1. Los 40 principales

2. PINTORES

3. Velázquez Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X , en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas. Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

4. Virgen Y San Bernardo Autor: Murillo Fecha:1655-60 Características: 331x249cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

5. La Fábula De Aracne Autor: Velázquez Fecha:1657 Características: 220x289cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

6. La Venus Del Espejo Autor: Velázquez Fecha:1648 Características: 122x177cm Museo: NationalGallery de Londres Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

7. Murillo Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 – † Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial. Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de la ciudad de Sevilla. Fue el menor de catorce hermanos. Su padre era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban, siendo por tanto Esteban su primer apellido. Su madre se llamaba María Pérez Murillo, de quien tomó el apellido para firmar su obra, como hizo Velázquez. Al morir sus padres cuando tan sólo tenía 10 años, pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores, Ana, casada con un barbero cirujano, Juan Agustín de Lagares, con quien el joven Bartolomé mantendría muy buena relación. Aunque el estilo que define las primeras obras de Murillo siempre se considera tenebrista, es evidente que existe por parte del pintor un deseo de avanzar y crear nuevos conceptos. El excelente dibujo se aprecia claramente en sus primeras obras, donde los detalles son también protagonistas. Murillo fundaría una Academia de Pintura junto a Francisco de Herrera "el Mozo" en 1660. El colorido empleado es el que caracteriza esa primera etapa del artista siguiendo el estilo de los naturalistas. El pintor aprovechó la enorme demanda de obras marianas para crear iconografías personales. Una de ellas es la Virgen del Rosario. La pincelada empleada por el artista es algo más suelta que en la Sagrada Familia del Pajarito y anticipa el efecto vaporoso que pronto le convertirá en el primer pincel de Sevilla. Autor de numerosas Inmaculadas, en los últimos años de su vida, crea una fórmula ideal en la que aparece la Virgen vestida de blanco y azul, con las manos cruzadas sobre el pecho, pisando la Luna y con la mirada dirigida al cielo, con un claro impulso ascensional, muy barroco, que coloca a la figura de la Virgen María en el espacio empíreo habitado de luz, nubes y ángeles, y que sirve para aunar dos tradiciones iconográficas: la de la Inmaculada propiamente dicha y la de la Asunción. .

8. Visión De San Antonio De Padua Autor: Murillo Fecha:1656 Características: 56x33cm Museo: Catedral de Sevilla Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

9. Virgen Del Rosario Autor: Murillo Fecha:1650-55 Características: 164x110cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

10. Inmaculada De Soult Autor: Murillo Fecha:1678 Características: 274x190cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

11. Francisco De Goya Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. Una grave enfermedad en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica. Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición. Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal. Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

12. Santa Isabel Curando A Una Enfermera Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha:1798-1800 Características: 33x23cm Museo: Museo Lázaro Galdiano Material: Óleo sobre lienzo

13. Cristo Crucificado Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha:1780 Características: 255x154cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neoclásico

14. Triple Generación Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha:1760-63 Características: 79x55cm Museo: Colección particular Material: Óleo sobre lienzo

15. José De Ribera José de Ribera (Játiva (Valencia), 12 de enero de 1591 – Nápoles, 1652); pintor tenebrista español del siglo XVII, también conocido como Giusepe de Ribera o con su nombre italianizado: Giuseppe Ribera. Fue apodado por sus contemporáneos Lo Spagnoletto, «el españolito», por su baja estatura y porque reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como «Jusepe de Ribera, español» o «setabense» (de Játiva). Ribera es un pintor destacado de la escuela española, aunque su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España. Una de su obras “El Calvario” Es Fruto de la estrecha relación entre el duque de Osuna y Ribera. Se trata de una composición monumental en la que destaca el claroscuro existente en el trabajo, que hace casi invisible la figura de pie que con las manos juntas se sitúa en la derecha. El tratamiento de la escena está cargado de patetismo, destacando los gestos de tristeza de san Juan, la Virgen y la Magdalena. La composición se organiza a través de un triángulo invertido y diversas diagonales que aportan ritmo y dramatismo al conjunto, convirtiéndose en el trabajo más avanzado de los realizados por el artista valenciano para el Virrey. Como sus compañeros San Sebastián, San Jerónimo, y San Pedro penitente, el lienzo fue donado por doña Catalina Enríquez de Ribera a la Colegiata de Osuna en 1627. Un ejemplo del tenebrismo de la primera época de José de Ribera, es San Andrés Apóstol conmarcados contrastes entre las zonas iluminadas y las sombrías. La figura está representada con gran realismo. Para este tipo de cuadros, Ribera copiaba modelos del natural, como los propios pescadores de Nápoles. El martirio de San Felipe es una obra de madurez del pintor, a juzgar por el tratamiento del colorido, los toques de pincel y el espléndido desnudo. Es menos caravagista que en obras anteriores, dotando al lienzo de mayor luminosidad. El cromatismo se aleja de los tonos terrosos propios del barroco español, acercándose más a la influencia veneciana.

16. El Martirio De San Felipe Autor: José de Ribera Fecha:1639 Características: 234x234cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

17. San Andrés Apóstol Autor: José de Ribera Fecha:1635 Características: 123x95cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

18. El Calvario Autor: José de Ribera Fecha:1625-26 Características: 336x230cm Museo: Colegiata de Osuna Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

19. Caravaggio MichelangeloMerisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Salvo en sus principios, produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Le reprochaban el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición. Se preocupó enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos.. La pintura que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado. La Iglesia católica osciló entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto hacia él y su obra. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores -como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos. En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo que huyó de Roma. En 1608 se vio nuevamente envuelto en otra riña, lo que se repitió más tarde en Nápoles hacia 1609, ocasionado posiblemente por sus enemigos. Tras estos incidentes, su carrera fue decayendo, lo que le ocasionó una depresión que degeneró en su muerte dos años más tarde. Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras. Fue quien le dio la técnica definitiva al claroscuro oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda.

20. Baco Autor: Caravaggio Fecha:1597 Características: 98x75cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

21. La Vocación De San Mateo Autor: Caravaggio Fecha:1599-1600 Características: 322x340cm Museo: Iglesia de San Luís de los Franceses de Roma Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

22. Muerte De La Virgen Autor: Caravaggio Fecha:1605-06 Características: 369x245cm Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

23. El Greco DoménikosTheotokópoulos, en griego ΔομήνικοςΘεοτοκόπουλος (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»)fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia (estilo de Tiziano y Tintoretto), y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida. Su formación pictórica fue obtenida de tres focos culturales muy distintos: primera la bizantina, causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores; por último, su estancia en Roma donde conoció la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.

