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CORRIENTES ARTÍSTICAS Angie nieto montes

El arte barroco se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII. Según Woelfflin las características son: -visión pictórica y apariencia. -composición con profundidad -formas abiertas. -subordinación al motivo -claridad relativa El arte será el vehículo de propaganda tanto de la Iglesia de la Contrarreforma, como de los Estados absolutistas o de la burguesía protestante. Es un movimiento que plasma obras de grandiosidad y tensión dramática. En el barroco la figura humana se alza como objeto decisivo del arte, pero no en su forma idealizada, sino en cualquier aspecto, ya sea este bello o feo, sublime o cotidiano.

artistas principales VelásquezDiego (1599-1660) Es la figura más importante de la pintura barroca española. Algunas de sus obras características de sus años juveniles son sus bodegones con figuras como: El aguador de Sevilla y sus cuadros de asunto religioso, que demuestran un profundo estudio del natural. 1631 señala un gran paso en su pintura: su colorido se enriquece con un color más suntuoso, modelando más con colores que con las sombras genera obras como: cuadros religiosos (Cristo después de la flagelación), retratos reales, Los retratos de estos años demuestran la madurez que ha alcanzado su arte, en el que domina el problema de la representación atmosférica y de la luz . De este período son sus composiciones, Las Meninas 1656 y Las Hilanderas 1657-59, sin duda la obra de mayor complejidad en elementos y sentido compositivo. Francisco de Zurbarán (1598-1664) Una de sus obras maestras fue Cristo crucificado (1627). Inició su período de plenitud con el ciclo pintado para la iglesia del Colegio de San Buenaventura en Sevilla (1629). Es una época de acentuado tenebrismo y de composiciones monumentales . En 1634 hizo su primer viaje a Madrid para decorar parte del salón de Reinos ( Fuerzas de Hércules, Socorro de Cádiz, y Expulsión de los holandeses de la isla de San Martín, hoy perdido). Muchas de sus obras demuestran la riqueza de calidez de colores, siendo notables las gamas de los blancos y rojos oscuros.

Referencia de imágenes El aguador de Sevilla es una obra de juventud de Diego Velázquez, en la que ya demuestra alguno de los fundamentos de su pintura. Este cuadro perteneció a los reyes españoles. Actualmente se conserva en el palacio londinense de Apsley House (Wellington Museum). La Catedral de la Virgen María de la Concepción Inmaculada de La Habana, es un templo católico, construido entre 1748y 1832 un ejemplo del barroco americano La ronda de noche o La compañía del Capitán FransBanningCocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363 × 437 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam. La pintura es un ejemplo clásico del arte barroco Éxtasis de santa teresa: La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa MariadellaVittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra.Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. La meninas: la obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid.

CONCLUSIÓN Es un arte que depende de la burguesía y donde lo mas característico es el ornamento, que no solo es importante para el cliente sino también para el artista; posee mucha carga ornamental y estética todo esto tomado desde un pensamiento religioso

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Artistas principales Jean-Antoine Watteau (1684-1721), pintor francés considerado uno de los principales artistas del periodo rococó y precursor del impresionismo del siglo XIX. Entre los temas favoritos de Watteau destacan las reuniones galantes al aire libre, conocidas como ‘escenas galantes’, en las que elegantes cortesanas y caballeros pasan el tiempo en placenteras fiestas rodeados de árboles. Su obra maestra de este tipo de escenas fue Embarque para la isla de Citerea (1717, Louvre, París). Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), pintor francés del periodo rococó, uno de los artistas favoritos de la corte de Luis XV y Luis XVI por sus escenas amorosas de delicados colores, situadas a menudo en jardines. Las tablas que le encargó Marie-Jeanne Barry, amante de Luis XV, para decorar su palacio de Louveciennes constituyen su obra más importante. En dicha serie, conocida como Los progresos del amor, se encuentran La persecución y El amante coronado (ambos de 1771-1773, Colección Frick, Nueva York).

