1. Laboratorio de investigación
pictórica I
3ra. clase
EL LENGUAJE PICTÓRICO
Definición de pintura artística
Elementos del lenguaje pictórico
Materiales pictóricos
Procedimientos pictóricos
El proceso de creación
Elementos significativos del lenguaje pictórico

2. EL LENGUAJE PICTÓRICO
El lenguaje pictórico es el conjunto de las técnicas
(colores, materiales, herramientas, manera de pintar y de representar las cosas y
las personas) que pertenecen a un mismo pintor o a una escuela de pintura o
bien a una temporada o época artística.
La naturaleza del espíritu es uno en los rasgos fundamentales del lenguaje, que
se diversifica notablemente de individuo a individuo, de pueblo en pueblo y de
raza en raza. La perspectiva de esta mirada sobre el contexto del espíritu es
la que nos impulsa a buscar los elementos teóricos y prácticos que configuran
al lenguaje de la pintura artística. Frente a otras actividades, la práctica del las
artes conlleva una dinámica muy especial que moviliza las fuerzas del mundo
interno del hombre. Su ejercicio se remonta a los tiempos más
antiguos, pertenece a todas las culturas, niveles sociales, etnias o religiones. No
existen límites que impidan la práctica y el disfrute de los bienes comprendidos
por todas y cada una de las disciplinas artísticas. Tenemos en cuenta que todo
sistema artificialmente creado que sirve a los fines de comunicación entre dos
o más individuos puede definirse como lenguaje y que todo lenguaje se
sustenta en una estructura determinada, la cual posee su propia jerarquización.
La obra pictórica encierra en su superficie signos y sentidos nacidos del hombre
que la elaboró. Él deja en las huellas que traza y en los colores que
extiende, parte de su constitución más profunda y personal. En la imagen
aparecen traducidos el alma y el espíritu, la historia reciente y el pasado
lejano, factores todos que se entremezclan con el hoy del artista.

3. La Pintura
La pintura artística es el arte de la
representación gráfica utilizando
pigmentos mezclados con otras
sustancias aglutinantes orgánicas o
sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura, conocimientos de
teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo.

4. Elementos formales del lenguaje
pictórico:
La materia pictórica
La línea
La luz
La composición
El volumen
El espacio y la perspectiva

5. La línea
Permite la identificación y reconocimiento de las formas. Su valor expresivo tiene
importancia en sí mismo al ser un componente esencial en la transmisión de un
mensaje pictórico. De acuerdo con su trazo, su expresión plástica varía.
Hay pinturas dibujadas con un trazo firme y cerrado, que revelan una voluntad de
descripción; otras tienen un trazo más bien abocetado o abierto, que suele
identificarse con la imaginación o la franqueza. La línea también puede generar
una estructura independiente o, por el contrario, integrarse en otros
elementos, como el color.
La línea se identifica con el dibujo, con el trazo que delimita las formas, las acota y
nos permite reconocer la apariencia de las cosas. La línea es elemento que
comporta un orden intelectual, mientras que el color es el elemento sensorial. La
línea es normativa, mientras que en el uso del color prima la libertad del artista.
En la pintura académica la línea era el paso previo al color; el pintor dibujaba las
formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. A partir del
siglo XIX, algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color, incluso
independientemente de su ajuste a la realidad.

6. El color
Es el elemento que, con más propiedad, define una pintura. Existen
diversas clasificaciones de los colores: por ejemplo, primarios, que
son el amarillo, el rojo y el azul, o secundarios, que nacen de la
mezcla de estos; cálidos, es decir, los que expanden la luz y acercan
al espectador, como el rojo o el amarillo, o fríos, es decir, los que
sugieren distancia, como el azul o el verde. Pero, ante todo, ha de
ser tenido en cuenta en relación con otros elementos de la obra, ya
sea por su sentido simbólico o por la voluntad de implicarse en un
determinado argumento expresivo. Esta autonomía del color está
influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron
elaborar una teoría de los colores. La mezcla de dos colores
primarios, permite obtener los secundarios (naranja, violeta y verde)
Por otra parte el color secundario es el complementario del color
primario que no entra en la composición (violeta y amarillo, por
ejemplo); donde ambos tienen la misma intensidad.

7. Los colores se clasifican en:
COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de
avanzarse hacia el espectador: amarillo, anaranjado y rojo.
COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul, violeta y
verde.
También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. El rojo es
excitante; el azul, sedante. Por otra parte, a los colores se les ha
atribuido un valor simbólico.
El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores, aunque no lo
sean en sentido estricto. Son fundamentales para captar los efectos de la
luz: el blanco es la luz absoluta, mientras que el negro es la ausencia de
luz.
El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura
contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de
colores de diferente intensidad lumínica. Cuando en esta yuxtaposición
los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados, se
le da el nombre de sfumato.
Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los
colores no se perciben aisladamente. La cualidad de un color se ve
modificada por los colores que lo rodean. Los colores son dispuestos por
el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía.