24. El Entierro Del Señor Orgaz Autor: El Greco Fecha:1586-88 Características: 480x360cm Museo: Iglesia de Santo Tomé de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

25. Martirio De San Mauricio Y La Legión Tebana Autor: El Greco Fecha:1580-82 Características: 448x301cm Museo: Monasterio de San Lorenzo de El Escorial Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

26. El Expolio De Cristo Autor: El Greco Fecha:1577-79 Características: 285x173cm Museo: Catedral de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

27. Luís De Morales Luís de Morales (Badajoz, Extremadura, 1509- 1586), es un pintor español de estilo manierista. Debido a la fama que disfrutó en vida y a la predilección por temas religiosos en sus obras, fue llamado «El divino Morales». Desarrolló su actividad en un relativo aislamiento en Extremadura, si bien sus obras se distribuyeron por la península. En su pintura se observa un alargamiento de las figuras y el uso de la técnica del esfumado leonardesco, lo cual hace pensar en influencias de escuelas pictóricas extranjeras. No obstante, debido a su particular estilo de representación su obra es fácilmente identificable. Este extremeño fue apodado por sus coetáneos "el Divino". Los motivos fueron su dedicación casi mítica a los temas devocionales así como la ejecución extraordinaria de sus pinturas. Solía trabajar el óleo sobre madera y sobre cobre, y terminó por especializarse en detalles concretos de la religión, como el Cristo coronado de Espinas, la Piedad, la Virgen con el Niño, etc., visiones que excitaban la devoción del fiel. La leyenda de Morales fue creada en vida, y le achacaba cualidades de místico, que era lo que dotaba a sus imágenes de esa cuasi "divinidad" que las hacía tan comerciales. Sus clientes eran fieles a la producción de Morales, y los encargos le llegaban de todos los rincones de España. Su estilo amanerado y personal se debió a haberse formado lejos de los principales núcleos artísticos, como Madrid, Sevilla o Valencia. Con su particular forma de representación es sencillo identificar su obra: una característica fija es la piel blanca azulada de sus personajes o los dedos extremadamente delgados, con nudillos salientes, como si fueran tallos de cañas secas.

28. Virgen Con El Niño Autor: Luís de Morales Fecha:1525 Características: 84x64cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo

29. Cristo Y El Pecador Autor: Luís de Morales Fecha:1550 Características: 70x48cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo

30. Adoración De Los Reyes Autor: Luís de Morales Fecha:1570-75 Características: 98x167cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Manierismo

31. Leonardo Da Vinci Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Castillo de Clos-Lucé, Francia, 2 de mayo de 1519) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico, ingeniero y el hombre del Renacimiento por excelencia. Humanista de primera línea, está ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia. La admiración hacia Leonardo como científico e inventor es reciente, puesto que a lo largo de cuatrocientos años su enorme fama se debió a sus logros como pintor y a unas pocas obras, que o bien se había autenticado que eran obra suya, o bien se le atribuyeron, pero que en cualquier caso han sido consideradas obras maestras de la pintura. De sus obras, quizás sobreviven 15 pinturas, junto a sus diarios, que contienen dibujos, diagramas científicos, y notas. Planeó frecuentemente pinturas grandiosas con muchos dibujos y esbozos, dejando los proyectos inacabados. Sus pinturas son famosas por una serie de cualidades que han sido muy imitadas por estudiantes y discutidas ampliamente por los aficionados y los críticos: sus técnicas innovadoras, su detallado conocimiento de anatomía, luz, botánica y geología, su interés en fisonomía y la forma en que los humanos registran emoción. Su gran aportación es el esfumado, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. Prestando atención, se puede percibir en varios cuadros un efecto característico de la pintura de Leonardo: la delicada transición de la luz a la sombra, cuando un tono más claro se funde con otro más oscuro, como bellos acordes musicales. Leonardo usa la llamada "perspectiva aérea", esto es, representar la sensación de profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo porque las partículas en suspensión que hay en la atmósfera hace que se vean con más nitidez los objetos del primer plano y de una manera más difuminada lo que queda al fondo. Todas estas características están presentes en sus obras más famosas: La Gioconda (Mona Lisa), (actualmente en el museo del Louvre de París), La última cena y La Virgen de las Rocas.

32. Santa Ana Con La Virgen Y El Niño Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1508-10 Características: 168x130cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

33. La Última Cena Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1495-97 Características: 480x880cm Museo: Iglesia de Sta. María delleGrazie de Millán Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

34. Virgen De Las Rocas Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1485 Características: 199x122cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

36. Vita de MichelangeloBuonarroti, escrita en 1553 por AscanioCondivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo BuonarrotiTriunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

37. La Conversión De San Pablo Autor: Miguel Angel Fecha:1542-45 Características: 625x661cm Museo: Capilla Paolina (Roma) Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

38. Juicio Final Autor: Miguel Angel Fecha:1537-41 Características: 1370x1220cm Museo: Capilla Sixtina (Roma) Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

39. Tondo Doni Autor: Miguel Angel Fecha:1503 Características:120 (diám.) Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

40. Botticelli Alessandro di Mariano di VanniFilipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Según Vasari se empezó a formar en un taller de orfebrería, de ahí pasaría al taller de Fray FilippoLippi, en Prato (de 1464 a 1467), de este pintor recibe sus mayores influencias, también, en menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. Para el año 1470, Botticelli ya tenía su taller propio y en 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante. Su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. Según el crítico Bernard Berenson puede considerarse a Botticelli como el mejor decorador lineal que haya habido en Europa.

41. Palas Y El Centauro Autor: Botticelli Fecha:1482 Características: 207x148cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

42. Nacimiento De venus Autor: Botticelli Fecha:1485 Características: 172,5x278,5cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

43. La Primavera Autor: Botticelli Fecha:1478 Características: 203x314cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera Estilo: Renacimiento Italiano

44. Beato Angélico Más conocido como FraAngelico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico". Combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer renacimiento. En el Museo del Prado de Madrid se conserva una de sus obras más representativas: La Anunciación (1430-1432), realizada para el convento dominico de Fiesole. El Museo Thyssen-Bornemisza posee La Virgen de la humildad, depositada en el MNAC de Barcelona. Los duques de Alba poseen en el Palacio de Liria otra obra de FraAngelico, La Virgen de la granada, adquirida por un antepasado suyo en Florencia hacia 1816.

45. Coronación De María Autor: Beato Angélico Fecha:1441 Características: 171x151cm Museo: Convento de San Marcos de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

46. Crucifixión Autor: Beato Angélico Fecha:1450 Características: 233x183cm Museo: Convento de San Marcos de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

47. La Anunciación Autor: Beato Angélico Fecha:1445 Características: 194cm en cuadro Museo: Museo del Prado Material: Pintura al Temple Estilo: Renacimiento Italiano

48. Gérard David 1460, Oudewater - 13 de agosto de 1523, Brujas. Fue un pintor del estilo flamenco, dentro de la pintura gótica, conocido por su brillante uso del color. David marchó a Brujas en 1483, se unió a la cofradía de san Lucas en 1484 y se convirtió en su decano en 1501; en 1496 se casó con CorneliaCnoop, hija del decano de la cofradía de los orfebres; se convirtió en uno de los ciudadanos prominentes de la ciudad; falleció el 13 de agosto de 1523 y fue enterrado en la Iglesia de Nuestra Señora en Brujas. En su etapa inicial en Haarlem ya había evidenciado su poder superior como colorista. A esta primera época pertenece el San Juan y el San Jerónimo. En Brujas fue donde adquirió una solemnidad de tratamiento, mayor realismo en la representación de la forma humana y un arreglo ordenado de las figuras. La Pietà de David y el Descendimiento de la Cruz destacan por su sentido de movimiento dramático. Pero las obras en los que se basa su fama son los grandes retablos: Los desposorios místicos de Santa Catalina; el tríptico de la Virgen entronizada con santos; la Anunciación; y sobre todo, la Virgen con Ángeles y Santos. Sólo unas pocas obras quedaron en Brujas: El Juicio de Cambises, El despellejamiento de Sisamnes, y el Bautismo de Cristoen y la Transfiguración en la iglesia de Nuestra Señora. El resto se encuentran dispersos por todo el mundo, y esto puede deberse al olvido en que cayó su nombre; esto, y el hecho de que, a pesar de toda la belleza y lo conmovedora que es su obra, no aporta nada nuevo a la historia del arte. Incluso en su mejor obra sólo aporta nuevas variaciones del arte de sus predecesores y de sus contemporáneos.

