El documento resume la música profana, religiosa e instrumental del Renacimiento en Europa entre los siglos XV y XVI. La música profana se desarrolló de forma paralela a la religiosa y fue difundida por juglares, trovadores y troveros. Los instrumentos más comunes eran las flautas, cuerdas y panderetas. La música religiosa se escribía principalmente en forma de misas y motetes polifónicos. La música profana variaba según el país pero incluía formas como el madrigal en Italia, la chans

1. PROFANA
La música profana se desarrolla de forma paralela a la religiosa bajo la protección de los grandes
señores feudales. Juglares, trovadores y troveros se encargaron de difundirla.
Los textos de este tipo de canciones, generalmente, estaban escritos en lengua vulgar y giraban
en torno a temas de amor, de gesta o de parodia.
La música instrumental se interpretaba en las fiestas populares y en las de la corte para
acompañar las danzas.
INSTRUMENTOS
Los instrumentos más destacados eran las
flautas, las cuerdas (instrumento musical
parecido a una lira "una guitarra pequeña")
y panderetas, pero a su vez también se
empleaban gaitas y otros instrumentos
parecidos, rara vez cantaban: hablaban
rimando y con música de fondo.Esta música
se interpreta en ámbitos profesionales (en la
Corte, en las festividades, etc.) y cada vez
más en el ámbito doméstico: en muchos
hogares se usa el laúd, la vihuela o el
clavicémbalo acompañando el canto o como
instrumentos solistas.
MUSICA DEL RENACIMIENTO
Podemos llamar considerar como música del renacimiento
aquella que comprende los años que van desde el 1.400 al
1.600 en Europa. Vamos a señalar una serie de
características importantes de esta etapa:
ESTILO
1º Se va fusionando poco a poco la música religiosa y
profana.
2º Mayor equilibrio entre las diferentes voces.
3º Se fue sustituyendo poco a poco las voces por
instrumentos lo que favoreció la danza y el florecimiento
de la música instrumental.
4º La música llega a los salones cortesanos.
5º La música se usa como un medio para el goce y la diversión
6º Una mayor dignificación del músico profesional, gracias al mecenazgo de las clases
poderosas.

2. GENERO Y FORMA
Alemanda
Balada
Balada (música)
Basse danse
Bourrée
Branle
Canon (música)
Canzona
Chanson
Coral (música)
Coral protestante
Courante
Danza renacentista
Escuela romana (música)
Fauxbourdon
Formes fixes
Frottola
Gallarda
Gavota
Giga (danza)
Gymel
Isorritmia
Lauda (música)
Madrigal (música)
Mazurca
Misa cíclica
Misa parodia
Misa paráfrasis
Motete
Pavana
Polonesa
Ricercare
Ritornello
Romance (música)
Rondó
Saltarello
Tocata
Tourdion
Villanella
Virelay
MUSICA RELIGIOSA
La mayoría de obras fueron escritas para ser cantadas a
cappella (para las voces de capilla o coro). Actualmente esta
expresión es utilizada para designar cuando se canta sin
acompañamiento de instrumentos. Las formas musicales
religiosas se seguían escribiendo básicamente misas y
motetes en estilo polifónico, normalmente a cuatro voces. Un
tipo muy curioso de misas renacentistas son las llamadas
misas parodia (cantus firmus medieval).
MUSICA VOCAL PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que
tiene un estilo internacional ya que en todos
los territorios se escribe bajo las mismas
pautas, la música vocal profana va a tener un
estilo propio en cada país; es lo que se
denomina como los "Estilos Nacionales".
Algunas de las características, que al
comienzo del tema citábamos como generales,
se van a mantener, pero cada país desarrollará
diferentes tipos de canciones escritas en las
lenguas vernáculas (propias de cada territorio)
y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los
géneros más importantes de algunos países:
ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de
polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música "a
capella", aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter
descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un
ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca
Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.

3. FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma
polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El
compositor más destacado es Clement Janequin.
ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su
origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura
homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más
representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas de
estas piezas en un libro que lleva por título "El cancionero de Palacio". Junto con el
villancico en España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la
Ensalada.
MUSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental es, en oposición a una
canción, una composición musical o pieza sin
letra u otra suerte de música vocal; toda la
música es producida por instrumentos
musicales. Éstos incluyen cualesquiera del
orden de los de cuerda, madera, metal y
percusión.
El término música tiene su origen del vocablo
griego mousike, cuyo significado es el arte de
las musas. La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los
comienzos de la historia. Se puede decir también que la música es una forma de
expresión a través de la cual uno puede dar a conocer su personalidad.
CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL Y CULTURAL
Denominaremos como renacentista a la música producida durante el periodo
comprendido entre 1450 y 1600 aproximadamente. En estas fechas se produjo un
importante cambio histórico y cultural en toda Europa.
El siglo XV es un siglo de transición desde la Edad Media, en donde hay un desarrollo
del comercio y un ascenso social de la burguesía. Las ciudades adquieren gran
importancia y hay una revitalización de la cultura desde Italia a través del Humanismo,
como base ideológica del Renacimiento. El nacimiento de la imprenta en 1455 permite
una rápida y más amplia difusión de la cultura.
El siglo XVI supone el Renacimiento pleno con un afianzamiento de las ciudades
estado, dirigidas por la burguesía capitalista que algunas veces se convertirá en
protectora del arte a través de los mecenas (Médicis, Sforza…). Los avances científicos
se dan en todos los campos: medicina, astronomía, química mecánica… de la mano de
Kepler, Copérnico, Galileo, Leonardo da Vinci, Servet… Pero todo no fue avance y
prosperidad. La Reforma Protestante, no sólo tuvo consecuencias en la religión.
También en lo político y lo económico, lo que provocó guerras internacionales en toda
Europa. El objetivo del Concilio de Trento fue intentar afianzar la autoridad papal y
reorganizar la religión a través de la Contrarreforma.
MUSICA BARROCA
La música barroca o música del
Barroco es el estilo musical europeo,

4. relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el
nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en
1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea,
antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.
Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue
la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera.
Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich
Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste
Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell.
ORIGEN DEL TÉRMINO
El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una
construcción «pesada, elaborada, envuelta» (siendo el término original, «barrueco» o
«berrueco», un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo
XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical
del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado»
CARACTERÍSTICAS GENERALES Y ESTILÍSTICAS
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
1. La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque
se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar
importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la
escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele
llamarse bipolar o de monodía acompañada.
2. La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave
(el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores.
El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos
melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento
armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
3. El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces
queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo
continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
4. El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o
ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
5. El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con
adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura
idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
6. La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la
cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
7. El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias
instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el
«estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres
habitual en el Renacimiento.
8. El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las
ya escritas, en forma de ornamentación.
MUSICA CLASICA
El término música clásica aparece
por primera vez en el Oxford
English Dictionary en 1836 y señala
las composiciones europeas más

5. destacadas del siglo anterior, siendo el nombre habitual que reciben la música culta,
académica o docta de Occidente.
En la Historia de la música y la musicología, se llama «música clásica» a la música del
clasicismo (entre 1750 y 1820); pero en sentido popular y de mucha aceptación en los
medios escritos ―como lo recoge la Real Academia Española―, es la música de
tradición culta; sus primeras luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450.
Existe una expresión que abarca casi todos los períodos para definir su época de mayor
esplendor: período de la práctica común. Hacia 1950 la composición culta (cierta
complejidad en notación e instrumentación) comienza a situarse mayormente fuera de la
tradición anterior, mediante la composición radicalmente atonal y disonante y otras
tendencias opuestas.
INSTRUMENTOS
Una Orquesta esta principalmente
compuesta por Las Cuerdas, Los
Alientos, Los Metales, Las Percusiones
y El Coro
Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de
8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o
más y de 5 a 8 contrabajos o más.
Ocasionalmente también se incluyen
arpa, guitarras y piano.
Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2
oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2
fagotes. Ocasionalmente también se
incluyen 1 clarinete bajo o 1
contrafagot.
Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2
bajos. Ocasionalmente, 1 tuba,
Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales, caja,
bombo, platos, xilófono, triángulo, celesta, claves, gong, campanas, glockenspiel o lira,
caja china, castañuelas, pandereta etc.
CARACTERISTICAS
El término "música clásica" es a menudo mal utilizado en la cultura común. Se utiliza
incorrectamente para referirse a cualquier tipo de música antigua que no se considera
música pop. El término correcto para esta música es música artística. En realidad, el
término "clásico" se refiere a un grupo selecto de compositores en el periodo de tiempo
de 1750-1810. La música clásica se desarrolló en Europa, principalmente en Alemania y
Austria, después del período barroco. Los compositores más notables de la música
clásica fueron Stamitz, Gluck, CPE Bach, J. C. Bach, Beethoven, Haydn y Mozart.
SONATA
Sonata es el nombre dado a distintas
formas musicales, empleadas desde el
período barroco hasta las experiencias
más rupturísticas de la música
contemporánea.
Es importante tener en cuenta que la
misma palabra alude a significados
sutilmente diferentes en cada época:
principalmente en cuestiones formales.

6. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa,
como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes.
Este procedimiento es conocido como «forma sonata».
LA OPERA
Ópera (del italiano opera, 'obra
musical') designa, desde
aproximadamente el año 1650, un
género de música teatral en el que una
acción escénica es armonizada, cantada
y tiene acompañamiento instrumental.
Las representaciones son ofrecidas
típicamente en teatros de ópera,
acompañados por una orquesta o una
agrupación musical menor. Forma parte
de la tradición de la música clásica
europea u occidental.
OBRA MUSICAL
Obra musical u obra de música es una obra de arte perteneciente al arte musical.
Se utiliza la expresión latina opus ("obra") para numerar las obras musicales de un
autor. Los compositores suelen llevar ellos mismos la cuenta, añadiendo al título de sus
obras opus 1, opus 2, y así sucesivamente. Cuando no lo hacen así, o se altera por
alguna razón la continuidad del "número de opus", los catálogos de sus obras deben
aclarar las confusiones.
Recibe el nombre de "maestro" tanto el ejecutante como el autor de obras musicales, de
forma equivalente a como se denominaba al rango mayor propio de los gremios
artesanos medievales, que también eran autores de "obras" (opus magistri, magnum
opus u obras maestras; o las obras de construcción a cargo de los maestros de obras). La
distinción entre bellas artes y artes aplicadas colocó entre las primeras a la música (que
ya figuraba como arte liberal por su inclusión en el quadrivium carolingio desde la Alta
Edad Media).
Se utiliza la expresión "composición musical" como sinónimo de "obra musical" en el
sentido de composición de una pieza de música, un ejemplo de una forma musical a
través de un género musical:
Obra instrumental, la de música instrumental (música de cámara, música concertante,
música sinfónica, sonata, suite, sinfonía, poema sinfónico, obertura, ballet, música de
cine, etc.)
Obra vocal u obra de canto, la de música vocal o canto (ópera -cuyo nombre
etimológicamente deriva de "obra"/opus-, oratorio, zarzuela, teatro musical, lied,
canción, etc.)
CONSTITUCION ORQUESTAL

7. En el siglo XVIII la Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía
reservada a la Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos
fomenta ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas
privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos
a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su
número a la vez que perfeccionan su calidad. Los conjuntos instrumentales adquieren
cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus individuos. El bajo
cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va
cediendo el paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte
musical reservado al mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas
trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto
instrumental.
LA MUSICA EN EL ROMANTICISMO
Es la época más importante de la historia de la
música por la enorme cantidad de músicos que
surgen.
Tieck, un de los grandes estetas del momento
afirma: "La Tierra sin la música es una casa vacía de
la que han unido sus moradores, por ello la historia
de cada nación se inicia con la música". El
Romanticismo musical se extiende más o menos de
1815 hasta 1880,aunque en muchos lugares continúa
hasta avanzado el siglo XX ;y en el distinguimos un
Romanticismo temprano y otro tardío, que comienza
hacia 1850.
·FranzSchubert (1797-1828): Uno de los músicos
más inspirado delRomanticismo. Realiza ocho
sinfonías, aunque la última queda inconclusa
·Félix Mendenssohn (1809-1847): Compone cinco
sinfonías, caracterizadas por su mesura,
construcción clasicista y su simetría. ·Robert Schumann (1810-1856):Compone cuatro
sinfonías, con una gran riqueza rítmica y la típica fuerza que este autor pone en todas
sus obras.
·Johannes Brahms (1833-1897): Es un músico del Romanticismo tardío. En sus cuatro
sinfonías restaura la perfección beetthoviana, y renueva el lenguaje armónico y rítmico.
·Antón Bruckner (1824-1896): Tiene nueve sinfonías, influido por Beethoven y
Schubert, en aspectos de instrumentación.
·César Franck (1822-1890): Compositor de origen belga que ejercitó su carrera en.

