of a mystery. UPDATE (December 11) : Torontoist reader Matt has informed us that the plaque has been scoffed
- A principios de 2003 se produjo un interesante fenómeno en París como respuesta a la proliferación de placas conmemorativas por la ciudad, del tipo &quot;aquí vivió Victor Hugo&quot;. Un buen día, alguien comenzó a colocar nuevas placas por la ciudad. De pronto, en cualquier esquina, uno se podía topar con inscripciones como éstas: &quot;Louise Lavierge, AMA DE CASA, nació en este edificio en 1952&quot; o &quot;El 17 de abril de 1967, AQUÍ, no pasó nada&quot;. Nada.
- 9 de mayo de 2007 Informe Venecia. La propuesta más interesante que encontramos fueron unos pequeños carteles pegados junto a las tuberías de colores que asoman a pie de calle en muchos puntos de la ciudad. Las hay rojas, verdes y azules, pero sólo las primeras y las últimas -las más comunes- estaban acompañadas por su &quot;nombre científico&quot;. El pequeño distintivo dice &quot; Hedera Veneta blu/rossa. Specie endemica di Venezia.&quot; Hedera remite al nombre científico de la hiedra -y por lo tanto al carácter trepador de la misma- y Veneta , obviamente, al lugar de origen de la &quot;especie&quot;. Blu y rossa hacen referencia a los colores (azul, rojo), y el resto es fácilmente comprensible: &quot;especie endémica de Venecia&quot;. &quot;Hedera Veneta blu. Specie endemica di Venezia.&quot;
- Quería hablar de un proyecto de arte urbano del artista macedonio Igor Tosevski . Se llama Free Territories y se ha venido desarrollando desde el 2004 hasta la actualidad en Skopie la capital de Macedonia, ¿se puede llamar así?. Me parece muy apropiado mencionarlo en estos momentos en los que los nombres de los lugares se han vuelto tan importantes porque los territorios de este artista no lo tienen, aparentemente son sólo pequeños espacios urbanos acotados dentro de poliedros de bordes amarillos. Pero nada más lejos de la realidad, estos contornos, según el artista, son mágicos y delimitan un minilugar para la creación, que ha sido negociado por él y los propios transeuntes con la intención de convertirlos una especie de tierra de nadie para uso artístico, dentro de la ciudad. Una vez que el usuario se situa dentro, cualquier gesto, palabra, incluso la propia sombra, se convierte en puro arte conceptual. Todo acto u objeto que esté comprendido en su interior, automáticamente es entendido como manifestación artística y cada transeúnte es potencial artista, un poeta o de un activista creativo. Estos Free Territories son centros de libertad de creación, enclaves de expresión social. Por lo tanto no existen limitaciones o restricciones de ningún tipo. Una versión puesta al día de los pensamientos de Duchamp o Ives Kleim.
- SE COMEN LA PARED
- Hoy mismo he podido llegar a una conclusión sobre la autoría de las &quot;máscaras&quot; (a partir de ahora entre comillas) de las que he venido hablando en las últimas semanas. Javier Abarca , tutor del taller de arte urbano que se ha llevado a cabo en la Facultad de Bellas Artes de Aranjuez, un curso de carácter anual y de una duración de cuatro meses incluido en la licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, nos ha explicado que las &quot;máscaras&quot; son obra de DosJotas , uno de los participantes en el taller, y lo que es mejor, nos ha dado las pistas que llevan no sólo a otros resultados del mismo, sino también a sus propias intervenciones, muy interesantes desde el punto de vista del que escribe esto. Así que hoy no hay fotos mías sino imágenes tomadas de los distintos links que resumo al final de esta entrada. He aquí una muestra de las obras más interesantes de DosJotas, Javier Abarca y otros participantes en el ya mencionado taller de arte urbano. Dos Jotas nos tiene al día de su última intervención, Espacio sin aire , esta vez en el marco de Estampa 2007. Volviendo sobre temas y recursos ya utilizados en obras anteriores, Dos Jotas establece un paralelismo, gráfico y de contenido, entre los efectos de los poderes sobre el individuo (personificados en la prohibiciones relacionadas con el tabaco) y sobre el artista. Puedes ver más muestras de la interveción en su blog . Autor desconocido (México 2006)
- El deporte rey tampoco ha pasado desapercibido ante el ingenio y la destreza de Spy, que dejó su &quot;señal&quot; frente a una de las puertas principales de uno de los estadios de la capital.