49. Descanso En La Huída A Egipto Autor: Gérard David Fecha:1510-15 Características: 50,8x43,2cm Museo: MetropolitanMuseum of Art Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

50. Virgen Con El Niño Autor: Gérard David Fecha:s.f. Características: 45x35cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

51. Bautismo De Cristo Autor: Gérard David Fecha:1505 Características: 128x97cm Museo: Groeningemuseum Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

52. El Bosco Bolduque 1450 - agosto de 1516. Fue un pintor flamenco. Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos y en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, En los últimos años de su actividad, su estilo cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. No fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee varias de sus obras más famosas. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas. En cuanto a la figuración destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables. Lo que primero llama la atención de sus obras es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico. En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, ora normales, ora monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, poblado de figurillas fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal.

53. San Juan Bautista En meditación Autor: El Bosco Fecha:1504-05 Características: 48,5x40cm Museo: Museo Lázaro Galdiano Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

54. El Jardín De Las Delicias Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca Autor: El Bosco Fecha:1503-04 Características: 220x195cm

55. Tríptico Bronchorst-Bosschuysse Adoración de los magos Autor: El Bosco Fecha:1510 Características: 138x72cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

56. Jan Van Eyck Maaseik, c. 1390 - Brujas, 1441. Pintor flamenco que trabajó en Brujas, fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV. Este periodo se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional, mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Inventó la de la fórmula del óleo con secado rápido. En 1425 Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservó hasta su muerte. éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas en territorios de España, Italia y Portugal. La visita a estos países le permitió reconocer nuevas luminosidades, cielos y atmósferas diáfanas e incluso notar nuevas vegetaciones (en el Políptico de Gante aparecen, como parte del paisaje de la paradisíaca Nueva Jerusalén, figuradas con precisión casi de naturalista especies mediterráneas). Las figuras humanas por él representadas tienen una actitud impasible y tendiente a la monumentalidad. Es calificado de pintor naturalista, tal afirmación se ve corroborada en la representación de Eva y Adán, desnudos, en la parte superior del Políptico de Gante, retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: les ha pintado casi todos sus pelos. La obra más famosa es el monumental retablo titulado El Cordero Místico, también conocido como el políptico de Gante (1432) compuesto por varios paneles que se abren en antas para mostrar la pintura. Se conservan cuidadosamente firmadas y fechadas entre 1432 y 1439 nueve obras; cuatro de ellas son de tema religioso, como la Virgen del canónigo Van derPaele (1436), o la Virgen del Canciller Rolin (1435).

57. Virgen Del canciller Rolin Autor: Jan Van Eyck Fecha:1435 Características: 66x62cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca

58. Virgen Del Canónigo Van DerPaele Autor: Jan Van Eyck Fecha:1436 Características: 122,1x157,8cm Museo: Museo Groeninge de Brujas Material: Oleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca

59. Díptico: La Crucifixión Y El Juicio Final Autor: Jan Van Eyck Fecha:s.f Características: 56,5x19,7cm Museo:MetropolitanMuseum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Pintura Flamenca

60. Simone Martini Siena, Italia 1284- Aviñón, Francia 1344, Fue uno de los grandes pintores del Trecentoen Italia. Figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa Reputado maestro en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de parís Aprendió la técnica del fresco y estudió la obra de Giotto. Una de sus creaciones más tempranas, realizada hacia 1315, fue la "Majestad" del Palacio Público de Siena En esta época estudia a fondo los esmaltes, los marfiles y las miniaturas que se desarrollaron en las escuelas del gótico francés Hacia 1317 pinta "San Ludovico de Toulouse coronando a Roberto de Anjou" y "Escenas de la vida de San Martín" De este conjunto destaca la conjunción de elementos sagrados y profanos. Realizó otras obras como el retrato de Guidorico da Fogliano, o los polípticos que actualmente se encuentran en el Museo Nacional de Pisa y el Museo dell'Opera del Duomo de Orvieto. También relató en varias escenas la vida del beato AngostinoNovello y realizó la Anunciación de los Uffizi Al comienzo de la década de los cuarenta se traslada a Aviñón, donde entra al servicio del pontífice Benedicto XII. En estas fechas entabla una profunda amistad con Petrarca. Para éste realizó la miniatura "Vergilius cum notisPetrarcae" y un retrato de Laura, cuyo paradero se desconoce.

61. San Luís De Tolosa Coronando A Roberto De Anjou, Rey De Nápoles Autor: Simone Martini Fecha:1317Característica: 250x118cm Museo: Museo Cívico de Siena Material: Pintura sobre tabla Estilo: Gótico Italiano

62. Maestá Autor: Simone Martini Fecha:1317Características 793x970cm Museo: Museo Cívico de Siena Material: Pintura al fresco Estilo: Gótico Italiano

63. Anunciación Autor: Simone Martini Fecha:1333Características: 265 x 305 cm. Museo: Galería de los Uffizi Material: Temple sobre tabla Estilo:Gótico Italiano

64. Rogier De La Pasture Tournai, Bélgica1399/1400- Bruselas, 18 de junio de 1464. Fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período gótico. Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados. Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus personajes presentan un marcado corte realista. El descendimiento de la cruz es considerada su la obra maestra. Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido. Tiene forma rectangular, con un saliente en el centro de la parte superior, en el que se encuentra la cruz y un joven encaramado en la escalera, que ha ayudado a bajar el cadáver. Encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo es liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas policromadas.. Es un cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la emoción del espectador ante las expresiones de los personajes. San Lucas dibujando a la Virgen En este cuadro se ve al evangelista Lucas con la Virgen María junto con el Niño Jesús. El Tríptico de los Siete Sacramentos describe en su tríptico los siete sacramentos de la Iglesia Católica. En el panel de la izquierda se encuentran el bautismo, la confirmación y la Confesión. El panel del centro está dominado por una escena de Crucifixión.

65. Altar De Los Siete Sacramentos Autor: Rogier de la Pasture Fecha:1445 Características: 200x97cm Museo:KoninklijkMuseum Amberes Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

66. San Lucas Dibujando A La Virgen Autor: Rogier de la Pasture Fecha:1435 Características: 137,5x110,8cm Museo: Museo de Bellas Artes (Boston) Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

67. El Descendimiento Autor: Rogier de la Pasture Fecha:1435 Características: 220x262cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

68. HamsMemlin Seligenstadt, Alemania 1430 - Brujas 1494). Pintor flamenco, cuyo arte ilustró Brujas (Bélgica) en el período de su declive político y comercial. Es un pintor gótico del siglo XV, perteneciente al grupo que trabajó en el último tercio del siglo XV y principios del XVI. No se sabe demasiado sobre la vida de este pintor. Posiblemente de origen alemán. Está documentada su presencia en Bruselas en 1465 y en Brujas en 1466. En 1467 ingresó en la corporación de pintores de Brujas. Fue discípulo de Roger van derWeyden. Fue un pintor muy popular, amasando gracias a su arte una enorme fortuna. Le llegaron encargos de otros países. Fue uno de los pintores favoritos de Isabel I de Castilla. Recoge la tradición flamenca y reitera las formas anteriores. Su estilo es suave y delicado, con figuras bellas y magnífico colorido. Aporta una concepción germánica, sensual, de la belleza humana y de los destacados fondos paisajísticos de sus cuadros. Suele ser pintor de Vírgenes con el Niño, rodeada de ángeles músicos. Normalmente se trata de dípticos en que la Virgen está en una tabla y, en la otra, los donantes. No obstante, con el transcurso de los siglos, las tablas han acabado separadas.