8. La luz
Al referirnos a la luz en la pintura, no nos referimos
lógicamente, a la luz natural. Se trata de una luz
presentada, ilusoria. El autor puede manejarla
como desee, utilizarla como elemento de
expresión o de composición.
Esencialmente, hay que distinguir entre tres
formas de iluminación: la uniforme, que se
distribuye por igual en todas las partes del cuadro;
la dirigida, que sirve para destacar con mayor
intensidad unas partes que otras, generando
tensiones expresivas y dinámicas; y la que va
vinculada a los planos de color, como en los
orígenes de la pintura moderna.

9. La composición
Establece el orden de todos los elementos del lenguaje
pictórico en un cuadro. Influyen aspectos como la
perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, la
interrelación expresiva, y la disposición general de todos
los elementos, en ocasiones combinados entre sí. Deriva
de ordenar armónicamente los elementos del cuadro.
Suele hablarse de composiciones cerradas, es
decir, aquellas que convergen en el centro del cuadro, o
abiertas, que se expanden hacia los extremos. En
general, pueden distinguirse esquemas compositivos
(triángulos, diagonales) y líneas de fuerza, centrífuga o
centrípeta, que tienden a sugerir movimiento o
estabilidad.
Se puede considerar la composición como la sintaxis del
lenguaje pictórico.

10. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. A lo largo
de la historia, la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras:
Perspectiva jerárquica. Empleada en la pintura religiosa medieval. El tamaño de los
personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica.
Perspectiva naturalis o perspectiva curva. Empleada por la pintura grecorromana y
posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. El tamaño de los objetos es
proporcional a su proximidad. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de
la composición, no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos.
Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. Responde a una formulación científica de
base matemática. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. Se basa en la
confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga, que se sitúa
detrás del cuadro.
Perspectiva aérea. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la
perspectiva lineal. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y
la pérdida de nitidez de los contornos. Fue ampliamente seguida en el Barroco.
Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. Consiste en utilizar diversos sistemas
perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está
pintada. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco.
Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la
perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único), el uso
simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo), o el empleo de fotografías y
diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura
hiperrealista).

11. Al margen de lo representado, la composición también ordena las figuras, objetos y
colores con una lógica interna, de acuerdo con los criterios de
simetría, proporción, de contraste, siguiendo figuras geométricas simples
(triángulo, circunferencia, cuadrado…). En relación a este espacio podemos definir
distintos tipos de composición:
Composiciones cerradas o abiertas. La composición cerrada se organiza en torno
de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro
(composición centrípeta). La composición centrífuga o abierta se organiza a partir
de un elemento lateral o exterior a la obra.
Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. La sensación de quietud
o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales
o verticales, o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo);
mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o
líneas sinuosas, que tienden a abrir el espacio del cuadro.
Composiciones unitarias o no unitarias. En una composición unitaria todos los
elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la
obra. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como
sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria.
Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos
(renacimiento, neoclásico…), donde predomina el dibujo; por el contrario en las
composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color
(barroco, romanticismo).
Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura
figurativa, y tienen una intención de significado evidente. En la pintura
abstracta, donde las formas no tienen un referente real, son los colores, trazos, o
figuras geométricas las que caracterizan la composición.

12. El volumen
A pesar del carácter bidimensional de la pintura, el
autor puede conseguir efectos de tridimensionalidad,
es decir, de volumen mediante el uso adecuado de la
línea, el color, la perspectiva y la luz.
El volumen es una serie de planos o superficies
juntas o yuxtapuestas en diferentes direcciones. El
volumen es tridimensional; tiene altura, anchura y
profundidad.
Aunque su formato es bidimensional, las figuras
pueden, eventualmente, sugerir corporeidad, es
decir, aparecer como «modeladas» gracias al
claroscuro.

13. El espacio y la perspectiva
Es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la
posición relativa de los objetos. En un dibujo, la
perspectiva simula la profundidad y los efectos de
reducción.
En la pintura occidental, desde el Renacimiento al
siglo XIX, la ilusión de tercera dimensión se sugiere a
través de la perspectiva, de manera que la pintura se
convierte en una especie de ventana que se abre a un
espacio imaginario. Pero fuera de esos límites
cronológicos, así como en otras culturas, hay formas
distintas de sugerir el espacio, ya sea por
procedimientos simbólicos, como en el arte
medieval, o a base de la superposición de
planos, como en el cubismo.