- El artista americano, Cayetano Ferrer es un mago urbano y bueno, de esos que tiene poder para hace menos evidente cosas que molestan y distorsionan el paisaje y la vida de la ciudad. No es que use su magia con grandes y trascendentes cosas, que va, él emplea sus habilidades en pequeños detalles, como sin importancia y es por eso que me gusta. Uno de sus juegos favoritos es hacer que se desvanezcan ante los ojos, las señales de prohibido aparcar de la ciudad de Chicago La técnica es muy simple, aunque eso es lo de menos, consiste en fotografiar la señal y lo que hay detrás. Después, junta las fotos, conservando parte de cada una. Como la resolución técnica es muy buena, el efecto que consigue es que si miramos la señal desde un punto concreto, esta se desvanece hasta casi desaparecer. Esta serie, llamada City of Chicago , la ha desarrollado del Cayetano Ferrer, 2004 al 2006, siempre eligiendo el mismo tipo de señal e idéntica técnica. En su proyecto Eight Corners objetos semitransparentes o de espejo, se encuadran en un entorno urbano en construcción. El autor cuenta que utiliza esta técnica para entablar un diálogo sobre el flujo constante de la construcción en el entorno contemporáneo, lo que se ve y lo que no se ve, lo que está construido y lo que no, lo que es real y lo que no. No se, con seguridad, cual es el propósito final del arte urbano de este artista, realmente no me importa mucho. Yo quiero pensar, que al dejar esos delicados detalles, a la vista de todos, está haciéndonos un regalo que sólo podrán disfrutar aquellos, que reparen en su existencia. Y es que para percibirlos hay que andar de una forma especial por la ciudad.
- MAMBO Semáforo enamorado Las circunstancias obligan a actualizar. En Huesca, los semáforos nos han recordado que hoy, 14 de febrero, es San Valentín. He bajado a la calle con mis compañeros y, cuando la luz ha pasado a rojo, todos hemos exclamado “¡Ooooh!”. Eso sí que es poesía urbana…
- Stickers contra Gallardón Publicado por Germano París el 29 de Abril de 2006 a las 10:08 AM en la sección Pill Golding Cuando en una ciudad como Madrid, la protesta contra la instalación de los parquímetros, se convierte en la mayor lucha y movilización ciudadana de los últimos años (junto al botellón), no es de extrañar que los creativos de la agitación y la propaganda (el agit-prop) se pongan al servicio de ésta, como todo buen arte político que se precie. Como es el caso de la pegatina que te ayuda a decir al alcalde de Madrid: métete mi dinero por el culo!...
- Leo en Guerrilla Innovation que Helmut Smits , en una iniciativa estilo guerrilla gardening , está plantando árboles delante de los soportes publicitarios. Para hacerlo, el artista, una vez localizado el soporte, se disfraza de jardinero municipal y a plena luz del día coloca un enorme árbol, impidiendo la visión de la publicidad.
- No puedo evitar quedarme mirando extasiada cómo quedan las paredes medianera cuando es derribado un edificio adosado a otro. A veces se encuentran pequeñas pistas de la pasada vida en esas casas, cuadros aún pegados a las paredes, el papel pintado o el color de las paredes, todo nos está contando historias, muchas de ellas tristes, otras precipitadas, como si los moradores hubieran salido repentinamente, olvidando recoger hasta la ropa que aún se puede ver colgada de las perchas. El libro Construction Site : Metamorphoses in the City recopila, entre otras cosas, fotos de paredes medianeras, limpias y casi sin rastros de vidas pasadas pero que aún así componen imágenes de bella destrucción. Y son tan difíciles de encontrar ejemplos tan perfectos como esos... Lo he visto en A Daisy Dose of Arquitecture . Las fotos pertenecen a la serie Restarchitektur de Marcus Buck . En Urban Idade se pueden encontrar algunos ejemplos de derribos en Madrid, no tan estéticos como estos de los que estoy hablando hoy, pero igualmente interesantes. También quiero dejar el link que me han enviado desde Escrito en la pared sobre un grupo de flickr The Unconscious Art of Demolition , con montones de fotos de derribos y medianerías que recomiendo echéis un ojo. Las fotos son de gran belleza y en algunas de estas paredes me he reencontrado con trabajos de Sam3 y Jorge Rodríguez , que forman una combinación perfecta, para mi gusto.
- Cada vez veo más objetos raros pegados a las paredes, algunos me provocan una sonrisilla pero la mayoría me dejan completamente fría. Ahora le ha llegado la hora a las míticas piezas de Lego, que se han instalado en los muros gracias al trabajo del artista ruso Jan Vormann . Y tengo que reconocer que me ha hecho gracia su trabajo Dispatchwork , que consiste en reconstruir partes de muros deteriorados insertando piezas de plástico de múltiples colores y formas. Me da la sensación al verlo, que apretando sobre ellos se va a abrir la puerta que da acceso a un mundo fantástico de dibujos animados pixelados, llenos de magia y de color... como veis, imaginación no me falta. Bueno, dejando estos pensamientos a un lado, el efecto de paredes grises y humildes recompuestas con piezas de construcción tiene su gracia. Ojalá las piezas utilizadas sean recicladas de antiguos juegos... Está claro que las posibilidades artísticas del Lego aún están por descubrir... Lo he visto en Today and Tomorrow .
- Comparar con nuestra imagen de fachadas grises
- Se trata de ver la realidad desde otro punto de vista. Como ha hecho este hombre, para quién los árboles es lo que está recto, y lo que está torcido lo demás.