69. Presetnación En El Templo Autor: Hans Memlin Fecha:1470 Características: 95x63cm Museo: Museo del Prado Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

70. Anunciación Autor: Hans Memlin Fecha:s.f. Características: 78,8x55cm Museo: MetropolitanMuseum Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

71. Madona Con El Niño Autor: Hans Memlin Fecha:1480 Características: 59x48cm Museo: NationalGallery (Washington) Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca

72. Giotto Di Bondone 1266 - Florencia, 8 de enero de 1337. Fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital. Carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron. Con sus composiciones de profunda emotividad es el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos. Al concentrarse en estos conceptos esenciales fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado a las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es intemporal y ha seguido siendo válida para todas las épocas posteriores a la suya.

73. Bautismo De cristo Autor: Giotto di Bondone Fecha:1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano

74. Ángel De La Anunciación Autor: Giotto di Bondone Fecha:1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano

75. Joaquín Expulsado Del Templo Autor: Giotto di Bondone Fecha:1302-05 Museo: Capilla de los Scrovegni Material: Fresco Estilo: Renacimiento italiano

76. Masaccio Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. Su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura. Fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi. Sus primeros contactos artísticos fueron en Roma, hacia 1417 se traslada a Florencia, acompañado de su madre, viuda de su segundo matrimonio. El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el gremio de médicos, boticarios y pintores de la ciudad, relacionándose con Donatello y Brunelleschi, como se observa en el Tríptico de San Giovenale, su primera obra conocida. También trabaja en el fresco de La Consagración para la iglesia del Carmine. En 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" e inicia sus relaciones con Masolino, con quien trabaja en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, su obra maestra. La ejecución de los frescos se prolongará hasta 1428, trabajos que compagina con otros encargos Gracias al catastro de 1427 sabemos que Masaccio vivía con su hermano Giovanni y su madre en una casa alquilada de la ViadeiServi y que ocupaba un taller en la actual Piazza di San Firenze. En 1428 se traslada a Roma para colaborar nuevamente con Masolino en la ejecución de un tríptico que no llegó a finalizar ya que falleció misteriosamente ese mismo año. Su estilo destacará por sus figuras monumentales. Aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista, considerándose como el primer maestro del Quattrocento.

77. Adoración De Los Magos Autor: Masaccio Fecha:1426 Características: 21x61cm Museo: Gemäldegalerie (Berlín) Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento Italiano

78. La Trinidad Autor: Masaccio Fecha:1426-28 Características: 667x317cm Museo: Iglesia de StaMariaNovella de Florencia Material: Fresco sobre muro Estilo: RenacimientoItaliano

79. El Tributo Autor: Masaccio Fecha:1424-28 Características: 255x598cm Museo: Iglesia del Carmine de Florencia Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

80. Piero Dellafrancesca Piero De Benedetto Dei Franceschi , más conocido por Piero della Francesca (Sansepolcro, 1416-1492) fue un pintor cuatrocentista italiano. Su obra se caracteriza por una dignidad clásica. El tratamiento de las figuras es muy volumétrico y se percibe un estudio anatómico, y una cierta monumentalidad. Destaca la inexpresividad y frialdad de los personajes, con figuras que parecen estar muy estáticas, como congeladas y suspensas en sus propios movimientos. Se percibe también la voluntad de construcción de un espacio racional y coherente. Se interesó mucho por los problemas del claroscuro y perspectiva. La luz en sus cuadros es muy diáfana, con un tratamiento uniforme, sin intensidades ni gradación lumínica (ligeramente arcaica). Sus ensayos en este sentido llegan a dar la sensación de que sus figuras están modeladas en material dotado de luz propia, intima, radiante. Los frescos como la Leyenda de la Santa Cruz, en el ábside de la Iglesia de San Francisco, en Arezzo, son una obra de arte en luminosidad. La perspectiva lineal era su característica principal a la hora de pintar, lo que se puede apreciar en todos sus cuadros, que se distinguen básicamente por sus coloridos luminosos y un suave pero firme trazo en las figuras. Realizó numerosas obras importantes: El Bautismo de Cristo (1440-45), La Palla de la Misericordia (1445-1460), frescos en el templo Malatestiano de Rímini (1451), y una capilla en la iglesia de San Francisco de Arezzo (1452, 1463), en donde se ve el ciclo de la devoción de la Vera Cruz.

81. Virgen De Senigallia Autor: Piero della Francesca Fecha:1470-75 Características: 61x53,5cm Museo: Galería Nacional de las Marcas Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

82. Natividad Autor: Piero della Francesca Fecha:1484-87 Características: 124,5x123cm Museo: NationalGallery de Londres Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento Italiano

83. Bautismo De Cristo Autor: Piero della Francesca Fecha:1448-50 Características: 166x115cm Museo: NationalGallery de Londres Material: Pintura al Temple Estilo: Renacimiento Italiano

84. escultores

85. Praxíteles Hijo de Cefisodoto el Viejo, es el más importante representante del arte ático del siglo IV. Graciosas y elegantes curvas definen su obra. Se considera el autor de más de cincuenta trabajos de los que conservamos muy pocos. Las más importantes son la Afrodita de Cnido - para la que posó la bella Friné, amante del artista -, el Apolsauróctono, el Sátiro escanciador y el Hermes con Dionisos niño (una de las pocas que se considera original). Todas ellas están caracterizadas por la elegancia con la que las dota el maestro, gracias a la flexibilidad que otorga la curva con la que se modelan las figuras. Los rostros tienen una expresión melancólica mientras que los paños están modelados suavemente. Sus obras estaban policromadas, al igual que las demás esculturas, eligiendo al pintor Nicias para dar color a sus figuras.

86. Hermes Autor: Práxiteles Fecha:360 a.C. Características: 213cm altura Museo: Museo de Olimpia

87. Apolo Sauróctono Autor: Práxiteles Fecha:360 a.C. Características: 167cm altura Museo: Museos Vaticanos

88. Afrodita de Cnido Autor: Práxiteles Fecha:360 a.C. Características: 205cm altura Museo: Museos Vaticanos

89. Donatello Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con LeonBattista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve plano o aplastado». El David de mármol para la catedral de Santa Maria del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408, en los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466. Entre sus obras más importantes destacan el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.