14. Materiales pictóricos
Consta de cuatro elementos fundamentales:
El colorante o pigmento: es la base esencial de la pintura de cualquier
época, ya que es la sustancia con que se colorea y se pinta. Pueden ser
naturales o químicos.
El aglutinante: es el elemento con el que se debe mezclar el colorante
para que éste se pueda aplicar. Además cohesiona al colorante y lo
protege. Pueden ser acuosos (agua, gomas vegetales como la goma
arábiga, la cola animal, etc.) o grasos (aceite de linaza, ceras, etc.).
El diluyente: elemento que disuelve los agentes aglutinantes y separa los
pigmentos de ellos.
Los soportes: Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y
papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte
tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le
son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la
tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo.

15. Procedimientos pictóricos
El fresco: Se utilizan pigmentos permanentes para su
adherencia al revoque húmedo de la pared, cada pincelada
es definitiva puesto que no se puede borrar. Se puede
trabajar por capas translúcidas o lavados los cuales le dan un
acabado de profundidad tonal.
Hay otro tipo de fresco llamado al seco, que se realiza sobre
un revoque de cal que se deja secar y luego se utilizan los
pigmentos con un medio aglutinante como la caseína, cola o
huevo.
El óleo: Es la técnica en que se utilizan los pigmentos con un
aglutinante de aceite de linaza o de nuez que son aceites
secantes y el diluyente es esencia de trementina. Su secado
es muy lento, permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea
preciso. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo
oscurecimiento, cuando los aceites no son de buena calidad.

16. La témpera: En la témpera se utilizan los
pigmentos con goma arábiga y glicerina, esta
última le da un aspecto de opacidad y cuerpo.
Es muy apropiada para pintar miniaturas.
La acuarela: Es una técnica de pintura
transparente en el que se trabaja por capas a
base de pigmentos con aglutinante de goma
arábiga, la acuarela es muy versátil y resulta un
medio tan permanente como el que más. La
pintura, disuelta con agua, seca rápidamente lo
que obliga a una técnica rápida y suelta. La
tonalidad típica es ligera, transparente y diluida.

17. El pastel: Algunos hechos con pigmentos comprimidos
con cola de tragacanto o metilcelulosa formando tizas
secas de color y otros al aceite llamados óleo pastel
hechos con cera o resinas. Se diferencian entre sí por su
dureza y plasticidad.
El temple: Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada
sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza una emulsión
natural como la yema de huevo o una artificial como cola o
goma, paradójicamente es una emulsión en la que actúan
dos líquidos que normalmente no se mezclan como el
agua y el aceite, en este caso se trata de agua destilada y
al pintar mantiene un poder cubriente, puede estar
mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con
aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como
es de lento secado, el artista puede modelar
cuidadosamente las figuras.

18. La encáustica: Es una variante del temple, que aglutina los
pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de
Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le
añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca
sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben
estar calientes.
Polímeros, vinílico y acrílico: Son pinturas cuyo aglutinante es
una cola de fabricación de plástico o resinas sintéticas. Tienen gran
densidad, secan con gran rapidez y adquieren granulaciones que
poseen valoraciones tridimensionales o escultóricas. Los acrílicos
modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. Éste es un
emulgente (une agua con aceite), por lo que ambos elementos
pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. Su
capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al
óleo.
Pintura a la laca: Es un procedimiento que utiliza la laca (producto
natural) diluida en alcohol. Cuando se le añade polvo de piedra
pómez adquiere un gran brillo y aspecto cristalino. Es muy utilizado
en el arte oriental para decorar objetos.

19. El proceso de creación
A diferencia de la arquitectura, donde la concepción de la obra y
su realización son dos procesos separados, la creación de la
pintura no acaba hasta la última pincelada. Por esta razón, los
no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en
momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un
proceso semiinconsciente. Sin embargo, el proceso de creación
suele ser resultado de un lento proceso preparatorio.
Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza
a trabajar. Suelen realizarse sobre papel, a lápiz o al
carboncillo, como probaturas de ideas. El dibujo se ha
considerado como el momento intelectualmente más elevado de
la operación artística.
Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en
tamaño reducido la ejecución final. Es frecuente que el artista al
final varíe algunas cosas respecto al boceto original. Se utiliza el
término esbozado para referirse a la pintura que realiza una
técnica rápida y de pincelada suelta.

20. Elementos significativos del
lenguaje pictórico
A veces se confunde la explicación del significado de
la obra a la enumeración, más o menos
detallada, una serie de formas reconocibles. En su
lugar, sería preferible intentar comprender el sentido
que el artista quería dar a su obra o relacionar estos
aspectos formales con el tema.
En la Historia del Arte hay dos disciplinas
complementarias para desvelar los significados de la
pintura.
La iconografía. Trata de reconocer lo representado.
La iconología. Busca el significado oculto, no
explícito.