Referencia de imágenes Cupido de Edmé Bouchardon (1750) Palacio Solitude(Stuttgart), un exponente de la arquitectura Rococó en la Alemania meridional. 3 ) El columpio, obra maestra de Fragonard, donde se recoge el espíritu refinado, exótico y sensual propio del Rococó. 4) La basílica de Ottobeuren(Baviera): los espacios arquitectónicos confluyen y se dispersan, como si tomasen vida. 5)Interior de estilo Rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en Rusia. 6) Salón central de Stupinigi. 7) Mesa de la factoría de Sèvresde Martin Carlin. 1772.

CONCLUSIÓN El rococó es un arte que va mas allá que el barroco que demuestra un espíritu refinado, exótico y sensual, el cual caracteriza obras como el “columpio”, ya la belleza no solo la tiene lo divino y se vuelve una belleza “mundana”

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo: La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento. La ventaja del Genio creador de un Universo propio, el poeta como alma. Valoración de lo diferente frente a lo común lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista. El liberalismo frente al absolutismo ilustrado. La de la originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único. La de la creatividad frente a la imitación neoclásica. La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada. Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata, Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad.

Artistas principales Jean-Louis-André-Theodore GÉRICAULT (1791-1824): Pionero del romanticismo pictórico francés. Amaba los caballos y por ello los reflejó profusamente en su obra en actitudes dramáticas. Géricault fue influido por la temática militar. Visitó Italia en 1816-17, lo cual intensificó su aprecio por la obra de Miguel Angel. A su regreso a París realizó su obra más famosa, La balsa de Medusa (Louvre). Jean-Baptiste-Camille COROT (1796-1875): Principal paisajista francés de principios del XIX, en Roma llevó a cabo una obra llena de luminosidad, precedente temprano de su pintura ‘plein air’ de años posteriores. aporto lienzos basados en croquis tomados directamente de la naturaleza, que se han convertido en la parte más apreciada de su obra pictórica. Joseph Mallord William TURNER (1775-1851): El más apreciado artista romántico inglés. Se le conoce como ‘el pintor de la luz’, por el creciente interés que mostró por la utilización de colores brillantes como el componente más importante de sus paisajes y marinas.

Referencia imágenes El caminante sobre el mar de nubes: es un conocido cuadro del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre tela que mide 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros de alto. Actualmente se conserva en el Kunsthalle de Hamburgo (Alemania). Saturno devorando a un hijo, una de lasPinturas negras de Goya, realizada durante elTrienio Liberal (1820–1823), y que, so capa mitológica, alude a la famosa frase de Vergniaud poco antes de ser guillotinado: «La Revolución devora a sus propios hijos». El naufragio en un mar helado, pintado en 1798 por Caspar David Friedrich, expuesto en Kunsthalle de Hamburgo. La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830, Museo del Louvre. Obra en la que el pintor canta a la Revolución de 1830. Aquelarre o El gran cabrón (1820-1823), pintura mural al óleo trasladada a lienzo, 140 x 438 cm, Museo del Prado, una de las Pinturas negras de Goya, visión fantástica y espeluznante.

Opinión personal Comienza a cambiar el arte debido a que nace la república, se diferencia de los otros estilos debido su función la cual se vuelve arte para y por el pueblo, “la libertad guiando al pueblo”, el artista se vuelve una figura y continua con su posición; el arte adquiere un poder de libertad con características plásticas y un gusto por la buena figura. El romanticismo posee un fuerte carácter político

movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX. El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta a las artes plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión generalizada. El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar. El manifiesto se basaba en lo siguiente: La única fuente de inspiración en el arte es la realidad. No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla. Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

Artistas principales GustaveCourbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas. Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo, críticos e historiadores le han acusado de traicionar el verdadero espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de los campesinos –su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués. Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.

referencia La espigadoras de Jean François Millet fue hijo de campesinos pobres. sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo como lo vemos en esta obra La clínica Gross(1875), considerada como la obra maestra del pintor estadounidense Thomas Eakins, es un gran lienzo de 2,4 x 1,9 m en el que se representa con extremado realismo una operación quirúrgica. Testamento de Isabel la Católica El Testamento de Isabel la Católica (1864, óleo s/ lienzo, 287 × 398 cm, Museo del Prado, Madrid) es obra del pintor español Eduardo Rosales. En la escena aparecen representados varios personajes de la corte de los Reyes Católicos El primer tractor es el nombre de un tema habitual en las pinturas y otras obras de arte del Realismo socialista, y retrata el nacimiento de la colectivización de la URSS. Mural en la antigua República Democrática Alemana.