90. María Magdalena Penitente Autor: Donatello Fecha:1453-1455 Características: 188cm Museo: Museo dell´Opera del Duomo Material: Madera tallada, dorada y policromada Estilo: Renacimiento Italiano

91. San Marcos Autor: Donatello Fecha:1411-1413 Características: 248cm alto Lugar: Exterior Iglesia Orsanmichele Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

92. San Juan Evangelista Autor: Donatello Fecha:1409-1411 Características: 210x88x54cm Museo: Museo dell´Opera del Duomo Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

93. Miguel Ángel Esculturor, pintor y arquitecto. Inició su aprendizaje en el taller de Ghirlandaio para entrar al poco tiempo en la escuela patrocinada por Lorenzo de Medici, donde tuvo como maestro a Bertoldo di Giovanni. Hacia 1492 realiza el relieve de la Batalla de los Centauros, que quedaría inconcluso. Toma como modelo a la Antigüedad clásica. El cardenal Riario le encarga en 1496 una estatua de Baco ebrio, finalizada al año siguiente. El cliente no quedó satisfecho y no le pagó el trabajo. El dios del vino se presenta desnudo, acompañado de un pequeño sátiro, sosteniendo la copa de vino con su mano derecha y dirigiendo hacia ella su mirada, delatando su gesto el estado de embriaguez en el que se encuentra. La Piedad que se conserva en San Pedro del Vaticano es una obra juvenil, encargada en 1498 por el cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas. Se trata de una obra cuya iconografía no tiene precedentes en Italia. El David es considerada su obra maestra. Fue realizado entre 1501 y 1504 para la ciudad de Florencia, como un símbolo político, emplazándose delante del Palazzo Vecchio. Tiene 434 centímetros de altura, una escala colosal, en sintonía con las obras de la Antigüedad. Su desnudez provocó problemas, siendo incluso apedreada durante el traslado desde el taller del maestro hasta su emplazamiento. Destaca la grandiosa cabeza de mirada altiva, que irradia en su gesto una poderosa energía concentrada. Pero el proyecto más grandioso sería la tumba del papa Julio II, mausoleo monumental que recordaría a las tumbas imperiales, integrado por más de 40 esculturas. Este majestuoso proyecto no se pudo llevar a cabo, quedando como muestra el espectacular Moisés que hoy se halla en la iglesia de San Pietro in Vincoli. La elaboración de las tumbas de los Médicis en Florencia se prolongará entre 1520 y 1534.

94. Piedad Autor: Miguel Ángel Fecha:1550-55 Características: 226cm altura Museo: Catedral de Florencia Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

95. Moisés Autor: Miguel Ángel Fecha:1505-16 Características: Museo: Iglesia de San Prieto in Viconli Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

96. Piedad Autor: Miguel Ángel Fecha:1498-99 Características: 174X195cm Museo: Basílica de San Pedro del Vaticano Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

97. Alonso Berruguete Paredes de Nava, Palencia 1488 h. - Toledo 1561 Su padre, Pedro Berruguete, le inicia en el arte de la pintura, aunque luego se decantara por la escultura. Apenas existen datos de su niñez. La primera vez que se tienen noticias suyas es en 1504, fecha del fallecimiento de su padre. Fue uno de los miembros más importantes del círculo castellano y representante del Renacimiento español. Con sus creaciones facilitó la introducción de las formas renacentistas en la pintura en España. Tres años después emprende un viaje a Italia para estudiar las tendencias artísticas. Es entonces cuando conoce la obra de Miguel Angel y realiza una copia del Laocoonte. Durante su estancia en Roma y Florencia tuvo la oportunidad de conocer las creaciones de otros artistas. Algunos expertos afirman que disfrutó de la protección de Bramante, ya que su padre era recordado como un hombre de gran prestigio. El dramatismo de las imágenes que reproduce muestra su fuerte carácter. Su producción, dominada por la espiritualidad, esta cargada de efectismo y realismo. Aunque aprende de los grandes maestros italianos, no abandona la tradición castellana. Hacia 1518 regresa a Castilla y se establece en Valladolid, donde entra a trabajar en la corte de Carlos V. El monarca le encarga la decoración de la Capilla Real de Granada con quince escenas pictóricas y la ejecución del Sepulcro del cardenal Sevagio en Zaragoza. En este último encargo contó con la colaboración de Felipe Bigarny. En 1523 es nombrado escribano de la Audiencia de Valladolid. Unos años después se casaría con Juana de Pereda con la que tuvo cuatro hijos. A este periodo pertenece el Retablo de la Mejorada de Olmedo y el Retablo de San Benito de Valladolid, una de sus obras maestras que le sitúan como el mejor escultor de la escuela castellana. Otra de sus manifestaciones más significativas es el Retablo mayor del Colegio de los Irlandeses de Salamanca. En 1535 fue llamado por el arzobispo de Toledo para realizar la sillería del lado de la Epístola de la catedral. De la sillería del lado del Evangelio se encargó Felipe Bigarny. En este trabajo contó con la ayuda de algunos discípulos. A la muerte del cardenal dejó la ciudad. Al final de sus días se retiró a un señoría que adquirió en Ventosa de la Cuesta (Valladolid).

98. San Cristóbal Autor: Alonso BerrugueteFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo

99. San Sebastián Autor: Alonso BerrugueteFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo

100. Sacrificio De Isaac Autor: Alonso BerrugueteFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo

101. Juan De Juni Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 10 de abril de 1577) escultor franco-español. Junto con Alonso Berruguete formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana. Su oficio fue el de escultor, también denominado como "maestro de hacer imágenes" o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.

102. Piedad De Medina Del Campo Autor: Juan de JuniFecha:1540 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo

103. San Antonio Abad Autor: Juan de JuniFecha:1560-70 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo

104. El Entierro De Cristo Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Manierismo Autor: Juan de JuniFecha:1540

105. Gian Lorenzo Bernini Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Nacido en Nápoles en 1598, hijo del también escultor Pietro Bernini, pronto empezó a trabajar para el cardenal ScipioneBorghese, quien le convirtió en su protegido. De ésta primera época son las obras Cabra amaltea (1615), "Eneas y Anchises" (1618-19) y "Neptuno y Tritón" (1620) de claro estilo manierista por influencia de su padre. Por encargo del cardenal realiza "El rapto de Proserpina" (1621-2), "David" (1623) y "Apolo y Dafne" (1622-24), obras caracterizadas por una evolución de su estilo hacia la caracterización psicológica de los personajes, que esculpe repletos de fuerza interior, y la delicadeza de los acabados. Su estilo bebe de fuentes diversas, como Miguel Angel, el clasicismo greco-romano, el naturalismo de Caravaggio o el tratamiento de los rasgos corporales de Guido Reni. Su básica innovación consiste en acercar al espectador a la obra, haciendo a éste partícipe de la acción, rompiendo las fronteras tradicionales de la obra de arte. Es por ello considerado como uno de los creadores del Barroco. Las mejores muestras de su hacer son el Extasis de Santa Teresa y las tumbas de Urbano VIII y Alejandro VII en el Vaticano. También trabajó para Luis XIV, para quien realizó un excelente busto, si bien no intervino en la modificación del diseño del Louvre como inicialmente estaba previsto. Falleció en 1680.

