1. Música clásica
Introducción
El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English
Dictionary en 1836 y señala las composiciones europeas más destacadas del
siglo anterior.1 Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y
otros. En la historia de la música y la musicología, es la música del clasicismo o
período clásico (1750-1820); pero en sentido popular y de mucha aceptación en
medio escrito, así lo recoge la RAE, es la música de tradición culta; sus primeras
luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que
abarca casi todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período
de la práctica común.
Orígenes
La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la
música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus
contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica (principalmente el canto
gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el
descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior
desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la
evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con
la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior
colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con
las tradiciones musicales de los nuevos territorios. Encontramos expresiones de
la música clásica en Estados Unidos (p.ej. Charles Ives), Latinoamérica (p.ej.
Alberto Ginastera, Heitor Villa-Lobos, José Ángel Montero), Asia (p.ej. Tōru
Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están conectadas a la música
clásica de tradición europea.
Períodos históricos
Existe un sistema de división de la historia de la composición de la música clásica
en distintos períodos que es ampliamente aceptado. Las fechas son
generalizaciones, ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas
voces autorizadas subdividen los periodos, la fecha o el género. Sin embargo,

2. debe notarse que estas categorías son arbitrarias; por ejemplo, el uso del
contrapunto y la fuga, que es considerada una característica del Barroco, fue
continuado por Mozart, a quien se considera un compositor clásico, y por
Beethoven, a quien normalmente se le describe como en medio del periodo
clásico y romántico; y también por Brahms, quien es clasificado como romántico.
De acuerdo a este sistema, las principales divisiones son:
Música renacentista: Entre 1450 y 1600, hallamos un mayor uso de
instrumentos, múltiples líneas melódicas y el uso de los primeros
instrumentos graves o bajos.
Música barroca: Entre 1600 y 1750. Surge el uso de tonalidades más
complejas, en lugar de la modalidad y el contrapunto. Se popularizan los
instrumentos de teclado (el clavicémbalo y el órgano).
Música clásica: Entre 1730 y 1820, fue una era importante que estableció
varias de las normas de composición y estructura. El período clásico
también está marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio
en favor del nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el
instrumento predominante para la interpretación en teclado y la
composición.
Música romántica: Entre 1815 y 1910. Período en que se codificó la
práctica, se expandió el papel de la música en la vida cultural y se crearon
instituciones para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras
musicales.
Música moderna: Entre 1905 y 1985. Representó una crisis en los valores
de la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, y la extensión de
la teoría y la técnica. Algunos teóricos, como Arnold Schoenberg en su
ensayo Brahms, el progresivo, insisten en que el Modernismo representa
una progresión lógica de las tendencias en la composición del siglo XIX.
Otros sostienen un punto de vista opuesto, que indica que el modernismo
representa el rechazo o la negación del método de composición clásica.
Música del siglo XX: Usado normalmente para describir la amplia
variedad de subgéneros posteriores al Romanticismo empleados hasta el
año 2000, incluyendo a los post-romántico, moderno y post-moderno.

3. Música clásica contemporánea: El término es utilizado a veces para
describir la música compuesta en los últimos años del siglo XX hasta el
presente
Figura 1: Periodos históricos de la música clásica
Transmisión por notación
La música clásica es una tradición musical escrita, conservada a través de la
notación musical, distinto medio a la transmisión oral o por grabaciones. Si bien
hay diferencias entre las ejecuciones particulares una obra de música clásica
busca trascender cualquier interpretación musical de ella. El uso de la notación
musical es un método efectivo para transmitir la música especialmente cultivada,
dado que la música escrita contiene las indicaciones técnicas para interpretar la
obra. Sin embargo, la partitura usualmente no contiene instrucciones explícitas
sobre cómo interpretar la obra, aparte de direcciones de dinámica y tiempo; esto
queda a discreción de los ejecutantes, quienes están y su educación musical, su
conocimiento del lenguaje de la obra y el cuerpo acumulado de práctica de
ejecución histórica.
Figura 2: Notación musical Himno a la Alegría

4. Compositores Destacados
Frédéric Chopin
(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810-París, 1849)
Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por
excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el
extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –
representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del
Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético,
de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los
músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del
piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es
que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como
intérprete y como compositor.
Figura 3: Frederick Chopin
Obras:
Escritas para piano
24 preludios,
19 nocturnos
13 polonesas
55 mazurcas
27 estudios
3 sonatas, todas ellas para piano solo.
2 conciertos para piano y orquesta
1 sonata para violonchelo y piano.

5. Ludwig van Beethoven
(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido
en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes
cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de
él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.
La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta
1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien
se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de
Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.
Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van
Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de
Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le
obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.
Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la
soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor
compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y
avanzadas.
Figura 4: Ludwig Van Beethoven
Obras de Ludwig van Beethoven
La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o
estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos
útiles a la hora de encuadrar su legado.
La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas
por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en

6. general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período
pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para
piano.
Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que
puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que
Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la
expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos
conciertos para piano, el Concierto para violín).
La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus
obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la
novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9,
la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano
representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.
Wolfgang Amadeus Mozart
(Salzburgo, actual Austria, 1756 - Viena, 1791) Compositor austriaco. Franz
Joseph Haydn manifestó en una ocasión al padre de Mozart, Leopold, que su hijo
era «el más grande compositor que conozco, en persona o de nombre». El otro
gran representante de la trinidad clásica vienesa, Beethoven, también confesaba
su veneración por la figura del músico salzburgués, mientras que el escritor y
músico E. T. A. Hoffmann consideraba a Mozart, junto a Beethoven, el gran
precedente del romanticismo, uno de los pocos que había sabido expresar en sus
obras aquello que las palabras son incapaces de insinuar siquiera.
Figura 5: Wolfgang Amadeus Mozart

7. Obras:
La ingenua fingida y Bastián y Bastinia
Mitridates y Rey del Ponto
Misa breve, Misa Solemnis
Lucio Silla
La falsa jardinera
Concierto para piano, Misa en Do mayor, Del cred
Concierto para arpa y flauta
Misa de la coronación, Sonata para piano nº 11, Marcha Turca
Misa solemne en Do mayor
Idomeneo, rey de Creta, Serenata para instrumentos de viento, Concierto
para piano
El rapto del Serrallo
Gran misa en Do mayor
El empresario, Las bodas de Fígaro.
Don Juan, Sinfonía Praga, Quinteto de cuerdas
Cuarteto de cuerdas