CONCLUSIÓN El realismo posee un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución industrial Algunos artistas adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste Características: -el gusto por el paisaje. Éste procede directamente de los paisajistas franceses Corot y la Escuela de Barbizon - La segunda característica reseñable del Impresionismo es el realismo, la captación de trozos de vida, el intento de aprehender el mundo visible tal como se ve, es decir en su fugacidad (lo cual lo entronca con la fotografía). - La tercera es la técnica empleada. Así en cuanto al color conocen las teorías de la descomposición de la luz al pasar por un espacio prismático

Artistas principales Corot y la escuela de Barbizon Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en la Escuela de Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial. Édouard Manet Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo. En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; l. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

Referencia imágenes Caballitos amarillos Caballitos amarillos es parte de una serie de obras que Franz Marc realizó a principios de la década de 1900 en la que buscaba reflejar más la esencia que el aspecto exterior de los animales. Impresión: soleillevant, Claude Monet, 1872–1873 (París, Museo Marmottan Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento. La Parade. Los neo impresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios La primera bailarina, Edgar Degas El valle de los naranjos, Santiago Rusiñolsus cuadros son casi siempre paisajes al exterior, pintados al aire libre y con una gran dosis de luz y colores pastelosos.

Opinión personal los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y mágicos y se centraron en temas más corrientes. Los principales sujetos pictóricos fueron los de la vida cotidiana. arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos.

es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los pos impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los pos impresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa: - Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.- Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto puramente estético (Cézanne).- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).- Empleo de colores contrastantes para definir los planos y formas.- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) - Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).

ARTISTAS Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Vincent Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMAde Nueva York), preludió el expresionismo. Georges Seurat, denominado neo impresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte 1884-1886

Referencia imágenes Carretera en Auvers tras la lluvia, Vincent Van Gogh, 1890. En el Moulin Rouge, Tolouse-Lautrec, 1892-1895. Un domingo de verano de Georges Seurat. La noche estrellada. Van Gogh. Las grandes bañistas de paúl cezanne Girasoles de Vincent van Gogh

Conclusión El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales producidas por las guerras de la época. Esa amargura provocó un deseo de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

Artistas principales Vasili Kandinski: Desde 1908 su obra fue perdiendo el aspecto temático y figurativo para ganar en expresividad y colorido, iniciando progresivamente el camino hacia la abstracción, y desde 1910 creó cuadros en donde la importancia de la obra residía en la forma y el color, creando planos pictóricos por confrontación de colores. Ernst Ludwig Kirchner: gran dibujante, realizo grabados en madera, material en el que también realizó tallas de influencia africana, destacando los componentes sexuales. Utilizaba colores primarios, líneas quebradas, violentas. Progresivamente su pincelada se volvió más nerviosa, agresiva, con líneas superpuestas, composición más geométrica, con formas angulosas inspiradas en la descomposición cubista. Desde 1914 empezó a padecer trastornos mentales y, durante la guerra, sufrió una enfermedad respiratoria, factores que influyeron en su obra. En 1937 sus trabajos fueron confiscados por los nazis, suicidándose al año siguiente.

referencia imágenes Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwig Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Ecce homo (1925), de Lovis Corinth, Pinacoteca de Basilea. Tirol (1914), de Franz Marc, StaatsgalerieModernerKunst, Múnich. El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, PinakothekderModerne, Múnich. Caliban, personaje de “La Tempestad” de Shakespeare (1914), de Franz Marc,Kunstmuseum, Basilea. El molino encantado (1913), de Franz Marc,Art Institute of Chicago, Chicago.

Conclusión los artistas vanguardistas buscaban integrar el arte con la vida, con la sociedad, hacer de su obra una expresión del inconsciente colectivo de la sociedad que representa.

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