106. Apolo y dafne Autor: Gian Lorenzo Bernini Fecha:1621-24 Características: Tamaño real Museo: Galería Borghese (Roma) Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano

107. Éxtasis de Santa Teresa Autor: Gian Lorenzo BerniniFecha:1647-52 Características: 350cm altura Museo: Iglesia de Santa María dellaVittoria de Roma Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano

108. El Rapto de Proserpina Autor: Gian Lorenzo Bernini Fecha:1622 Museo: Galería Borghese (Roma) Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano

109. Gregorio Fernández Gregorio Fernández (1576 - 22 de enero de 1636), escultor español, máximo exponente de la Escuela de Valladolid, heredero, pues, de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, pero también recoge el refinamiento de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe. De origen gallego (nació en Sarria), se instaló en Valladolid atraído por la corte entre 1601 y 1606. Tuvo un gran taller con varios aprendices y colaboradores. Era muy conocido por todo el norte de España, incluso Castilla, Extremadura, Galicia, Asturias y el País Vasco. Allí desarrolló un taller con numerosos seguidores. Su realismo, un tanto recio, pero no vulgar ni morboso, se aprecia en la honda expresión de los rostros, en la forma de destacar las partes más significativas y en los elementos que añade (postizos) para aumentar la sensación de autenticidad: los ojos son de cristal, las uñas y los dientes de marfil, los coágulos de sangre son de corcho, las gotas de sudor y las lágrimas son de resina…. Sin embargo, se muestra refinado en el tratamiento anatómico, en la sencillez de sus composiciones y en la contención de los gestos. Es muy característica su forma esquemática de tratar el drapeado, con pliegues rígidos, puntiagudos y acartonados («plegado metálico»). Fue el creador de modelos fundamentales de la imaginería como el Cristo Yacente, la Piedas o el Ecce homo, pero también desarrolló otros muchos. Gregorio Fernández trabajó en los retablos de las iglesias de los Santos Juanes (Nava del Rey) y de Nuestra Señora del Castillo (Villaverde de Medina). Además, en Nava del Rey nació el más importante continuador de la escuela de Valladolid en el siglo XVIII, Luis Salvador Carmona. Hay una excelente colección de obra suya en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio de Valladolid.

110. Arcángel San Gabriel Autor: Gregorio Fernández Fecha:1610 Museo: Museo Diocesano y Catedralicio (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

111. Piedad Autor: Gregorio Fernández Fecha:1616 Características: 175cm altura Museo:Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

112. Cristo Yacente Del Pardo Autor: Gregorio Fernández Fecha:1625-30 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

113. Juan Martínez Montañés Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real (Jaén),1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español a caballo entre el arte del Renacimiento y el barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería. Aunque existen referencias de que en su fase inicial trabajó la piedra, su material preferido fue siempre la madera policromada. Casi toda su obra es de carácter religioso; en el campo profano solo se conocen las estatuas orantes de Alonso Pérez de Guzmán y su esposa María Alonso Coronel, realizadas para la capilla mayor del monasterio de Santa María del Campo en Santiponce, y también la mencionada cabeza del rey Felipe IV, que se envió al escultor italiano Pietro Tacca y que no ha sido conservada. Gozó de gran fama y popularidad. En Sevilla se le conocía como "Dios de la madera" y en Madrid como "el Lisipo andaluz". En Granada tuvo la oportunidad de conocer obras antiguas, al tiempo que las creaciones de sus contemporáneos. A su etapa inicial corresponde una imagen de San Cristóbal que realizó para la iglesia del Salvador de Sevilla. Por encargo de las Clarisas de Badajoz ejecutó una imagen de San Jerónimo. En sus primeras obras se aprecia la influencia de Hernández y Ocampo, entre otros artistas. Desde los primeros años del siglo XVII hasta la década de los años veinte cabe citar el retablo mayor del monasterio de San Isidoro del Campo o el Santo Domingo Penitente que acoge el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Con el paso del tiempo trabajaría estrechamente con Juan de Mesa, uno de sus discípulos más sobresalientes. Ambos realizaron el retablo de San Juan Bautista para el convento de San Leandro y el Retablo mayor de Santa Clara. Aunque en sus inicios adopta las pautas clásicas, su arte se vuelve hacia un manierismo que acaba desembocando en el realismo que caracteriza el Barroco. La mayor parte de su actividad se desarrolla en Andalucía. Su producción se adapta perfectamente a los preceptos de la Contrarreforma. De su legado son dignas de mención las estatuas orantes de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y Doña María Alonso Coronel.

114. San Jerónimo Autor: Juan Martínez Montañés Fecha:1609 Características: 160cm altura Museo: Monasterio de San Isidro del Campo de Santiponde Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

115. Cristo De La Clemencia Autor: Juan Martínez Montañés Fecha:1605 Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid) Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

116. San Juan Evangelista Autor: Juan Martínez Montañés Fecha:1638 Características: 190cm altura Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

117. Francisco Salcillo Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 21 de mayo de 1707 - 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español y uno de los más grandes del Barroco. Se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo XVIII, así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, el también escultor e imaginero, Nicolás Salzillo. Su vida transcurrió enteramente en Murcia que, hoy día, cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos. Tras iniciar estudios de Letras con los jesuitas, parece que entró en la Orden Dominicana como novicio, tras lo cual tuvo que hacerse cargo del taller escultórico de su padre a la muerte de éste en 1727, cuando Francisco contaba con tan sólo veinte años. En 1746 se casó con Juana Vallejo y Taibilla, matrimonio fruto del cual nacieron dos hijos: Nicolás, nacido en 1750 y muerto al año siguiente, y María Fulgencia. Rechazó la invitación del Conde de Floridablanca para trasladarse a Madrid, lo que le habría servido para darse a conocer en la Corte. Con el paso de los años, su obra fue adquiriendo fama y recibió multitud de encargos de iglesias y conventos de Murcia y de las provincias limítrofes: Alicante, Albacete y Almería. En 1755 se le nombró Escultor Oficial del Concejo de Murcia e inspector de pintura y escultura. Tras la muerte de su esposa en 1763, las reuniones de Salzillo con otros artistas e intelectuales murcianos se hicieron más frecuentes. En 1777 fundaron la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia, que sirvió para que en 1779 se creara la Escuela Patriótica de Dibujo, que tuvo como primer director a Salzillo. Falleció en Murcia el 2 de marzo de 1783. Fue enterrado en el Convento de Capuchinas de Murcia, donde había profesado su hermana Francisca de Paula.

118. LA DOLOROSA Autor: Francisco Salcillo Fecha:1755 Características: 165cm altura Museo: Museo Salcillo Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

119. SAN JUAN EVANGELISTA Autor: Francisco Salcillo Fecha:1756 Características: 178cm altura Museo: Museo Salcillo Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

120. ORACIÓN EN EL HUERTO Autor: Francisco Salcillo Fecha:1760 Museo: Museo Salcillo Material: Madera policromada Estilo: Barroco Español

121. Antonio casanova Antonio Canova (Possagno, Italia, 1 de noviembre de 1757- Venecia, 13 de octubre de 1822) Con 3 años quedó al cuidado de su abuelo. La familia Canova aunque había sido rica no pudo darle estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios Por recomendación del senador Blaz, comenzó a estudiar con el escultor Coballa en Venecia. Cuando tenía 16 años falleció su maestro. Su protector le confió la ejecución de dos grandes estatuas a tamaño natural. Se trataba de Orfeo y Eurídice. Por el candor y la espontaneidad de su expresión y la armonía de su línea, figuran entre sus grandes obras. En los años posteriores esculpió numerosos trabajos que expuso en el año 1779. Decidió instalarse en Roma, en 1781. El príncipe Rezzónico le encargó un monumento funerario para el Papa Clemente XIII. Duró cuatro años (1792). Se admira en Canova, además de su arte, la "artesanía" que le obligaba a extremar la minuciosidad y la precisión hasta lograr un trabajo perfecto. Hizo un corto viaje a Venecia y a su regreso a Roma comenzó su trabajo en un monumento para el almirante Ángel Emo, destinado al Palacio ducal de Venecia. El duque Caetani le encargó un grupo representando a Hércules y Lichas, para el que Canova ejecutó un monumento colosal Fue llamado por Napoleón Bonaparte a París, para ejecutar el busto del Gran Corso. Después le fue encargado el Mausoleo de Victorio Alfieri. Recibió pedidos de distintos soberanos. Reprodujo los bustos de otros miembros de la familia Bonaparte. Tras el destierro de Napoleón a la isla de Santa Elena, fue enviado especialmente a París por el Papa para pedir la devolución de los monumentos quitados a Italia. De regreso a su patria esculpió otras obras notables: Las tres Gracias, el monumento de La Guerra y la Paz, y la estatua de Washington. El 21 de septiembre de 1821 regresó a Pessagno, su ciudad natal, con el propósito de reponer su quebrantada salud. Pero no pudo resignarse a la inactividad. Falleció en Venecia al año siguiente.