21. Niveles semánticos
Erwin Panoksky, el primer iconólogo, `propuso un método de análisis
para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede
resumir en cuatro niveles semánticos.
Nivel semántico primario o natural. Los objetos representados se
identifican con los objetos reales.
Nivel secundario o convencional. Está constituido por los
significados culturales añadidos (religiosos, históricos, sociales…) Este
nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico.
Nivel del significado intrínseco. La obra es un síntoma o un reflejo
exterior a ella, tanto desde el punto de vista de significado escondido o
simbólico de algunos objetos o figuras, como desde el punto de vista
de la personalidad del autor, de los convencionalismos de la
época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico.
Nivel sintagmático. Trata de explorar los significados derivados de la
forma o de la propia materialidad del cuadro.
En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la
comprensión de la pintura; la textura, la pincelada, la ordenación de las
formas… adquieren siempre un carácter significativo.

22. Los géneros pictóricos
La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado
iconográfico:
PINTURA RELIGIOSA. Es probablemente el género más antiguo. En la tradición
occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del
Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. El enorme poder
económico, político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi
absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX.
PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Aunque la mitología romana sea una
manifestación de la religiosidad grecolatina, su temática es algo presente desde el
Renacimiento. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores
alegóricos, bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano
(generalmente femenino). En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las
alegorías.
EL RETRATO. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos,
desaparece durante la Alta Edad Media, para volverse a cultivar, ya
ininterrumpidamente, con el florecimiento de las ciudades góticas. Dentro de este
género se distinguen los retratos subordinados a una composición más
compleja, el autorretrato, el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y
papas, el retrato familiar, el retrato psicológico…

23. PINTURA DE GÉNERO. Aparece en el siglo
XVII, cuando la burguesía comienza a encargar cuadros
y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de
vida. También se incluyen los bodegones (natura morta) y
los paisajes, aunque la pintura paisajística puede
considerarse como un género con entidad propia.
PINTURA TESTIMONIAL. En este tipo de obras se
incluyen tanto la pintura histórica, que servía para
propaganda del régimen, como la pintura realista, que
pretendía denunciar situaciones de injusticia.
CICLOS PICTÓRICOS. Son conjuntos de cuadros que
adquieren su significado completo por la relación que se
establece entre las pinturas y el lugar que ocupan.
Suponen programas iconográficos que pueden ser
bastante complejos.

24. Pautas para el análisis de
una obra pictórica
Datos Generales de la obra.
Identificación. Nombre, tipología y localización.
Breve reseña del autor
Material y técnica empleada.
Género.
Estado actual de la obra. Modificaciones, restauración…
Análisis formal.
La línea y el color. La luz, el modelado de las figuras, los ropajes…
Composición.
Perspectiva.
Tipología compositiva.
Movimiento.
Elementos que permiten identificar la obra con un estilo, época o autor.
Influencias o relaciones formales con otras obras.

25. Análisis de significado.
Elementos iconográficos representados.
Interpretación iconológica de su significado
según la época y sociedad en que se ha
concebido.
Relación de los elementos formales y
significativos (interpretación sintagmática).
Valoración y conclusión.
Influencia de otras obras.
Importancia de la obra como referente a obras
posteriores.

26. BIBLIOGRAFÍA
-http://vimeo.com/17079813
- SMITH, Ray, El manual del artista, editorial Hermann Blume, Barcelona, 2008.
- http://www.naturamedic.com/cromoterapia.htm?text=orange
- http://www.newsartesvisuales.com/funda/color11.htm
- http://www.freakevolution.com/2005/03/18/sobre_el_color/
- YAGAS, Juana Dora, “Acerca del hombre, origen del lenguaje y el lenguaje
pictórico”, Jornadas de Investigación 2008, Secretaría de Investigación
Apoava, Facultad de Artes de Oberá, Universidad Nacional de Misiones, Argentina.
http://www.google.com.pe/#hl=es&sugexp=frgbld&gs_nf=1&cp=11&gs_id=16&xhr=t
&q=lenguaje+pictorico&pf=p&output=search&sclient=psyab&oq=lenguaje+pi&aq=0
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c72c3&biw=1366&bih=643
http://www.google.com.pe/#q=lenguaje+pictorico&hl=es&prmd=imvns&ei=vaKDT4
WRJoL9QTB54TPCA&sqi=2&start=10&sa=N&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&f
p=1b75d3ae2e7c72c3&biw=1366&bih=643

27. Traer para la próxima clase
1. Cualquiera de los siguientes materiales de las
técnicas de pintura secas:
-Lápices de color.
-Pasteles secos.
-Óleos pastel.
-Lapiceros de tinta seca (varios colores).
2. La bitácora lista para trabajar.
3. Haber elegido su idea o tema y un artista
referente su técnica y materiales.

28. Muchas gracias
hasta la próxima clase