8. FORMAS MUSICALES DEL ROMANTICISMO
Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de
virtuosismo, escrita principalmente para piano.
Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.
Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va
adquiriendo cada vez mayor dificultad.
Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de
improvisación.
Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y
expresiva línea melódica.
Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.
Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los
ideales románticos.
El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos
posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.
Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que
pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un
programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema
sinfónico.
Poema sinfónico. Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla
musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre
la poesía y la música.
MUSICA CONTEMPORANEA
En un sentido estricto, la música contemporánea es toda aquella que se ha escrito en
nuestra época. Ciertamente ‘nuestra época’ sigue siendo un término ambiguo pero
podríamos circunscribirlo a los últimos cincuenta años. En realidad, ni siquiera los
críticos y conocedores han logrado llegar a un acuerdo satisfactorio para todos en el que
se defina si cualquier género de música actual o moderna debe ser considerado música
contemporánea, aunque esto, en realidad pasa a segundo término, al terreno de las
palabras y las definiciones, el cual pocas veces es de demasiada importancia para las
artes, a excepción hecha de la literatura, por supuesto.
Debido a esta situación—el hecho de que el término ‘contemporáneo’ remita más a un
periodo histórico que a un género o estilo—a comienzos del siglo pasado, la música
contemporánea abarcaba un gran número de técnicas como el modernismo, el serialismo
dodecafónico, la atonalidad, un mayor número de disonancias sin resolución, la
complejidad rítmica y la música neoclásica. Actualmente la situación se ha hecho
incluso un poco más complicada en cuanto a las nomenclaturas. Sin embargo, es posible
distinguir tres ramas mayores. La primera es una continuación de la tradición
modernista de la vanguardia, incluyendo a la música experimental. La segunda está

9. conformada por las escuelas que buscan revitalizar un estilo basado en la armonía tonal
de siglos anteriores (neotonalismo. La tercera se centra en la armonía triádica no
funcional, ejemplificada por los compositores de música minimalista y otras tradiciones
similares. En el contexto de la música, la música contemporánea es la que se ha escrito
en los últimos cincuenta años, particularmente después de los años sesenta. En un
sentido más amplio, música contemporánea sería cualquier música que se escribe en el
presente. Es materia de un arduo debate si el término se debería aplicar a música de
cualquier estilo, o sise le aplica exclusivamente a compositores de música de
vanguardia, o música «moderna». Se ha utilizado el término «contemporáneo» como
sinónimo de «moderno», particularmente en medios académicos, mientras que otros son
más restrictivos y se lo aplican sólo a los compositores que están vivos y a sus obras. Ya
que es una palabra que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea
unificadora en particular, no existe un acuerdo universal acerca de cómo hacer estas
distinciones. Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre
ellos el de Donaueschingeny el Huddersfield Contemporary Music Festival. Podemos
encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de películas y música incidental,
como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip Glass, El Señor de los anillos
de Howard Shorey el tema de la campaña publicitaria de De BeersdeKarl Jenkins.
HISTORIA
A comienzos del siglo XX la música contemporánea incluía al modernismo, el
serialismo dodecafónico, la
atonalidad, un mayor número de
disonancias sin resolución, la
complejidad rítmica y la música
neoclásica. La música
contemporánea de los años
cincuenta en general implicaba
alguna forma de serialismo; en
los años sesenta, serialismo,
indeterminación, y música
electrónica, incluyendo música
por computadoras, arte mixto,
performance y el grupo Fluxus;
y desde entonces, música minimalista, posminimalista y todas las anteriores. Desde los
años setenta se ha incrementado la variedad estilística, con demasiadas escuelas como
para ser nombradas o etiquetadas. Sin embargo, de manera general, existen tres amplias
tendencias. La primera es una continuación de la tradición modernista de la vanguardia,
incluyendo a la música experimental (por ejemplo, Magnus Lindberg). La segunda está
conformada por las escuelas que buscan revitalizar un estilo basado en la armonía tonal
de siglos anteriores (neotonalismo), incluyendo a John Corigliano Y JohnRutter. La
tercera se centra en la armonía triádica no funcional, ejemplificada por los compositores
de música minimalista y otras tradiciones similares.La música contemporánea se ha
visto alterada con una fuerza creciente por el uso de ordenadores en la composición, las
que les permiten a los compositores escuchar esbozos de sus obras antes del estreno,
componer superponiendo partes ya interpretadas una sobre otra, como se sabe que hace
John Adams, y distribuir sus partituras por Internet. Es demasiado pronto aún para decir
cuál será el resultado final del efecto que tendrá esta ola de computarización sobre la
música. Toda historia es provisional, y la historia contemporánea lo es aún más, debido
a los bien conocidos problemas de diseminación y poder social. Quiénes están «arriba»
y quiénes «abajo» es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que
quizá tenga, por ejemplo, no menos de 40 000 compositores de música orquestal sólo en

10. EE. UU, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más. La lección de
desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después se aplica
doblemente a los compositores contemporáneos, donde posiblemente habrá «primeros»
anteriores a la lista oficial de los primeros compositores de un estilo, y sus obras serán
posteriormente admiradas como ejemplos de esos estilos, aunque en su tiempo no sean
reconocidas como tales.