122. Monumento funerario a maría cristina de austria Autor: Antonio Canova Fecha:1798-1805 Características: 574cm altura Museo: Iglesia de los Agustinos de Viena Material: Mármol

123. Las tres gracias Autor: Antonio Canova Fecha:1814 Material: Mármol

124. Eros y psique Autor: Antonio Canova Fecha:1786-93 Características: 155cm altura Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Mármol

125. fotógrafos

126. ANSEL ADAMS Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, ImogenCunningham y otros. Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara incluso digital siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

127. IGLESIA DE ADAMS, TAOS, PUEBLO(1942)

128. MONTAÑAS TETONS Y EL RIO SNAKE

129. AMANECER, LAGO MCDONAL. PARQUE NACIONAL GLACIER (1942)

130. WALKER EVANS Walker Evans, (3 de noviembre de 1903 en San Luis Misuri -10 de abril de 1975 en New Haven Connecticut) fotógrafo estadounidense. Estudio en Williams College entre 1922-1923 y en la Sorbona en 1926, se inicio en la fotografía en 1930. Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940. Se incorporó en 1945 la revista Time y a la revista Fortune en 1965. Ese mismo año pasó a ser profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale Su trabajo esta relacionado con la crisis económica del 29 , durante esta década participa en el programa Farm Security Administration. Las imágenes de los aparceros en Alabama, al igual que las de Dorothea Lange se encuentran entre los iconos del mundo moderno.

131. EVANS ENCUENTRA LA BELLEZA EN LOS OBJETOS BANALES Y COTIDIANOS

134. WERNER BISCHOF Zúrich, 26 de abril de 1916 - Trujillo, Perú, 16 de mayo de 1954. Fue un fotógrafo suizo. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Zúrich (1932-1936), siendo alumno de Hans Finsler, fotógrafo de la Nueva Objetividad, lo que le llevó a un estilo meticuloso y perfeccionista. En 1942 entró como fotógrafo de moda en la revista Du, pero tras la guerra comenzó un viaje por Europa retratando los desastres creados por la contienda mundial. En 1949 ingresó en la Agencia Magnum, convirtiéndose en reportero internacional, aunque siguió con su estilo perfeccionista, caracterizado por la composición de la luz y la estructura formal de sus instantáneas. En 1951 realizó un reportaje para la revista Vogue en la provincia india de Bihar, que publicó con el título Hambre en la India, obteniendo un gran éxito. En los siguientes años viajó por Japón, Indochina y Corea, reflejando principalmente los ambientes de pobreza de esos países y, en especial, los niños. Murió en accidente en los Andes peruanos.

135. REFLEJA LOS AMBIENTES DE POBREZA EN PAISES COMO INDOCHINA, JAPON Y COREA

138. JULIA MARGARET CAMERON 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879. Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista. Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. Por su posición social y económica, pudo mantenerse fiel a sus principios estéticos. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.Repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones. Se trasladó a la Isla de Wight con su familia para vivir cerca de su amigo el poeta Tennyson, allí organizó un verdadero cenáculo literario. Su personalidad es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración. En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor. Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40 cm. Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior, lográndolo, como se aprecia en su "retrato del Sir John Herschel". En cambio sus retratos femeninos los trata de forma diferente, estas resaltan la belleza, el ideal de belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complementos, como las alas de la fotografía "I Wait" que nos evocan a las pinturas de ángeles del Renacimiento. Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimo planos tal vez con una intención metafísica.

139. CUPID CONSIDERING 1872

140. THE RED AND WHITE ROSES 1865

141. I WAIT (ESPERO) 1860

142. PHILIPPE HALSMAN Riga, 1906 - Nueva York, 1979. Fue un fotógrafo letón estadounidense muy conocido por sus retratos de personajes célebres. Nació el 2 de mayo de 1906 en Riga en el seno de una familia judía y estudió ingeniería en Dresde. En 1928 fue acusado públicamente de parricidio; su padre cayó y murió durante una excursión campestre, sin embargo la gente de los alrededores no dudó en acusarlo de haber cometido asesinato, influidas por su origen judío y del antisemitismo existente y a falta de otras pruebas. Sería llevado a juicio y condenado a cuatro años de cárcel y de no ser por la presión de un destacado grupo de intelectuales, entre los que se encontraban Sigmund Freud, Thomas Mann y Albert Einstein, hubiera pasado entre rejas más tiempo de los dos años que de por sí estuvo. Después se instaló en París donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. En 1940, comenzada la Segunda Guerra Mundial y ante la inminente llegada del ejército alemán marchó a Estados Unidos con ayuda de Albert Einstein, donde alcanzaría fama mundial, llegando a realizar más de cien portadas para la revista Life. En 1947 obtuvo la nacionalidad estadounidense. Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping style" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.

143. DALI SKULL 1951

144. POPCORN NUDE 1949

145. DALÍ ATÓMICO 1948

146. 5 autores libres

147. Ticiano Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, 1477- Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas”, es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Su carrera artística fue muy dilatada, con una producción grandiosa, la mayoría por encargo. En este pintor se puede comprobar perfectamente el cambio de status producido durante el Renacimiento, pasando de ser artesanos a convertirse artistas, reconocidos socialmente. La temática tizianesca es también amplia, retrató a la clase dirigente de su época, recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza, pintó paisajes, reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco. En general, podemos dividir su producción pictórica en tres grandes temas: la pintura religiosa, las escenas mitológicas y los retratos. Estas categorías no son compartimentos estancos, debido a que se vieron entrelazadas en muchas ocasiones, como los casos de los retratos de personajes reconocibles dentro de escenas mitológicas o religiosas Existen dos épocas diferenciadas sucedidas en el tiempo en cuanto al desarrollo estilístico de Tiziano debido tanto a su evolución personal como a la de la propia pintura del Renacimiento, que en pleno Cinquecento buscaba ámbitos nuevos más alejados del clasicismo inicial.

148. Dánae Recibiendo La Lluvia De Oro Autor: Tiziano Fecha:1553 Características:129x180cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

149. Apóstol Santiago Peregrino Autor: Tiziano Fecha:1565 Características: 231x137cm Museo: Iglesia de San León de Venezia Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

150. Asunción De La Virgen Autor: Tiziano Fecha:1517 Características: 690x360cm Museo: Iglesia de Sta. María deiFrari (Venezia) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

151. Rafael Sanzio RaffaelloSanzio, también conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael (Urbino, actual Italia, 6 de abril de 1483– Roma, 6 de abril de 1520), fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Es célebre por la perfección y gracia de sus pinturas y dibujos. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Murió el día en que cumplía los treinta y siete años, y nació y murió en viernes Santo. A pesar de su muerte prematura fue inmensamente productiva, creando así, una inusual pero gran colección de pinturas. La cual en gran parte se conserva, sobre todo en los Museos Vaticanos. Estos albergan Las Estancias de Rafael, que fue el trabajo central y a la vez, el más grande de su carrera, quedando sin terminar a causa de su muerte. Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció una gran influencia en su época, aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, fue más intensa hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron consideradas de nuevo como un modelo superior. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

152. Triunfo De Galatea Autor: Rafael Fecha:1511-12 Características: 295x225cm Museo: Villa Farnesina Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

153. Escuela De Atenas Autor: Rafael Fecha:1509-10 Características:500x770cm Museo: Estancias Vaticanas Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

154. La Virgen Del Jilguero Autor: Rafael Fecha:1505-06 Características: 107x77cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

155. Fernando Yáñez De La Almedina Fernando Yáñez de la Almedina (Almedina, Ciudad Real, h. 1475 – Valencia, 1536) fue un pintor pionero del Renacimiento en España. Aún joven debió marchar a Italia, como indica el indudable italianismo de su estilo, que denota una marcada influencia del sfumato de Leonardo da Vinci, de quien fue discípulo. También acusa otras influencias florentinas. La relación entre Yáñez y Leonardo se atestigua en dos documentos de 1505 sobre la pintura de La batalla de Anghiari de Leonardo y sus discípulos en el Palazzo Vecchio de Florencia. En estos documentos se cita a un «Ferrando Spagnolo, pittore», que debe de ser Yáñez. A su vuelta a España se estableció en Valencia, donde aparece documentado por vez primera en 1506, fecha en la que pintó el retablo de San Cosme y San Damián para la catedral de Valencia, casi desaparecido en 1936. Allí trabajó ininterrumpidamente hasta 1526 colaborando con Hernando de los Llanos; ambos firmaban «Hernando» o «Fernando», hecho que generó la confusión de creer que eran un mismo pintor. Trabajaron en las puertas del Altar Mayor de la Catedral en 1507 y en las doce tablas de una Vida de la Virgen para el retablo mayor de la catedral, conjunto importante porque representa el establecimiento del modelo leonardesco en tierras levantinas. Yáñez hizo algún trabajo en Barcelona en 1515, pero casi toda su obra conservada corresponde al periodo de Valencia, donde pintó piezas como El abrazo ante la Puerta Dorada, La Adoración de los pastores y La Dormición de la Virgen, todas en las puertas del retablo mayor de la catedral. Llanos y Yáñez abandonaron Valencia antes de 1520, dirigiéndose uno a Murcia y el otro a Cuenca. En 1531 se sabe que Yáñez estaba en Cuenca pintando varios retablos, noticia que es la última conservada sobre este pintor. Así pues, pueden establecerse tres periodos o fases en Yáñez: una italiana, a la que se le atribuye Los Santos Ermitaños de la Pinacoteca de Brera (Milán), una valenciana, la más importante, y una conquense, valorada como de calidad decreciente.

156. Santa Catalina De Alejandría Autor: Fernando Yañez de la Almedina Fecha:1501/21 Características: 212x112cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español

157. San Damián Autor: Fernando Yañez de la Almedina Fecha:1506 Características: 95x73cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español

158. Cristo Resucitado Autor: Fernando Yánez de la Almedina Fecha:1505 Características: 129x172cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Español

159. Francisco De Zurbarán Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Extremadura (España); 7 de noviembre de 1598 – Madrid, 27 de agosto de 1664), pintor del Siglo de Oro español. Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos. Zurbarán fue un genial pintor de la época barroca española. Vivió durante el siglo XVII, es decir, en el primer Barroco. Fue coetáneo de los grandes pintores del Siglo de Oro,. Su estilo se mantuvo prácticamente invariable, mientras que el de los anteriores iba evolucionando. Esta inmovilidad fue durante varias décadas el secreto de su éxito, pero terminó por condenar su carrera artística. Zurbarán recibió el encargo de pintar La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631) al tiempo que se le daban precisas instrucciones acerca de su ejecución: tamaño de la obra, colocación, tema, personajes, etc. El lienzo, enorme, habría de colocarse en el Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Es uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza en “El Crucificado” a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de sensualidad y perfección. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral. Zurbarán era un pintor acostumbrado a "inspirarse" en los dibujos y grabados de otros artistas, modificando algunos de los personajes, situaciones, etc. Pero en el “Entierro de Santa Catalina” el pintor copia la composición sin apenas variaciones de un grabado del siglo XVI. Sin embargo, Zurbarán es capaz de imprimir su estilo personal a la escena, y sustituye la linealidad del grabado por un verismo y un colorido inimaginables en otro autor.

160. Entierro De Santa Catalina Autor: Francisco de Zurbarán Fecha:1636 Características: 200x137cm Museo: Col. Conde Ibarra (Sevilla) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

161. Exposición Del Cuerpo De San Buena Ventura Autor: Francisco de Zurbarán Fecha:1629 Características: 254x220cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

162. Crucificado Autor: Francisco de Zurbarán Fecha:1627 Características: 290x168cm Museo: Chicago Art Institute Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

163. unkei 1151 – Kioto, 1223 Fue un escultor japonés de la escuela Kei, que floreció en la era Kamakura. Es considerado el más importante de los escultores de Japón; debido a su especialización en estatuas de Buda y otras figuras budistas, confeccionadas con un toque realista, nunca realizado en el país; y por lo tanto es el principal miembro de la escuela Kei. Nació dentro de una familia de escultores. Durante su juventud, ya era conocido por sus obras; el primer trabajo al que se le atribuye es la estatua Buda Dainichi del Enjō-ji en 1176. En 1203 trabajó con Kaikei, la creación de dos figuras de guardianes en la puerta de Nandaimon (Gran Puerta del Sur) en el Tōdai-ji en Nara. Las estatuas, conocidas como KongōRikishi o Niō, tienen una altura de 26 piesEl equipo de escultores terminó de confeccionarlos en 72 días, usando la técnica de escultura yosegi, en donde se confeccionan varias piezas separadas y luego se combinan para acabar con la escultura. Entre 1208 y 1212, esculpió la figura de un Buda Maitreya (MirokuButsu) en Tōdai-ji, junto con otras figuras que incluían dos bodhisattva, el Shitennō (Cuatro Reye Celestiales) y un par de arhats hindúes (rakan) llamados Muchaku y Seshin; sólo el MirokuButsu y los rakan permanecen intactos en la actualidad. Luego de este trabajo, Unkei trasladaría la escuela Kei a Kioto, donde permanecería sus últimos años hasta su muerte. El estilo de Unkei sería legado a sus hijos, en especial a Tankei.

164. DAINICHI NYORAI Autor: Unkei Fecha:1203 Características: 66,1cm de altura Museo: Museo Nacional de Tokio Material: Madera de Ciprés

165. Estatua de agio Autor: Unkei Fecha:1203 Características: 26 pies altura Entrada del Templo Todai-ji en Nara Técnica: Yosegi (Confeccionar las piezas por separado para combinarlas posteriormente)

166. miroku Autor: Unkei Fecha:1190 Escultura del arte japonés más cara de todos los tiempos